Ben E. King solta a voz no grande sucesso "Stand By Me"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Das produções orquestradas inovadoras dos Drifters aos seus próprios sucessos solo, Ben E. King foi a definição de elegância R&B. O barítono melancólico de King tinha toda a paixão do Gospel, mas as configurações em que era exibido eram mais adaptados para seu fraseado suave e enunciação nítida, provando talvez pela primeira vez que o R&B poderia ser sofisticado e acessível ao público pop hetero. A abordagem de King influenciou inúmeros cantores de soul suave em seu rastro, e seus discos foram os principais precursores do som da Motown.

King nasceu Benjamin Earl Nelson em Henderson, Carolina do Norte, em 1938, e cantou com o coro de sua igreja antes de a família se mudar para o Harlem em 1947. No Ensino Fundamental, ele começou a se apresentar com um grupo doo wop de esquina chamado Four B's , que ganhou o segundo lugar em um concurso de talentos do Apollo Theatre. Ainda no Ensino Médio, teve a chance de se juntar aos Moonglows , mas era muito jovem e inexperiente para ficar. 

Posteriormente,  trabalhou no restaurante de seu pai como garçom cantor, o que o levou a um convite para se tornar o cantor barítono em uma roupa doo wop chamada Five Crowns em 1958. Os Five Crowns fizeram vários shows no Apollo Theatre junto com os Drifters, cuja carreira começou a fracassar desde a saída do vocalista original Clyde McPhatter . O gerente do Drifters , George Treadwell , insatisfeito com a falta de confiabilidade e sucesso dos membros do grupo, demitiu todos no verão de 1958 e contratou os Five Crowns para assumir o nome de Drifters (que ele possuía).

Vocal

Os novos Drifters viajaram por cerca de um ano, tocando para públicos muitas vezes hostis que sabiam que eram um grupo completamente diferente. No início de 1959, eles entraram em estúdio com os produtores Jerry Leiber e Mike Stoller para gravar seus primeiros discos. Uma música que Nelson (ainda tocando com seu nome de batismo) co-escreveu chamada "There Goes My Baby" tornou-se seu primeiro vocal principal, e o exuberante arranjo de apoio tornou altamente heterodoxo (na verdade, virtualmente inédito) o uso de uma seção de cordas. "There Goes My Baby" se tornou um grande sucesso, lançando as bases para praticamente todas as produções de soul suaves que se seguiram. Nos dois anos seguintes, Nelson cantou em vários outros Drifters clássicos, incluindo "Dance with Me", "This Magic Moment", "Save the Last Dance for Me" e "I Count the Tears".

Em 1960, Nelson abordou Treadwell sobre um aumento de salário e uma parte mais justa dos royalties do grupo. Treadwell o rejeitou e Nelson saiu do grupo, neste ponto assumindo o nome artístico mais memorável de Ben E. King em preparação para uma carreira solo. Permanecendo na Atlantic, King marcou seu primeiro sucesso solo com a elegante balada latina "Spanish Harlem". A sequência, "Stand by Me", uma ode sincera à amizade e devoção co-escrita por King, tornou-se sua canção de assinatura e um clássico duradouro do R&B; foi também seu maior sucesso, liderando as paradas de R&B e alcançando o Top Five pop. 

Em 1986, "Stand by Me" foi destaque no filme de Rob Reiner de mesmo nome; relançado como single, subiu para o Top Ten novamente. Em seu rastro, King voltou a gravar solo, lançando álbuns a cada poucos anos. O álbum de King de 1999 Shades of Blue (na Half Note Records) o encontrou se ramificando no território do jazz, tocando com uma big band e convidados como Milt Jackson e David "Fathead" Newman . O ano de 2006 viu o lançamento de um álbum suave de R&B, I've Been Around, na True Life Records. Uma data de 2010 intitulada Heart & Soul apresentou King com um pequeno grupo de jazz, estendendo-se nos padrões vocais. Ele continuou a fazer turnês e apresentações especiais, e também atuou na Stand by Me Foundation, sua instituição de caridade dedicada à educação infantil. Ben E. King morreu em 30 de abril de 2015, após uma breve doença.

