Nina Nesbitt: De escritora a cantora de sucesso

Ela também escreveu músicas para artistas como Jessie Ware e Olivia Holt

Luís Alberto Alves / Hourpress

Singer e mistura de melodias pop de inspiração, instrumentação parte-acústico do compositor Nina Nesbitt, e anseio relação angústia viu seu elenco como a contraparte feminina de Ed Sheeran quando foi convidada para abrir shows para ele como um adolescente. No entanto, Nesbitt esculpiu sua própria identidade e teve um sucesso no Reino Unido com "Stay Out" antes de aterrissar fora do Top Ten com sua estréia em longa-metragem, Peroxide de 2014. Ela também escreveu músicas para artistas como Jessie Ware e Olivia Holt.

O EP da Apple Tree Embora ela originalmente quisesse ser uma escritora, a Nesbitt, nascida na Escócia, eventualmente começou a criar seus contos para a música que ela escreveu no piano e, mais tarde, no violão. Aos 16 anos, ela começou a se apresentar em Edimburgo e estabeleceu um canal de vídeo, onde postou uma mistura de músicas e covers originais. Em 2011, um encontro casual e uma performance in loco de sua música "Standing on one leg" para a sensação pop Ed Sheeran levaram a slots de apoio e uma participação especial no palco durante sua turnê nacional.

Enquanto isso, sua versão de "Stay Awake" de Example foi ouvida pelo rapper do Reino Unido, e ele convidou Nesbitt para se juntar a ele para encontros no final de sua turnê no Reino Unido. Ela lançou seu primeiro EP, The Apple Tree, em 2012, e recebeu suporte de rádio da BBC Radio 1.

Stay Out Um contrato de gravação com a Island / Universal logo se seguiu, assim como uma série de EPs, incluindo o 2013's Stay Out. Ele passou uma semana no quadro da Billboard Heatseekers, enquanto a faixa-título alcançou o número 21 na parada de singles do Reino Unido. "Stay Out" reapareceu na estreia do Nesbitt em 2014, Peroxide de 2014, que chegou ao número 11 no Reino Unido e 40 na Irlanda.

Ele apresentava outras músicas de seus EPs anteriores ao lado de material original. 2014 também viu o lançamento do LP x de Sheeran, que incluiu as músicas "Nina" e "Photograph", ambas inspiradas pelo breve relacionamento do casal. O Nesbitt EP Modern Love seguiu no início de 2016 antes de se separar da Island. Mais tarde, em 2016, ela lançou o Life in Color EP e assinou com a Cooking Vinyl.

O Sol Surgirá, As Estações Mudarão Sua estréia como Vinil de Culinária foi Somebody Special EP de 2018. Sua música-título chegou ao Top 100 da Irlanda e recebeu remixes oficiais de Leon Lour e R3hab. No final do ano, a versão de Nesbitt de "Oh Holy Night" chegou à Suécia. Ela excursionou em apoio a Rudimental no início de 2019 antes de embarcar em uma turnê nos Estados Unidos. Enquanto isso, a Cooking Vinyl lançou seu segundo longa-temporada, The Sun Will Come Up, o Seasons Will Change, em fevereiro. Apresentou produção de Nesbitt, Fraser T. Smith (Adele, Gorillaz), Lostboy (Anne-Marie) e Jordan Riley (Dakota, Dan Caplen).

https://www.youtube.com/watch?v=zM_zwLbGNH0

https://www.youtube.com/watch?v=N0U0RFhuUTA
https://www.youtube.com/watch?v=6YPzivQ1lVc

Sharon Van Etten: A música que evoca uma América mais expansiva

Ela credita suas experiências corais como indispensáveis ​​para aprender a cantar musicalmente

Luís Alberto Alves / Hourpress

Embora ela tenha nascido e crescido no subúrbio de Nova Jersey, a música folclórica de Sharon Van Etten evoca as paisagens abertas de uma América mais expansiva. Estudante dedicada ao coro durante sua infância, ela estudou clarinete, violino e piano antes de seguir para a guitarra. Ela começou a escrever músicas no ensino médio e cantou em um grupo de coral, os Madrigals. Ela credita suas experiências corais como indispensáveis ​​para aprender a cantar musicalmente, bem como para cantar harmonias.

Após a formatura, Van Etten mudou-se para Murfreesboro, Tennessee, para cursar a Middle Tennessee State University. Lá ela estudou gravação até que ela desistiu um ano depois. Ela permaneceu na cidade por mais de quatro anos, trabalhando na Red Rose, uma combinação de café, loja de discos e local de música. Ela escreveu músicas durante todo o período, mas nunca se apresentou. Depois de uma crise pessoal, ela voltou brevemente para Nova Jersey, onde trabalhou como sommelier em um estabelecimento de vinhos e restaurantes.

Depois de finalmente se mudar para o Brooklyn, ela começou a tocar em pequenos espaços públicos e a gravar suas músicas em CD-Rs individualmente pintados à mão. Ela os vendeu em shows e via seu site. Em um show, ela entregou um para Kyp Malone da TV on the Radio. (Ela conhecera o irmão dele no ensino médio.) Depois de ouvir, ele encorajou-a entusiasticamente a seguir uma carreira musical.

Van Etten continuou a executar, mas estava determinado a aprender sobre o negócio da música. Para esse fim, ela conseguiu um estágio na Ba Da Bing Records através de um amigo da faculdade. (Ela teria mais tarde um papel como publicista em tempo integral.) Enquanto trabalhava lá, ela continuou a escrever, tocar publicamente e gravar em particular. O primeiro álbum lançado nacionalmente por Van Etten foi orquestrado por 2009 porque I Was in Love, gravado para a Language of Stone, um selo fabricado e distribuído pela Drag City, de Chicago. As críticas foram quase universalmente positivas e ajudaram a garantir sua abertura nas turnês de outros artistas, além de encabeçar seus primeiros shows fora da Costa Leste. Este esforço foi seguido pela exuberante Epic em 2010, que foi saudada por mais elogios.

 No final de 2010, Van Etten começou a se abrir para o National em turnê e trabalhar com Aaron Dessner como produtor no estúdio. Sua colaboração resultou em seu terceiro álbum, Tramp, lançado no início de 2012. Em apoio ao álbum, ela fez uma turnê pelos Estados Unidos como headliner e também tocou em clubes e festivais na Europa. Em 2013, ela cantou no National's Trouble Will Find Me.

We We ThereVan Etten retornou ao estúdio para gravar seu quarto álbum e co-produziu com Stewart Lerman. Are We There foi lançado em maio de 2014 para alguns dos mais aclamados pela crítica de qualquer álbum daquele ano. Ela seguiu em 2015 com o EP de cinco faixas I Don't Want Let You Down.

