Stanley Clarke, um dos grandes talentos do contrabaixo

Stanley  Clarke é outro grande nome do Jazz, Funk, Rock, Pop e R&B. Compositor, cujo talento é reconhecido no contrabaixo,  baixo elétrico, guitarra, além de suas ótimas apresentações, seja ao vivo ou na televisão.
Clarke nasceu na Filadélfia, costa Leste dos Estados Unidos, em 1951, e aprendeu tocar baixo na escola por causa de um atraso. Naquele dia seriam distribuídos instrumentos musicais aos alunos, mas como perdeu o horário, Clarke precisou se contentar com o baixo acústico. Tempos depois formou-se em Música pela Academia Musical da Filadélfia.
Em 1971 mudou-se para Nova York e começou a trabalhar com grandes artistas norte-americanos. Essa nata incluía gente como Stan Getz, Horace Silver, Art Blakey, Dexter Gordon, Gato Barbieri, Joe Henderson, Chick Corea, Pharoah Sanders eGil Evans. Nos seus primeiros trabalhos, ele deixou explícito seu amor pela Cientologia, em diversas faixas de seus primeiros discos.
Durante a década de 1970, Clarke tocou na banda Return to Forever, liderada pelo pianista Chick Corea. O conjunto tornou-se uma dos mais importantes grupos de Fusion Jazz. Os diversos álbuns lançados tiveram grande acolhida da crítica. Nesta época, ele dá seus primeiros passos na carreira-solo ao lado do colega Jaco Pastorius. É quando grava os discos Journey to Love (1975) e School Days (1976).
Depois começou a compor trilhas sonoras para produções de Hollywood e emissoras de televisão. Porém nunca deixou em segundo plano a participação musical em bandas. Na década de 1980 fundou o grupo Animal Logic com o baterista Stewart Copeland e a compositora/vocalista Deborah Holland. Teve outros projetos ao lado do guitarrista Jeff Beck (1979), e em 1981, 1983 e 1990 trabalhou junto com  o pianista George Duke e Miroslav Vitous (1984). Depois juntou-se a Jean-Luc Ponty (1995) e Al Di Meola (1999).
Igual fôlego de gato, mesmo em turnê com sua banda de apoio, Stanley Clarke encontra tempo para dar uma força aos seus colegas. Fez isso com Bela Fleck e Jean-Luc Ponty (2005) e ganharam um prêmio como turnê do ano. Em 2006, pela primeira vez em 15 anos, Clarke e George Duke  excursionaram juntos por diversas cidades norte-americanas, alcançando o Top 20 com o hit "Sweet Baby". No ano seguinte repetiu o gesto ao lado de Al Di Meola e Jean-Luc Ponty em shows nos Estados Unidos, Europa e América do Sul.
No ano de 2007 lançou DVD musical em parceria com Stevie Wonder, Wallace Roney, Bela Fleck, Sheila E, Stewart Copeland, Flea, Wayman Tisdale, Marcus Miller e diversos artistas visando levantar fundos para entidade beneficente de Hollywood, fornecedora de bolsas de estudo aos jovens que desejam aprender Música.
 Nessa mesma época lançou o álbum Toys of Men, que alcançou o 2º lugar nas paradas de Jazz da Billboard. As 13 canções do CD questionam os problemas causados pelas guerras.  O trabalho conta com excelentes atuações da cantora Esperanza Spalding, do tecladista Ruslan Sirota, do percussionista brasileiro Paulinho da Costa e do violinista Mads Tolling.
Em 2009 uniu-se a alguns colegas e formou o Stanley Clarke Trio, gravando o álbum Jazz in The Garden. Ganhou o Grammy de Melhor Álbum de Jazz Contemporâneo.

