Toni Braxton: a bela mulher de 40 milhões de CDs vendidos

Toni Braxton alia fome com  vontade de comer: é bonita, sexy e canta bem, além de ter lábios carnudos para enlouquecer seus fãs por todo o planeta. Como ocorre com a maioria dos cantores norte-americanos, suas habilidades musicais despertaram quando soltava seu vozeirão (lembra Nana Caymmi) junto com suas quatro irmãs na igreja da cidade de Seven, Maryland, inspirando-se em Stevie Wonder, Anita Baker, Chaka Khan e Whitney Houston. Seu gosto musical já revelavam suas qualidades. Mesmo assim entrou para a Universidade de Bowie e sonhava torna-se professora, provavelmente para deixar seus alunos malucos, pois ninguém conseguiria assistir suas aulas em paz por causa de sua beleza. 

Seus dotes vocais chamaram a atenção de profissionais do show biz. Não demorou para em 1991, ela gravar o hit "Love Shoulda Brougt You Home", da trilha sonora do filme Boomerang. A resposta positivou. Dois anos depois colocou nas paradas as canções "Another Sad Love Song", responsável pelo seu primeiro  Disco de Ouro por ficar em segundo lugar nas paradas de R&B. O mesmo ocorreu com "Breathe Again". A faixa "Seven Whole Days" chegou ao primeiro posto das paradas norte-americanas, enquanto a música "You Mean The World To Me" lhe rendeu outro Disco de Ouro e "I Belong To You" e "Lady The First of LaFace" ocuparam bons postos nas paradas dos Estados Unidos. 

Nesta empreitada vendeu 10 milhões de discos, conquistando seus primeiros dois Grammies para Melhor Artista Novo e Melhor Performance Vocal R&B Feminino para "Another Sad Love Song". Em 1994 pegou três American Music Awards e dois Soul Train Music Awards, e outro Grammy por "Breathe Again", novamente por Melhor Performance Vocal R&B Feminino. 

No ano de 1995, Toni Braxton começou a trabalhar no álbum Secrets, responsável por 7 milhões de cópias nos Estados Unidos e 6 milhões no Exterior. Repetiu a mesma qualidade e trouxe boas composições, como "You´re Makin´ Me High" (primeiro lugar nas paradas R&B) e vencedor de outro Grammy. Para colocar mais fogo, ela produziu um vídeo onde deixou fluir seu lado sexy, reforçado por uma provocante capa de revista. 

Em 1996, a balada soulful "Unbreak My Heart" rendeu outro Grammy de Melhor Perfomance Vocal Pop Feminino e Prêmios Billboard de Melhor Vocal Pop Desempenho Feminino e Single Adulto Contemporâneo do Ano. O terceiro single "I Don´t Want To" também obteve outro Disco de Ouro. Em 1997 participou de grande turnê internacional ao lado do saxofonista Kenny G.

Quase no final da vitoriosa década de 1990, Toni Braxton apareceu na Brodway na peça Beauty & The Beast. O hit "He Wasn´t Man Enoug" vendeu milhões de cópias.  Neste álbum, ela compôs, colaborou em oito das 12 faixas, também produziu cinco canções, incluindo "The Art of Love". O resultado foi um best-seller em nível mundial com mais de 2 milhões de cópias vendidas nos Estados Unidos e outros 2 milhões no Exterior. A canção chegou aos primeiros lugares das paradas canadenses e coreanas, bem como ficou em ótima colocação em diversos países da Europa. A canção "He Wasn´t Man Enoug" rendeu outro Disco de Ouro e o Grammy, outra vez, de Melhor Performance R&B Vocal Feminino do ano 2000, enquanto o álbum ganhou dois American Music Awards.

Em 2001 lançou o CD Snowflakes, muito elogiado pela crítica, validando ainda mais sua popularidade de ótima cantora. O álbum teve um dueto com Shaggy e grande número de músicas de autoria de Toni Braxton. Igual máquina de produção em série, em 2002 começou a trabalhar no disco More Than a Woman, em que deixou bem definida sua marca feminina, e o grande amor pelo R&B e o Hip-Hop. Até 2010, reduziu as gravações, antes de retornar com outro CD excelente. 

Nos 20 anos de caminhada já poderia retirar o time de campo e viver dos direitos autorais de seus grandes sucessos, visto que já vendeu 40 milhões de discos, ganhou seis Grammies, sendo uma das mais bem sucedidas artistas femininas da atualidade. 