Em 2016, Van Etten assumiu o papel de Rachel na série de ficção científica e drama da Netflix, The OA, de Brit Marling e Zal Batmanglij, e no ano seguinte ela contribuiu com um cover de "The End of the World" de Skeeter Davis para a trilha sonora de A popular série distópica da Amazon, The Man in the High Castle.
Remind me TomorrowVan Etten retornou em janeiro de 2019 com Remind Me Tomorrow, um álbum que a encontrou explorando novos territórios sonoros.

https://www.youtube.com/watch?v=4JMsFlUe_Q0

https://www.youtube.com/watch?v=L8G6SFRXe3c

https://www.youtube.com/watch?v=j7sTHoeH0eA

Maggie Rogers: A diva que deu um esmalte Pop a sua música

Começou a tocar harpa aos sete anos e amava a música de Gustav Holst e Vivaldi

Luís Alberto Alves / Hourpress

A cantora / compositora Maggie Rogers combina folk, dance e R & B em um som emocional e que agrada a todos. Depois de lançar dois álbuns de músicas introspectivas e acústicas e se apaixonar pela dance music enquanto estava na faculdade, seu primeiro grande sucesso veio com o sucesso viral de 2016, "Alaska". Em lançamentos posteriores como seu álbum de estreia de 2019 Heard It in a Past Life, ela deu à sua música um esmalte pop, mantendo-se fiel às suas raízes.

The Echo Crescendo em Easton, Maryland, Rogers começou a tocar harpa aos sete anos e amava a música de Gustav Holst e Vivaldi. Enquanto isso, a mãe dela tocava suas divas do neo-soul como Erykah Badu e Lauryn Hill; quando ela estava no ensino médio, ela adicionou piano, guitarra e composição ao seu repertório. Enquanto estudava na St. Andrews School, em Delaware, ela se apaixonou pelo banjo e pela música folclórica e participou de um programa da Berklee School of Music durante o verão, depois de seu primeiro ano. Rogers ganhou o concurso de composição do programa, o que a estimulou a se concentrar em escrever quando o ensino médio chegou ao fim.

Durante seu último ano, ela transformou um armário de vassouras em um estúdio improvisado e gravou o que se tornou seu primeiro álbum, The Echo, de 2012; Rogers incluiu suas demos como parte de sua inscrição no Instituto Clive Davis de Música Gravada da Universidade de Nova York. Durante seu primeiro ano, ela transcreveu e editou as entrevistas que se tornaram o livro 2017 Meet Me in the Bathroom, enquanto ela era estagiária para a jornalista de música Lizzy Goodman. Ela lançou outro álbum folclórico, Blood Ballet 2014, enquanto ela estava no segundo ano.

Agora que a luz está desaparecendo Nos próximos anos, o som de Rogers evoluiu, graças em parte ao seu tempo em Nova York e sua descoberta da música eletrônica enquanto estudava no exterior na França. Ela uniu as diferentes vertentes de sua música ao grande sucesso de 2016 com "Alaska", uma canção que ela escreveu em 15 minutos sobre uma caminhada para uma master class com Pharrell Williams. Um vídeo de uma Williams visivelmente tocada ouvindo a música se tornou viral em junho, resultando em milhões de visualizações, bem como centenas de milhares de peças de The Echo and Blood Ballet. Mais tarde naquele mês, ela lançou a versão final de "Alaska", que alcançou o número 18 na parada Hot Rock Songs da Billboard.

Rogers assinou um contrato com a Capitol Records que lhe permitiu manter a propriedade de seus mestres e criou sua própria editora Debay Sounds, na qual o EP “Now the light is fading” apareceu em fevereiro de 2017. Um single do EP, “On + Off, "chegou ao número 44 na parada da Hot Rock Songs naquele mês. Em setembro de 2017, Rogers lançou o single "Split Stones", um dos favoritos em seus shows, antes de se concentrar em fazer seu primeiro álbum. Com produção de Greg Kurstin, Rostam e Ricky Reed, Heard It in a Past Life chegou em janeiro de 2019; Naquele mês, o single "Light On" chegou ao primeiro lugar da parada da Adult Alternative Songs da Billboard.

https://www.youtube.com/watch?v=NgWC5oEuyjU

https://www.youtube.com/watch?v=bR1d8l92Q8Q

https://www.youtube.com/watch?v=PNWsW6c6t8g

Saudade: Há 60 anos, o Rock perdia Ritchie Valenz, Buddy Holly e Big Bopper

Valenz, autor de sucessos como "La Bamba" e "We Belong Together"

 

Buddy e sua inesquecivel banda, que inspiraram Beatles e Rolling Stones

O acidente de avião que provocou grande perda no Rock

 

Big Bopper, o Dj que abriu as rádios para o Rock na década de 50

Valenz entrou para a história da música com os hits “La Bamba”, “Donna” e “We Belong Together” 

Luís Alberto Alves/Hourpress

 Em alguns momentos da vida nos deparamos com a inexplicável palavrinha “se”. Hoje aplico o “se” aos eternos ro     queiros Ritchie Valenz, 17 anos,  e Buddy Holly, 22 anos. Caso os dois não tivessem morrido no fatídico início de madrugada daquele domingo de 3 de fevereiro de 1959, na pequenina cidade de Mason, Estado de Iowa, Oeste dos Estados Unidos, como seria (olha de novo o se aqui) o Rock atualmente? Correndo por fora o DJ Bopper, que abriu os microfones das rádios para bandas iniciantes.

 Para os desavisados ou desconectados, Valenz entrou para a história da música com os hits “La Bamba”, “Donna” e “We Belong Together”. Holly e sua banda The Crickets serviram de inspiração para Beatles e Rolling Stones. No final da década de 1950 o Rock enfrentava um clima pesado, com Elvis Presley prestando Serviço Militar, Chuck Berry (ensinou Keith Richards dos Stones a tocar guitarra) preso e Little Richard afastado dos palcos.

 Valenz morava numa favela no Vale de San Fernando, periferia de Los Angeles. Filho de mexicanos, aos 15 anos mergulhou de cabeça na música, competindo com Elvis Presley, Chuck Berry, Buddy Holly, Little Richard, Bill Haley e Seus Cometas, Fat Domino (o homem que gravou o primeiro rock do mundo e Sam Cooke, autor da inesquecível “You Send Me”.

 Após formar a primeira banda em 1957, com dois negros, um americano descendentes de mexicanos e outro de origem japonesa, foi descoberto pelo produtor Bob Keane, o mesmo que apostou nos talentos de Sam Cooke Barry White. Gravou o compacto simples (disco de vinil com apenas duas músicas) com o hit “Come on Let´s Go”.

 O ano de 1958 marcou a explosão da canção “Donna”, cuja letra surgiu num orelhão em homenagem à colega de escola, Donna Ludwig, o grande amor de sua vida. O hit chegou ao segundo lugar das paradas dos Estados Unidos. Numa viagem ao México transformou na pegada de rock, a canção folclórica “La Bamba”.

