Leo Sayer: o soulman da Irlanda

Foi na década de 1970 que o irlandês Leo Sayer ( Gerard Hugh Sayer) deu seus primeiros passos no mundo da música. Aos 28, em 1976, explodiu nas paradas de todo o mundo com a canção "You Make Me Fell Like Dancing". Com pouco mais de 20 anos, início dos anos de 1970, numa escola de arte em Londres, que Leo passou a curtir as músicas de Bob Dylan e se apaixonou por Blues e Soul. O gosto artístico foi herança do avô, que tocava gaita e violino.

Para livrar-se do estresse, formou a Jester Band e passou a fazer apresentações na cidade de Sussex Shorehan-By-Sea, onde nasceu na Irlanda. Logo sua fama percorreu o país. Logo apareceu em seu caminho o ex-baterista Dave Courtney, da banda de Adam Faith. Ele passou a musicar as letras compostas por Leo Sayer. 

Nessa época, na primeira metade da década de 1970, assina contrato com a Warner Bros Records. Escreve a canção "Giving It All Away", mas por causa dos atrasos nos estúdios repassa a canção para  o álbum-solo de Roger Daltrey. Ele gravou nove das 11 músicas do disco. O talento da dupla Sayer/Courtney   passa a ser valorizado. Na Grã-Bretanha, só Elton John e David Bowie faziam mais sucesso que Leo Sayer naquela época. 

A ótima presença em palco, onde incorporava recursos circenses, fez sua fama chegar rápido aos Estados Unidos. O hit " The Rolliking Song Long Tall" serviu de ponte. Em 1975, o ex-Supertramp Frank Farrel produziu seu próximo álbum. Nele estava a canção " Moonlighting".

Depois conheceu Richard Perry, produtor de Ringo Star, Carly Simon, Barbra Streisand, Nilsson e Ella Fitzgerald. Ele sugeriu a Leo Sayer gravar músicas de compositores norte-americanos, adequadas ao seu perfil: Perry considerava Sayer o Charles Chaplin do Rock. 

A parceria rendeu um Grammy e o estouro de "You Make Me Fell Like Dancing" em todo o mundo. Perry produziu três albuns. É dessa época os hits "Endless Flight" e "When I Need You". Essa última canção explodiu nas paradas de diversos países. 

A partir dai, Leo Sayer arregimentou os melhores músicos dos Estados Unidos para trabalhar na sua banda. É quando entra em cena o produtor Alan Tarney. Novamente o sucesso fica junto de Leo Sayer com o hit "More Than I Can Say". Antes dessa parceria regrava de Buddy Holly a canção " Raining In My Heart".

Na década de 1980 muda-se para os Estados Unidos. Conheceu o ostracismo e perdeu muito dinheiro nos cassinos de Las Vegas, além de não conseguir abrir  muitas portas no mercado norte-americano. Só a partir dos anos de 1990 começou a levantar voo novamente  rumo ao sucesso.

O lirismo dos sambas de Agepê

Em  1974 a canção  gravada num compacto simples (disco com uma música de cada lado) chamou a atenção de quem gostava de samba: "Moro Onde Não Mora Ninguém". Diferente do tradicional, o hit trazia um balanço que não era comum aos discos lançados por outros sambistas. Até o nome do cantor soou estranho aos ouvidos: Agepê! Naquela época não se ouvia a legítima Música Popular Basileira nas rádios e raramente aparecia nos programas de televisão. Exceção para Martinho da Vila.
Logo o público descobriu que Agepê era o nome artístico do ex-técnico em telefonia Antônio Gilson Porfírio, cujo o codinome artístico é derivado da junção das primeiras letras de seu nome e sobrenome. Foram 21 anos de muitos sucessos, até a cirrose matá-lo em agosto de 1995.
A parceria com o amigo Canário rendeu canções memoráveis. Como a inesquecível "Deixa eu Te Amar", cujo o álbum vendeu 1,5 milhão de cópias. A letra descrevia o amor de um homem por uma mulher, e o seu desejo de transar com ela. Mas ao contrário das sofríveis composições dos atuais grupos de pagode, tudo era dito com figuras de linguagem como: "Deixa eu te amar/faz de conta que sou o primeiro/na beleza desse olhar/eu quero estar o tempo inteiro"...."Quero te pegar no colo/te deitar no solo/ e te fazer mulher.."
Por causa da Ditadura Militar, ainda mandando no País em 1984, a dupla Agepê e Canário precisou explicar aos militares qual era o sentido real de alguns versos, como os citados acima, do samba composto por ambos. Acreditavam que a música pregava o sexo e fomentava a pornografia.
Outra marca registrada de Agepê consistia na banda que o acompanhava. Ele tinha horror a barulho, num tempo que conjunto de samba lembrava mini-bateria de escola de samba, cujo os instrumentos de acompanhamento eram surdo, cuíca, pandeiro, tamborim, agogô e cavaquinho. Nas suas apresentações  apareciam violão, contrabaixo, bateria, cavaquinho, surdo, pequeno coral, teclados, bongô e toda sofisticação dos cantores de bom gosto.
Na carreira de 21 anos deixou canções como "Menina dos Cabelos Longos", "Me Leva", "Moça Criança", "Lá Vem o Trem" entre diversos sucessos. Membro da ala de compositores da Portela, morreu sem concretizar o sonho de ganhar e levar um samba-enredo de sua autoria para a Marquês de Sapucaí e depois Sambódromo.

O vozeirão de Paulo Diniz

O auge da carreira do pernambucano Paulo Diniz foi na década de 1970. O seu vozeirão marcava presença na maioria dos bailes, seja na garagem ou salões de clubes ou associações de bairro. A balada "Um Chopp pra Distrair" é uma delas. Durante a festa, início da madrugada, a introdução com solo de violão era a senha para se aproximar da menina, segurar nas suas mãos, abraçar e começar a dançar. A letra simples falava de um homem que estava na mesa de um bar, quando avistou aquela mulher, de beleza suficiente de provocar congestionamento. O sorriso o deixou impactado. A inércia só foi embora quando chamou o garçom para lhe trazer um chope gelado. 

Mas o talento de Paulo Diniz , cuja a caminhada rumo ao sucesso começou em 1964, aos 24 anos, só aflorou quando trocou Pernambuco pelo Rio de Janeiro. Na Rádio Tupi, onde teve seu primeiro trabalho fora do Nordeste, passou a compor. Dois anos depois visitou as paradas com o hit "O Chorão". 

Em 1970 lançou dois discos. Passa a colocar melodias em diversos poemas de autores consagrados, como Carlos Drummond de Andrade ("E Agora José?"), Gregório de Matos ("Definição do Amor"), Augusto dos Anjos ("Versos Íntimos"), Jorge de Lima ("Essa Nega Fulô") e Manuel Bandeira ("Vou-me Embora para Pásargada"). 