Average White Band: a Funk Music da Escócia

A década de 1970 trouxe outra surpresa no mundo da Funk Music: a criação da Average White Band na Escócia. País sem qualquer tradição de black music. Muitos críticos nem levaram a sério a empreitada, por causa dos inúmeros grupos norte-americanos, presentes na maioria das grandes gravadoras e responsáveis por milhões de discos vendidos. O grande dilema era como vender o som da Average White Band. Ela teria pela frente a competente Tower of Power, de maioria branca, mas que já havia conquistado o respeito da plateia norte-americana. No pensamento dos executivos do show biz, o público não iria trocar o certo (som de qualidade da Tower of Power) pelo duvidoso dos meninos da banda formada na Escócia, mais famosa por fabricar bom whisky.
Após muito sufoco, a Average White Band apareceu nas paradas norte-americanas, em 1974, com o disco  White Album. Repleto de canções Soul e obras-primas do Funk, o conjunto tornou conhecido o hit instrumental "Pick Up The Pieces". Incluíram também o remake "Work to Do", dos Isley Brothers, e "Nothing You Can Do", regravada mais tarde pelos irmãos Tavares.
Apoiada numa boa base de metais, a Average White Band era liderada pelo tenor Alan Gorrie e falsete de Hamish Stuart, ambos responsáveis por deixar bem quente o som do conjunto. O restante do grupo era composto por Onnie McIntyre, Malcolm Duncan, Roger Ball e Robbie McIntosh (morto em 1974 quando cheirou heroína pura pensando que fosse cocaína), substituído por Steve Ferrone.
Em 1975 lançam o álbum Cut The Cake, um dos melhores do grupo até hoje, repleto de bons hits, como "School Boy Crush", um cover de "Soul of Leon Ware", "If I Ever Lose This Heaven". Em cima desse disco, a banda emendou diversas turnês. Passaram a gravar com frequência, lançando cinco discos de sucessos nos três anos seguintes.
O curioso é que as rádios pop abandonariam a Average White Band em 1977, porém as de programação de black music a incluiria em sua programação até o fim dessa década. No Brasil fizeram parte de coletânea  da equipe de som Soul Grand Prix, em 1976, com a canção "Love Your Life", no auge do movimento Black Rio.
É dessa época as músicas "A Love of Your Own", "Cloudy" e o funk "Give It Up For Love" (do álbum de duetos com o soulman Ben E. King).
A década de 1980 fez a banda lutar sem sucesso para atualizar seu som para atender o mercado do show biz. Lançam o álbum Let´s Go Round Again, depois em 1982 soltam Cupid´s in Fashion, fracasso de vendas. A partir dai, cada membro tomou seu rumo: Alan Gorrie entrou para carreira-solo, Hamish Stuart virou guitarrista de Paul McCartney e Ferrone uniu-se a Duran Duran.
Em 1987, Gorrie retomou o leme e formou outra Average White Band com McIntyre, Ball e Duncan; produzindo o disco After Shock. As poucas vendas não desanimaram o grupo, que continuaram a lançar álbuns em 1996, 1999 e 2003, quando gravaram Living in Colour.
Em 2005, a banda soltou o CD Soul & The City. Continuam com a mesma pegada de black music, que conquistou diversos fãs em todo o mundo. Boa mostra do trabalho do conjunto pode ser conferido no CD The Best Of Average White Band, reunindo seus maiores hits na fase 1974/1982. É a prova que a Escócia não produz só Whisky, mas bons grupos musicais.

A 5ª Dimensão da música

O conjunto 5ª Dimensão nasceu em 1967, numa época em que os Estados Unidos enfrentavam grande tensão racial e era feroz a luta nas ruas pela preservação dos Direitos Civis conquistados pelos negros durante o governo do presidente Kennedy, assassinado em 1963.
Para reduzir a temperatura, um grupo de cantores africanos introduziram novo estilo de Soul Music, de harmonia leve, deixando as questões raciais em segundo plano. Era o início da carreira brilhante do grupo 5ª Dimensão, repleta de sucessos.
Os pais dessa criança, em 1965, foram os cantores Ron Townsend, Billy Davis Jr., e McLemore LaMonte. O trio era expert em ópera, Gospel e Jazz. Para deixar o conjunto mais bonito, tinham as meninas Florence LaRue e Marilyn McCoo (anos depois esposa de Davis Jr., com quem formaria dupla na década de 1970). O primeiro nome Versatiles acabou trocado pelo fundador da Motown Records, Berry Gordy. Ele escolheu o espacial 5ª Dimensão. O primeiro disco saiu pelo selo Soul City, de Johnny Rivers.
Após alguns tropeços, o quinteto colocou nas paradas de sucesso, o hit "Up Up and Away". Ganharam diversos Grammies. Para deixar o bolo mais gostoso, juntou-se a eles o produtor Bones Howe e os compositores Webb, Laura Nero, Burt Bacharach e o competente maestro Hal David (mais tarde arranjador da maioria das famosas canções gravadas pelos Jackson Five e Michael Jackson).
Os próximos álbuns seriam marcados por requintadas harmonias, justificando o nome de 5ª Dimensão. Logo o conjunto passou a frequentar os programas de televisão dos Estados Unidos e o estilo de vida e otimismo dos seus integrantes passaram a influenciar parte da população.
Em 1968, a música "Bell Blues Wedding", em que McCoo parecia cantar para o antigo namorado Davis Jr, explodiu nas paradas de sucesso norte-americanas. Depois, o grupo criou um medley de duas canções do musical Hair: "Aquarius/Let The Sunshine In". Tornou-se o hit mais vendido de 1969 e colocou o 5ª Dimensão no topo do show biz.
A década de 1970 provocou mudanças no estilo das canções do conjunto, concentrando-se menos em harmonias, com as composições ganhando um som mais pop. A pegada Soul Music caiu um pouco, mesmo sustentando boas colocações nas paradas. Os próximos anos contribuíram para tornar cada vez melhor a performance da vocalista Marilyn McCoo, como é visível nos hits "One Less Bell To Aswer", "Save The Country", "Last Night (I Didn´t Get To Sleep at All)" e o cover de "Never My Love".
Em 1975 o casal Davis Jr., e McCoo saiu da banda para carreira-solo e um bem-sucedido empreendimento musical numa emissora de televisão, garantindo o bom padrão de vida de ambos por mais de 30 anos. Essa experiência resultou no álbum The Many Faces of Love, gravado em 2008. O restante do 5ª Dimensão; LaRue, McLemore e Townson continuaram na estrada. Tiveram fracassos com a entrada de Marjorie Barnes e Beard Danny, mas depois deram a volta por cima.
A primeira versão do conjunto se reuniu em 1990 para apresentação em Atlantic City, emendando turnê com sucesso. Cinco anos depois, numa outra configuração incluindo LaRue, McLemore, Townson, o ex-Santana vocalista Greg Walker (vocalista solo do hit "Stormy") e Phyllis Battle, lançaram o álbum In The House pela Dick Clark Click Records.
Há dez anos morreu Townson e a aposentadoria tirou McLemore dos palcos. Atualmente, Florence LaRue continua como embaixatriz do 5ª Dimensão, apresentando nova versão do conjunto, composto por Willie Williams, Leonard Tucker, Patrice Morris e Floyd Smith.