 A partir dai a vida de Valenz tomou ritmo alucinante. Para cumprir a extensa agenda de shows, só utilizando avião. Assim poderia estar se apresentando em diversos locais numa mesma noite. Para pagar dívidas, Buddy Holly também adota a mesma tática, usando aeronaves para vencer rapidamente as distâncias. Prodígio, teve a ideia de deixar o contrabaixo ao lado da bateria quando cantava ao vivo. Logo diversos artistas imitaram seus gestos. Nos estúdios conseguia fazer milagres numa aparelhagem limitada, que só na década de 1970, outras bandas imitariam.

 Como ninguém é capaz de prever as surpresas do destino, os três embarcaram num avião monomotor naquela madrugada de domingo, 3 de fevereiro de 1959, após saírem de um show na cidade de Clear Lake. A pressa deixou para trás o medo da tempestade de neve, que minutos depois iria derrubar a aeronave e provocar sua explosão numa plantação de milho.

 https://www.youtube.com/watch?v=AzgSFJEsg1I

https://www.youtube.com/watch?v=Jp6j5HJ-Cok

https://www.youtube.com/watch?v=SPNcJhEYH0A

https://www.youtube.com/watch?v=hsjI7ekciZs

https://www.youtube.com/watch?v=wAQrzQpkovg

https://www.youtube.com/watch?v=gNeeu6_e6oQ

Dennis Edwards: Um dos grandes duetos da década de 1980

Ele saiu pela primeira vez em 1977, retornou em 1979 e saiu novamente em 1983

Luís Alberto Alves / Hourpress

"Once uma Tentação, sempre uma Tentação" pode ter sido o lema do vocalista explosivo Dennis Edwards, que se juntou, saiu e voltou ao grupo três vezes. Edwards nasceu em Birmingham, mas sua família se mudou para Detroit quando ele tinha sete anos. Como um estudante do Ensino Médio, Edwards cantou com o grupo gospel Crowns of Joy, então formou uma banda de soul-jazz chamada Dennis Edwards & the Firebirds, inspirada pelo organista Richard "Groove" Holmes.

A lenda do baixo da Motown, James Jamerson, ouviu Edwards cantando uma noite e sugeriu a audição. Eles precisavam de um vocalista rapidamente para o Contours, e sua participação em "It's So Hard Being Alone" foi a entrada de Edwards na empresa. Uma música que ele gravou para Soulsville, "Eu não tive (mas eu fiz)", teve uma reação moderada, mas Edwards logo foi contratado para substituir David Ruffin como vocalista das Temptations em 1968. Ele passou os nove anos seguintes em esse papel, o seu corajoso leva alimentando canções como "Cloud Nine", "Eu não posso chegar ao seu lado", "Ball of Confusion" e "Psicodélico Shack", bem como os singles inovadores "Papa era um Rollin ' Pedra "e" Obra Prima. " Ele saiu pela primeira vez em 1977, retornou em 1979 e saiu novamente em 1983.

Em 1984, Edwards, solo mais uma vez, fez um dos grandes duetos da década, "Don't Look Any Further", com Siedah Garrett. Estreitamente perdeu o topo da tabela de R & B da Billboard. Não havia muitos números que melhor combinassem sensualidade, assertividade vocal, excelente produção e um excelente arranjo. O follow-up, "(You're My) Afrodisíaco", foi um dos 20 melhores do R & B, mas as coisas esfriaram consideravelmente. "Coolin 'Out" foi o hit final de Edwards, chegando ao número 23, mas ele retornou às Temptations em 1987.

Edwards reuniu-se brevemente com as ex-Temptations David Ruffin e Eddie Kendricks no trio Ruffin / Kendricks / Edwards, mas nada foi lançado. Juntamente com outros membros das Temptations, ele foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 1989. Durante as três décadas seguintes, ele continuou a se apresentar, primeiro como o líder de Dennis Edwards & the Temptations e depois de uma disputa legal. com o membro do grupo original Otis Williams, o Temptations Review apresentando Dennis Edwards. Edwards morreu em fevereiro de 2018 aos 74 anos de idade.

https://www.youtube.com/watch?v=oC5llAkPku8

https://www.youtube.com/watch?v=QpD9BR5mekc

https://www.youtube.com/watch?v=CH3rx8LhrQo

Lisa Lisa: Uma das feras do Dance/Pop da década de 80

O grupo rapidamente assinou com a Columbia Records 

Luís Alberto Alves / Hourpress

Com base no Brooklyn, a vocalista Lisa Lisa (Lisa Velez) e sua banda de apoio, Cult Jam (Mike Hughes e Alex "Spanador" Moseley), foram um dos grupos dance-pop / R & B mais consistentes da metade dos anos 80. Hughes e Mosley também eram membros da Full Force, o grupo funk que apresentava e produzia a maioria dos álbuns de Lisa Lisa e Cult Jam.

Straight Outta Hell's KitchenLisa Lisa e Cult Jam gravaram seu single de estréia, "I Wonder se I Take You Home", logo após a formação em 1985, lançando-o como um single independente. O grupo rapidamente assinou com a Columbia Records, que relançou o single; subiu para o R & B Top Ten e para o Top 20 do Reino Unido. O grupo acumulou várias músicas de sucesso nos anos 80, mas no final da década seu sucesso começou a secar; eles se separaram após o Straight Outta Hell's Kitchen de 1991. Lisa Lisa embarcou em uma carreira solo, lançando o malsucedido LL 77 em 1993.

https://www.youtube.com/watch?v=l6E-CYzqr_w

https://www.youtube.com/watch?v=zWtRLBLAMlc

Bryan Loren: O cantor das trilhas sonoras dos Simpsons

Chegou ao número 23 do R & B nas paradas da Billboard

Luís Alberto Alves / Hourpress

Multi-instrumentista / compositor / artista / produtor Bryan Loren, single de estréia suave mid-tempo "Lollipop Luv" foi um sucesso Top 30 R & B em 1984. Loren, cujos créditos de produção e composição variam de Vesta Williams, Eric Benet (como metade de o irmão-irmã Benet), Michael Jackson (Perigoso), Barry White (Noite Certa & Barry White), Sting (Nada Como o Sol), e Os Simpsons da Fox-TV, é um multi-talento a ser levado em conta.

Pirulito Luv O nativo de Long Island, NY, assinou com a Philly World Records, da Filadélfia, com Nick Martinelli (Mangá, Phyllis Hyman, Regina Belle e Stephanie Mills) dirigindo as tarefas de produção de seu primeiro disco, Bryan Loren, lançado em junho de 1984. O primeiro single da gravadora distribuída da Atlantic Records, "Lollipop Luv", chegou ao número 23 do R & B nas paradas da Billboard na primavera de 1984. Ele está incluído no The Best of Philly World Records. O follow-up, o suave e funky "Do You Really Love Me" registrou o número 68 R & B no verão de 1984.