Adoniran Barbosa: o homem do trem das onze

Todo final de ano a mesma cena se repete nas mesas de bares, onde as pessoas comemoram o fim de mais 365 dias de lutas e conquistas. Ali alguém movido a cerveja ou caipirinha, mesmo sem qualquer noção de música, vai puxar o coro do famoso "Trem das Onze": "Não posso ficar nem mais um minuto com você/ sinto muito amor mas não pode ser/ moro em Jaçanã/ se eu perder esse trem, que sai agora as onze horas/ só amanhã de manhã..."
De letra simples, igual seu autor Adoniran Barbosa, já foi regravado por diversos cantores e cantoras. A melodia é inesquecível. Conseguiu apagar a mancha que Vinicius de Morais tinha jogado sobre São Paulo, dizendo que a cidade era o túmulo do samba. Pois foi no Rio de Janeiro, que o famoso "Trem das Onze" venceu um festival, entrando para sempre na galeria dos sambas impossíveis de se esquecer. Os próprios cariocas reconheceram, mais tarde, que Adoniran Barbosa era a grande marca do samba paulista. Merecia respeito. O segredo dele era compor canções retratando a rotina sofrida do trabalhador. Daquele que por falta de moradia, era e ainda é obrigado a morar em favelas, como descreve em "Saudosa Maloca". Não fazia letras intelectuais, que exigia profundo conhecimento de Filosofia ou Sociologia para entendê-la. O feijão com arroz sempre marcou o estilo de Adoniran Barbosa.
Alguns desavisados ao ouvir o "Samba do Arnesto", cheio de erros propositais de português, poderiam achar que o autor da letra fosse analfabeto. Engano! Adoniran Barbosa sabia dominar nosso idioma. Certa vez tirou a dúvida do público ao dizer numa entrevista em rádio que para falar errado era preciso dizer certo. Os críticos  calaram-se de vez.
O curioso é que seu nome de batismo é João Rubinato. Para homenagear dois amigos, pegou Adoniran, nome de um grande amigo e Barbosa, em homenagem ao cantor Luiz Barbosa.
Filho de imigrantes italianos, nascido em Valinhos (SP), passou a adolescência em Santo André, Grande SP, onde aos 14 anos trabalhou de entregador de marmitas, carregador, encanador, pintor, garçom, DJ e locutor de rádio.
Aos 22 anos, em 1933, compôs seus primeiros sambas, em parceria com Pedrinho Romano e Viriato dos Santos. Em 1941 vai trabalhar na Rádio Record como ator cômico, DJ e locutor. Ali conheceu o conjunto Os Demônios da Garoa. Eles propuseram a Adoniran escrever letras com erros de português de propósito.
Em 1955, o conjunto gravou "Saudosa Maloca", depois vieram "Samba do Arnesto", "As Mariposas", "Abrigo de Vagabundo", "Iracema" e a famosa "Trem das Onze". Na década de 1980, uma de suas últimas composições "Tiro ao Álvaro", foi gravada por Elis Regina. Como aconteceu com diversos sambistas, o talento de Adoniran Barbosa acabou sendo reconhecido na velhice. Morreu em novembro de 1982, deixando o bairro do Bixiga, Centro de SP, desfalcado de um dos seus mais célebres moradores.  Curiosidade: o Trem das Onze nunca existiu, pois o último saía às 8h da noite de SP em direção a Guarulhos, onde fazia ponto final. Ficou conhecido como o trenzinho da Cantareira, desativado em 1964.

