Eddie Harris e o inesquecível hit "It's Alright Now"

Radiografia da Notícia

* O hit "It´s Alright Now" fez parte da coletânea Soul Grand Prix lançada em 1976 no Brasil

* Por algum tempo, ele foi muito mais popular entre o público do que entre os críticos

* Os gostos de Harris variavam em todo o espectro da música negra, nem toda considerada aceitável pelos puristas do Jazz

Luís Alberto Alves/Hourpress

Há muito subestimado no panteão dos grandes nomes do jazz, Eddie Harris foi um saxofonista eclético e imaginativo cuja carreira foi marcada por um grande apetite pela experimentação. Por algum tempo, ele foi muito mais popular entre o público do que entre os críticos, muitos dos quais o denegriram por seus empreendimentos de maior sucesso comercial. Os gostos de Harris variavam em todo o espectro da música negra, nem toda considerada aceitável pelos puristas do Jazz. Ele tinha habilidade para lidar com um bop tecnicamente exigente e a contenção para tocar no estilo cool da Costa Oeste, mas também mergulhou no jazz-pop amigável ao crossover, na fusão influenciada pelo Rock e pelo Funk, improvisações externas, efeitos eletrônicos bizarros , novos cruzamentos de instrumentos tradicionais, cantos de Blues e até comédia.

 Muito disso estava fora dos limites do que os críticos consideravam Jazz legítimo e sério, e por isso o descartaram como muito mainstream ou muito enigmático. Para ser justo, o grande catálogo de Harris é certamente desigual; nem tudo que ele tentou funcionou. No entanto, com o passar do tempo, a excelência do seu melhor trabalho tornou-se bastante clara. As realizações de Harris são muitas: ele foi o primeiro artista de Jazz a lançar um disco que vendeu ouro, graças à adaptação de sucesso de 1961 do tema do filme “Exodus”; ele foi universalmente reconhecido como o melhor tocador de sax elétrico Varitone, como pode ser ouvido em seu álbum de sucesso de 1967, The Electrifying Eddie Harris.

Ele foi um compositor subestimado cuja "Freedom Jazz Dance" foi transformada em um padrão por Miles Davis ; ele até inventou seus próprios instrumentos trocando boquilhas de latão e palheta. Além disso, seu set de 1969 com Les McCann no Montreux Jazz Festival foi lançado como Swiss Movement e se tornou um dos álbuns de jazz mais vendidos de todos os tempos.

Sax

Harris nasceu em Chicago em 20 de outubro de 1934. Suas primeiras experiências musicais foram como cantor na igreja, a partir dos cinco anos, e logo começou a tocar hinos de ouvido no piano. Ele passou parte de seus anos de Ensino Médio em Du Sable, onde estudou vibrafone com o lendário diretor de banda Walter Dyett, um disciplinador que treinou alguns dos maiores jazzistas do South Side: Nat King Cole , Johnny Griffin , Gene Ammons , Julian Priester , e muitos outros (até mesmo o roqueiro Bo Diddley ). Mais tarde, ele voltou ao piano e também aprendeu sax tenor, e passou a estudar música no Roosevelt College. 

Conseguiu seu primeiro emprego profissional como pianista, apoiando o saxman Gene Ammons , e teve a chance de tocar com grandes nomes como Charlie Parker e Lester Young . Após a faculdade, ele foi convocado para o serviço militar; enquanto servia na Europa,  fez um teste com sucesso para a banda do 7º Exército, que também incluía nomes como Don Ellis , Leo Wright e Cedar Walton , entre outros. 

Após sua dispensa, morou em Nova York e tocou em todos os grupos e locais que pôde, ainda principalmente como pianista. Harris retornou a Chicago em 1960 e logo assinou com o bem-sucedido Vee Jay, local, mais conhecido por suas bandas de R&B e blues. Embora a gravadora tenha contratado Harris como pianista,  tocou apenas sax tenor em seu primeiro álbum. Esse álbum, Exodus to Jazz de 1961 , se tornaria uma das histórias de sucesso mais surpreendentes do Jazz. 