Harry Belafonte e a inesquecível "Jamaica Farewell"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Neste 25 de abril calou-se para sempre a voz de Harry Belafonte, conhecido como o Rei do Calypso na Black Music dos Estados Unidos. Quando surgiu na década de 1950 conseguiu mesclar o Folk, Jazz e demais ritmos para criar uma música engajada na defesa dos Direitos Civis na década de 1960, quando não era permitido, em outras violências, que negros votassem. Até partir para o além, Belafonte utilizou o talento artístico pela redução das desigualdades sociais, ainda gritantes nos Estados Unidos. Não usou a fama, apenas para aparecer no colunismo social.

Harold George Belafonte, Jr., nasceu em 1º de março de 1927 no Harlem, Nova York. Filho de imigrantes nascidos no Caribe, ele voltou com sua mãe para sua terra natal, a Jamaica, aos oito anos, permanecendo lá pelos próximos cinco anos.

 Ao retornar aos Estados Unidos, Belafonte abandonou o Ensino Médio para se alistar na Marinha dos Estados Unidos; após sua dispensa,  se mudou para a cidade de Nova York para construir uma carreira como ator, atuando no American Negro Theatre enquanto estudava teatro no famoso Dramatic Workshop de Erwin Piscator ao lado de nomes como Marlon Brando e Tony Curtis .

Índias

Um papel de cantor resultou em uma série de compromissos de cabaré e, eventualmente, Belafonte até abriu seu próprio clube. Inicialmente,  colocou sua voz clara e sedosa para trabalhar como um cantor pop hetero, lançando sua carreira musical no selo Jubilee em 1949; no entanto, no início da década de 1950,  descobriu a música folclórica, aprendendo material através dos arquivos de canções folclóricas americanas da Biblioteca do Congresso, ao mesmo tempo em que descobriu a música das Índias Ocidentais. 

Com o guitarrista Millard Thomas , Belafonte logo fez sua estreia no lendário clube de jazz Village Vanguard; em 1953, ele fez sua estreia cinematográfica em Bright Road, ganhando um Tony Award no ano seguinte por seu trabalho na revista da Broadway John Murray Anderson's Almanac.

Com seu papel principal na adaptação cinematográfica de Otto Preminger de Carmen Jones, de Oscar Hammerstein , Belafonte disparou para o estrelato; depois de assinar com a gravadora RCA,  lançou Mark Twain and Other Folk Favorites , que alcançou o terceiro lugar nas paradas da Billboard nas primeiras semanas de 1956. Seu próximo esforço, intitulado simplesmente Belafonte , alcançou o primeiro lugar, dando início a um nacional mania de música calypso; Calypso , também lançado em 1956, liderou as paradas por impressionantes 31 semanas com a força de sucessos como "Jamaica Farewell" e o imortal "Banana Boat (Day-O)".

Racista

Após o sucesso de 1957 An Evening with Belafonte e seu hit "Mary's Boy Child", Belafonte voltou ao cinema, usando sua agora considerável influência para realizar o polêmico filme Island in the Sun, no qual seu personagem contempla um caso com uma mulher branca retratada por Joan Fontaine. Da mesma forma, Odds Against Tomorrow, de 1959, o escalou como um ladrão de banco que se juntou a um cúmplice racista. Também em 1959 lançou o LP Belafonte no Carnegie Hall , uma gravação de uma apresentação esgotada em abril que passou mais de três anos nas paradas; Belafonte retorna ao Carnegie Hall seguido em 1960 e contou com aparições de Odetta , Miriam Makeba eo Chad Mitchell Trio .

Na virada dos anos 60, Belafonte se tornou o primeiro produtor negro da televisão; seu especial Tonight with Harry Belafonte ganhou um Emmy no mesmo ano. Embora insatisfeito com o cinema,  continuou sua prolífica produção de álbuns com Jump Up Calypso de 1961 e The Midnight Special de 1962 , que apresentou a primeira aparição gravada de um jovem gaitista chamado Bob Dylan . À medida que os Beatles e outras estrelas da invasão britânica começaram a dominar as paradas pop, o impacto de Belafonte como força comercial diminuiu. 