New Edition: com solavancos chegam aos 30 anos

O criador do grupo New Edition, em 1978, foi o produtor musical Maurice Starr. Reuniu os garotos Bobby Brown, Bivins Michael, Ricky e Bell. Todos moradores do conjunto habitacional Orchard Park ( a norte-americana Cidade Tiradentes, Zona Leste de SP) na periferia de Boston. Bell e Brown trouxeram outro amigo da turma; Ralph Tresvant. Ele seria o vocalista da banda. O nome da banda significava nova edição do Jackson Five.
Participaram de um show de talentos, dirigido por Maurice Starr, na comunidade local e conquistaram o segundo lugar. Ele gostou da performance dos meninos  e resolveu gravar, em 1981, o álbum de estreia do conjunto: Candy Girl.
Lançado em 1983, o álbum contou com os hits "Is This The End", "Popcorn Love"e a faixa-título "Girls Jealous". As canções explodiram nas paradas dos Estados Unidos e de outros países. Logo após a primeira turnê, o grupo se separou de Maurice Starr em 1984. Para contrapor, lançou o New Kinds on The Block, apenas com adolescentes brancos, mas explorando o mesmo tipo de música, inclusive em arranjos parecidos aos do New Edition.
Starr perdeu a causa na Justiça. Assinaram contrato com a MCA Records e o escritório de advocacia Steven Martin, Machat e Streetwise passou a administrar a carreira da banda.  Gravaram outro álbum e as faixas "Cool It Now" e "Mr. Telephone Man" garantiram o primeiro Disco de Platina ao grupo.
No segundo semestre de 1985, lançam o segundo álbum pela MCA, New Edition All For Love. Ganham outro Disco de Platina e chegam às paradas os hits "Count Me Out", "A Little Bit of Love (Is All It Takes)" e "With You All The Way".  No final daquele ano gravaram outro disco, com músicas no estilo da década de 1950, e  Bobby Brown sai do conjunto, por causa de mau comportamento.
O agora quarteto grava, em 1986, o hit "Earth Angel" para a trilha sonora do filme Karatê Kid, part. II. A canção fica bem colocada nas paradas de sucesso. O período 1987/1989 marca a admissão de Johnny Gill ao New Edition e rompimento com o escritório de advocacia administrador da carreira da banda. O futuro fica incerto e a indústria de fofocas divulga que o vocalista Ralph Tresvant pretende seguir carreira-solo.
Sob  produção de Jimmy Jam e Terry Lewis, lançam o álbum Heart Break, com Gill na função de segundo vocalista. As letras eram mais leves e perfil adulto. Fizeram sucesso os hits "If It Isn´t Love", "You´re Not My Kind of Girl", "Can You Stand The Rain", "Crucial" e "NE Heartbreak". O disco vendeu 5 milhões de cópias, ganhou dois Discos de Platina, além de ajudar o quinteto numa bem-sucedida turnê.
Durante a primeira metade da década de 1990, por sugestão dos produtores Jimmy Jam e Terry Lewis, Bell, Bivins e De Voe formam um trio e o álbum Poison rende um Disco de Platina Triplo. Os outros dois integrantes, Ralph Tresvant e Johnny Gill também fazem trabalho solo e recebem Disco de Platina.
Em 1996, o New Edition obteve seu maior sucesso comercial ao lançar o álbum Home Again, marcando a volta de Bobby Brown ao grupo, agora sexteto. Vendem mais de 6 milhões de cópias em todo o mundo. Entraram nas paradas as canções "Hit Me Off" e "I´m Still in Love With You". Porém a turnê do conjunto foi ruim. A guerra de egos entre os componentes, principalmente entre Brown e Bivins, abortou sua conclusão. Cada membro resolveu seguir seu rumo, todos cheios de rancores.
No Outono de 2005, o New Edition comemorou 25 anos de criação da banda. Para fumar o cachimbo da paz, convidaram Brown para cantar seu hit de 1985 "Mr. Telephone Man". Depois se reconciliou com o restante do conjunto e anunciaram o lançamento de um novo álbum e turnê em 2009. Naquele ano, fizeram um medley de Jackson Five, homenageando Michael Jackson e cantaram e dançaram clássicos como "I Want You Back", "ABC" e "The Love You Save". Também uniram-se ao New Kids on The Block para show beneficente na famosa casa de shows House of Blues.
Em 3 de julho de 2011, todos os seis membros do New Edition  participaram da nova edição do Essence Music Festival, em Nova Orleans, Louisiana, além de celebrar a turnê do 30º aniversário de quando a banda entrou num estúdio para gravar seu primeiro disco. Eles prometem vários shows para 2012 e diversas novidades.

Toni Braxton: a bela mulher de 40 milhões de CDs vendidos

Toni Braxton alia fome com  vontade de comer: é bonita, sexy e canta bem, além de ter lábios carnudos para enlouquecer seus fãs por todo o planeta. Como ocorre com a maioria dos cantores norte-americanos, suas habilidades musicais despertaram quando soltava seu vozeirão (lembra Nana Caymmi) junto com suas quatro irmãs na igreja da cidade de Seven, Maryland, inspirando-se em Stevie Wonder, Anita Baker, Chaka Khan e Whitney Houston. Seu gosto musical já revelavam suas qualidades. Mesmo assim entrou para a Universidade de Bowie e sonhava torna-se professora, provavelmente para deixar seus alunos malucos, pois ninguém conseguiria assistir suas aulas em paz por causa de sua beleza. 

Seus dotes vocais chamaram a atenção de profissionais do show biz. Não demorou para em 1991, ela gravar o hit "Love Shoulda Brougt You Home", da trilha sonora do filme Boomerang. A resposta positivou. Dois anos depois colocou nas paradas as canções "Another Sad Love Song", responsável pelo seu primeiro  Disco de Ouro por ficar em segundo lugar nas paradas de R&B. O mesmo ocorreu com "Breathe Again". A faixa "Seven Whole Days" chegou ao primeiro posto das paradas norte-americanas, enquanto a música "You Mean The World To Me" lhe rendeu outro Disco de Ouro e "I Belong To You" e "Lady The First of LaFace" ocuparam bons postos nas paradas dos Estados Unidos. 