Embora as produções posteriores de Loren em vários artistas fossem muitas vezes enérgicas e às vezes muito funky, Bryan Loren era bastante lânguido, suave como xícara de café quente. O LP e os singles de 12 "e 45", incluindo o terceiro single "Easier Said Than Done" a partir de "For Tonight", tornaram-se colecionáveis.

The Simpsons Sing the BluesLoren também escreveu e produziu sucessos para Vesta Williams ("Algo sobre você", "Não exploda uma coisa boa"), Shanice Wilson ("[Baby Me diga] Can You Dance"), e "Faça o Bartman "da trilha sonora de dois milhões de filmes vendidos em 1991 pela The Simpsons da Fox-TV, The Simpsons Sing the Blues.

Alguns de seus outros créditos incluem "Wait for Me" - não deve ser confundido com o hit Slave - do álbum MCA de 1990 da ex-Sugar Babes Stacy e Kymoko e o aventureiro solo de Mic Murphy do System ( "Não perturbe este Groove") em East West. Loren fez mais um LP, Music for the New World, lançado por Arista em 1992. Os lançamentos de 1999 relacionados a Loren são o auto-intitulado álbum A & M da Johnson & Branson e o ex-membro do Three Dog Night Chuck Negron's Hip-O CD Long Way Back.

https://www.youtube.com/watch?v=SQ3YQpM8XZQ

https://www.youtube.com/watch?v=InVFR_ZA-q4

https://www.youtube.com/watch?v=G1LEuEVVHCE

Siedah Garret: Uma das back de Quincy Jones

Luís Alberto Alves / Hourpress

Cantora / compositora e cantora de back-up com Quincy Jones e Michael Jackson, seus álbuns solo incluíram "K.I.S.S.I.N.G." e "Recuse-se a ser solto". Ela gravou a partir de 1985, apesar de seu único full-length foi o Kiss of Life de 1988.

https://www.youtube.com/watch?v=0aEZAYSc_bs

https://www.youtube.com/watch?v=fKBiYBWRYDM

https://www.youtube.com/watch?v=AxMFtfXqip4

James Ingram: Primeira perda da música em 2019

Ele fez seu primeiro sucesso solo, "I Don't Have the Heart"

Luís Alberto Alves / Hourpress

James Ingram começou a tocar com a banda Revelation Funk no início dos anos 70, mudando de Akron, Ohio para Los Angeles em 1973. Durante os anos 70, Ingram apoiou Ray Charles na estrada com vocais de apoio e piano, tecladistas por trás dos Coasters Os oldies de Dick Clark voltam, e foi o diretor musical de Leon Haywood.

  Depois de ouvir uma demo dele cantando "Just Once", Quincy Jones pediu a Ingram que se apresentasse em seu novo álbum. Lançado em 1980 no The Dude, o número 17 "Just Once" foi o primeiro sucesso de Ingram, resultando em três indicações ao Grammy - Melhor Artista, Melhor Vocal Pop Masculino e Melhor Vocal R & B - nas duas últimas categorias.

Ao longo dos anos 80, Ingram teve sucessos regulares e populares cantando duetos, mas todos os seus álbuns solo não conseguiram influenciar nas paradas; em 1990, ele fez seu primeiro sucesso solo, "I Don't Have the Heart".

https://www.youtube.com/watch?v=j4QG7LKybeM

https://www.youtube.com/watch?v=ueuhotKqv1U

Paul Butterfield: Outro grande talento destruído pelas drogas

Mas seu som foi um grande catalisador em trazer o blues elétrico de Chicago ao público branco 

Luís Alberto Alves / Hourpress

Paul Butterfield foi o primeiro jogador de gaita branca a desenvolver um estilo original e poderoso o suficiente para colocá-lo no panteão dos verdadeiros grandes nomes do blues. É impossível superestimar a importância das portas que Butterfield abriu: antes de ele ganhar destaque, os músicos brancos americanos tratavam o blues com respeito cauteloso, com medo de parecerem inautênticos.

Não apenas Butterfield abriu o caminho para os músicos brancos basearem-se na tradição do blues (em vez de simplesmente reproduzi-lo), mas seu som foi um grande catalisador em trazer o blues elétrico de Chicago ao público branco que antes considerava o acústico blues Delta o único realmente Artigo genuíno. Suas gravações iniciais de meados dos anos 60 - com o lendário primeira edição, racialmente integrada do Blues Band Paul Butterfield - foram eclético, inovador ofertas que fundidos blues elétrico com rock & roll, psicodelia, jazz, e até mesmo (na música clássica indiana de East-West). À medida que membros dessa banda - que incluíam Michael Bloomfield e Elvin Bishop - se afastaram, o impacto geral da música de Butterfield diminuiu, mesmo que sua harpa amplificada ainda estivesse acima de qualquer reprovação.

 Ele tinha desaparecido da cena em meados dos anos 70, e foi vítima de problemas de saúde e dependência de drogas que, infelizmente, alegou sua vida prematuramente. Mesmo assim, a enormidade do impacto inicial de Butterfield garantiu que seu legado já estivesse garantido.

Butterfield nasceu em 17 de dezembro de 1942, em Chicago, e cresceu em Hyde Park, uma área liberal e integrada no lado sul da cidade. Seu pai, um advogado, e mãe, um pintor, incentivou os estudos musicais de Butterfield desde muito jovem, e ele aprendeu a flauta durante o ensino médio, com o primeiro flautista da Orquestra Sinfônica de Chicago servindo como seu professor particular por um tempo. . A essa altura, no entanto, Butterfield estava se interessando pela música blues que permeava o South Side; Nick Gravenites (um futuro cantor, guitarrista e compositor) começou a bater os clubes de blues da região em 1957.

 Butterfield foi inspirado a tocar guitarra e gaita, e ele e Gravenites começaram a tocar juntos nos campi universitários em todo o meio-oeste. Depois de ser forçado a recusar uma bolsa de estudos para a Brown University por causa de uma lesão no joelho, Butterfield entrou na Universidade de Chicago, onde conheceu um fã de blues branco do guitarrista Elvin Bishop. Butterfield estava evoluindo para um cantor decente, e não muito depois de conhecer Bishop, ele concentrou toda a sua energia musical na gaita, desenvolvendo sua técnica (principalmente na harpa diatônica, não cromática) e no tom; Ele logo abandonou a faculdade para seguir música em tempo integral.

Depois de uma intensa queima de madeira, Butterfield e Bishop começaram a fazer as rondas dos clubes de blues do South Side, sentados sempre que podiam. Eles eram frequentemente os únicos brancos presentes, mas foram rapidamente aceitos por causa de seu entusiasmo e habilidade. Em 1963, o clube de North Side, Big John's, ofereceu uma banda à banda de Butterfield; ele já havia recrutado a seção rítmica de Howlin 'Wolf - o baixista Jerome Arnold e o baterista Sam Lay - oferecendo mais dinheiro e substituindo o guitarrista original Smokey Smothers por seu amigo Bishop. O novo quarteto fez um respingo instantâneo com suas versões hard-driving dos padrões de blues de Chicago. No final de 1964, o Paul Butterfield Blues Band foi descoberto pelo produtor Paul Rothchild, e depois de adicionar o guitarrista Michael Bloomfield, eles assinaram com a Elektra e gravaram várias sessões para um álbum de estréia, cujos resultados foram posteriormente cancelados.