Em homenagem a Caetano Veloso (exilado na Inglaterra) compõe "I Want Go To Back Bahia". É da primeira metade da década de 1970, a gravação de "Como", autoria do guitarreiro Luiz Wagner. Durante vários anos a canção marcou presença na maioria dos bailes, por causa do romantismo de sua letra. Também é dessa época, o hit "Pingos de Amor". Seu último disco Canção do Exílio saiu em 1984. 

Paulo Diniz continua fazendo shows, mesmo em cima de uma cadeira de rodas, pois uma doença misteriosa o tornou paraplégico. Porém o vozeirão e a batida característica de seu violão continuaram intactos. Apenas não aparece mais com frequência aos programas de televisão, passando a impressão que desistiu da carreira artística. 

O diamante chamado Sade

O gosto de Sade ( Helen Folasade Adu) pela música começou em 1970, quando teve contato com feras como Curtis Mayfield, Dony Hathaway e Bill Withers. Também na adolescência assistiu a um show dos Jacksons Five durante apresentação em Londres. Nigeriana, seu pai era economista e a mãe enfermeira. Aos quatro anos foi morar na Grã-Bretanha, após o término do casamento dos pais.
Antes de mexer com música, estudou moda. Na universidade, o seu talento aflorou. No princípio tinha medo de subir ao palco. Passava a maior parte do tempo compondo. Mas logo uniu-se a uma banda de Funk Music chamada Pride. Durante três anos o grupo excursionou pelo Reino Unido. Em 1981 ela escreve "Smooth Operator" . Logo as gravadoras tentaram contratá-la, mas sem a banda Pride. Sade resistiu. Tempos depois aceitou proposta da Epic Records. Levou junto os músicos Stuart Mattewman (saxofonista), Andrew Hale (tecladista) e Paul Denman (contrabaixista).
Seu primeiro sucesso nas paradas britânicas foi " Your Love Is King". Nesta época diversas revistas inglesas a colocaram nas suas capas, pegando carona no êxito da canção em todo o país.
Sade lembra que quando lançou o primeiro álbum Diamond Life,  sua vida não lembrava em nada um diamante. Pelo contrário. Vivia com o namorado numa espelunca, onde o banheiro era numa escada de incêndio, e o banho se tomava na cozinha. No local não havia aquecedor. No inverno, o casal quase virava sorvete.
A vida melhorou no decorrer da década de 1980, quando gravou mais três discos e eles venderam milhões de cópias. Cresceram as turnês, como as apresentações nas emissoras de televisão. Nos últimos 20 anos, priorizou mais a qualidade de sua vida pessoal, lançando apenas três álbuns. Para dificultar a vida dos jornalistas, raramente concede entrevista. Após o nascimento de sua filha em 1996, mudou-se para um sítio numa área rural ao Norte de Londres.
Para justificar sua reclusão, Sade diz que para crescer como artista, é necessário dar um tempo para crescer como pessoa. Apenas em 2009 soltou o disco Soldier of Love, o sexto disco em 25 anos de estrada. O penúltimo, desde Lover´s Rock, gravado em 2000. Ela explica o motivo da demora: " Eu só componho quando tenho algo a dizer, não me interessa gravar apenas para vender. Sade não é uma marca".

O grande poeta Silvio Cesar

O   sonho do mineiro Silvio Cesar era  ser jogador de futebol, porém o destino o colocou para cantar.   Aos  20  anos, em  1959,  ele já soltava a sua voz   em diversas boates cariocas. Para garantir o futuro, estudou Direito na   Faculdade Nacional de Direito formando -se em  advocacia  no famigerado ano de 1964, quando os militares assumiram o  poder no Brasil e só largaram o osso em 1985. 

Em 1961  começa a trabalhar no conjunto de Ed  Lincoln, o rei dos bailes na década de  1960.  Ali compõe  as músicas  "Nunca Mais", " É  o Cid",  " Olhou para Mim".  No ano seguinte Ed Lincoln produz o primeiro disco de Silvio Cesar "Amor Demais"  pelo selo Musidisc. Tornam-se sucessos os hits " O  Que Eu  Gosto de Você", " Conselho a Quem Quiser Voltar",  "Preciso dar Um Jeito", " Eu  Te Agradeço". 

Após lançar dois discos pela Musidisc, vai para a Odeon , onde permanece por  12 anos. Ali, em 1965,  grava  a canção " Pra Você",  que  se transforma num verdadeiro hino ao amor. 

Neste período mescla a carreira de cantor com a de  apresentador de programas de televisão., apresentando a Grande Parada na  extinta  TV Tupi.  Depois começa trabalhar com teatro, destacando-se nos musicais  Arco-Iris e   O Teu Cabelo não Nega, ao lado de Grande Otelo. 

Depois partiu para o cinema,   participando do filme  Na Onda do  Yê,Yê , Yê, ao lado de Renato Aragão e Dedé Santana. 

Interpretou o papel principal, compôs, junto com Ed Lincoln, a trilha sonora e a canção "Mônica"  estourou nas paradas . 

Depois escreveu as trilhas sonoras dos filmes  Essa Gatinha é Minha, de Jece Valadão; e  Mineirinho - Vivo  ou Morto, autoria de Aurélio Teixeira.  Foi neste filme  que o Brasil conheceu o talento da atriz Leila Diniz, uma das principais musas da televisão na década de 1960. 

De 1968 a 1973,  Silvio César  divide-se entre cinema, teatro e apresentações no programa O  Fino da Bossa,  da  TV Record , em São Paulo.  Também  sobrava um pouco de tempo para aparecer no  humorístico  Quartel  do Barulho,  ao lado de Renato Aragão  e Dedé Santana, que  anos mais tarde se transformaria no   dominical  Os Trapalhões. 

A vida atribulada  de compromissos não o impede de transformar em sucessos  canções como  "Beco sem Saída",   "Era  uma Vez   um  Homem e  uma Mulher",  " A Minha Prece de Amor",  "O Moço  Velho",  "Levante os  Olhos", entre outras. 

Como grande compositor, Silvio César teve músicas gravadas por diversos cantores  e cantoras da MPB, entre eles Tim Maia, Elis Regina, Gal Costa, Negritude Jr.,  João Nogueira,   As  Frenéticas,  Angela Maria,  Caçulinha,  Emilio Santiago,  Jane Duboc,  Hermeto Paschoal ,  Martinho da Vila,  Jair Rodrigues,  Nana Caymmi,  Os Originais do Samba,  Roberto Carlos, Sandra de Sá  entre outros. 