Belafonte de 1964 no Greek Theatre foi seu último esforço no Top 40, e esforços subsequentes como o de 1965An Evening with Belafonte/Makeba e In My Quiet Room de 1966 lutaram até mesmo para quebrar o Top 100. Homeward Bound de 1969 rendeu a Belafonte sua última aparição nas paradas da Billboard, embora ele continuasse a gravar. Ele então fez sua primeira aparição no cinema em mais de uma década em The Angel Levine, de 1970, e continuou a se concentrar em seu trabalho como ativista dos direitos civis.Seu último papel no cinema foi em BlacKkKlansman de Spike Lee em 2018; até falecer em 25 de abril 2023 aos 96 anos com sua importância como artista, ativista e humanitário firmemente gravada no lugar.

 

Black Box e o som das pistas "Ride on Time"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Líderes do movimento House Music italiano do final dos anos 80, o Black Box era composto principalmente pelo DJ Daniele Davoli, o gênio da computação Mirko Limoni e o clarinetista clássico Valeric Semplici, um trio de músicos de estúdio conhecido coletivamente como a equipe de produção Groove Groove Melody. Aclamado entre os produtores de maior sucesso em toda a Dance Music italiana, Groove Groove Melody dirigiu dezenas de singles a cada ano em seu auge; em 1989 eles se juntaram à modelo Katrin (nascida Catherine Quinol) como Black Box, estreando com o single "Ride on Time". 

O disco não apenas foi um grande sucesso em casa, mas logo cruzou as paradas pop britânicas, alcançando o primeiro lugar por seis semanas consecutivas, apesar da controvérsia que surgiu após a descoberta de que incluía samples não creditados de Loleatta. O single disco de Holloway, "Love Sensation". (Uma segunda versão apresentava vocais não creditados de Heather Small.) Seguiu-se uma série de sucessos do Black Box, entre eles "I Don't Know Anybody Else" (um sucesso no Top Ten também nos Estados Unidos) e "Everybody Everybody", que apresentava vocais de Martha Wash; o LP de estreia do grupo, Dreamland de 1990, também foi um sucesso.

 Eles voltaram em 1991 com "Strike It Up", outra entrada no Top Ten americano, bem como Mixed Up! coleção; além disso, a equipe Groove Groove Melody marcou com material gravado sob uma variedade de outros pseudônimos, entre eles Starlight ("Numero Uno") e Mixmaster ("Grand Piano"). Depois de um longo hiato, o Black Box voltou em 1995 com o álbum Positive Vibration, que passou despercebido. Davoli permaneceu um DJ proeminente e ocasionalmente produziu e remixou faixas sob vários pseudônimos.

A dinamite Martha Wash e o hit "It's Raining Men (Live)"

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Uma cantora exuberante com uma voz enorme e um som estrondoso e declarativo, Martha Wash se juntou originalmente a Izora Armstead. Eles eram conhecidos como Two Tons o 'Fun quando apoiaram Sylvester e mais tarde gravaram para Fantasy. 

Eles mudaram seu nome para Weather Girls e gravaram para a Columbia. Wash então começou a trabalhar como cantora solo. Ela estava no meio de um grande abalo no início dos anos 90, quando alegou que a C&C Music Factory não a creditava pelos vocais em seu grande sucesso "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)". 

Foi a voz rica e estilhaçante de Wash que transformou "Everybody Everybody" em um sucesso para a Black Box, mas ela não apareceu no vídeo, outra coisa que não a deixou muito feliz. Wash assinou com a BMG em 1991.

Rockie Robbins e a dançante "You And Me"

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Nascido Edward W. Robbins Jr. em Minneapolis, o cantor de baladas Rockie Robbins começou a cantar ainda jovem. Trabalhando com os famosos produtores/arranjadores Richard Evans ( Natalie Cole , Peabo Bryson ) e Johnny Pate ( Curtis Mayfield and the Impressions , Lonette McKee, OKeh Records), Robbins fez uma estreia impressionante em seu LP autointitulado, lançado na primavera de 1979 pela A&M Records. 