Ouro

A faixa principal foi "Exodus", o rearranjo descontraído de Harris do tema de Ernest Gold do épico filme bíblico de mesmo nome. Foi uma fonte improvável para uma música de jazz e um sucesso ainda mais improvável, mas conseguiu pegar nas rádios convencionais; lançado como single em uma versão abreviada, chegou até mesmo aos níveis mais baixos do Top 40 pop. Seu sucesso empurrou o LP para o segundo lugar nas paradas de álbuns pop, e Exodus to Jazz se tornou o primeiro álbum de jazz certificado ouro.

Muitos críticos criticaram Harris por seu sucesso comercial, ignorando seu verdadeiro talento; por um lado, Harris tocou tão doce e suavemente no registro superior de sua trompa que muitos ouvintes presumiram que ele estava tocando um sax alto, ou mesmo um sax soprano. Atormentado pelas críticas, Harris recusou-se por muito tempo a tocar "Exodus" em um show; no entanto, ele gravou vários álbuns para Vee Jay nos dois anos seguintes, que muitas vezes continham tentativas de duplicar sua ideia de adaptação do tema do filme.

 Nenhum de seus discos foi tão popular quanto Exodus to Jazz , embora tenham vendido de forma bastante respeitável. Em 1964, Harris mudou-se para Columbia, seguindo uma direção musical semelhante (embora às vezes com apoio orquestral). Harris mudou para a Atlantic em 1965 e prontamente rejuvenesceu suas credenciais de Jazz com The In Sound , um álbum bop clássico e bastante direto que introduziu seu original "Freedom Jazz Dance" (mais tarde regravado por Miles Davis no clássico Miles Smiles ). 

Eletrônico

Na sequência, Mean Greens , de 1966 , Harris se interessou pelo piano elétrico; mais tarde naquele ano, em The Tender Storm ,  experimentou pela primeira vez o saxofone elétrico Varitone, que era essencialmente um instrumento tradicional equipado com um sistema de amplificação e um processador de sinal eletrônico que permitia diferentes efeitos tonais. Esse instrumento se tornou o foco de The Electrifying Eddie Harris de 1967, um clássico Blues e Funky do Soul-Jazz que marcou Harris como um dos poucos saxofonistas a desenvolver um estilo pessoal e distinto no sax elétrico que também era exclusivo para as capacidades do instrumento. 

 Uma versão regravada de "Listen Here" (originalmente apresentada em The Tender Storm ) deu a Harris um segundo single de grande sucesso; por pouco perdeu o R&B Top Ten, o que ajudou a levar o LP ao segundo lugar nas paradas de álbuns de R&B. Acompanhamentos subsequentes - Plug Me In , High Voltage , Silver Cycles , cheios de Echoplex - encontraram a marca eletrificada de Jazz-Funk de Harris vendendo bem nas paradas de Jazz e R&B entre 1968-1969, regularmente chegando ao Top Five em o primeiro e o Top 40 no segundo.

Em 1969, Harris juntou-se ao grupo regular do pianista Les McCann no Festival de Jazz de Montreux; apesar da total falta de tempo de ensaio juntos, a química no palco foi imediata, e o show foi lançado como LP Swiss Movement , creditado a McCann e Harris. Acompanhado pelos singles de sucesso "Compared to What" e "Cold Duck Time", Swiss Movement alcançou o segundo lugar nas paradas de R&B a caminho de se tornar um dos álbuns de jazz mais vendidos de todos os tempos. 

Trompa

Enquanto isso, a carreira solo de Harris continuou em ritmo acelerado, com experimentos cada vez mais divertidos – e às vezes bizarros. Década de 1970, vamos lá! foi uma sessão com mais sabor de Jazz-Rock que encontrou Harris cantando em sua trompa por meio de sua unidade de efeitos. Ele também começou a experimentar novas trompas, inventando instrumentos como o trompete de palheta (basicamente um trompete equipado com uma boquilha de sax; ouvido principalmente em Free Speech de 1970 e Instant Death de 1971 ) e o saxobone (um sax com boquilha de trombone). Eddie Harris Sings the Blues, de 1972, explorou ainda mais o conceito de cantar com sua trompa, com resultados muitas vezes estranhos; o EH do ano seguinte no Reino Unido o levou à Grã-Bretanha para gravar jazz-rock com Steve Winwood , Albert Lee , Jeff Beck e outros. 