A garra de Jerzee Monet para chegar ao sucesso

Na programação das boas rádios FMs brasileiras e nos bailes, a balada "Leave The Lights On", na década de 1980, tornou famosa a cantora de black music Jerzee Monet.  A mistura de bateria eletrônica, sintetizadores e voz sussurrante murmurando frases românticas é a receita de várias baladas norte-americanas para conquistar sucesso nas paradas.
Quando estava na 6ª Série, aos 12 anos, que seu professor descobriu que ela tinha talento para cantar. Ao terminar o Ensino Médio foi morar num bairro da periferia de Nova Jersey, onde montou um salão de cabeleireiro. O pai não gostou da escolha e a surrou. O velho sabia que segurar secador de cabelo e mexer com produtos de beleza não estavam no DNA de Monet.
Adepta da filosofia de que ninguém cresce profissionalmente, caso fique estacionado no mesmo lugar muito tempo, mudou-se para cidade de Virgínia. Insistiu novamente no trabalho de cabeleireira. Ao contrário de Nova Jersey, ali Monet tomou coragem e decidiu mergulhar de cabeça na carreira de cantora.
A grande vantagem, é que desde criança, já tinha gosto pela leitura. Poderia compor suas próprias canções. Segundo ela, o importante não é o que as pessoas pensam a seu respeito, porque os pensamentos são dela e ninguém poderá retirá-los. São a expressão daquela vida e todos querem ver a essência daquele alguém. Caso venha à tona, o respeito a acompanhará.
Como ocorreu com diversos artistas, Monet estava no lugar e hora certos quando conheceu Ruff Ryders no restaurante onde trabalhava. Após servir sua refeição, perguntou se estava atrás de artistas novos. Ryders sentou-se  e ouviu Monet cantar por alguns minutos.

O resultado agradou. Pois trocou rapidamente a cozinha e as louças do restaurante pelos microfones e instrumentos musicais. Tornou-se protegida de Ryders. Assinou contrato com a DreamWorks Records e Monet começou a esboçar o rascunho do seu primeiro disco. Escolheu o remix de "Most High", autoria do rapper DMX. Dai para frente vieram "First On, First Love", "Twisted", "Respect".
 Os restaurantes e salões de beleza perderam grande profissional, e os nossos ouvidos ganharam excelente cantora, cuja a caminhada ainda é longa.

Ronaldo e os Barcellos eram o som família do pagode

No final da década de 1990, o hit"Feliz Aniversário" fez sucesso nas rádios, bailes e rodas de samba. Teve também as canções "Entrego a Deus" e "Pingos de Amor", de Paulo Diniz. O nome do grupo de pagode era estranho: Ronaldo e os Barcellos. Alguns imaginavam que fosse resultado de uma reunião de amigos. Era família. Ronaldo Barcellos e seus quatro filhos e não três como aparece na capa do CD. Antes, formou parceria com Délcio Luiz e Lourenço, compondo diversos hits para o Exalta Samba ("Desliga e Vem"), Os Morenos ("Marron Bombom"), Karametade ("Se Melhorar Estraga"), Grupo Raça ("Eu e Ela") e Alcione ("Canoeiro").
Ao contrário de diversos paraquedistas no mundo do samba, que desconhecem completamente as estruturas teóricas da música; Ronaldo já tinha bastante bagagem antes de apostar na formação de um conjunto de pagode.
Na adolescência era membro da igreja Assembléia de Deus no Rio de Janeiro. Ali aprendeu a tocar trompete, sax-tenor, sax-shorn, além de cantar no coral de jovens. Pouco tempo depois estudou música na Universidade Federal do Rio de Janeiro. A partir dai começou a trabalhar em orquestras. Participou da banda do maestro Lafayette e do mago dos estúdios Lincoln Olivetti. Em 1975 gravou um disco pela gravadora CBS com músicas de Carlos Dafé e Lincoln Olivetti. É quando engrena parceria com Robson Jorge, amigo de Olivetti, fazendo trilhas sonoras para as novelas Pulo do Gato, Ossos do Barão, Te Contei, Dancin´ Days, todas da Rede Globo. As canções "Black Coco", "Kitch Zona Sul", "Desencontro" e "Tambourine" são dessa época.
Depois no final da década de 1970 e início da de 1980, trabalhou como backing vocal de Gilberto Gil, Gal Costa, Tim Maia, Simone, Alcione, Sandra de Sá. Também participou de gravações de discos com Roberto Carlos, Sérgio Mendes, Fagner, Elba Ramalho, Milton Nascimento, Sandy e Júnior, Raul Seixas, Marina Lima, Barão Vermelho e Luiz Melodia.