Folksong '65 No início, havia atrito entre Butterfield e Bloomfield, já que o homem da gaita modelava seu estilo de bandleadora após mestres como Howlin 'Wolf e Little Walter; depois de alguns meses, o respeito pelas habilidades musicais um do outro venceu, e eles começaram a se sentar juntos em clubes de blues pela cidade. Uma música de sua primeira sessão abortada, a "Born in Chicago" escrita por Nick Gravenites, foi incluída no Samks Folksong '65, da Elektra, e criou um forte burburinho sobre a banda. No verão de 1965, eles entraram novamente no estúdio para uma segunda chance em seu álbum de estréia, acrescentando o organista Mark Naftalin como um sexto membro permanente durante as sessões.

Nesse meio tempo, eles foram contratados para tocar no Newport Folk Festival daquele ano. Quando Bob Dylan testemunhou seu desempenho bem recebido em uma oficina de blues urbana durante o festival, ele recrutou a banda de Butterfield para apoiá-lo em parte do seu próprio set naquela noite. Vaiada por puristas acústicos, a performance plugada de Dylan com o Butterfield Band finalmente abalou o mundo folclórico até suas fundações, dando início a um movimento popular de Folk-Rock que efetivamente significou o fim do renascimento tradicional do Folk.

Ele começou a tocar mais em Los Angeles durante o início dos anos 80, e eventualmente se mudou para lá permanentemente; ele também excursionou em uma base limitada em meados dos anos 80, e em 1986 lançou seu último álbum, The Legendary Paul Butterfield Rides Again. No entanto, seu vício estava levando-o à falência e, nos últimos dez anos, ele viu Mike Bloomfield, Muddy Waters e o empresário Albert Grossman morrerem, cada perda deixando-o abalado. Em 4 de maio de 1987, Butterfield morreu de uma overdose de drogas; ele não tinha 45 anos de idade.

https://www.youtube.com/watch?v=e3LEhfbKCSc

https://www.youtube.com/watch?v=0v726syh2Ts

https://www.youtube.com/watch?v=dwMqBvBLJio

Dusty Brown: O invasor do circuito de Blues da Windy City

Foi anfitrião de vários veteranos do blues de Chicago, incluindo Sunnyland Slim e Hip Linkchain

Luís Alberto Alves / Hourpress

Um mestre da harmônica de Blues que fez seu nome em Chicago nos anos 50, Dusty Brown nasceu em 11 de março de 1929 em Tralake, Mississippi. Ele começou a tocar gaita quando tinha 13 anos e cresceu em uma comunidade rural. Em 1946, Brown deixou o Mississippi e se estabeleceu em Chicago, Illinois, onde esperava encontrar um trabalho melhor e uma chance de deixar uma marca na lendária comunidade de música blues da cidade.

Lenta mas seguramente, Brown invadiu o circuito de blues da Windy City, dividindo palcos com grandes artistas como Muddy Waters e Little Walter. Em 1955, Brown fez sua estréia na gravação com "He Don't Love You" com "Yes She Gone", um single do selo Parrot, de Chicago; o rótulo dobrou em 1956 antes que Brown pudesse fazer um follow-up, mas ele gravou "Please Don't Go" em "Well, You Know" para outro selo de curta duração, a Bandera Records.

Durante os anos 60, Brown se apresentou apenas ocasionalmente e gravou pouco, mas no início dos anos 70 ele teve um ressurgimento de carreira quando suas gravações foram redescobertas na Europa e ele tocou em festivais de Blues no Exterior. Em 1975, Brown abriu um espaço para shows e música em Chicago Heights, no Dusty's Lounge, onde foi anfitrião de vários veteranos do blues de Chicago, incluindo Sunnyland Slim e Hip Linkchain.

No início dos anos 90, Brown deixou Chicago para retornar ao sul, mas no novo milênio, ele voltou para Chicago e voltou a se apresentar. Em 2005, Brown e um punhado de outros blues harp virtuosos - incluindo Little Addison, Oscar Coleman, Larry Cox, Russ Green e Harmonica Khan # 1 - gravaram um álbum sob a bandeira coletiva do Chicago Blues Harmonica Project, Diamonds in o áspero.

https://www.youtube.com/watch?v=ywMlseSB9U0


https://www.youtube.com/watch?v=X12UVbnOLtg

Hound Dog Taylor: O bluesman com nome de presidente da República

Taylor era o favorito dos lados sul e oeste de Chicago durante o final dos anos 50 e início dos anos 60

Luís Alberto Alves / Hourpress


A Alligator Records, principal gravadora contemporânea de Blues de Chicago, pode nunca ter sido lançada, se não fosse por causa das palhaçadas de Hound Dog Taylor. Bruce Iglauer, na época funcionário da Delmark Records, não conseguiu convencer seu chefe, Bob Koester, do potencial de Taylor, de modo que Iglauer assumiu o assunto com suas próprias mãos. Em 1971, o Alligator nasceu com o propósito expresso de lançar o álbum de estréia do Hound Dog. Nós todos sabemos o que aconteceu depois disso.

Batizado em homenagem ao presidente Theodore Roosevelt, o nativo do Mississippi Taylor pegou o violão quando tinha 20 anos de idade. Ele fez algumas aparições na famosa rádio KFFA King Biscuit Time de Sonny Boy Williamson, transmitida de Helena, Arkansas, antes de vir para Chicago em 1942. Entretanto, outros 15 anos antes de Taylor tornar a sua vocação de Blues em tempo integral. Taylor era o favorito dos lados sul e oeste de Chicago durante o final dos anos 50 e início dos anos 60. É geralmente aceito que Freddy King copiou boa parte de seu clássico "Hide Away" de um instrumental, ele ouviu Taylor tocando no coreto.

Os créditos pré-Alligator de Taylor eram leves - apenas um single de 1960 para a marca Bea & Baby da Cadillac Baby ("Baby Is Coming Home" / "Take Five"), 1962 45 para a Firma Records de Carl Jones ("Christine" / "Alley" Music "), e um esforço de 1967 para Checker (" Watch Out "/" Down Home ") antecedeu sua saída para Iglauer.

A banda implacavelmente barulhenta de Taylor, os HouseRockers, consistia em apenas dois homens, apesar de sua raquete combinada soar como um pouco mais. O segundo guitarrista, Brewer Phillips, que muitas vezes fornecia pseudo-linhas de baixo em sua guitarra, desenvolveu uma empatia com Taylor que suas guitarras entrelaçavam com a força do ESP, enquanto o baterista Ted Harvey mantinha tudo em um ritmo acelerado.