O espaçoso e fortemente eletrônico Is It In , lançado em 1974, foi classificado como um de seus experimentos de maior sucesso criativo. Álbuns subsequentes como I Need Some Money , Bad Luck Is All I Have e That Is Why You're Overweight estavam em todo o mapa musical, mas favoreciam números vocais cômicos no estilo R&B, agora sem os efeitos eletrônicos.

As vendas de Harris estavam caindo, mas ainda eram bastante fortes para um artista de Jazz, até The Reason Why I'm Talking Shit , de 1975 , que abandonou canções humorísticas em favor de uma comédia stand-up completa, apenas para adultos. Apenas alguns trechos de música foram intercalados entre toda a conversa da boate, e os resultados foram tão esquerdistas que o público de Harris se afastou em massa. Assim, o abrangente livro de 1976, How Can You Live Like That? foi amplamente ignorado, e Harris se separou da Atlantic em 1978.

Hard

 Harris foi para a RCA para dois álbuns gravados em 1979, o lançamento de fusão fraca I'm Tired of Driving e o completamente solo Playing With Myself , no qual Harris dublou solos de trompa sobre seu próprio trabalho de piano. Ele não ficou muito tempo; ao longo dos anos 80 e 90, gravou principalmente para pequenas gravadoras como Steeple Chase, Enja, Timeless e Flying Heart, entre outras. 

Esses álbuns encontraram Harris retornando ao hard bop tradicional, geralmente em ambientes de quarteto acústico. Ele fez suas últimas gravações de estúdio em meados dos anos 90 e foi forçado a parar de se apresentar pelos efeitos combinados de câncer ósseo e doença renal. Faleceu em Los Angeles em 5 de novembro de 1996, cerca de seis meses após um último show em sua cidade natal, Chicago.

Les McCann, outro gênio da Black Music dos Estados Unidos

Radiografia da Notícia

* As habilidades de McCann também incluíam sua voz expressiva, terrena e rouca. Ele gravou uma série de álbuns para o Pacific Jazz

* Ele assinou contrato com a Atlantic em 1968 e um ano depois gravou o Swiss Movement ao vivo com o saxofonista Eddie Harris 

* Ele sofreu um derrame em 1995 que o deixou parcialmente paralisado, mas começou a gravar novamente

Luís Alberto Alves/Hourpress

Depois de deixar o emprego de Gene McDaniels em 1959, o pianista Les McCann evoluiu continuamente seu estilo de hard bop, incorporando seus ritmos característicos baseados em groove em soul-jazz, gospel, R&B e funk. As habilidades de McCann também incluíam sua voz expressiva, terrena e rouca. Ele gravou uma série de álbuns para o Pacific Jazz, começando com The Truth, de 1960. Ele assinou contrato com a Atlantic em 1968 e um ano depois gravou o Swiss Movement ao vivo com o saxofonista Eddie Harris , obtendo performances icônicas de "Compared to What?" e "Hora do pato frio". 

Seu mandato no Atlântico (que durou até 1976) rendeu uma série de títulos populares e dois álbuns consecutivos de jazz-funk elétrico, agora influentes: Invitation to Openness, de 1973, e Layers , de 1974 . Mais tarde, ele gravou álbuns de sucesso para ABC Impulse e A&M, incluindo The Man , de 1978 , e depois gravou em indies. Ele sofreu um derrame em 1995 que o deixou parcialmente paralisado, mas começou a gravar novamente, lançando o repleto de estrelas Pump It Up em 2002 e A Time Les Christmas em 2018. Em 2023, a Resonance Records lançou o multidisco de arquivo Never a Dull Moment ! Ao vivo de costa a costa 1966-1967 .

McCann nasceu em Lexington, Kentucky, em 1935. Seus irmãos (um irmão e três irmãs) cantavam na igreja. Seu pai era fã de Jazz e sua mãe gostava de cantarolar árias de ópera. Ele começou a ter aulas de piano aos seis anos, mas depois de apenas algumas semanas, seu professor morreu inesperadamente. McCann continuou aprendendo piano sozinho enquanto recebia treinamento musical formal no Ensino Fundamental e Médio. Tocava tuba na banda marcial e bateria na orquestra.