Stephen Bishop: como um admirador dos Beatles tornou-se sucesso

Aos 13 anos, em 1962, o sonho de Stephen Bishop era tornar-se professor de História, apesar de já tocar clarineta. Porém mudou de ideia ao assistir o show dos Beatles no programa de televisão The Ed Sullivan Show ( o Sílvio Santos dos norte-americanos nas décadas de 1950 e 1960).
Fez a cabeça do irmão para lhe comprar uma guitarra. Logo passou a compor. A primeira letra foi "Surf´s Turf". Fundou a banda The Weeds e passou a tocar em festas, incorporando suas músicas ao repertório de hit de sucessos da época.
Pouco tempo depois participa de um festival e ouve elogio profético de um dos jurados: "Stephen Bishop será um grande compositor um dia". Mudou-se para Los Angeles e passou a andar pelas ruas com seu violão acústico tocando canções de vários intérpretes norte-americanos. Registrou uma de suas composições numa editora, na esperança que alguém a gravasse. Retornou para casa e foi trabalhar na companhia de seguros do seu pai.
Mas como tem padrinho não morre pagão, segundo o ditado popular; o amigo Art Garfunkel interessou por suas letras e grava "Breakaway". Logo apareceram outros artistas para incluir suas composições nos seus discos. Entre eles Barbra Streisand, Bette Midler, Diana Ross e Michelle Phillips.
O caminho para concretizar o sonho de cantar tornou-se realidade ao assinar contrato com a ABC Records, na década de 1970, onde lançou seu primeiro álbum. Dois hits chegam às paradas de sucesso dos Estados Unidos: "Save It For a Rainy Day" e "On and On", que no Brasil fez sucesso nos bailes e entrou nas programações de flash back da rádios FMs. Ganha o Disco de Ouro; repetindo o mesmo no segundo disco Bish.
A partir dai Stephen Bishop entrou na agenda dos grandes nomes da música norte-americana. Gravam suas composições Eric Clapton, Phil Collins, Stephanie Mills, Kenny Loggins, Johnny Mathis, David Crosby, Four Tops e Luciano Pavarotti.
Para deixar a cobertura do bolo mais gostosa, canta o tema "It Might be You" do filme Tootsie. Depois escreve 13 trilhas sonoras, para diversas produções de Hollywood, entre elas Animal House, Separate Lives e White Nights. É nomeado para dois Grammys e indicado ao Oscar pela canção "Separate Lives".  Ñão há dúvida de que a profecia do jurado tornou-se realidade na vida artística de Stephen Bishop.

Philip Bailey: a voz de cristal da Earth, Wind & Fire

Quem já teve o prazer de assistir ao show da banda Earth, Wind & Fire, como este que vos escreve, fica maravilhado com a potência dos agudos de Philip Bailey, além, claro, de interpretar a canção. Transmite ao público o sentimento daquela música. Ao lado de Maurice White (afastado por doença) marcou o vocal deste grupo, na ativa desde 1968.

Além de excelente cantor, ele é baterista, pianista, percussionista e toca trompete. Transita facilmente pelo Rock, Blues, Gospel, Funk, Soul, Jazz e Disco Music.

O falsete de Philip torna as composições mais bonitas. Exemplo disse é o hit "Reasons", sucesso da Earth, Wind & Fire há 36 anos. Sua qualidade é fazer sua voz subir quatro oitavas, sem que pareça grito. Este detalhe contribuiu para a banda ganhar  seis vezes o Grammy, colocar 33 singles nas paradas pop e abocanhar 50 Discos de Ouro e de Platina. 

Na década de 1960, Philip já cantava em outros grupos vocais, até surgir a oportunidade de entrar na Earth, Wind & Fire, aos 19 anos. Alguns imaginam que a carreira-solo, iniciada em 1982, seja sinal de sua saída do conjunto onde está desde 1968. Pelo contrário. Continua firme no posto. Apenas resolveu premiar as pessoas de bom gosto com um álbum solo. Ao assinar contrato com a Columbia Records, a caminhada teve início. Dois anos depois, numa co-produção dele e Phil Collins, lançou o single "Easy Lover". O trabalho rendeu  seu primeiro Disco de Ouro solo.  

Voltou à carga em 1986 com o álbum Bailey"S, depois gravou Inside Out direcionado ao público cristão, visto que ele é evangélico. Um dos destaques do disco é canção "long Distance Love" Após lançar outro

 disco com a Earth, Wind & Fire, indicada ao Grammy em 1994, produziu o CD Here With Me,Pop e R&B. Quatro anos depois lançou o álbum Life and Love. Estouro total nas paradas da Europa, já em 1999

 mudou o rumo, gravando o Disco Dreams, repleto de canções jazzísticas de autores consagrados. 