O Funk da Banda War

A  criação da Banda War, em 1969, foi ideia do produtor de discos Jerry Goldstein e do roqueiro Eric Burdon, ex- integrante do conjunto The Animals. Tudo começou quando Goldstein encontrou com os futuros componentes do grupo, tomando cerveja num bar do Vale de San Fernando, periferia de Los Angeles. Burdon estava desanimado em continuar tocando rock. Queria novidades.
O final da década de 1960 era época do slogan "Faça Amor, Não Faça Guerra". E Goldstein, de sacanagem, resolveu batizar o conjunto de War (Guerra). Segundo o tecladista e vocalista Lonnie Jordan, a proposta era espalhar, por meio de suas músicas, paz e harmonia. As vozes eram as armas e as canções  as munições contra o sistema, comandado pelo governo truculento de Lyndon Johnson.
O público logo percebeu que a Funk Music da Banda War criticava o racismo, a fome, as gangues, os crimes e as guerras em qualquer lugar.
Desde o início, o grupo transformou-se num laboratório musical, misturando diversos estilos e influências. A proposta de Goldstein já rendeu à banda 17 discos de ouro, triplo platina pelo álbum The World is a Ghetto, platina duplo no disco Why Can´t We Be Friends? (sucesso no Brasil, lançado pela rádio Difusora Jet Music), platina no álbum Entregar a Palavra.
O primeiro show ao vivo de Eric Burdon e a Banda War, em 1969, ocorreu no Sul da Califórnia, com ingressos esgotados. Em seguida gravaram o disco Eric Burdon Declares War. O primeiro sucesso do grupo foi " Spill The Wine".
Fizeram diversas turnês pelos Estados Unidos e Europa. No show em Londres, o guitarrista Jimi Hendrix não resistiu ao som da rapaziada e subiu ao palco para tocar junto no Ronnie Scott Club. A apresentação entrou para história, pois naquela noite Hendrix morreria de overdose.
Ao término do giro pelo Europa, Burdon saiu da banda. Coube a Goldstein manter unido o restante do grupo. No final de 1971, lançam o disco Slippin ´Into Darkness e vendem 1 milhão de cópias. Em 1972, o álbum The World is a Ghetto, gravado em 29 dias, vira o disco do ano em votação da Billboard.
No ano seguinte repetem a dose com Deliver The Word e explodem nas paradas os hits "Gypsy Man", "Me      And My Brother Baby" e a regravação de "All Music Day". Venderam quase 2 milhões de discos.
Em 1975, o álbum Why Can´t We Be Friends ficou 31 semanas nas paradas, rendendo um disco de platina duplo. Dois anos depois, o lançamento de um álbum em estilo Jazz rendeu outro disco de platina.
Até 1982 colocaram várias canções nas paradas: " Outlaw", "You Got The Power" e "Cinco de Mayo".
Nas décadas de 1980 e 1990, eles se dedicaram a turnês, fazendo 150 shows por ano em todo o mundo.
Continuam vendendo muitos discos e a segunda geração de fãs, cujos pais conheceram a Banda War no início da caminhada, é fiel. A cidade de Los Angeles homenageou duas vezes o conjunto, por causa de sua luta por melhorias na sua comunidade carente. Na opinião de Lonnie Jordan, o mundo ainda é um gueto e as guerras prosseguem, como ocorria no final da década de 1960.

O som dançante de Cheryl Lynn

O talento de Cheryl Lynn para cantar é herança de sua mãe, Opal Smith, ministra de louvor de uma igreja evangélica em Los Angeles. Desde a infância, a menina já fazia parte do grupo de cantores. Depois passou a participar do coral, junto com os adultos.

Logo perdeu a timidez e na década de 1970, já adolescente, participou do programa de televisão Show The Gong. Logo um empresário da Columbia Records a contratou. Em 1978, aos 21 anos, lançou seu primeiro álbum, produzido por David Toto e Ray Parker Jr. O hit "Got To Be Real"(http://youtu.be/EoXvDleWJ5U), Funk com batida de Disco Music fez sucesso em diversos países, inclusive no Brasil, onde ela apresentou-se no ginásio do Palmeiras.
Entre as 100 mais da Billboard, a canção ocupou o 12º lugar, além de vender milhões de cópias. Em 1979, lançou o álbum In Love. Destacaram-se as faixas "I´ve Got Faith in You" (http://youtu.be/I7ZcEZwpEic), na mesma pegada de Funk misturada à Disco Music, e "Keep It Hot" (http://youtu.be/64qnmUVWVrY), outro hit composto para dançar. Porém, o disco não vendeu bastante e sob pressão da gravadora teve de pensar no próximo lançamento. Em 1981, ao lado de Ray Parker Jr., gravou In The Night. Voltou à esteira do sucesso com o hit " Shake It Up Tonight" (http://youtu.be/TETznfG-O-s), pegando os últimos suspiros da Disco Music. O talento de Ray Parker Jr., centrou fogo numa Soul Music cheia de balanço.

No ano seguinte repetiu a dose com "Sleep Walkin" (http://youtu.be/vDMJI8VDYBw). Desta vez, a produção esteve nas mãos de Luther Vandross. Os vocais lembram o estilo das Emotions, além da batida inconfundível da Soul Music, além de sintetizadores despejando o restante do molho. Outro destaque é o dueto de Cheryl Lynn e Luther Vandross na faixa " If This World Were Mine" (http://youtu.be/MaENjtzt9b4). Gravada na década de 1960 por Marvin Gaye, ganhou outra roupagem e visitou outra vez as paradas de sucesso.

Em 1986, assinou contrato com a EMI/Manhattan. Ali ficou pouco tempo. No ano seguinte lançou o álbum Start Over. Em 1988 foi para a Virgin Records. A balada "Whatever It Takes"(http://youtu.be/Gy1Dfx0695E) destacou-se, que nos bailes ganhou o título de Sharm Dance, quando na verdade é um R&B (blues de rua). Em 1990 lançou o CD Good Time, no Japão.
A partir do ano 2000, lançou diversos remakes de seus maiores sucessos. Prossegue em atividade.