Nesta empreitada vendeu 10 milhões de discos, conquistando seus primeiros dois Grammies para Melhor Artista Novo e Melhor Performance Vocal R&B Feminino para "Another Sad Love Song". Em 1994 pegou três American Music Awards e dois Soul Train Music Awards, e outro Grammy por "Breathe Again", novamente por Melhor Performance Vocal R&B Feminino. 

No ano de 1995, Toni Braxton começou a trabalhar no álbum Secrets, responsável por 7 milhões de cópias nos Estados Unidos e 6 milhões no Exterior. Repetiu a mesma qualidade e trouxe boas composições, como "You´re Makin´ Me High" (primeiro lugar nas paradas R&B) e vencedor de outro Grammy. Para colocar mais fogo, ela produziu um vídeo onde deixou fluir seu lado sexy, reforçado por uma provocante capa de revista. 

Em 1996, a balada soulful "Unbreak My Heart" rendeu outro Grammy de Melhor Perfomance Vocal Pop Feminino e Prêmios Billboard de Melhor Vocal Pop Desempenho Feminino e Single Adulto Contemporâneo do Ano. O terceiro single "I Don´t Want To" também obteve outro Disco de Ouro. Em 1997 participou de grande turnê internacional ao lado do saxofonista Kenny G.

Quase no final da vitoriosa década de 1990, Toni Braxton apareceu na Brodway na peça Beauty & The Beast. O hit "He Wasn´t Man Enoug" vendeu milhões de cópias.  Neste álbum, ela compôs, colaborou em oito das 12 faixas, também produziu cinco canções, incluindo "The Art of Love". O resultado foi um best-seller em nível mundial com mais de 2 milhões de cópias vendidas nos Estados Unidos e outros 2 milhões no Exterior. A canção chegou aos primeiros lugares das paradas canadenses e coreanas, bem como ficou em ótima colocação em diversos países da Europa. A canção "He Wasn´t Man Enoug" rendeu outro Disco de Ouro e o Grammy, outra vez, de Melhor Performance R&B Vocal Feminino do ano 2000, enquanto o álbum ganhou dois American Music Awards.

Em 2001 lançou o CD Snowflakes, muito elogiado pela crítica, validando ainda mais sua popularidade de ótima cantora. O álbum teve um dueto com Shaggy e grande número de músicas de autoria de Toni Braxton. Igual máquina de produção em série, em 2002 começou a trabalhar no disco More Than a Woman, em que deixou bem definida sua marca feminina, e o grande amor pelo R&B e o Hip-Hop. Até 2010, reduziu as gravações, antes de retornar com outro CD excelente. 

Nos 20 anos de caminhada já poderia retirar o time de campo e viver dos direitos autorais de seus grandes sucessos, visto que já vendeu 40 milhões de discos, ganhou seis Grammies, sendo uma das mais bem sucedidas artistas femininas da atualidade. 