Álvaro Tito: uma das vozes mais belas do Gospel do Brasil

Álvaro Tito é considerado um dos melhores cantores do Gospel do Brasil. Sua voz é parecida com a de Stevie Wonder, apesar de seus agudos lembrar o vocalista Philip Bailey da banda Earth, Wind e Fire. Ele começou ainda, adolescente, no início da década de 1980 a cantar louvores (entre os evangélicos as músicas são conhecidas como hinos ou louvores de adoração a Deus), numa época em que esse gênero era muito discriminado pela maioria dos veículos de comunicação, principalmente pela Rede Globo, que hoje corre atrás de vários intérpretes evangélicos para gravar no selo Som Livre.
Antes de lançar seu primeiro disco pelo extinta gravadora  Desperta Brasil, Álvaro Tito já colecionava diversos troféus ganhos em concursos disputados nas igrejas evangélicas.
Seu talento era visível nas disputas com concorrentes que interpretava louvores escritos por compositores consagrados. Porém, sua estratégia era apresentar suas próprias letras. Na maioria das disputas, acabava ganhando. É dessa época as canções "O Amor de Deus" e "Meu Refúgio". No seu primeiro álbum, o grande destaque era o hit "Meu Ser Para Cristo", de autoria própria. Mas o grande salto da carreira ocorreu em 1986, quando gravou o disco Não Há Barreiras, lançado pela Polygram (atual Universal Music). É deste álbum a melodiosa música "Pelo Sangue de Jesus", um Blues de estremecer o mais duro coração. Outro destaque é "Nosso Amor", autoria de Ed Wilson e Joran. Seu nome percorreu todo o Brasil, pois diversas igrejas evangélicas queriam ouvi-lo cantar ao vivo, o que faz muito bem, principalmente usando bastante seus agudos.
Como as gravadoras tratavam cantores evangélicos com pouco caso, Álvaro Tito fazia os próprios arranjos e tocava bateria nas diversas faixas. Isto aos 16 anos.
Entre discos de vinil e CDs, já gravou mais de uma dezena de trabalhos, sempre na linha Gospel. Seu enorme potencial artístico lhe dá o luxo de nas apresentações cantar louvores em ritmo de Reggae, Jazz, Blues, Soul, Guarânia. Os grandes destaques na sua voz são "Quem te Salvará", "Não Há Barreiras" e "Deus Transforma".
Ao contrário de vários intérpretes dos Estados Unidos, que criados dentro das igrejas cristãs, partiram para gravar músicas fora do segmento Gospel, casos de Whitney Houston, Elvis Presley, Janis Joplin, Lionel Ritchie, Isley Brothers, Denicie Williams, Philip Bailey (Earth, Wind & Fire); Álvaro Tito recusa até hoje convites para colocar sua voz em canções que não sejam de louvor a Deus.

Karyn White: a bela intérprete de Superwoman

Antes de entrar para o show biz, Karyn White cantava no coral de igreja evangélica de Los Angeles, onde nasceu. Seu álbum de estreia foi lançado em 1988 e de cara ganhou Disco de Platina. Estouraram nas paradas os hits "The Way You Love Me", "Secret Rendezvous", "Love Saw It" e a cativante "Superwoman", cuja a letra descreve a dura rotina das donas de casas, na luta para agradar os maridos, na maioria das vezes insensíveis aos seus afetos.
Em 1991 lançou o álbum Ritual of Love, produzido por Jimmy Jam e seu futuro esposo, Terry Lewis. O hit "Romantic" chegou ao primeiro lugar da Billboard Hot 100 EUA. Outras três canções conquistaram destaques: "The Way I Feel About You", "Walkin The Dog" e "Do Unto Me".
Três anos depois gravou Make Him Do Right, porém não alcançou grandes vendas, apesar das boas músicas "Hungah" e "Can I Stay With You".
Logo após Karyn White saiu da Warner Bros Records para cuidar de sua vida pessoal, ficando vários anos sem gravar. Neste período divorciou-se de Lewis e depois casou-se com o guitarrista e produtor musical Bobby G. Em 2006 gravou o CD Sista Sista, mas depois o deixou arquivado, sem colocá-lo à venda. Desse disco, liberou apenas as faixas "AII I Do" e "Disconnected". Fora da carreira musical, atualmente é diretora de uma empresa de design interior imobiliário na Califórnia.

The Ohio Players e seus 52 anos de Funk

Quem gosta de Funk de qualidade e verdadeiro nascido nos Estados Unidos, não pode deixar de ouvir as músicas da banda The Ohio Players, fundada em 1959, pelo guitarrista Robert Ward e somados ao baixista Marshall Jones, o saxofonista e flautista Clarence Satchell e o trompetista Ralph Middlebrook. Este grupo manteve-se junto durante décadas na dura estrada do sucesso. Sendo difícil atingi-lo e mais ainda mantê-lo. Até a década de 1990, vários componentes entraram e saíram do grupo, como o guitarrista e vocalista Leroy Bonner, tecladista e percussionista William Beck, o conguista Robert Jones, o trompetista Marvin Pierce, o percussionista James Williams e o guitarrista Clarence Willis. 