Os singles de balada "If I Ever Lose You" e um cover de "Be Ever Wonderful" do EWF foram muito tocados nas rádios, mas não venderam muito, embora "Be Ever Wonderful" tenha alcançado a posição 67 no R&B no final de 1979. Outro impressionante o fato é que o registro foi feito, já que as fitas originais da sessão foram de alguma forma apagadas durante o trajeto do estúdio de gravação para a gravadora. 

Embora Rockie Robbins não fosse um grande vendedor, a A&M acreditou em Robbins e o manteve como artista. Juntando-se ao produtor/arranjador Bobby Martin - cujos créditos anteriores incluem arranjos de uma série de sucessos para Gamble & Huff da Philadelphia International Records e outros signatários da A&M LTD com o vocalista Jeffrey Osborne - o segundo LP de Robbins, You and Me , foi lançado na primavera de 1980.

 A faixa-título alcançou o nono lugar no R&B. O single seguinte, o dançante e inspirador "Hang Tough", alcançou a posição 70 no R&B. Os outros singles A&M de Robbins foram "After Loving You", "Time to Think" e "I Believe in Love" (todos foram sucessos moderados). Mudando para a MCA Records, Robbins ganhou a distinção (como Loleatta Holloway e Ronnie McNeir , entre outros) de ter dois LPs autointitulados em seu catálogo. O LP MCA foi lançado no início de 1985 e havia um single nas paradas na época de seu lançamento ("

Baby Washington e a elétrica "Let's Love In The Moonlight"

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Sua entrega sensual rendeu a Justine "Baby" Washington R&B arcos nas paradas de R&B em quatro décadas diferentes, principalmente no delicioso clássico uptown soul "That's How Heartaches Are Made" para a Sue Records em 1963. Nascida na Carolina do Sul, mas criada no Harlem, Washington era uma membro do Hearts em 1956 antes de registrar seu primeiro sucesso de R&B em 1959 com "The Time" para Neptune. Anunciado ocasionalmente como Jeanette ou Justine Washington , ela escalou as paradas de soul em meados dos anos 70 com sucessos ainda quentes dos anos 60, como sua pepita "Only They in Love".

Phillip Bailey, da Earth Wind & Fire, na bela "Children of the Ghetto"

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Mais conhecido por seu falsete entusiasmado, Philip Bailey apareceu no início dos anos 1970 como a contraparte de quatro oitavas de Maurice White em Earth, Wind & Fire , a banda repetidamente multiplatina e vencedora do Grammy que elevou a arte da performance a um nível espetacular . Além de cantar e tocar percussão, Bailey co-escreveu alguns dos primeiros sucessos do EW&F , incluindo "Evil" e "Shining Star", e no final dos anos 70 estendeu seu alcance à produção. Simultaneamente com o duradouro EW&F, Bailey iniciou uma carreira solo no início dos anos 80, que passou por R&B, Jazz, Gospel e Pop, iluminada pelo hit número dois da Billboard Hot 100 "Easy Lover" (1984), a gravação gospel vencedora do Grammy Triumph ( 1986 ), e o trabalho mais aventureiro da cantora, Love Will Find a Way (2019), que liderou a parada de jazz da Billboard no ano em que o EW&F comemorou seu 50º aniversário.

Philip Irvin Bailey começou a cantar na igreja quando criança em sua terra natal, Denver. Ele permaneceu em sua cidade para fazer faculdade, estudando na Metropolitan State University e na University of Colorado. Nesse período, Bailey tocou em uma banda chamada Friends & Love. Eles abriram para Earth, Wind & Fire, cujo Maurice White conseqüentemente convidou Bailey - e eventualmente o cantor e companheiro de banda do percussionista, o saxofonista Andrew Woolfolk - para fazer parte da formação reformulada de seu grupo. Bailey juntou-se a tempo de gravar o terceiro álbum do EW&F , Last Days and Time (1972), e assumiu um papel maior no seguinte Head to the Sky(1973), co-escrevendo "Evil" e liderando "Keep Your Head to the Sky", os dois primeiros singles da banda a atingir o pico no Top 25 da parada de R&B.