Solo

McCann ingressou na Marinha e, durante seu serviço, ganhou um concurso de canto que resultou em uma aparição no Ed Sullivan Show, distribuído nacionalmente, em 1956. Depois de ser dispensado com honras, mudou-se para Los Angeles e formou um trio. McCann recusou um convite para se juntar ao Quinteto Cannonball Adderley para se concentrar em sua própria música. O primeiro show do grupo foi tocar no Purple Onion em 1959, abrindo para Gene McDaniels , que os contratou para acompanhá-lo na turnê depois daquela noite. Depois de deixar o emprego de McDaniels , McCann assinou um contrato solo com a Pacific Jazz. Em 1960, Les McCann Ltd. Plays the Truth e The Shout apareceram. Seu estilo funk e comovente no piano influenciou músicos emergentes, ressoou entre os veteranos e era popular entre o público ao vivo.

Ele seguiu com o ainda mais revolucionário Layers em 1973. Mantendo seu trio, e McDonald e Clarke da apresentação anterior, Layers revelou o amor de McCann pelo sintetizador ARP (ele também tocava piano e piano elétrico) e o levou a tentar sua própria versão. criação de uma orquestra com sons de cordas, palhetas, sopros, etc. A banda, por sua vez, manteve-se próxima de uma receita de Jazz-Funk arejado, corajoso. Tanto Invitation to Openness quanto Layers encontraram várias gerações de ouvintes, especialmente entre fãs de música eletrônica e hip-hop.

Ele seguiu com Live at Montreux no final de 1973, com Clarke preenchendo seu quarteto, e completou seu contrato com a gravadora Atlantic com três joias do soul progressista exuberantemente arranjadas, elegantemente orquestradas e criminalmente subestimadas: Another Beginning , de 1974, Hustle to Survive , de 1975 , e Rio Alto, Rio Baixo, de 1976 .

Dupla

Em 2012, McCann conheceu o pianista de jazz Joe Alterman no palco do Blue Note em Nova York. Eles se tornaram amigos rápidos e duradouros, apesar da diferença de idade (mais de meio século). A dupla falou quase todos os dias após aquela reunião. Em agosto de 2023, o jovem lançou Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe, composto por dez originais de Les e "Don't Forget to Love Yourself", co-escrito pela dupla.

Em dezembro, o produtor e detetive de jazz Zev Feldman , em associação com a Resonance Records, lançou Never a Dull Moment! Ao vivo de costa a costa 1966-1967 . Ele capturou os excelentes trios de McCann de meados dos anos 60 tocando no lendário clube Penthouse de Seattle e no The Village Vanguard.

Dee Clark, cantor que substituiu Little Richard

Radiografia da Notícia

* O disco foi um pequeno sucesso, mas em 1953 Clark seguiu em frente, assumindo funções principais no grupo vocal de Chicago

* Eles também lançaram “The Convention”, um disco inovador inspirado nas eleições presidenciais daquele ano

* Ele lutou para criar seu próprio estilo, imitando Clyde McPhatter no sucessor “Seven Nights”

Luís Alberto Alves/Hourpress

Embora amplamente desconhecido entre o público contemporâneo, Dee Clark foi um dos cantores de R&B de maior sucesso do final dos anos 50 e início dos anos 60, seu tenor ressonante e expressivo enfeitando clássicos como "Raindrops" e "(Hey) Little Girl". Delecta Clark nasceu em Blytheville, Arkansas, em 7 de novembro de 1938; aos três anos de idade, ele cresceu no West Side de Chicago, em 1952 juntando-se aos colegas de escola Sammy McGrier e Ronnie Strong no Hambone Kids. Uma moda que exigia que os artistas batessem nas coxas, peitos e outras partes do corpo emulando o que hoje é conhecido como batida de Bo Diddley , os Hambone Kids foram populares por tempo suficiente para que o trio adolescente colaborasse com Red Saunders & His Orchestra por um single, também intitulado "Hambone", lançado pela Okeh em 1952.