Boogie Natural
Seu LP de estréia, de 1971, continha o típico "Give Me Back My Wig", enquanto o primeiro Alligator bis de Taylor, em 1973, Natural Boogie, ostentava o hipnótico "Sadie" e um pomposo "Roll Your Moneymaker". Beware of the Dog, um set ao vivo, captou vividamente a boa atmosfera que o guitarrista perpetuamente irradiava, mas Taylor não viveu para ver seu lançamento - ele morreu de câncer pouco antes de chegar às prateleiras.

Hound Dog Taylor foi a inspiração óbvia para o lema "Genuine Houserocking Music" da Alligator, um credo que a empresa de Iglauer seguiu por quatro décadas e contou. Ele não era o mais talentoso dos guitarristas de slide, mas Hound Dog Taylor definitivamente poderia tocar em qualquer casa que ele tocasse.

https://www.youtube.com/watch?v=3r4MNSHBFjE

https://www.youtube.com/watch?v=nt6V20j2BjQ

Carey Bell: Gênio, aos 8 anos já tocava gaita

Bell gerou um passeio de descendentes de Blues

Luís Alberto Alves / Hourpress

Seu lugar na lista de honra de harpistas de blues de Chicago há muito tempo assegurou, Carey Bell realmente veio à sua própria nos anos 90 como um líder de banda com discos fantásticos para Alligator e Blind Pig. Ele aprendeu seus riffs de harmonica distintivo do melhor da Windy City (ambos Walters - Little e Big - assim como Sonny Boy Williamson II), adicionando seus próprios efeitos de assinatura para boa medida (um gemido de outro mundo identifica imediatamente muitos dos seus mais memoráveis passeios de harpa).

Nascido Carey Bell Harrington no estado de blues-fértil do Mississippi, ele já tocava harpa quando tinha oito anos e trabalhava profissionalmente com seu padrinho, o pianista Lovie Lee, aos 13 anos. O Lee mais velho e mais experiente trouxe Carey com ele para Chicago em A busca por oportunidades musicais estáveis ​​em 1956. Gigs freqüentemente se revelaram escassos, e Carey acabou adquirindo o baixo elétrico, tocando com Robert Nighthawk, Johnny Young e seu mentor Big Walter Horton. Finalmente, em 1969, Bell fez seu álbum de estreia (na harpa) para a Delmark, e ele estava a caminho.

Vivendo Chicago Blues, vol. O 1Bell serviu inestimáveis ​​trechos do início dos anos 70 nas bandas de Muddy Waters e Willie Dixon, excursionando bastante e gravando com as duas lendas. A Alligator Records tem sido responsável por grande parte do melhor trabalho registrado da Bell como líder, começando com uma joint venture com a Horton em 1972.

Quatro  gravações de Bell no primeiro lote de antologias do Alligator's Living Chicago Blues em 1978 precederam sua participação no encontro de harmonica Harp Attack !, que o levou ao estúdio com os colegas James Cotton, Junior Wells e Billy Branch. Seu set solo para Alligator, Deep Down, classifica como seu melhor álbum. Bell gerou um passeio de descendentes de blues; A mais conhecida das crias é a guitarrista mercurial Lurrie Bell.

https://www.youtube.com/watch?v=mxFe0HWIRBI
https://www.youtube.com/watch?v=By5IvFBIAt4

James Cotton: A pérola negra da Sam Philips

Cotton construiu uma excelente reputação ao redor de West Memphis

Luís Alberto Alves / Hourpress

Em seu pico de alta energia na década de 1970 como líder de banda, James Cotton era um derviche de um bluesman, rugindo, suado e vociferador, sugando os juncos direto de suas gaitas pequenas indefesas com seu poderio prodigioso.

Devido a problemas de garganta durante seus últimos anos, os vocais de Cotton não eram mais o que costumavam ser, mas ele permaneceu um instrumentalista magistral por décadas. Algodão tinha alguns sapatos gigantescos para preencher quando entrou no lugar de Little Walter como harpa de Muddy Waters em 1954, mas pelos próximos doze anos, o jovem Mississippian preencheu o papel integral ao lado do rei do blues de Chicago com poder e precisão. Naturalmente, Cotton vinha se preparando para uma mudança de carreira há muito tempo, tendo aprendido a gritar harpa de ninguém menos que o próprio Sonny Boy Williamson.

Cotton era apenas uma criança quando ouviu pela primeira vez as famosas transmissões de rádio de Williamson para King Biscuit Time sobre KFFA de Helena, Arkansas. Tão certo era Cotton de seu futuro que ele acabou se mudando para a casa de Williamson aos nove anos, absorvendo os meandros do blues harpdom de um de seus mestres reinantes. Seis anos depois, Cotton estava pronto para soltar um som próprio.

Ao lado dos notáveis ​​Joe Willie Wilkins e Willie Nix, Cotton construiu uma excelente reputação ao redor de West Memphis, seguindo os passos de seu mentor ao lançar seu próprio programa de rádio em 1952 sobre o KWEM. Sam Phillips, cujo selo Sun ainda era uma operação incipiente, convidou Cotton para gravar para ele, e dois singles começaram: "Straighten Up Baby" em 1953 e "Cotton Crop Blues" no ano seguinte. Diz a lenda que Cotton tocava bateria em vez de harpa no primeiro prato.

Quando Waters passou por Memphis menos seu último harpista (Junior Wells), Cotton contratou a lenda e foi para Chicago. Infelizmente para o jovem, a Chess Records insistiu em usar Little Walter na grande maioria das depilações de Waters até 1958, quando Cotton explodiu atrás de Waters em "She's Nineteen Years Old" e "Close to You". Por sugestão de Cotton, Waters adicionou uma melodia de Ann Cole chamada "Got My Mojo Working" ao seu repertório. Walter tocou no primeiro estúdio de Muddy Waters, mas isso é Cotton chorando na leitura definitiva de 1960 (gravada ao vivo no Newport Jazz Festival).

Em 1966, Cotton estava preparado para fazer isso sozinho. Waxings para Vanguard, Prestige e Loma precederam sua estréia no álbum oficial da Verve Records em 1967. Sua própria unidade incluía o guitarrista Luther Tucker e o baterista Sam Lay. Jogando um toque de alma em seu conjunto de estréia de mesmo nome, Cotton se aventurou no florescente campo de blues-rock enquanto permanecia com Verve até o final da década.