Bar-Kays: a banda que ressurgiu das cinzas

A banda Bar-Kays surgiu em 1966, como parte do grupo de músicos de estúdio da Stax Records, a lendária gravadora de Memphis, Sul dos Estados Unidos. O nome é uma brincadeira com a bebida Bacardi. Um ano depois, a maioria dos músicos originais, fundadores do conjunto, morreu num acidente aéreo junto com a grande promessa do rock, Otis Redding; restando apenas Dodson Larry e Alexander James.
A Bar-Kays fora selecionada para ser a banda de apoio de Redding, quando o avião em que viajavam caiu num lago, no Estado de Wisconsin. Entre os mortos estava o talentoso baterista Carl Cunninghan, que fazia proezas tanto no estúdio quanto em apresentações ao vivo.
Para a nova formação, entraram o guitarrista Michael Toles, no lugar de Jimmy King; o tecladista Ronnie Gordon, substituindo Ronnie Caldwell; o saxofonista Harvey Henderson, na vaga de Phalon Jones e os bateristas Roy Cunninghan e Willie Hall. O trompetista Ben Cauley, sobrevivente do acidente de avião, permaneceu no grupo.
A mesma pegada da Bar-Kays antiga se manteve, mas o sucesso demorou a chegar, provocando a saída de Cunninghan e Gordon. A história mudou com a chegada de Wiston Stewart, nos teclados, e do vocalista Larry Dobson. Em 1971 gravaram o álbum Black Rock, onde mesclaram o Rock e o Funk da banda Sly and The Family Stone (inspiradores da Earth, Wind & Fire). No ano seguinte, a Stax Records promoveu uma série de concertos e a Bar-Kays foi a grande sensação. Logo emplacaram o hit "Copy-Cat" (http://youtu.be/zmjl7S-A9Wg).
Depois veio "Soul Finger" (http://youtu.be/Z29WgdGmgwI), onde a metaleira da banda revela os motivos de Otis Redding tê-la escolhido como banda de apoio. Mas o som do grupo ainda não era comercial, como o mercado exigia. Tudo mudou com a entrada do guitarrista Lloyd Smith, o baterista Michael Beard e o trombonista Frank Thompson.
Passam a compor suas próprias músicas e usam mais sintetizadores. Com a falência da Stax Records, eles vão para a Mercury Records, em 1975. O ano de 1976 marca o sucesso do álbum Too Hot To Stop, e a canção "Shake Your Rump to The Funk"(http://youtu.be/jkImd5xZa_g) explode nos bailes. Nessa época, a banda cria sua própria marca de Funk Music, escorada em cima de forte naipe de metais, solos de guitarra e excelente vocal.
Em 1977 ganham o primeiro disco de ouro, com o hit " Flying High on Your Love" (http://youtu.be/cId2Ky3nKHM). A balada, de linda introdução de metais, vira trilha sonora de vários bailes. O balanço dessa música repercutiu no som que Tim Maia fazia na década de 1970. Ou seja: Soul Music pura. O ano de 1979 trouxe outro sucesso: " Move Your Body Boogie" (http://youtu.be/I5QdJ7eaN0k), Funk para incendiar as pistas de dança de todo o mundo. No início da década de 1980, a balada " Running in And Out of My Life" (http://youtu.be/tc4_gws4wl8) entrou nas vidas de diversos casais de namorados. Em 1982 lançaram outra nitroglicerina: "
Do It (Let Me See You Shake)" (http://youtu.be/UCuPK--DuJ8). Ao longo dos anos de 1980, a Bar-Kays lançou vários discos com influência da Disco Music. Em 1987, um ataque cardíaco matou o produtor Allen Jones que acompanhava o grupo desde a primeira formação na década de 1960.
Superaram o trauma e continuaram trabalhando nos anos de 1990. Em 2007 lançaram coletânea de seus maiores sucessos e provaram porque ainda são uma grande banda de Funk Music. Em 40 anos de carreira, gravaram 27 álbuns, ganharam 5 discos de ouro e um de platina.

Sisters Sledge, o quarteto feminino da Filadélfia

Formado por quatro irmãs, o grupo Sisters Sledge surgiu em 1972 na Filadélfia, costa leste dos Estados Unidos. Debbie, a mais velha tinha 18 anos, seguida de Joni com 16, Kim com 14 e Kathy com 13. Netas da ex-cantora de ópera Viola Williams, as meninas começaram a cantar nas igrejas daquela cidade. Três anos depois foram descobertas por Charles Simmons. Logo lançaram os álbuns Circle of Love e Together.
Só conheceram o gosto do sucesso quando os produtores Nile Rodgers e Edwards, ambos da Banda Chic, passaram a acompanhar a gravação de seus discos. Em 1979 chegaram às paradas com o hit "We are Family" (http://youtu.be/TNAQ8LLptUo), canção que tocou bastante nas pistas de dança no auge da Disco Music. A pegada de Rodgers na guitarra tornou a música bem famosa naquela época. Depois repetiram a dose com "He´s The Greatest Dancer" (http://youtu.be/U-GcL1Cd5b4). Tudo sem fugir do ritmo da Disco Music. Não mexeram em time que estava ganhando.
O ano de 1980 foi replay de 1979, agora com "Love Somobody Today" (http://youtu.be/iYdjeuJfX7c). Em 1981 Narada Michael Walden passou a produzir os discos das quatro irmãs. A balada "Next Time You Know" (http://youtu.be/aYUm-7YJxtE) estourou nas paradas, rotina para as Sisters Sledge.
Em 1985, a Soul Music "Frankie" (http://youtu.be/1Tl-c_puzbM) mais uma vez adoçou a carreira das meninas. O arranjo mesclando mais contrabaixo, deixando em segundo plano bateria e guitarra caiu como uma luva na maioria dos bailes, onde foi transformado em samba-rock.
Até 1992, as Sisters Sledge continuaram em lua-de-mel com o sucesso, quando Khaty saiu do grupo para seguir carreira-solo. Em 1998 gravaram o álbum African Eyes. O grupo prossegue em ativadade, o último disco The Definitive Groove Collection saiu em 2006.

Skeeter Davis: a cantora perseguida por Richard Nixon

A carreira de Skeeter Davis ( Mary Frances Penick) começa no final da década de 1940, quando ainda na adolescência entrou para o grupo The Sisters Davis e, em 1951, assinou contrato com a RCA Victor Records. Foi uma das primeiras a alcançar o auge da Country Music naquela época. Dois anos depois, em dupla com a amiga Betty Jack estourou nas paradas com o hit "I Forgot More Than You´ll Ever Know" (http://youtu.be/DfZABhjVm2A). A canção ficou oito semanas no primeiro lugar no top da Billboard.
Enquanto desfrutavam do gosto doce do sucesso, um acidente de carro matou Betty Jack e deixou Skeeter Davis gravemente ferida. Após casar-se em 1953, deixou de cantar e retornou às atividades em 1958. Ao lado do produtor Chet Atkins grava "Lost To a Geisha Girl " (http://youtu.be/EYkzLmogKGg), Country com batida de Rock, na época ainda recém-nascido. A música tornou-se o primeiro grande sucesso solo de Skeeter Davis.
Com hit "Homebreaker" (http://youtu.be/9kwKUylvvEE) acabou sendo a primeira cantora da Country Music indicada ao Grammy.
Nos primeiros dois anos da década de 1960, teve dez hits nas paradas. Entre eles "(I Can´t Help You) I´m Falling Too" (http://youtu.be/nZe8svnLWmU) e "My Last Date (With You" (http://youtu.be/-BLR5R8b-Ao), que ficou em segundo lugar no gosto do público. Algo inédito para uma cantora country.
Em 1963 Skeeter Davis emplacou aquele que ficou conhecido como o maior sucesso de sua carreira. O hit "The End of World" (http://youtu.be/BweCXILNe28). Estourou nas paradas, inclusive na especializada em Blues. Tornou-se a primeira cantora branca a emplacar uma canção neste segmento dominando pelas interprétes negras. Vendeu mais de 1 milhão de cópias e ganhou seu primeiro disco de ouro.
No ano seguinte recebeu cinco indicações ao Grammy pela canção "He Says The Same Things To Me" (http://youtu.be/TbqSqSRglH0). O ano de 1964 marca a regravação do hit " Gonna Get Along Without You Now" (http://youtu.be/cW_xw33lzvc). A música emplacou nos bailes e até hoje é grande ferramenta nas mãos dos bons DJs.
Skeeter Davis, além de grande vocalista, escreveu mais de 70 c0mposições. Até 1973 saboreou o gosto doce do sucesso. Depois enfrentou grande polêmica, auge do governo Nixon, quando dedicou uma canção Gospel para um evangelista preso pela polícia de Nashville.Ficou 15 meses afastada do mercado da música e boicotada por diversas casas de espetáculos. Nesse período viajou para África numa campanha de evangelização.
Até o ano 2000, Skeeter Davis continuou fazendo shows. Aproveitou, nas décadas de 1980 e 1990, para fazer remake de seus maiores sucessos. Morreu de câncer em setembro de 2004 aos 72 anos.