Average White Band: a Funk Music da Escócia

A década de 1970 trouxe outra surpresa no mundo da Funk Music: a criação da Average White Band na Escócia. País sem qualquer tradição de black music. Muitos críticos nem levaram a sério a empreitada, por causa dos inúmeros grupos norte-americanos, presentes na maioria das grandes gravadoras e responsáveis por milhões de discos vendidos. O grande dilema era como vender o som da Average White Band. Ela teria pela frente a competente Tower of Power, de maioria branca, mas que já havia conquistado o respeito da plateia norte-americana. No pensamento dos executivos do show biz, o público não iria trocar o certo (som de qualidade da Tower of Power) pelo duvidoso dos meninos da banda formada na Escócia, mais famosa por fabricar bom whisky.
Após muito sufoco, a Average White Band apareceu nas paradas norte-americanas, em 1974, com o disco  White Album. Repleto de canções Soul e obras-primas do Funk, o conjunto tornou conhecido o hit instrumental "Pick Up The Pieces". Incluíram também o remake "Work to Do", dos Isley Brothers, e "Nothing You Can Do", regravada mais tarde pelos irmãos Tavares.
Apoiada numa boa base de metais, a Average White Band era liderada pelo tenor Alan Gorrie e falsete de Hamish Stuart, ambos responsáveis por deixar bem quente o som do conjunto. O restante do grupo era composto por Onnie McIntyre, Malcolm Duncan, Roger Ball e Robbie McIntosh (morto em 1974 quando cheirou heroína pura pensando que fosse cocaína), substituído por Steve Ferrone.
Em 1975 lançam o álbum Cut The Cake, um dos melhores do grupo até hoje, repleto de bons hits, como "School Boy Crush", um cover de "Soul of Leon Ware", "If I Ever Lose This Heaven". Em cima desse disco, a banda emendou diversas turnês. Passaram a gravar com frequência, lançando cinco discos de sucessos nos três anos seguintes.
O curioso é que as rádios pop abandonariam a Average White Band em 1977, porém as de programação de black music a incluiria em sua programação até o fim dessa década. No Brasil fizeram parte de coletânea  da equipe de som Soul Grand Prix, em 1976, com a canção "Love Your Life", no auge do movimento Black Rio.
É dessa época as músicas "A Love of Your Own", "Cloudy" e o funk "Give It Up For Love" (do álbum de duetos com o soulman Ben E. King).
A década de 1980 fez a banda lutar sem sucesso para atualizar seu som para atender o mercado do show biz. Lançam o álbum Let´s Go Round Again, depois em 1982 soltam Cupid´s in Fashion, fracasso de vendas. A partir dai, cada membro tomou seu rumo: Alan Gorrie entrou para carreira-solo, Hamish Stuart virou guitarrista de Paul McCartney e Ferrone uniu-se a Duran Duran.
Em 1987, Gorrie retomou o leme e formou outra Average White Band com McIntyre, Ball e Duncan; produzindo o disco After Shock. As poucas vendas não desanimaram o grupo, que continuaram a lançar álbuns em 1996, 1999 e 2003, quando gravaram Living in Colour.
Em 2005, a banda soltou o CD Soul & The City. Continuam com a mesma pegada de black music, que conquistou diversos fãs em todo o mundo. Boa mostra do trabalho do conjunto pode ser conferido no CD The Best Of Average White Band, reunindo seus maiores hits na fase 1974/1982. É a prova que a Escócia não produz só Whisky, mas bons grupos musicais.

A 5ª Dimensão da música

O conjunto 5ª Dimensão nasceu em 1967, numa época em que os Estados Unidos enfrentavam grande tensão racial e era feroz a luta nas ruas pela preservação dos Direitos Civis conquistados pelos negros durante o governo do presidente Kennedy, assassinado em 1963.
Para reduzir a temperatura, um grupo de cantores africanos introduziram novo estilo de Soul Music, de harmonia leve, deixando as questões raciais em segundo plano. Era o início da carreira brilhante do grupo 5ª Dimensão, repleta de sucessos.
Os pais dessa criança, em 1965, foram os cantores Ron Townsend, Billy Davis Jr., e McLemore LaMonte. O trio era expert em ópera, Gospel e Jazz. Para deixar o conjunto mais bonito, tinham as meninas Florence LaRue e Marilyn McCoo (anos depois esposa de Davis Jr., com quem formaria dupla na década de 1970). O primeiro nome Versatiles acabou trocado pelo fundador da Motown Records, Berry Gordy. Ele escolheu o espacial 5ª Dimensão. O primeiro disco saiu pelo selo Soul City, de Johnny Rivers.
Após alguns tropeços, o quinteto colocou nas paradas de sucesso, o hit "Up Up and Away". Ganharam diversos Grammies. Para deixar o bolo mais gostoso, juntou-se a eles o produtor Bones Howe e os compositores Webb, Laura Nero, Burt Bacharach e o competente maestro Hal David (mais tarde arranjador da maioria das famosas canções gravadas pelos Jackson Five e Michael Jackson).
Os próximos álbuns seriam marcados por requintadas harmonias, justificando o nome de 5ª Dimensão. Logo o conjunto passou a frequentar os programas de televisão dos Estados Unidos e o estilo de vida e otimismo dos seus integrantes passaram a influenciar parte da população.
Em 1968, a música "Bell Blues Wedding", em que McCoo parecia cantar para o antigo namorado Davis Jr, explodiu nas paradas de sucesso norte-americanas. Depois, o grupo criou um medley de duas canções do musical Hair: "Aquarius/Let The Sunshine In". Tornou-se o hit mais vendido de 1969 e colocou o 5ª Dimensão no topo do show biz.
A década de 1970 provocou mudanças no estilo das canções do conjunto, concentrando-se menos em harmonias, com as composições ganhando um som mais pop. A pegada Soul Music caiu um pouco, mesmo sustentando boas colocações nas paradas. Os próximos anos contribuíram para tornar cada vez melhor a performance da vocalista Marilyn McCoo, como é visível nos hits "One Less Bell To Aswer", "Save The Country", "Last Night (I Didn´t Get To Sleep at All)" e o cover de "Never My Love".
Em 1975 o casal Davis Jr., e McCoo saiu da banda para carreira-solo e um bem-sucedido empreendimento musical numa emissora de televisão, garantindo o bom padrão de vida de ambos por mais de 30 anos. Essa experiência resultou no álbum The Many Faces of Love, gravado em 2008. O restante do 5ª Dimensão; LaRue, McLemore e Townson continuaram na estrada. Tiveram fracassos com a entrada de Marjorie Barnes e Beard Danny, mas depois deram a volta por cima.
A primeira versão do conjunto se reuniu em 1990 para apresentação em Atlantic City, emendando turnê com sucesso. Cinco anos depois, numa outra configuração incluindo LaRue, McLemore, Townson, o ex-Santana vocalista Greg Walker (vocalista solo do hit "Stormy") e Phyllis Battle, lançaram o álbum In The House pela Dick Clark Click Records.
Há dez anos morreu Townson e a aposentadoria tirou McLemore dos palcos. Atualmente, Florence LaRue continua como embaixatriz do 5ª Dimensão, apresentando nova versão do conjunto, composto por Willie Williams, Leonard Tucker, Patrice Morris e Floyd Smith.