Bailey tornou-se um componente integral do EW&F, uma apresentação ao vivo eletrizante com sucesso comercial e de crítica notavelmente consistente. De meados dos anos 70 até o início dos anos 80, Bailey co-escreveu e apareceu em algumas de suas canções de assinatura, incluindo o hit pop Top 40 "Devotion" e o single número um pop e R&B "Shining Star", que foi ouro e deu à banda seu primeiro Grammy de Melhor Performance de R&B. Além disso, Bailey co-escreveu e liderou "Reasons", uma rolha de show rivalizada apenas pelos Isley Brothers' "Footsteps in the Dark" como a melhor e conhecida balada da época, não lançada como lado A.

 Durante intervalos intermitentes na turnê e gravação, Bailey participou de várias sessões de Jazz e R&B para outros artistas, frequentemente com seus companheiros de banda, escrevendo, fazendo arranjos, cantando e tocando percussão em várias combinações. Mais significativamente, ele estava à frente de "Sun Goddess" de Ramsey Lewis , um sucesso R&B número 20, e liderou o espírito EWF de Paulinho Da Costa "Deja Vu", uma joia profunda que não recebeu o impulso promocional merecia. Fledgling atua como Free Life , Dazz Band precursor Kinsman Dazz e Splendor foram produzidos por Bailey durante este tempo também.

Bailey continuou a equilibrar atividades solo e em grupo ao longo dos anos 90 e na década seguinte. Três anos depois - depois de Maurice White retirou-se da turnê, tornando Bailey o líder no palco do EWF.

Climax Blues Band e a linda "I Love You"

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Liderada por Colin Cooper , o ex-líder da unidade de R&B Hipster Image , a Climax Chicago Blues Band, com sede em Stafford, na Inglaterra, foi uma das principais luzes do boom do blues no final dos anos 60. Um sexteto também formado pelos guitarristas Derek Holt e Peter Haycock , o tecladista Arthur Wood , o baixista Richard Jones e o baterista George Newsome , o grupo estreou em 1969 com um esforço autointitulado lembrando a obra de John Mayall . 

Antes do lançamento de Plays On , de 1969 , Jones deixou o grupo, levando Holt para passar ao baixo. Em 1970, a Climax Chicago Blues Band mudou-se para o selo Harvest, ao mesmo tempo mudando para um som mais voltado para o rock no LP A Lot of Bottle . Por volta do lançamento de Tightly Knit de 1971 , Newsome foi substituído pelo baterista John Cuffley ; após a saída de Wood após Rich Man de 1972 , a unidade decidiu continuar como um quarteto, também abandonando a parte "Chicago" de seu apelido para evitar confusão com a banda americana de mesmo nome.

 Em 1974, a Climax Blues Band lançou FM Live , um documento de um concerto de rádio em Nova York. Lançado em 1975, Selofoi seu avanço comercial, e Gold Plated de 1976 se saiu ainda melhor, estimulado pelo sucesso do hit "Couldn't Get It Right". No entanto, a ascensão do punk efetivamente interrompeu a Climax Blues Band em suas faixas, embora continuassem gravando prolificamente bem nos anos 80; depois de Drastic Steps de 1988 , o grupo ficou em silêncio por vários anos, mas ressurgiu em 1994 com Blues from the Attic .

Kelly Moran solta o talento no hit "Helix"

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Kelly Moran é uma compositora e musicista de formação clássica que mora em Nova York. Embora ela tenha composto música para muitos instrumentos e se apresentado em vários grupos de rock de vanguarda e conjuntos experimentais, ela recebeu mais atenção por seus álbuns solo casando arranjos de piano preparados com eletrônica ambiente. Após o surpreendente sucesso de crítica de Bloodroot de 2017, ela lançou Ultraviolet baseado em improvisação em 2018.