The Trammps: outra marca da Disco Music

The Trammps foi um dos responsáveis pela divulgação da Disco Music na década de 1970. Ficaram marcados como o grupo de um só sucesso, com o álbum Disco Inferno, de 1977. Mas a história do grupo começa no início dos anos de 1970, quando ainda estavam sob influência da Soul Music e suas baladas ultrapassavam os 7 minutos.
A primeira formação do conjunto contava com o produtor e guitarrista Ron "Have Mercy" Kersey, os vocalistas Jimmy Ellis, Robert Upchurch, Harold Stanley Wade Wade e o lendário baterista Earl Young.
Na Buda Records, em 1972, eles gravaram uma canção pré-Disco Music de Judy Garland: "Zing Went o Strings of My Heart" (http://youtu.be/fFFbsxCRDa8). A música estourou nos Night Clubs de todo os Estados Unidos. A pegada da guitarra, unida à bateria e aos teclados, transmitia a energia necessária para se dançar. Outro destaque foi "Hold Back the Night" (http://youtu.be/fFFbsxCRDa8). Mais uma vez, o arranjo primordial do Som da Filadélfia era responsável para colocar outra canção nas paradas.
Nessa fase, o grupo começa a graver uma série de álbuns com arranjos de Disco Music (a KC and The Sunshine Band entraria no barco em 1975), porém na época todos imaginavam que o som deles fosse Soul Music. Era, mas de forma suave. Nada de forte marcação de contrabaixo, como ocorria nos discos da Motown ou da forte metaleira da Stax, conhecida como o Som de Memphis. Em 1974 eles estão nas paradas de novo, agora com o hit "Where Do We Go From Here" (http://youtu.be/0p45lTlxOjw). Canção para dançar, sem agredir os ouvidos. Estava lançada a senha de lançamento da Disco Music, que durou até o fim da década de 1970.
Em 1976 gravam "Disco Inferno" (http://youtu.be/-opY4qcidFk). No ano seguinte o hit entra na trilha sonora do filme Embalos de Sábados a Noite, com John Travolta e companhia. Aproveitaram a boa fase e vieram ao Brasil. O ginásio do Ibirapuera, em São Paulo, ficou lotado. A maioria de pé, visto que ninguém conseguia ficar sentado com hits despejados pelos Trammps.
No ano seguinte, a Primavera do Sucesso começou a abandonar o conjunto. A qualidade do repertório caiu. Passaram a gravar baladas. Uma delas "Seasons For Girls" (http://youtu.be/RitquwlDX48) emplacou nos bailes, por causa de sua duração: quase 8 minutos! Tocava depois das 2h da manhã para facilitar a paquera e não deixar ninguém ir sozinho para casa. A capa desse disco, The Trammps III é bem sacada: a foto de uma mulher de costas, onde sai fumaça de uma tatuagem no ombro.
No início da década de 1980, os Trammps encerraram sua carreira. Dez anos depois, Jimmy Williams assumiu os vocais, seguido por Robert Upchurch e os irmãos Harold e Stanley Wade para tentar capitalizar um revival da Disco Music. Mas uma disputa com o fundador do conjunto, o baterista Earl Young, resultou numa versão alternativa do grupo que continua até hoje.

Major Harris: talento que não alçou voo

Major Harris é lembrado pelo romantismo de suas músicas. Uma delas é a inesquecível "Love Won´t Let me Wait" (http://youtu.be/_NhWV36Zt7g), trilha sonora de diversos casais de namorados pelos moteis de todo o mundo. Porque no final dessa balada, a mulher geme simulando ter um organismo. Balada totalmente erótica, além do ótimo arranjo. Gravada em 1975, parece que foi lançada ontem. Tornou-se sucesso eterno.
Harris é primo do guitarrista Norman Harris e produtor do movimento conhecido como Som da Filadélfia, na década de 1970.
Sua carreira começou no grupo Delfonics, nos anos de 1960, onde sua voz transformava letras fracas em boas melodias. Quando resolveu seguir carreira-solo, reuniu bons músicos para acompanhá-lo na gravação do álbum My Way. Um dos destaques era o guitarrista Bobby Eli, autor de Love Won´t Le me Wait.
Em 1976 gravou "I Got Over Love" (http://youtu.be/AbH6cd-iAgg) pelo selo Atlantic Records. Dois anos depois foi para RCA Victor e lançou "How Do You Take Your Love" ( http:youtu.be/4dilpClONRO). Após essa balada, Harris deixou de ser uma das grandes vozes da Soul Music.
Nas décadas de 1980 e 1990 gravou junto com o grupo Delfonics. Em 2007 lançou o álbum Forever. Ninguém sabe os motivos que impediram que Harris tivesse uma carreira repletas de sucessos, com o talento que trouxe do berço. Talvez estivesse no lugar errado e na hora errada e com pessoas erradas.

Billy Preston: o 5º Beatles

Desde o final da década de 1960, Billy Preston foi músico muito influente. Tocou com a maioria das estrelas do rock daquela época: Beatles (é dele o solo de órgão em Let It Be), Eric Clapton, Rolling Stones, Aretha Franklin, Jackson Five, Bob Dylan, Quincy Jones, Sly and Family Stone (inspiradores da Earth, Wind & Fire), John Lennon, George Harrison, Ringo Star entre outros. Participava tocando órgão e também no vocal. É considerado o quinto Beatles.
Começou a carreira num conjunto de música Gospel de André Crouch. Seus primeiros álbuns foram nesse estilo. Sua fama cresceu em 1969 quando tocou órgão, com pegada de gospel, no disco dos Beatles em que participou da faixa "Let it Be" (http://youtu.be/yGK7zja72Tk). No ano seguinte repetiu a dose ao lado de George Harrison no álbum All Things Must Pass. Depois em 1971 apareceu junto com outros grandes nomes do rock no Concerto para Bangladesh (http://youtu.be/QyyetXvX76Q) em Nova York.
Como poucos, Preston transitava com facilidade entre o Soul, Blues e Gospel, além de nadar de braçadas velozes no Pop. Gravou 20 álbuns solo, além de participar de 30 discos de outros grandes artistas. Seus teclados estavam em "It´s Only Rock Roll
" (http://youtu.be/1tqtzkQVIL0) dos Rolling Stones. Em 1979 ele gravou a balada "With You I´m Born Again" (http://youtu.be/JaVPxMw1S58) ao lado da voz de cristal de Syreeta Wright, hit que aliás fez grande sucesso nos bailes.
Também apareceu ao lado de Joe Cocker no hit "You Are so Beatiful" (http://youtu.be/SydDdAmTo0c). Participou do álbum Stadium Arcadium do Red Hot Chili Peppers no ano de 2006 e morreu em junho daquele mesmo ano. Mas escreveu definitivamente o seu nome na história da música.