A banda surgiu batizada como The Ohio Untouchables e combinava Funk, Jazz, Country, Soul e Rock. Mais tarde incorporou Disco Music ao repertório. Nas décadas de 1970 e 1990, eles chegaram ao topo, principalmente por causa de várias canções em ritmo de Funk e Disco Music. Para colocar mais lenha na fogueira, introduziram RAP e Hip-Hop para continuar sucesso nas pistas de dança dos Estados Unidos. No Brasil, em 1979, explodiram nos bailes de black music com o hit "Say It" do famoso disco com a mulher na capa de camiseta branca transparente com megafone nas mãos. Para quem confunde o falso Funk surgido no Rio de Janeiro, recheado de palavrões e elogios aos criminosos, é ótima sugestão ouvir a música citada acima e conhecer o Funk original, nascido nas ruas dos Estados Unidos.

Sob o nome The Ohio Untouchables, o grupo trabalhou com a fera da Soul Music Wilson Pickett e participou da gravação do seu hit "I Found a Love. Cinco anos depois, em 1967, eles adotam o nome definitivo de The Ohio Players e retornam de Chicago para Dayton, no Estado de Ohio.  

Depois mudam-se para Los Angeles, no final da década de 1960 voltam para Ohio. Carregam as baterias misturado Funk e Rhythm & Blues, influenciados pela banda Sly & The Family Stone (os mesmos que fizeram a cabeça da Earth, Wind & Fire). 

O guitarrista Leroy Bonner acrescentou mais qualidade, deixando o som da Ohio Players bem dançante e cativante. Doze anos depois de comer bastante poeira, gravam, em 1971, o primeiro álbum pelo selo Westbound Records, de Detroit, compartilhado, também pela banda Funkadelic e George Clinton. Em 1973 gravam o disco Ecstasy. Venderam poucas cópias, mas a experiência obtida nos estúdios serviu para aprimorar as qualidades dos seus integrantes. 

A marca registrada da Ohio Players é apresentar capas de discos com fortes apelos sensuais, nas fotos com mulheres bonitas. O conteúdo das canções é recheado com apitos, alarmes e letras lascivas, como o cantor Wando pratica no Brasil. Num de seus álbuns, uma mulher foi retratada nua e coberta de mel. Criou-se a tradição de adquirir os discos do grupo por causa de suas capas extremamente sensuais. 

Em 1973 assinam com a Mercury Records. Apesar da tradição de black music da cidade de Cincinnati, no Estado de Ohio, onde James Brown gravou muitos de seus maiores sucessos, entre 1950 e 1960, e ser o berço dos Isley Brothers e Bootsy Collins, ali não havia rádios que tocavam música negra no começo da década de 1970. Tinham de dividir com outros gêneros.

Na Mercury gravam o álbum Skin Tight, e o hit que batizou o disco estourou nas paradas. O mesmo ocorreu com "Jive Turkey".Outra bomba é o hit "Funk on Fire, do álbum Fire. A faixa-título foi composta a partir de uma jam session instrumental, misturando Funk e Rock. Chegou aos primeiros lugares das paradas dos Estados Unidos. Outro destaque é a balada "I Wanna To Be Free". Nesse lançamento evitaram letras pesadas, optando por composições mais lights.

O ano de 1975 marcou a gravação do hit "Love Rollercoaster", seguido de "Who´d She Coo", em 1976, mas lançado no ano seguinte foi o último single da banda a ocupar os primeiros lugares nas paradas. Da década de 1990 em diante, a Ohio Players passa a viver de flash backs de suas inúmeras canções de sucesso. Não precisavam provar mais nada, quanto ao talento. A pegada do grupo influenciou novos artistas como Red Hot Chili Peppers e Dr.Dre and His Funk entre outros. 

Leroy Hutson é a mescla de Marvin Gaye com Stevie Wonder

Leroy Hutson é um daqueles cantores injustiçados no show biz. Seria igual o jogador de futebol Ademir da Guia, na galeria dos melhores do Brasil na década de 1970, junto com o rei Pelé, que só teve alguns minutos para jogar na seleção brasileira de 1974, na Copa do Mundo da Alemanha. Era ignorado nas convocações.
O mesmo ocorre com Hutson, apesar do seu grande talento, nunca a indústria norte-americana de música o valorizou. Ótimo produtor, cantor, compositor, arranjador e pianista, enfrentou provas de fogo no caminho. Coube a ele, a árdua missão de substituir Curtis Mayfield, após sua saída da banda The Impressions. Uma vez que na década de 1960, o conjunto foi responsável pelo lançamento de vários hits de sucesso. A bola não poderia cair.
Sua competência o encorajou a seguir, depois, em carreira-solo. Lançou o álbum "Love Oh! Love", em 1973. O disco mesclava baladas no estilo Soul Music, com fortes influências de Marvin Gaye e Stevie Wonder. O hit "So in Love With You" combina vocal de fortes pitadas românticas aliado a um excelente arranjos de cordas. É som comercial, mas sem perder a qualidade. Outra faixa boa é "As Long As There´s Love Around" também  caprichosa nos vocais. "Love You Down" é a mostra da boa Soul Music, sem apelar ao barulho.
Hutson passeia com elegância ao interpretar suas canções nas praias do R&B, Soul, Funk, Smooth Soul e Jazz. Mesmo sendo vítima do péssimo marketing pelas gravadoras por onde passou (Warner Bros, Curtom, Elektra e Triumph), o público acaba reconhecendo seu talento. É difícil dizer que seus discos são ruins, pois todos apresentam músicas envoltas em bonitos arranjos. Confira os seguintes álbuns: The Man! (1974), Hutson (1975), Feel The Spirit (1976), Hutson II (1976), Closer To The Source (1978), Unforgettable (1979), Paradise (1982), The Best of Leroy Hutson Vol.1 (2006) e Soothe You Groove You (2009).