100% Algodão Em 1974, Cotton assinou com a Buddah e lançou 100% Cotton, um de seus LPs mais implacáveis, com Matt "Guitar" Murphy chiando no back-up. Uma década depois, a Alligator lançou outro excelente LP de algodão, o High Compression, que foi dividido igualmente entre o blues de estilo tradicional de Chicago e o funkier, material dirigido por chifres. Harp Attack !, uma reunião de cúpula em 1990 sobre o Alligator, juntou Cotton a três exaltados pares: Wells, Carey Bell e o recém-chegado recém-chegado Billy Branch. A Antone's Records foi responsável por um par de pedras preciosas: um conjunto ao vivo de 1988 reunindo o harpista com Murphy e Tucker, e um estelar projeto de estúdio de 1991, Mighty Long Time.

Cotton mudou-se para o século 21 como um dos últimos criadores sobreviventes do blues de Chicago, e não diminuiu o ritmo, lançando uma série de álbuns finos, incluindo Fire Down Under the Hill (2000) e Baby, Don't You. Tear My Clothes (2004), tanto para a Telarc Records, quanto para Giant (2010) e Cotton Mouth Man (2013), ambas da Alligator Records. Um indicado ao prêmio de Melhor Álbum de Blues no Grammy Awards de 2014, Cotton Mouth Man provou ser o último álbum de Cotton lançado durante sua vida; o gigante da harpa de blues morreu de pneumonia em março de 2017, aos 81 anos de idade.
https://www.youtube.com/watch?v=dcGMiq4EMNQ

https://www.youtube.com/watch?v=tjA8BiA39D4

Em termos de qualidade, o passado ainda manda na música

Neste final de ano não será diferente

Luís Alberto Alves/Hourpress

Toda sexta-feira ou festa de final de ano, ocorre a mesma coisa nos botecos: as pessoas cantam músicas de 30 ou até mais de 50 anos atrás. É a prova que os nossos ídolos continuam os mesmos e as aparências não enganam não, como resumiu Belchior na década de 1970.

Neste final de ano não será diferente.  Muitos vão se lembra do megassucesso de Adoniram Barbosa, “O trem das onze”, de 1965, que explodiu em todo o Brasil na voz do conjunto Os Demônios da Garoa.  Não fica de fora Paulinho da Viola, com a inesquecível “Foi um rio que passou em minha vida”, de 1969.

Mas a galeria não para por ai. Tem Djavan com “Flor de Liz”, gravada por ele em 1976. Alguém vai se lembra de Tim Maia, soltando o vozeirão na inesquecível “Eu gostava tanto de você”, de 1973. Martinho da Vila vai aparecer com “Aquarela do Brasil”, de 1965, samba-enredo da escola Império Serrano, autoria de Silas de Oliveira.

Jorge Benjor, na época que assinava Jorge Ben também não faltará na mesa dos aspirantes a cantores, com a bela “Que Pena” de 1969, que ficou linda nas vozes de Caetano Veloso e Gal Costa, embalando muitos bailes. Para não deixar a habitação de lado, alguém poderá colocar na mesa o grande sucesso de Agepê, de 1974, “Moro onde não mora ninguém”. E o passado continua mandando no presente, pelo menos em termos de música de qualidade.

https://www.youtube.com/watch?v=1Mf8Yer8ifw

https://www.youtube.com/watch?v=LAEXGgWXphs

https://www.youtube.com/watch?v=L7goYWREVuA


https://www.youtube.com/watch?v=TZQsoLACMW0


https://www.youtube.com/watch?v=zvbisJ_5PaE


https://www.youtube.com/watch?v=sYHTwcpHlxY


https://www.youtube.com/watch?v=GWKVQwcRI3E

Hubert Sumlin: O guitarrista que os Rolling Stones pagaram o enterro

Ele aprendeu  a tocar na noite

Luís Alberto Alves / Hourpress

Silencioso e extremamente despretensioso fora do coreto, Hubert Sumlin tocou um estilo de guitarra incendiária o suficiente para ficar de pé ao lado do lobo de Howlin 'imortal. O Lobo foi o mentor imponente de Sumlin por mais de duas décadas, e provou ser um relacionamento mutuamente benéfico; A guitarra de Torcendo, imprevisível e imprevisível de Sumlin constantemente energizou os lados do Lobo dos anos 1960, mesmo quando as canções em si (confira "Do the Do" ou "Mama's Baby" para provas conclusivas) eram menos do que estelares. Sumlin começou a puxar o proverbial fio de vassoura pregado na parede antes de colocar suas luvas em uma guitarra de verdade.

 Ele cresceu perto de West Memphis, Arkansas, por um breve momento com outro jovem leão com um futuro cor-de-rosa, James Cotton, antes de receber uma intimação do poderoso Wolf para se juntar a ele em Chicago em 1954. Sumlin aprendeu seu ofício todas as noites no coreto atrás Lobo, sua confiança crescendo à medida que ele se formava em deveres de guitarra rítmica para liderar. No início dos anos 60, o machado de Sumlin era um componente proeminente na grande maioria dos waxings de Wolf, incluindo "Wang Dang Doodle", "Shake for Me", "Hidden Charms" (ostentando talvez o maior solo de Sumlin) " Trezentos Libras de Alegria "e" Matar Chão. "

Sobre eles Apesar de terem um relacionamento um pouco tempestuoso, Sumlin permaneceu fiel a Wolf até a morte do grande homem em 1976. Mas Sumlin cortou um punhado de sessões solo antes disso, começando com uma data inusitada de 1964 em Berlim Oriental que foi produzida por Horst Lippmann durante uma turnê européia sob os auspícios do American Folk Blues Festival (a sessão "atrás da Cortina de Ferro" também o pianista de destaque Sunnyland Slim e o baixista Willie Dixon).

 Nos anos seguintes, Sumlin permitiu que seus talentos vocais brilhassem, gravando sets solo que o revelaram ser um cantor discreto mas eficaz - enquanto sua guitarra continuou a se comunicar com mais força. A estima com a qual ele foi tocado por músicos de uma geração posterior foi habilmente demonstrada pela lista de convidados do álbum de 2004 de Sumlin, About Them Shoes, incluindo Keith Richards, Eric Clapton, Levon Helm e David Johansen, sem mencionar um bluesman de Sumlin James Cotton, o velho amigo e colega de banda que tocou pela primeira vez com Sumlin em West Memphis na adolescência do início dos anos 50, antes de Cotton se juntar a Muddy Waters e se mudar para Chicago, em paralelo à jornada de Sumlin ao Windy City na mesma época.