Gérson King Combo: o James Brown brasileiro

Gérson King Combo é considerado o James Brown brasileiro e grande divulgador da Soul Music no País. Seu irmão Getúlio Cortes (compositor do hit "Negro Gato", um dos sucessos de Roberto Carlos na década de 1960) o iniciou na carreira artística, quando o levou para dançar no programa Hoje é Dia de Rock, apresentado por uma emissora do Rio de Janeiro.
Depois foi para o programa Jovem Guarda, que Roberto Carlos apresentava na TV Record, em São Paulo. Mas o ritmo Iê, Iê, característico dos grupos musicais do movimento encabeçado por Roberto e Erasmo Carlos não fez a cabeça de Gérson King Combo. Visto que o DNA da Black Music dos Estados Unidos já estava em seu sangue. Aliás, o sobrenome artístico é alusão a King Curtis Combo, uma banda de soul norte-americana liderada pelo
saxofonista Curtis Ousley, com seu auge na década de 1960.
Logo encontrou trabalho na Banda Veneno, do maestro Erlon Chaves, e depois com Wilson Simonal, antes da derrocada. O curioso é que o pai de Gérson não queria os filhos envolvidos no mundo do samba, considerado por ele antro de desocupados. Ele foi para a Soul Music, durante muitos anos marginalizada nos Estados Unidos, lembrando que Soul Music na gíria dos guetos norte-americanos significa música de preto.
No começo da década de 1970, a Black Music estava no auge no Brasil. O DJ Big Boy, com programa na Rádio Mundial do Rio de Janeiro, ajudou a introduzir esse ritmo no País. Nessa época diversas equipes (nome de promotoras de festas) de bailes surgiam em várias regiões do Brasil. A Jirau, no Rio de Janeiro, e Chic Show e Discoteca Eduardo´s, em São Paulo, responsabilizavam-se por colocar fogo nos eventos, reunindo até 20 mil pessoas em salões de clubes, associações de classe ou sindicatos, caso dos Aeroviários, diante do Aeroporto de Congonhas, na capital paulista.
Logo, Gérson King Combo foi aclamado Rei dos Bailes Blacks cariocas e começou a gravar. Em 1977 lança o disco Gérson King Combo. O trabalho antes de sair nas lojas é elogiado por James Brown, que lhe manda um telegrama, anexado na contra-capa do álbum. Antes, ele viajou à Jamaica e dançou num show das Supremes. Os passos da black music brasileira deixou boquiaberto o empresário das meninas. Recebeu convite para participar de uma apresentação de James Brown em Nova York. No ensaio, dançou mais de 6 horas com o criador da Funk Music. Ensinou alguns passos ao mestre e saiu dali sendo admirado por Brown. Ele percebeu que Gérson King Combo não era cantor de laboratório. Mesmo sem ter nascido nos Estados Unidos, carregava a Soul Music no sangue. Na avalição de Combo, o segredo do sucesso consiste em ter uma ideia exatamente na hora em que ela tem condições de acontecer.
Para sobreviver e poder realizar o sonho depois, foi obrigado a fazer backing vocal para diversos cantores famosos, onde sua voz era diluída na mixagem. Igual lutador de boxe que cai, mas levanta olhando o adversário. Gérson King Combo procurou manter contatos no meio artístico. Nesta trilha fez parte do embrião da Banda Black Rio na primeira metade da década de 1970.
Com o surgimento do Pagode, nos anos de 1980, ficou meio esquecido pelas gravadoras, que deixaram de lado a Soul Music. Mas deu a volta por cima na década de 1990 e em 2011 participou da Virada Cultural em São Paulo e continua presente em vários eventos de Black Music no Brasil.
Do seu primeiro álbum, de 1977, uma das pérolas é a balada "Foi um Sonho Só" (http://youtu.be/4m22fbJkV8A). Repleta de strings e lindo vocal feminino em contra-ponto ao vozeirão de Combo. O hit até hoje toca nos bailes blacks de nostalgia. No mesmo disco tem a adrenalina pura "Uma Chance" (http://youtu.be/rmJkYo-cQ-o). Os metais, bem no estilo Banda Black Rio, não deixam ninguém parado e tem ótima percursão.
Em 1978, seu segundo álbum traz o genuíno Funk dos Estados Unidos, "Goodbye Girl, Goodbye Baby" (http://youtu.be/nfpNvKMPGK8). Nos bailes do final da década de 1970, alguns DJs colocavam essa música para avisar que a festa tinha acabado. Todos continuavam dançando até o som desaparecer. Em 2003, numa de suas apresentações em São Paulo, cantou "Brother Soul"(http://youtu.be/LCPnTJ9MZ1Y), aolado da excelente rapaziada da banda Funk como Le Gusta.

O relâmpago Loleatta Holloway

Loleatta Holiday foi uma talentosa cantora mais conhecida por seus hits da Disco Music "Love Sensation" (http://youtu.be/22fRZc1zrF8)
e "Hit And Run" (http://youtu.be/E-xzoSzTZpY). Porém sua história começou quando cantava Gospel com sua mãe. Quando fez parte do elenco da trupe de Chicago, conheceu Floyd Smit, seu futuro marido, produtor e diretor e gravou "Rainbow ´71, em 1971, uma canção de Curtis Mayfield gravada por Gene Chandler em 1963.
Nessa época, ela assinou contrato com Soul Aware Records. Lançou dois álbuns, ambos produzidos por Smith (Loleatta -1973- e Cry Me -1975). Após o casamento com Smith, gravou a balada "Cry to Me" (http://youtu.be/OiU6Ia2MqeI). O hit ficou entre as 10 mais da Billboard R&B.
Loleatta aproveitou a maré e foi para a Mind Gold Records, tendo como arranjador e produtor o guitarrista Norman Harris. Seu primeiro disco na nova casa teve outra balada: "Worn Out Broken Heart " (http://youtu.be/V9NnxoD3bWs). A canção alcançou o 25° posto nas paradas R&B. Outro hit desse mesmo disco, "Dreaming" (http://youtu.be/0EHEqyyGcrM) em ritmo de Disco Music também fez Loleatta sentir o gosto doce do sucesso.
Em 1980, ela lançou seu quarto e último álbum na Mind Gold Records. Com 18 canções, a balada "Only You" (http://youtu.be/E3SWy-4oIfA), composta e produzida por Bunny Sigler, apareceu entre 11 colocadas nas paradas de R&B. Na década de 1980 gravou o single "So Sweet" para a International Records. No final dos anos de 1980, seus vocais em "Sensation Love" foram usados na Grã-Bretanha no hit "Ride on Time". Por falta de seu nome nos créditos, moveu processo, resultando em acordo judicial a seu favor.
Na década de 1990, teve mais processos judiciais, com artistas usando trechos de músicas de Loleatta Holloway sem sua autorização. Nessa época ela produziu poucos discos. Não pode mais continuar sua carreira, pois morreu em abril de 2011 aos 64 anos.