A garra de Jerzee Monet para chegar ao sucesso

Na programação das boas rádios FMs brasileiras e nos bailes, a balada "Leave The Lights On", na década de 1980, tornou famosa a cantora de black music Jerzee Monet.  A mistura de bateria eletrônica, sintetizadores e voz sussurrante murmurando frases românticas é a receita de várias baladas norte-americanas para conquistar sucesso nas paradas.
Quando estava na 6ª Série, aos 12 anos, que seu professor descobriu que ela tinha talento para cantar. Ao terminar o Ensino Médio foi morar num bairro da periferia de Nova Jersey, onde montou um salão de cabeleireiro. O pai não gostou da escolha e a surrou. O velho sabia que segurar secador de cabelo e mexer com produtos de beleza não estavam no DNA de Monet.
Adepta da filosofia de que ninguém cresce profissionalmente, caso fique estacionado no mesmo lugar muito tempo, mudou-se para cidade de Virgínia. Insistiu novamente no trabalho de cabeleireira. Ao contrário de Nova Jersey, ali Monet tomou coragem e decidiu mergulhar de cabeça na carreira de cantora.
A grande vantagem, é que desde criança, já tinha gosto pela leitura. Poderia compor suas próprias canções. Segundo ela, o importante não é o que as pessoas pensam a seu respeito, porque os pensamentos são dela e ninguém poderá retirá-los. São a expressão daquela vida e todos querem ver a essência daquele alguém. Caso venha à tona, o respeito a acompanhará.
Como ocorreu com diversos artistas, Monet estava no lugar e hora certos quando conheceu Ruff Ryders no restaurante onde trabalhava. Após servir sua refeição, perguntou se estava atrás de artistas novos. Ryders sentou-se  e ouviu Monet cantar por alguns minutos.

O resultado agradou. Pois trocou rapidamente a cozinha e as louças do restaurante pelos microfones e instrumentos musicais. Tornou-se protegida de Ryders. Assinou contrato com a DreamWorks Records e Monet começou a esboçar o rascunho do seu primeiro disco. Escolheu o remix de "Most High", autoria do rapper DMX. Dai para frente vieram "First On, First Love", "Twisted", "Respect".
 Os restaurantes e salões de beleza perderam grande profissional, e os nossos ouvidos ganharam excelente cantora, cuja a caminhada ainda é longa.