 Ele seguiu os About Them Shoes com o Treblemaker em 2007. Hubert Sumlin morreu de insuficiência cardíaca em Wayne, Nova Jersey, em 4 de dezembro de 2011; ele tinha 80 anos. Mick Jagger e Keith Richards pagaram as despesas do funeral do bluesman.

https://www.youtube.com/watch?v=-aRnzKDiIS0


https://www.youtube.com/watch?v=-iAprLLGQf0


https://www.youtube.com/watch?v=lXbsKnk0QDg

Willie Johnson: O guitarrista da banda de Howlin `Wolf

O som combo de Howlin 'Wolf já era bem desenvolvido quando se mudou de Memphis para Chicago nos anos 50 

Luís Alberto Alves / Hourpress

Diferente do cego Willie Johnson em muitos aspectos, além de ser capaz de ver, este é um maravilhoso guitarrista cuja lealdade a Memphis, talvez, lhe custou algo em termos de fama. Willie Johnson foi o guitarrista da primeira banda liderada por Howlin 'Wolf, um gigante de blues de Chicago cuja música tem influenciado em todos os aspectos do rock & roll, do mais primitivo ao mais vanguardista. Até mesmo mencionar a cidade de Chicago demonstra a mudança de percepção que acompanha a aglutinação de vários artistas em várias "cenas" da cidade. O som combo de Howlin 'Wolf já era bem desenvolvido quando se mudou de Memphis para Chicago nos anos 50. Willie Johnson foi uma parte importante desse som, considerado o ás da manga de Wolf, tocando em um estilo imprevisível que abrangia muito da história do blues, passado e futuro.

A única coisa foi que, quando Wolf se mudou para Chicago, ele não conseguiu convencer Johnson a ir com ele. Seu substituto seria Hubert Sumlin, outro brilhante guitarrista elétrico que teria uma enorme influência em músicos como Eric Clapton. Sumlin tende a ser mais conhecido que Johnson; Ele é um grande jogador, e não é uma tentativa de tirar isso para mencionar o fato óbvio de que ele também estava pisando em um par de sapatos que já haviam sido usados ​​quando ele se juntou à banda de Wolf. 

Enquanto isso, Johnson permaneceu em Memphis, onde a natureza esquizofrênica da indústria fonográfica fornecia muito menos oportunidades para ele do que poderia estar disponível se ele seguisse o rastro do Lobo. Os fãs de blues estão em Fat City, independentemente, capazes de experimentar o jogo desses mestres e outros no pacote de lobisomens em releituras, compilações e sets especiais. As gravações de Johnson por conta própria, como o estressante "Feel So Worried", também aparecem em compilações dedicadas à cena de Memphis.

https://www.youtube.com/watch?v=0b1Sig47Cbg


https://www.youtube.com/watch?v=0b1Sig47Cbg&t=10s

Peter Green: O maior guitarrista branco do Blues

O músico que tocava melhor do que Eric Clapton

Luís Alberto Alves / Hourpress

Peter Green é considerado por alguns fãs como o maior guitarrista de blues brancos de todos os tempos, não obstante Eric Clapton. Nascido Peter Greenbaum, mas chamando a si mesmo de Peter Green aos 15 anos, ele cresceu no East End operário de Londres. As primeiras influências musicais de Green foram Hank Marvin das Sombras, Muddy Waters, B.B. King, Freddie King e a tradicional música judaica. Ele originalmente tocou baixo antes de ser convidado em 1966 pelo tecladista Peter Bardens para liderar o Peter B's, cujo baterista era um cara magro chamado Mick Fleetwood.

Green, de 19 anos, estava com Bardens apenas três meses antes de se juntar ao John Mayall's Bluesbreakers, cujo pessoal que mudava rapidamente incluía o baixista John McVie e o baterista Aynsley Dunbar. Um grande fã de Clapton, Green mata Mayall para dar a ele uma chance quando o guitarrista dos Bluesbreakers se separar por um período indeterminado de férias na Grécia. Green parecia ótimo e, como Mayall lembra, não se divertiu quando Clapton retornou depois de alguns shows, e Green saiu.

A Hard Road Quando Clapton deixou a banda seis meses depois para formar Cream, Mayall persuadiu Green a voltar. Os fãs eram abertamente hostis porque Green não era Deus, embora apreciassem a substituição de Clapton a tempo. O produtor Mike Vernon ficou horrorizado quando os Bluesbreakers apareceram sem Clapton para gravar o álbum A Hard Road no final de 1966, mas foi conquistado pelo jogo de Green. Em muitas faixas, seria difícil dizer que Clapton não estava jogando. Com um instrumental verde misterioso chamado "O Sobrenatural", ele demonstrou o começo de seu fluido de marca registrada, assombrando o estilo que lembra B.B. King.

Mr. Wonderful Quando Green deixou Mayall em 1967, ele levou McVie e Fleetwood para fundar o Fleetwood Mac de Peter Green. Jeremy Spencer e Danny Kirwan logo deram ao Fleetwood Mac uma linha incomum de três guitarras. Green estava em seu apogeu para os álbuns Mr. Wonderful, English Rose, Then Play On e uma gravação ao vivo do Boston Tea Party. Seu instrumental "Albatross" foi o primeiro single britânico da banda e "Black Magic Woman" foi mais tarde um grande sucesso para Carlos Santana. Mas Green estava experimentando ácido e seu comportamento tornou-se cada vez mais irracional, especialmente depois que ele desapareceu por três dias de uso excessivo de drogas em Munique.

Ele se tornou muito religioso, aparecendo no palco usando crucifixos e roupas esvoaçantes. Seus colegas de banda resistiram à sugestão de Green de doar a maior parte de seu dinheiro para caridade, e ele partiu em meados de 1970 depois de escrever uma melodia biográfica chamada "The Green Manalishi".

The End of the Game Depois de um amargo álbum chamado The End of The Game, Green entristeceu os fãs quando ele desligou o violão, exceto por ajudar o Mac a completar uma turnê quando Spencer de repente se juntou aos Filhos de Deus em Los Angeles e desistiu.  A odisséia caótica de Green de quase uma década incluiu rumores de que ele era um coveiro, um barman na Cornualha, um hospital e um membro de uma comunidade israelense. Quando um contador lhe enviou um cheque de realeza indesejado, Green confrontou seu atormentador com uma arma, embora tenha sido descarregado. Green foi preso por um curto período antes de ser transferido para um asilo.

No SkiesGreen surgiram no final dos anos 70 e início dos anos 80 com os álbuns In the Skies, Little Dreamer, White Sky e Kolors, apresentando por vezes Bardens, o baterista de Robin Trower Reg Isidore e o baterista da Fairport Convention Dave Mattacks. Ele reprisou o padrão "Rattlesnake Shake" do Then Play On Mac no álbum solo de Fleetwood de 1981, The Visitor. O autor britânico Martin Celmins escreveu a biografia de Green em 1995. Psicologicamente problemático, sob medicação e quase não tocando violão durante a maior parte dos anos 90, o recluso Green retomou gravações esporádicas na segunda metade da década. Ele aparece inesperadamente de vez em quando, com maior destaque em 12 de janeiro de 1998, quando Fleetwood Mac foi introduzido no Hall da Fama do Rock & Roll. Em um raro momento perfeito, Green tocou com a colega indevista Santana em "Black Magic Woman".

https://www.youtube.com/watch?v=U_Llz6n8Aj4


https://www.youtube.com/watch?v=4oWmfG0uFBc


https://www.youtube.com/watch?v=cC48etW-Xs4