O som leve de Ray Parker Jr

Atualmente desaparecido das paradas de sucesso, Ray Parker Jr é considerado um dos grandes guitarristas da Soul Music. Ainda no colegial, era procurado em Detroit para participar de gravações das canções compostas pelo trio Holland/Dozier/Holland da Motown Records.
Aos 18 anos, em 1972, Stevie Wonder o contratou para tocar numa turnê. Dai em diante, acompanhou feras do porte de Marvin Gaye e Four Tops. No final da década de 1960, Parker foi aluno de Barry White e já acompanhava o trio The Love Unlimited, criado por White em 1967.
Em 1977 assinou com a Arista Records e inicia carreira-solo. Cria o grupo Raydio, e em vez de gravar Soul Music opta pelo Pop. O primeiro hit nessa pegada foi "Jack and Jill" (http://youtu.be/tUpqRrKh2CE). Ficou entre os primeiros colocados nas paradas de sucesso. Depois, dois anos depois, veio "You Can´t Change That" (http://youtu.be/0AYgpqkfT14).
No início da década de 1980, emplacou "Woman Needs You Love" (http://youtu.be/NEJyEb8jkGQ). Outra música com arranjo bem leve, balançante mas sem som pesado de contrabaixo ou bateria. Uma das marcas de Ray Parker Jr no grupo Raydio.
Nessa época, ele começou a compor e produzir para diversos artistas. Passa a gravar usando seu nome, em vez de Raydio. Lança os hits " The Other Woman" (http://youtu.be/jHLf6eMTv90) e "I Still Can´t Get Over Loving You" (http://youtu.be/A-z3_hiU6yg).
Em 1984 estoura nas paradas com o tema do filme Ghostbusters Bill Murray, no Brasil ganhou o nome de Os Caça-Fantasmas (http://youtu.be/KvkKX035484). Depois do ápice, Ray Parker Jr começa cair nos anos seguintes. Troca a Arista pela MCA Records, mas seu último disco, de 1991, I Love You Like You Are, é um fracasso de crítica e vendas. Na curta carreira de cantor fracassou, porém deixou sua marca na Soul Music como um de seus maiores guitarristas.

A carreira meteórica de Rick James

Antes de enveredar pela Funk Music, no início da década de 1960, Rick James, com 14 anos, era integrante da banda de rock The Mynah Birds, formada no Canadá. Dela fazia parte Neil Young, Bruce Palmer, Goldy McJohn, Nash e Young Fame. Desde essa época, ele já tinha o hábito de usar drogas para encontrar inspiração e compor.
Aos 30 anos, final da década de 1970, que Rick James entrou na Motown Records. Antes, com a banda The Mynah Birds, gravaram um disco, mas a gravadora de Berry Gordy não o lançou. Quando chegou à Motown, pela segunda vez, como artista, compositor e produtor já havia tocado em diversos grupos.
Sua primeira música na nova casa, "You and I" (http://youtu.be/vVvEZByp_6M), em maio de 1978, liderou as paradas de sucesso nos Estados Unidos. Em setembro daquele mesmo ano, emplacou outro hit: " Mary Jane" (http://youtu.be/gfaguHBfwOM). Os dois funks, com batida de Disco Music, estavam no álbum Come Get It!, ganhador de um disco de ouro.
No ano seguinte não repetiu a mesma proeza com o disco Bustin ´Out of L Seven. Só voltou ao top das paradas de sucesso em 1981, com o hit "Give It To Me Baby" (http://youtu.be/wsXzDMRFWkk). Novamente, o molho Funk marcava presença, acompanhado de balançante naipe de metais. Outra faixa explosiva nesse disco era "Super Freak ( http://youtu.be/QYHxGBH6o4M). Vendeu milhões de cópias, além dessas músicas marcar forte presença nos bailes.
De bola cheia, em 1982, sugeriu que Berry Gordy ressuscitasse a carreira dos Temptations. Cantou junto com eles a canção " Standing on The Top" (http://youtu.be/N7741O4LS0c). Produziu discos de Teena Marie e do grupo feminino Mary Jane Girl´s. No ano de 1983, a música título do álbum Cold Blooded (http://youtu.be/lnjbMtHH1H8) chegou aos primeiros lugares das paradas. A faixa "Ebony Eyes", dueto com Smokey Robinson, virou sucesso em todo o mundo, inclusive nos bailes promovidos no Brasil.
Em 1984, o hit "17" frequentou as paradas. Repetiu a dose no ano seguinte com "Can´t Stop" (http://youtu.be/7qtym86hbww). Em 1986, a faixa "Sweet and Sexy Thing" (http://youtu.be/zRUU8yS2osk) teve o mesmo caminho.
Em 1988 ele trocou a Motown pela Warner Bros Records e lança o álbum Wonderful. Da década de 1990 em diante, Rick James passou a ter sérios problemas com drogas, ficando mais tempo na prisão do que nos estúdios. Em 1997 gravou o disco Rapsody, um fracasso de vendas. Em 6 de agosto de 2004 morreu de ataque cardíaco, provavelmente provocado por overdose, em sua casa, na cidade de Los Angeles.