Ronaldo e os Barcellos eram o som família do pagode

No final da década de 1990, o hit"Feliz Aniversário" fez sucesso nas rádios, bailes e rodas de samba. Teve também as canções "Entrego a Deus" e "Pingos de Amor", de Paulo Diniz. O nome do grupo de pagode era estranho: Ronaldo e os Barcellos. Alguns imaginavam que fosse resultado de uma reunião de amigos. Era família. Ronaldo Barcellos e seus quatro filhos e não três como aparece na capa do CD. Antes, formou parceria com Délcio Luiz e Lourenço, compondo diversos hits para o Exalta Samba ("Desliga e Vem"), Os Morenos ("Marron Bombom"), Karametade ("Se Melhorar Estraga"), Grupo Raça ("Eu e Ela") e Alcione ("Canoeiro").
Ao contrário de diversos paraquedistas no mundo do samba, que desconhecem completamente as estruturas teóricas da música; Ronaldo já tinha bastante bagagem antes de apostar na formação de um conjunto de pagode.
Na adolescência era membro da igreja Assembléia de Deus no Rio de Janeiro. Ali aprendeu a tocar trompete, sax-tenor, sax-shorn, além de cantar no coral de jovens. Pouco tempo depois estudou música na Universidade Federal do Rio de Janeiro. A partir dai começou a trabalhar em orquestras. Participou da banda do maestro Lafayette e do mago dos estúdios Lincoln Olivetti. Em 1975 gravou um disco pela gravadora CBS com músicas de Carlos Dafé e Lincoln Olivetti. É quando engrena parceria com Robson Jorge, amigo de Olivetti, fazendo trilhas sonoras para as novelas Pulo do Gato, Ossos do Barão, Te Contei, Dancin´ Days, todas da Rede Globo. As canções "Black Coco", "Kitch Zona Sul", "Desencontro" e "Tambourine" são dessa época.
Depois no final da década de 1970 e início da de 1980, trabalhou como backing vocal de Gilberto Gil, Gal Costa, Tim Maia, Simone, Alcione, Sandra de Sá. Também participou de gravações de discos com Roberto Carlos, Sérgio Mendes, Fagner, Elba Ramalho, Milton Nascimento, Sandy e Júnior, Raul Seixas, Marina Lima, Barão Vermelho e Luiz Melodia.

Stephen Bishop: como um admirador dos Beatles tornou-se sucesso

Aos 13 anos, em 1962, o sonho de Stephen Bishop era tornar-se professor de História, apesar de já tocar clarineta. Porém mudou de ideia ao assistir o show dos Beatles no programa de televisão The Ed Sullivan Show ( o Sílvio Santos dos norte-americanos nas décadas de 1950 e 1960).
Fez a cabeça do irmão para lhe comprar uma guitarra. Logo passou a compor. A primeira letra foi "Surf´s Turf". Fundou a banda The Weeds e passou a tocar em festas, incorporando suas músicas ao repertório de hit de sucessos da época.
Pouco tempo depois participa de um festival e ouve elogio profético de um dos jurados: "Stephen Bishop será um grande compositor um dia". Mudou-se para Los Angeles e passou a andar pelas ruas com seu violão acústico tocando canções de vários intérpretes norte-americanos. Registrou uma de suas composições numa editora, na esperança que alguém a gravasse. Retornou para casa e foi trabalhar na companhia de seguros do seu pai.
Mas como tem padrinho não morre pagão, segundo o ditado popular; o amigo Art Garfunkel interessou por suas letras e grava "Breakaway". Logo apareceram outros artistas para incluir suas composições nos seus discos. Entre eles Barbra Streisand, Bette Midler, Diana Ross e Michelle Phillips.
O caminho para concretizar o sonho de cantar tornou-se realidade ao assinar contrato com a ABC Records, na década de 1970, onde lançou seu primeiro álbum. Dois hits chegam às paradas de sucesso dos Estados Unidos: "Save It For a Rainy Day" e "On and On", que no Brasil fez sucesso nos bailes e entrou nas programações de flash back da rádios FMs. Ganha o Disco de Ouro; repetindo o mesmo no segundo disco Bish.
A partir dai Stephen Bishop entrou na agenda dos grandes nomes da música norte-americana. Gravam suas composições Eric Clapton, Phil Collins, Stephanie Mills, Kenny Loggins, Johnny Mathis, David Crosby, Four Tops e Luciano Pavarotti.
Para deixar a cobertura do bolo mais gostosa, canta o tema "It Might be You" do filme Tootsie. Depois escreve 13 trilhas sonoras, para diversas produções de Hollywood, entre elas Animal House, Separate Lives e White Nights. É nomeado para dois Grammys e indicado ao Oscar pela canção "Separate Lives".  Ñão há dúvida de que a profecia do jurado tornou-se realidade na vida artística de Stephen Bishop.

Philip Bailey: a voz de cristal da Earth, Wind & Fire

Quem já teve o prazer de assistir ao show da banda Earth, Wind & Fire, como este que vos escreve, fica maravilhado com a potência dos agudos de Philip Bailey, além, claro, de interpretar a canção. Transmite ao público o sentimento daquela música. Ao lado de Maurice White (afastado por doença) marcou o vocal deste grupo, na ativa desde 1968.

Além de excelente cantor, ele é baterista, pianista, percussionista e toca trompete. Transita facilmente pelo Rock, Blues, Gospel, Funk, Soul, Jazz e Disco Music.