O Soul e Funk na pegada da LTD

A banda LTD é composta por dez irmãos. O embrião começou em 1968 na cidade de Greensboro, Carolina do Norte, Estados Unidos, com o saxofonista Arthur Lorenzo Carnegie, o trombonista e vocalista Jake Riley, o trompetista Carle Vickers, e o saxofonista e vocalista Abraão Miller. Juntos, formavam a Fantastic Soul Men Orchestra, a banda de apoio da dupla Sam & Dave, na década de 1960.
Pouco tempo depois, criaram a Love Man LTD e foram para Nova York, trabalhar no bairro negro do Harlem.
Em 1974 assinaram contrato com A&M Records. Não demorou muito tempo para a crítica especializada levar a sério o novo grupo musical. O baterista Jeffrey Osborne é promovido a vocalista principal e Alvino Bennett pega as baquetas no seu lugar. Inicia-se o processo de criação de várias canções: "Love Ballad", "Back in Love Again", "Concentrate on You", "Holding On (When Love is Gone)" entre diversas.
O LTD uniu Soul Music e Funk a composições amorosas para agradar diversas pessoas. Exemplo disso ocorreu no Brasil, com o hit "Shine On", que entrou na trilha sonora da novela, das 8h da noite da Globo, Coração Alado. Nas paradas norte-americanas, essa música ficou entre as 40 mais.
O sucesso encorajaram Jeffrey Osborne e o vocalista Billy Girl a entrar em carreira-solo. Andre Ray e Leslie Wilson os substituíram na produção do álbum Love Magic. Dele, estouraram as faixas "April Love" e "Kicking Back".
O final da década de 1990 teve briga judicial com os fundadores por causa do nome da banda. Após decisão da Justiça, continuam a fazer turnês, mas sem alguns integrantes que morreram: James Keys (2008) e Jake Riley (2000).

Bread e o som inesquecível de suas baladas

Quem curtiu os famosos bailes nas garagens na década de 1970, se lembrará da banda Bread, principalmente de suas baladas. Já os escolados em música vão se recordar dos arpejos de piano Rhodes nas canções interpretadas pelo grupo. "If" é uma delas. Bonita de letra e melodia. Os versos finais desse hit inesquecível dizem: "Se um homem pudesse estar em dois lugares ao mesmo tempo/ eu estaria com você/ hoje e amanhã ao seu lado de todas as formas/e se o mundo fosse parar de girar girando lentamente até morrer/eu ficaria no final com você/e quando o mundo acabar/ai uma por uma, as estrelas apagariam/ e nós simplesmente voaríamos para longe."
Foi escorado neste talento de tocar, cantar e compor que a banda de rock Bread surgiu, em 1968, em Los Angeles, Estados Unidos. O profissionalismo do conjunto ajudou a colocar nas paradas diversas canções, além de  vender milhões de discos. Os integrantes do Bread conheciam música, isto é visível nas harmonias de suas composições, com excelentes arranjos.
A espinha dorsal da banda eram os vocalistas e compositores David Gate (contrabaixista) e James Griffin (guitarrista). Depois vieram Robb Royer e o baterista Mike Botts. Após a fama do Bread se espalhar pela cidade, onde tocavam nos bares de Los Angeles; a gravadora Warner/Elektra os contratou para trabalhar como banda de estúdio na gravação de discos de outros artistas.
Mas os planos mudaram, após o hit "Make it With You" chegar ao primeiro lugar da Billboard em 1970. O sucesso inesperado do disco Bread, colocou o conjunto em turnês por todos Estados Unidos. Até 1973, eles premiaram o público com excelentes e lindas músicas, como "If", "Everything I Own", "Baby I´m A Want You", "The Guitar Man" e "Aubrey".
O sucesso rápido provocou ciúmes entre os componentes do Bread, com o fim da banda. Em 1976, eles retornaram para gravar o álbum Lost Without Your Love. O público e a crítica gostaram do disco, mas não o suficiente para mantê-los juntos. Cada um tomou seu rumo.