O grande talento chamado Natalie Cole

Natalie Cole é a típica filha de peixe. Seu pai, Nat King Cole, foi uma das maiores lendas do Jazz. Sua mãe, Maria, trabalhou como cantora na orquestra de Duke Ellington. Desde criança que Natalie respira música. Aos seis anos estreou no disco de seu pai, Christimas Album
(http://youtube.be/1pu2SqzfPV8). Com 11 anos subiu aos palcos e deles nunca mais desceu, só quando teve sérios problemas com drogas, no início da década de 1980 e precisou de tratamento para continuar explorando o talento que Deus lhe deu. Mesmo assim herdou uma Hepatite C da época em que cocaína, heroína e álcool faziam parte de sua rotina.
Em 1973, após terminar a universidade, uniu-se aos produtores Chuck Jackson e Marvin Yancey (com quem se casou) e assinou contrato com a Capitol Records. O hit "This Will Be" (http://youtu.be/5YOQCrEHhz4) e "I´ve Got Love on My Mind" (http://youtu.be/rD1sYh3A9ig) estouraram nas paradas. O resultado do ótimo álbum é a conquista do Grammy na categoria "Melhor Artista Revelação". Foi a primeira cantora negra a ganhar o prêmio nesse quesito.
Antes de terminar os anos de 1970, ela emplacou "Mr.Melody" (http://youtu.be/qYBMw5yxBI), uma Soul Music com algumas pitadas de Disco Music. O hit invadiu as pistas de danças e a programação musical das boas rádios FMs, que na época ainda engatinhavam no Brasil .
Também fez o mesmo com "Sophisticated Lady" (http://youtu.be/v15sV7PLPFo). Acabou escolhida a melhor cantora de R&B em 1977.
De 1980 a 1984 viveu o inferno das drogas, precisando de internação em clínicas de reabilitação. Ao sair limpa, lançou dois álbuns sem grande repercussão. Só em 1987 conheceu o sucesso outra vez, com o disco Everlasting. Nele estava a versão da canção de Bruce Springsteen: "Pink Cadillac" (http:youtu.be/7FdAO1JgvAo).
Para aproveitar os novos ares, Natalie Cole deixa em segundo plano o Blues e Soul Musc, aderindo ao estilo Pop mais baseado no Jazz. Em 1991 ganha o Grammy ao regravar junto com seu pai, numa montagem possível com ajuda da tecnologia, o hit "Inforgettable" (http://www.youtube.com/watch?v=pDTClaoY-zI). O álbum vende mais de 5 milhões de cópias. Para comemorar a boa safra, escreve, no final de 2000, sua autobiografia Angel On My Shoulder.

Tavares: quando a tecnologia não substitui talentos

A carreira do quinteto Tavares, iniciada no final da década de 1960, chegou ao fim em 1982. Os cinco irmãos de Massachusetts formaram um dos conjuntos mais afinados dos anos de 1970 e colocaram nas paradas diversos hits. Tinham uma linda harmonia vocal. Exemplo disso é a música "Heaven Must Be Missing an Angel" (http://youtu.be/bmzWzfd2WN0), de 1976. Em ritmo de Disco Music, mas com letra e melodia bonitas, além, claro, de vocal impecável.
O segredo dos Tavares era conseguir encontrar sempre repertório certo e colocar nas mãos dos produtores, para transformá-los em hits de sucesso, vendendo milhões de discos e rendendo diversas turnês. Mas infelizmente cairam nas mãos de profissionais que não souberam explorar o potencial do quinteto.
Exemplo disso é a união dos produtores Grand Perren Slam e Kenny Nolan. O primeiro puxava para o Funk eletrônico e o segundo para baladas Pop. O resultado não surtiu efeito junto aos fãs.
Mesmo assim conseguiram colocar nas paradas os hits "Got To Find My Way Back To You" (http://youtu.be/amKvxvu4448) e " Maybe We´ll Fall in Love Again" (http://youtu.be/t08bQWmNZNE). Para não deixar tudo ser destruído, Nolan teve o lampejo de criar o hit "Penny For Your Thoughts" (http://youtu.be/_ikwyiziQ3A), uma balada bem melosa; daquelas visando lucro, além de um arranjo sem qualquer criatividade. Inesperadamente, a música ficou entre as 40 colocadas das paradas e alguém a indicou ao Grammy.
"Mistery Lady" (http://youtu.be/80eSn7Dy3Zo) foi outra canção que o grupo Tavares lembra um pouco o que era a arte de cantar na década de 1970, com os velhos componentes. A nova geração do quinteto não conseguiu reproduzir hit como "Never Had Love Like This Before" (http://youtu.be/kNwBqIHut2c), que fez muito sucesso nos bailes da década de 1970. Nem sempre a tecnologia supre a carência de talentos. Os novos integrantes do quinteto Tavares é a prova disso.

Mais de 50 anos de carreira dos Four Tops

Four Tops foi um dos maiores grupos musicais que saiu da cidade de Detroit no começo da década de 1950. O quarteto era formado por Levi Stubbs, Benson Obie, Lawrence Payton e Duke Fakir. Naquela época, Four Tops significava o som da América jovem. No início dos anos de 1960 eles entram na Motown Records. Em 1964, o trio de compositores Holland/Dozier/Holland entregam a primeira obra-prima ao conjunto. "Baby I Need Your Lovin" ( http://youtu.be/joqjBAJx4ZA).
Logo, eles subiram para o top list da Soul Music da Motown, juntamente com os Temptations. Os Four Tops tiveram de driblar a coreografia e a suavidade vocal dos Temptations. O ponto extra dos meninos de Detroit era a união e a voz inimitável de Levi Stubbs. Quando gritava as notas de letras apaixonadas, acabava criando clássicos, como "Reach Out I´ll Be There" (http://youtu.be/KnDm3qr1Knk), "I Can´t Help Myself" (http://youtu.be/s3bksUSPB4c) entre outros.
De 1964 a 1972, os Four Tops figuraram como grupo top de linha da Motown Records, por causa das inúmeras canções transformadas em sucessos que venderam milhões de discos. Quando a ABC Records criou a divisão para gravar músicas de cantores negros, eles aceitam trocar de casa. Os produtores Lambert e Potter transformaram em pérolas os hits "Ain´t No Woman (Like The One I´ve Got)" (http://youtu.be/drotqeAuVRI´), onde o vocal do conjunto faz bela introdução, com o arranjo da canção fixando apenas no contrabaixo, bateria bem leve e suaves strings. Ou seja, nada de balada barulhenta, cheias de instrumentos, que acabam poluindo sua beleza.
A dupla Lambert e Potter lapidou também "Are You Man Enough" (http://youtu.be/faaxsHyyIzY) e "One Chain (Don´t Make No Prison). Até o final da década de 1970, eles permaneceram na ABC Records. É nesse período que gravam "If I Had a Hammer" ( http://www.youtube.com/watch?v=-wD6sI29_Ck). A canção fez muito sucesso nos bailes, pois virou autêntico samba-rock nas mãos dos DJs das equipes promotoras de festas nos diversos salões existentes em São Paulo e Rio de Janeiro. A letra é uma versão em inglês do hit "Datemi Un Martello" da cantora italiana Rita Pavone.
Na década de 1980 foram para a Casablanca Records e lançaram o hit "When She Was My Girl" (http://youtu.be/Ejg-22i4VYQ). Continuaram sentindo o gosto doce do sucesso. Três anos depois, no aniversário de 25 da Motown Records, eles e os Temptations participaram de uma competição, com ambos os grupos cantando seus clássicos musicais. Dali nasceu uma turnê que durou 20 anos.
Em 1989 assinaram com a Arista Records. Porém em 1997, morre Lawrence Payton. No ano 2000, Levi Stubbs teve sérios problemas de saúde encerrando sua carreira de cantor. Em 2005 Benson Obie também falece, no seu lugar entra Lawrence Payton Son. As outras duas vagas foram preenchidas pelo ex-Temptations Theo People´s e Ronnie McNeir. Depois de 50 anos de estrada, os Four Tops prosseguem na estrada.