Moran decidiu tocar piano desde muito jovem, apesar de nenhum de seus familiares ter formação musical. Ela estudou performance de piano, engenharia de som e composição na Universidade de Michigan antes de fazer pós-graduação na Universidade da Califórnia, Irvine, onde compôs música de câmara eletroacústica para apresentações de dança moderna como sua tese de mestrado.

 Ela começou a lançar gravações solo em 2010, iniciando com Microcosms, seguido por Movement de 2011, que apresentava peças compostas para apresentações de dança em conjunto com os coreógrafos Julia Cost, Randall Smith e Susie Thiel. A gravação ao vivo de Moran One on One foi lançada em 2012. Além de seu trabalho solo, Moran tocou baixo ao lado do baterista de thrash-jazz Weasel Walterna banda Cellular Chaos , tocou sintetizador no Voice Coils e tocou piano no Charlie Looker Ensemble .

Após Optimist de 2016, Bloodroot de Moran foi lançado pela Telegraph Harp em 2017. Composto, produzido e executado inteiramente por Moran usando piano e eletrônica preparados, o álbum recebeu atenção da Pitchfork, Rolling Stone e The New York Times, que o nomeou um dos os melhores lançamentos clássicos do ano. Após o lançamento do álbum, ela começou a se apresentar ao vivo com Oneohtrix Point Never , além de compor para a pianista Margaret Leng Tan e também para o quarteto de percussão/piano Yarn/Wire . Ultravioleta, baseado em uma série de improvisações de piano preparadas com eletrônica adicionada, foi lançado pela Warp em 2018. No ano seguinte, Moran voltou com WXAXRXP Sessions, um EP de cinco canções com seleções de Ultraviolet gravadas ao vivo no estúdio para a estação de rádio online NTS.

The Doobie Brothers, a banda do hit "What A Fool Believes"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Os Doobie Brothers tiveram duas fases distintas durante o auge da década de 1970, evoluindo de boogie rockers com uma queda por boas vibrações suaves para uma roupa suave de soul de olhos azuis. Reuniões subsequentes e décadas como uma atração ao vivo de sucesso obscureceram a divisão entre a divagante "Black Water" e a funky "What a Fool Believes", os dois sucessos número um da banda na Billboard. 

The Doobies acumulou vários outros sucessos em ambas as encarnações, canções que acabaram como perenes do rock clássico. "Listen to the Music", "Long Train Runnin'" e "China Grove" foram sucessos do início dos anos 70, todos escritos e cantados por Tom Johnston , o guitarrista que foi lentamente substituído como vocalista por Michael McDonald , um tecladista de voz rouca que escreveu e cantou "Takin 'It to the Streets", "It Keeps You Runnin'" e "Minute by Minute", junto com "What a Fool Believes". 

McDonald foi convocado para o Doobies para ajudar a apoiar o doente Johnston e acabou conduzindo a banda para um rock suave e cheio de Soul - o tipo de música que seria retroativamente apelidado de "rock iate". Os sucessos do McDonald 's com os Doobie Brothers o levaram ao estrelato solo e ele reentrou na órbita da banda depois que o grupo se reuniu com Johnston como vocalista em 1989. Eles continuariam em turnê com uma formação rotativa na década de 2020, com o trio central de Johnston ,- o guitarrista que escreveu e cantou "Black Water", o único membro constante na história da banda - gravando ocasionalmente um álbum de novo material, como Liberte de 2021 .

Gíria

As raízes dos Doobie Brothers estão no Pud , uma banda de country rock da Califórnia de curta duração na veia de Moby Grape com o guitarrista / vocalista Tom Johnston e o baterista John Hartman . Após o colapso de Pud em 1969, a dupla começou a tocar com o baixista Dave Shogren e o guitarrista Patrick Simmons.. Por fim, o quarteto decidiu formar um grupo, nomeando-se Doobie Brothers em homenagem a uma gíria para maconha. Logo, os Doobies ganharam muitos seguidores em todo o sul da Califórnia, especialmente entre os Hell's Angels, e eles assinaram com a Warner Bros. em 1970.