 O disco foi um pequeno sucesso, mas em 1953 Clark seguiu em frente, assumindo funções principais no grupo vocal de Chicago, Goldentones - quando o DJ local Herb "The Kool Gent" Kent assumiu o gerenciamento deles e rebatizou seus pupilos de Kool Gents , conseguindo-lhes um contrato de gravação com o selo Vee-Jay de Chicago. O grupo lançou seu single de estreia "This Is the Night" no início de 1956, seguido naquele verão por "I Just Can't Help Myself". (Como Delegados , eles também lançaram “The Convention”, um disco inovador inspirado nas eleições presidenciais daquele ano.)

Depois de uma gravação final do Vee-Jay que rendeu "Mother's Son", de 1957, o gerente geral da gravadora, Ewart Abner, convenceu Clark a seguir carreira solo - sua estreia, "Gloria", foi, na verdade, uma gravação do Kool Gents , embora apenas o nome de Clark aparecesse na gravadora.  Ele lutou para criar seu próprio estilo, imitando Clyde McPhatter no sucessor “Seven Nights” e imitando Little Richard em “Oh, Little Girl”, de 1958. Nenhum dos dois foi mapeado, mas quando o próprio Little Richard parou abruptamente de se apresentar para entrar na faculdade bíblica, seu agente contratou Clark para cumprir seus shows restantes; ele finalmente passou cinco meses na estrada com a banda de apoio de Richard , os Upsetters , também recrutando o grupo para shows em estúdio.

Paradas

 Clark oficialmente se destacou com "Nobody But You" do final de 1958 - uma canção de amor luminosa e acelerada, idealmente combinada com seus vocais profundamente comoventes, o single alcançou o número 21 nas paradas pop e o número três nas paradas de R&B, criando o modelo para o restante de sua produção Vee-Jay. Seu sucessor de 1959, "Just Keep It Up (And See What Happens)", foi um sucesso pop ainda maior, alcançando o 18º lugar (embora chegando apenas ao nono lugar no ranking de R&B), e com Bo Diddley - O roqueiro inspirado "(Hey) Little Girl" Clark solidificou sua popularidade, alcançando o 20º lugar no pop e o segundo lugar no R&B durante uma temporada de 15 semanas nas paradas.

Em 1960, Clark conseguiu mais três entradas consecutivas nas paradas pop: o hit Top 40 "How About That", "(Crazy Little Mama) At My Back Door" e "You're Looking Good". A seqüência continuou em 1961 com "Your Friends", que alcançou a posição 34 nas paradas pop nacionais e provou ser um sucesso ainda maior no mercado de sua cidade natal, Chicago. Inspirado pelo clima inclemente que assolou uma viagem de volta da cidade de Nova York, o álbum seguinte, "Raindrops", foi ao mesmo tempo o maior sucesso de Clark e seu ápice criativo - uma performance virtuosa vividamente cinematográfica que alcançou o segundo lugar na parada pop da Billboard, seu o som sofisticado antecipou a evolução do gênero R&B para o Soul. 

Mas Clark nunca mais recuperou seu sucesso nem no estúdio nem nas paradas: nenhum de seus três singles seguintes - "Don't Walk Away from Me", "You Are Like the Wind" de 1962 e "Dance On, Little Girl "- até mapeado. "I'm Going Back to School" foi uma espécie de renascimento, quebrando o Top 20 do R&B, mas em 1963 Clark tropeçou novamente, e depois de três singles consecutivos ("I'm a Soldier Boy", "How Is He Treating You? " e "Walking My Dog") falhando nas paradas, ele deixou a Vee-Jay, assinando com o novo selo de Ewart Abner, Constellation, para o disco dance "Crossfire Time", que alcançou a posição 92 na Billboard Hot 100 - sua última parada nos EUA. aparência.