Curtis Mayfield: a voz crítica da Black Music da década de 1960

Imagine um cantor, compositor e produtor que teve grande influência sobre a carreira de três ícones da black music norte-americana (James Brown, Sam Cooke e Aretha Franklin). Este artista foi Curtis Mayfield. Em 40 anos de carreira artística, mostrou que além de divertir, a música nunca deve deixar as questões sociais em segundo plano. Ou seja, para Mayfield o artista não pode ser alienado. Precisa entender e lutar para melhorar a vida dos fãs e do local onde sobrevivem.
Começou a cantar aos sete anos, assim como aprendeu sozinho a tocar guitarra. Na adolescência já compunha suas próprias canções.
Sua caminhada no show biz começou aos 14 anos, em 1956, quando conheceu o cantor Jerry Butler durante apresentação de louvores na igreja onde congregava em Chicago. Uniu-se à banda The Impressions e a música negra dos Estados Unidos nunca mais foi a mesma, após o ingresso de Mayfield. Mesmo sofrendo as agruras provocadas pelo diabetes, continuou gravando até sua morte em 1999. Blues era seu ponto forte.
Ao lado do grupo The Impressions, em 1958, emplacou o hit "For Your Precious Love". Pouco tempo depois, Butler saiu e Mayfield tornou-se o líder da banda. Passou a escrever as canções, cantar  e produzir os discos. Durante a década de 1960, o conjunto misturou Gospel e Soul Music, colocando nas paradas diversos hits. Entre eles "Gypsy Woman" e "It´s All Right". Em 1964, a canção "Keep on Pushing", ao lado de "People Get  Ready" o colocou no posto de primeiro artista do R&B a escrever músicas despertando a consciência racial e política na luta pelos direitos civis nos Estados Unidos.
O ano de 1970 marca o ingresso numa bem-sucedida carreira-solo, gravando diversos álbuns e produzindo discos para artistas como Aretha Franklin, Linda Clifford e Gladys Knight and The Pips. Em 1972 compôs a trilha sonora do filme Blaxploitation, cuja a canção "Superfly" ocupou os primeiros lugares das paradas durante um mês.
Porém até o final da década de 1970, a Disco Music ofuscou a carreira de Mayfield. Continuou a gravar e viajar pelos Estados Unidos, Japão e Europa.

Durante concerto ao ar livre, em 1990 em Nova York, a queda de um andaime de iluminação o deixou paralisado do pescoço para baixo. Mesmo deitado, durante o tratamento, prosseguiu cantando e compondo. Seis anos depois ganhou o Grammy pelo álbum New World Order. Antes, em 1994, inspirou dois álbuns de tributos, por causa de sua luta pelos direitos civis nos Estados Unidos. O disco All Men are Brothers reuniu Whitney Houston, Elton John, Isley Brothers, Aretha Franklin, Herbie Hancock, Denicie Williams entre outros.

Nos bailes do Brasil, ele emplacou a canção "Give me Your Love", responsável pela festa dos bons dançarinos.

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Claudinho e Buchecha: fatalidade é responsável pelo fim da dupla

A fatalidade foi  responsável pelo fim da dupla carioca de Funk Melody Claudinho e Buchecha. O futuro promissor  acabou no dia 13 de junho de 2002, com a morte de Claudinho num acidente na Rodovia Presidente Dutra,  Rio de Janeiro, quando se dirigia para um show em Lorena (SP).
A história dos dois meninos começa em 1992, quando Claudinho convenceu Buchecha a participar de um concurso de RAP num clube de São Gonçalo (RJ). Saíram vencedores com a canção "RAP da Bandeira Branca". Três anos depois ganharam outro concurso, desta vez o hit era o "RAP do Salgueiro". A música fez sucesso nos bailes e rádios cariocas.
Em 1995 gravam o primeiro disco e vendem 1,2 milhão de cópias. Engatam turnês para o Japão, Estados Unidos, Argentina e Portugal. No álbum seguinte, A Forma (1997),  lançam coreografia que deixaria a dupla marcada para sempre na história da música brasileira. Recebem o prêmio revelação no VMB da MTV Brasil. O álbum Só Love (1998) estourou, também, nas paradas de sucesso. Amadurecidos, passaram a se apresentar com banda.
Em 1999 lançaram  CD ao vivo de coletâneas, mas a gravação do álbum Destino (2000) revelou o talento, responsabilidade e o crescimento profissional da dupla. Passaram dois meses em estúdio, incluíram a interpretação de músicas abordando a discriminação social, como mostraram no hit "Feiticeira". Regravaram canções de Lulu Santos ("Tempos Modernos"), Marina Lima ("Uma Noite e Meia"), Djavan ("Lilás"), Guilherme Arantes ("Lindo Balão Azul") e Ivete Sangalo ("Carro Velho").
Nesse mesmo ano gravam o CD Soul Tim Duetos, em homenagem póstuma a Tim Maia (falecido em 1998), pois o Síndico era uma das influências musicais da dupla. Após a morte de Claudinho em 2002, Buchecha prosseguiu na carreira-solo. Para comprovar o sucesso de ambos, Kid Abelha regravou no ano de 2004 no CD acústico o hit "Quero te Encontrar", em 2004 Adriana Calcanhoto fez o mesmo com "Fico Assim Sem Você" e Ivete Sangalo repetiu o gesto na música "Nosso Sonho".
O curioso é que anos antes, a letra da canção "Fico Assim sem Você" , num de seus versos dizia: "Buchecha sem Claudinho, sou eu assim sem você". A estrofe já previa como a fatalidade iria separar a dupla.