O falsete de Philip torna as composições mais bonitas. Exemplo disse é o hit "Reasons", sucesso da Earth, Wind & Fire há 36 anos. Sua qualidade é fazer sua voz subir quatro oitavas, sem que pareça grito. Este detalhe contribuiu para a banda ganhar  seis vezes o Grammy, colocar 33 singles nas paradas pop e abocanhar 50 Discos de Ouro e de Platina. 

Na década de 1960, Philip já cantava em outros grupos vocais, até surgir a oportunidade de entrar na Earth, Wind & Fire, aos 19 anos. Alguns imaginam que a carreira-solo, iniciada em 1982, seja sinal de sua saída do conjunto onde está desde 1968. Pelo contrário. Continua firme no posto. Apenas resolveu premiar as pessoas de bom gosto com um álbum solo. Ao assinar contrato com a Columbia Records, a caminhada teve início. Dois anos depois, numa co-produção dele e Phil Collins, lançou o single "Easy Lover". O trabalho rendeu  seu primeiro Disco de Ouro solo.  

Voltou à carga em 1986 com o álbum Bailey"S, depois gravou Inside Out direcionado ao público cristão, visto que ele é evangélico. Um dos destaques do disco é canção "long Distance Love" Após lançar outro

 disco com a Earth, Wind & Fire, indicada ao Grammy em 1994, produziu o CD Here With Me,Pop e R&B. Quatro anos depois lançou o álbum Life and Love. Estouro total nas paradas da Europa, já em 1999

 mudou o rumo, gravando o Disco Dreams, repleto de canções jazzísticas de autores consagrados. 

Álvaro Tito: uma das vozes mais belas do Gospel do Brasil

Álvaro Tito é considerado um dos melhores cantores do Gospel do Brasil. Sua voz é parecida com a de Stevie Wonder, apesar de seus agudos lembrar o vocalista Philip Bailey da banda Earth, Wind e Fire. Ele começou ainda, adolescente, no início da década de 1980 a cantar louvores (entre os evangélicos as músicas são conhecidas como hinos ou louvores de adoração a Deus), numa época em que esse gênero era muito discriminado pela maioria dos veículos de comunicação, principalmente pela Rede Globo, que hoje corre atrás de vários intérpretes evangélicos para gravar no selo Som Livre.
Antes de lançar seu primeiro disco pelo extinta gravadora  Desperta Brasil, Álvaro Tito já colecionava diversos troféus ganhos em concursos disputados nas igrejas evangélicas.
Seu talento era visível nas disputas com concorrentes que interpretava louvores escritos por compositores consagrados. Porém, sua estratégia era apresentar suas próprias letras. Na maioria das disputas, acabava ganhando. É dessa época as canções "O Amor de Deus" e "Meu Refúgio". No seu primeiro álbum, o grande destaque era o hit "Meu Ser Para Cristo", de autoria própria. Mas o grande salto da carreira ocorreu em 1986, quando gravou o disco Não Há Barreiras, lançado pela Polygram (atual Universal Music). É deste álbum a melodiosa música "Pelo Sangue de Jesus", um Blues de estremecer o mais duro coração. Outro destaque é "Nosso Amor", autoria de Ed Wilson e Joran. Seu nome percorreu todo o Brasil, pois diversas igrejas evangélicas queriam ouvi-lo cantar ao vivo, o que faz muito bem, principalmente usando bastante seus agudos.
Como as gravadoras tratavam cantores evangélicos com pouco caso, Álvaro Tito fazia os próprios arranjos e tocava bateria nas diversas faixas. Isto aos 16 anos.
Entre discos de vinil e CDs, já gravou mais de uma dezena de trabalhos, sempre na linha Gospel. Seu enorme potencial artístico lhe dá o luxo de nas apresentações cantar louvores em ritmo de Reggae, Jazz, Blues, Soul, Guarânia. Os grandes destaques na sua voz são "Quem te Salvará", "Não Há Barreiras" e "Deus Transforma".
Ao contrário de vários intérpretes dos Estados Unidos, que criados dentro das igrejas cristãs, partiram para gravar músicas fora do segmento Gospel, casos de Whitney Houston, Elvis Presley, Janis Joplin, Lionel Ritchie, Isley Brothers, Denicie Williams, Philip Bailey (Earth, Wind & Fire); Álvaro Tito recusa até hoje convites para colocar sua voz em canções que não sejam de louvor a Deus.