Falência

A gestão de Clark no Constellation é um estudo de frustração - entre 1964 e 1966, ele lançou oito singles pela gravadora, nenhum dos quais alcançou sucesso. (Alguns, no entanto, eram excelentes, em particular "Come Closer", "Warm Summer Breeze" e "TCB" de Bob Gaudio ). Na esteira de "Old Fashion Love", lançado em meados de 1966, Constellation faliu e Clark gastou o resto de sua carreira pulando de gravadora em gravadora, nunca mais lançando mais de um single por qualquer selo - esses esforços incluem "In These Very Tender Moments" de 1967 (Columbia), "Nobody But You" de 1968 (Wand), 1970 “24 Horas de Solidão” (Liberty) e o autoexplicativo “Raindrops '73”, que apareceu na subsidiária da Warner, Rocky.

 Ao longo desse período, ele morou em quase o mesmo número de cidades, ganhando a vida como atração principal em salões e casas noturnas locais durante estadias prolongadas em Los Angeles, Atlanta e Orlando. Embora o lançamento do selo Chelsea em 1975, "Ride a Wild Horse", tenha tido sucesso nas paradas do Reino Unido, o single foi o último de Clark - ele continuou em turnê incansavelmente durante a década seguinte, a rotina sem dúvida contribuiu muito para o ataque cardíaco fulminante que terminou sua vida em 7 de dezembro de 1990, com apenas 52 anos.

Gene McDaniels, cantor que Richard Nixon pediu para censurar

Radiografia da Notícia

* Richard Nixon ficou indignado com a política radical das letras e Spiro Agnew instou a Atlantic a suprimir o álbum

* Seu trabalho mais conhecido dos anos 60 pode ser ouvido na coleção A Hundred Pounds of Clay: The Best of Gene McDaniels 

* Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels

Luís Alberto Alves/Hourpress

Gene McDaniels foi um artista multifacetado que ficou mais conhecido como vocalista pop/R&B no início e meados dos anos 60, quando o R&B estava começando a evoluir para o Soul. Ele marcou sucessos polidos e apaixonados que exibiam sua voz forte e clara, incluindo "A Hundred Pounds of Clay", "Tower of Strength" e "Chip Chip". McDaniels também se destacou como compositor e produtor, escrevendo o hit "Feel Like Makin' Love" para Roberta Flack e o atencioso e frequentemente regravado "Compared to What", bem como dirigindo sessões para Nancy Wilson , Melba Moore , Jimmy Smith. e Lenny Williams . 

Seu trabalho mais conhecido dos anos 60 pode ser ouvido na coleção A Hundred Pounds of Clay: The Best of Gene McDaniels , uma amostra sólida de seus lados clássicos da Liberty Records, enquanto seu trabalho aventureiro dos anos 70, impregnado de social e comentário político, é bem representado pelo item cult de 1971, Headless Heroes of the Apocalypse .

Nascido Eugene Booker McDaniels em Kansas City, Kansas, em 1935, e mais tarde criado em Omaha, Nebraska, ele era filho de um ministro. A música gospel, juntamente com as palavras da Bíblia, preencheram sua vida desde cedo, e seus ídolos incluíam os Soul Stirrers e os Swan Silvertones . Antes da adolescência, ele também descobriu o Jazz no momento em que o bebop estava varrendo o campo, e se tornou um dos primeiros admiradores de Charlie Parker e Miles Davis . Ele sempre gostou de cantar, o que não é surpresa devido ao seu alcance de quatro oitavas, mas também se tornou proficiente no saxofone e no trompete.

Música

Depois de assinar com Sy Waronker, McDaniels foi colocado nas mãos do produtor Felix Slatkin , mas seus dois primeiros singles e um álbum que os acompanha não venderam em grandes quantidades. Sua chance veio quando Snuff Garrett assumiu como produtor; Slatkin era um músico, violinista e maestro fenomenal, mas Garrett tinha um ouvido para sons e músicas incomparável e foi responsável por encurralar a música que se tornou o primeiro sucesso de McDaniels, "A Hundred Pounds of Clay". 

O próprio cantor odiou a música, acreditando que era muito simplista em relação ao Jazz que cantava na década anterior, mas os instintos de Garrett se mostraram corretos. O single alcançou o terceiro lugar na primavera de 1961 e ganhou o prêmio de disco de ouro. Embora seu próximo single, "A Tear", tenha sido um pequeno sucesso nas paradas, a música seguinte - "Tower of Strength", co-escrita por Burt Bacharach - alcançou o quinto lugar e rendeu a McDaniels outro prêmio de disco de ouro no processo.

Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels . Seu primeiro álbum pela Atlantic, Outlaw , de 1970 , foi um esforço ambicioso e politicamente carregado que misturou Funk, Jazz e Rock com seus vocais dramáticos. Headless Heroes of the Apocalypse, de 1971 , foi ainda mais forte e franco, e supostamente uma cópia chegou à Casa Branca, onde Richard Nixon ficou indignado com a política radical das letras e Spiro Agnew instou a Atlantic a suprimir o álbum. 

Em 1971, McDaniels gravou um álbum para a MGM Records como parte do grupo Universal Jones , intitulado Vol. Um . Foi seu último disco por muito tempo, embora ele tenha continuado a trabalhar continuamente como compositor e produzido álbuns para Gladys Knight & the Pips , the Floaters , Nancy Wilson , Jimmy Smith e o ator Richard Roundtree . Um último álbum de Eugene McDaniels , Screams & Whispers , foi lançado por seu próprio selo Genepool Records em 2004. Gene McDaniels morreu enquanto dormia em sua casa no Maine em 29 de julho de 2011.

Walter Jackson solta voz no sucesso "Feelings"

Radiografia da Notícia

 

*  Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home"

*  Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B

* Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown)

Luís Alberto Alves/Hourpress

Walter Jackson era o soul de Chicago dos anos 60 em sua forma mais doce e, ocasionalmente, mais mainstream. Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home", " A Corner in the Sun" - sem nunca subir além dos limites inferiores do Top 100. Gravando para o estábulo OKeh, que abrigava os maiores talentos do soul de Chi-Town, ele se beneficiou por um tempo dos serviços de produção de artistas locais os mestres Carl Davis e Curtis Mayfield , que cuidaram dos Impressions , Major Lance , Gene Chandler , e outros. Seus lados empregavam metais e cordas vigorosos semelhantes, mas de uma forma mais suave e urbana; Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B.

Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown) quando o diretor de A&R da OKeh, Davis, o viu em um piano bar de Detroit em 1962. Acometido de poliomielite quando menino, Jackson nunca deixou sua deficiência atrapalhar suas ambições musicais. , atuando com muletas. Impressionado com sua voz de comando, Carl Davis pensou em Walter como um cantor do tipo Nat King Cole , e adquiriu material para Jackson de Mayfield , Van McCoy , Chip Taylor e outros compositores de primeira linha.

Apesar do óbvio potencial de crossover pop das gravações de Jackson, ele permaneceu obscuro para os ouvintes brancos. Durante a última parte de sua estadia na OKeh, ele foi transferido do estábulo de Davis para o produtor Ted Cooper . Jackson teve alguns sucessos com Cooper , mas houve pouco sucesso depois do final dos anos 60, embora ele tenha gravado para mais algumas gravadoras antes de morrer de hemorragia cerebral em 1983.

Jimmy Reed, outro talento destruído pelas bebidas

Radiografia da Notícia

* Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos

* Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível 

* Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60

Luís Alberto Alves/Hourpress

Simplesmente não há som no Blues tão facilmente digerível, acessível, instantaneamente reconhecível e tão fácil de tocar e cantar quanto a música de Jimmy Reed. Suas canções mais conhecidas - "Baby, What You Want Me to Do", "Bright Lights, Big City", "Honest I Do", "You Don't Have to Go", "Going to New York", " Ain't That Lovin' You Baby" e "Big Boss Man" - tornaram-se parte integrante do repertório padrão do Blues, é quase como se existissem desde sempre. Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos, desde bandas de garagem do Ensino Médio até Elvis Presley , Charlie Rich , Lou Rawls , Hank Williams Jr. tornando-o, no longo prazo, talvez o bluesman mais influente de todos. 

Seus padrões de guitarra rítmica boogie de cordas inferiores (todos fornecidos pelo amigo de infância e parceiro musical de longa data Eddie Taylor ), reviravoltas simples de duas cordas, solos de gaita country (todos tocados em um suporte de pescoço pendurado em seu pescoço) e mingau vocais de boca aberta foram provavelmente a primeira exposição que a maioria dos brancos teve ao blues. E a sua música - preguiçosa, galopante e insistente, constantemente construída sobre a mesma estrutura robusta - foi uma fórmula que provou ser enormemente bem sucedida e influente, tanto junto do público negro de meia-idade como do público jovem branco durante uma boa dúzia de anos. 

Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível e passaram para as paradas pop em muitas ocasiões, um feito raro para um bluesman não reconstruído. Isso é ainda mais surpreendente simplesmente porque a música de Reed não tinha nada de especial superficialmente; ele não possuía absolutamente nenhum conhecimento técnico em nenhum dos instrumentos escolhidos e seus vocais certamente careciam da intensidade declamatória feroz de um Howlin' Wolf ou de um Muddy Waters . 

Dia

Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60. E para aqueles aspirantes a músicos que queriam experimentar o blues, seja vocalmente ou instrumentalmente (não importa com que cor de pele você nasceu), talvez Billy Vera tenha dito isso melhor em seu encarte de uma antologia de grandes sucessos de Reed: "Sim , qualquer pessoa com um alcance de mais de seis notas poderia cantar as músicas de Jimmy e tocá-las no primeiro dia em que mamãe e papai trouxeram para casa aquela primeira guitarra da Sears & Roebuck. Acho que Jimmy poderia ser considerado o punk bluesman dos anos 50. "

Reed nasceu em 6 de setembro de 1925, em uma plantação dentro ou ao redor da pequena cidade de Dunleith, MS. Ele permaneceu na região até os 15 anos, aprendendo os rudimentos básicos de gaita e violão com seu amigo Eddie Taylor , que na época estava se destacando como músico semi-profissional, trabalhando em jantares country e juke joint. Reed mudou-se para Chicago em 1943, mas foi rapidamente convocado para a Marinha, onde serviu por dois anos. 

Depois de uma rápida viagem de volta ao Mississippi e do casamento com sua amada esposa Mary (conhecida pelos fãs de Blues como " Mama Reed "), ele se mudou para Gary, Indiana, e encontrou trabalho em um frigorífico da Armor Foods, ao mesmo tempo em que invadia o florescente blues. cena em torno de Gary e da vizinha Chicago. O início dos anos 50 o encontrou trabalhando como acompanhante de Gary Kings de John Brim (que é Reed tocando harpa no clássico "Tough Times" de Brim e seu outro lado instrumental, "Gary Stomp") e tocando na rua para obter dicas com Willie Joe Duncan , uma figura sombria que tocava um instrumento amplificado e caseiro de uma corda chamado Unitar. 

Década

Depois de falhar em um teste com a Chess Records (seu sucesso posterior nas paradas seria um espinho constante no lado da empresa), o baterista de Brim na época - o que é improvável, Albert King , a futura lenda da guitarra do Blues - o trouxe para o recém-formada Vee-Jay Records, onde foram feitas suas primeiras gravações. Foi nessa época que ele se reencontrou e voltou a tocar com Eddie Taylor , uma parceria musical que duraria até a morte de Reed. O sucesso demorou a chegar, mas quando seu terceiro single, "You Don't Have to Go", acompanhado de "Boogie in the Dark", alcançou o quinto lugar nas paradas de R&B da Billboard, os sucessos continuaram chegando para o próximo. década.

A lenta descida de Reed aos estragos do alcoolismo e da epilepsia acompanhou aproximadamente o declínio da Vee-Jay Records, que faliu aproximadamente ao mesmo tempo em que seu último 45º álbum foi lançado, "Don't Think I'm Through". Seu empresário, Al Smith , rapidamente conseguiu um contrato com o recém-formado selo ABC-Bluesway e vários álbuns foram lançados nos anos 70, todos sem o charme antigo, soando como se tivessem sido gravados em uma linha de montagem musical. 

Jimmy gravou um último álbum, uma tentativa horrível de atualizar seu som com batidas Funk e pedais wah-wah, antes de se tornar um recluso virtual em seus últimos anos. Ele finalmente recebeu atenção médica adequada para sua epilepsia e parou de beber, mas já era tarde demais e morreu tentando retornar ao circuito de festivais de blues em 29 de agosto de 1976.