A estreia homônima da banda foi ignorada em seu lançamento em 1971. Posfácio, Shogren foi substituído por Tiran Porter e o grupo adicionou um segundo baterista, Michael Hossack , para o Toulouse Street de 1972 . Impulsionado pelos singles "Listen to the Music" e "Jesus Is Just Alright", Toulouse Street se tornou o avanço do grupo. O Capitão e Eu(1973) teve ainda mais sucesso, gerando os dez maiores sucessos "Long Train Runnin '" e "China Grove".

No início de 2014, os Doobie Brothers - desta vez com McDonald , Johnston , Simmons e McFee - anunciaram que estavam voltando ao estúdio para gravar um álbum repleto de versões country de seus maiores sucessos, apresentando estrelas de Nashville como Toby Keith , Brad Paisley , Zac Brown , Sara Evans e Chris Young . Chamado de Southbound , o álbum apareceu em novembro, alcançando a posição 16 nas paradas da Billboard. Os Doobies continuaram a fazer turnês - principalmente sem McDonald - nos anos seguintes. Southbound. 

Fama

Em 2015, Bill Payne do Little Feat assumiu a vaga de tecladista anteriormente ocupada por Guy Allison , e eles continuaram a fazer turnês em anfiteatros e galpões pelos Estados Unidos. No final da década, eles se especializaram em shows destacando apresentações completas de sua Toulouse Street e os álbuns The Captain and Me , todos preparando o cenário para Michael McDonald se juntar à banda em 2020 para uma turnê de 50º aniversário. Antes desses shows, a banda foi incluída no Hall da Fama do Rock & Roll.

Johnston , Simmons e McFee foram os Doobie Brothers apresentados no Liberte , o álbum de 2021 que foi a primeira coleção de material original do grupo desde 2010. Mesmo não tendo aparecido no Liberte , McDonald continuou fazendo parte da programação ao vivo dos Doobie Brothers.

Em 1989, a formação do início dos anos 70 de Johnston , Simmons , Hartman , Porter e Hossack , aumentada pelo percussionista e ex-roadie do Doobies Bobby LaKind , assinou um contrato com a Capitol Records. Seu álbum de reunião, Cycles , ganhou disco de ouro em seu lançamento no verão de 1989, gerando o hit Top Ten "The Doctor". Brotherhood surgiu dois anos depois, mas não gerou muito interesse. Pelo restante dos anos 90, o grupo fez uma turnê pelos Estados Unidos, tocando no circuito dos velhos tempos e nos shows de revival dos anos 70.

 "Black Water"

https://www.youtube.com/watch?v=m4oZCtfmh44

"Listen to the Music"

https://www.youtube.com/watch?v=DkytJLoxGmQ

 

27 anos sem os meninos da banda Mamonas Assassinas

 

Os cinco meninos dos Mamonas Assassinas

 Luís Alberto Alves

Após o show no estádio Mané Garrincha em Brasília, na noite do dia 2 de março de 1996, nenhum fã da banda Mamonas Assassinas imaginaria o que iria ocorrer algumas horas depois com os cinco jovens de Guarulhos (SP), que em nove meses venderiam quase 2 milhões de CDs, algo inédito no showbiz brasileiro.

Era um sábado, tempo fechado, principalmente na Grande SP, onde fica o Aeroporto Internacional de Guarulhos, no bairro de Cumbica. Por volta das 23h15 o jato executivo Learjet bateu nas árvores da Serra da Cantareira, que margeiam o lado esquerdo do aeroporto, a 2 quilômetros do local onde iria pousar.

Destroços do Learjet que bateu na Serra da Cantareira em SP

  Ninguém sobreviveu ao impacto da aeronave na serra. Morreram o vocalista Dinho, 24 anos, o guitarrista Alberto Hinoto, 26, o Bento; o tecladista Júlio Rasec, 28; e os irmãos Samuel e Sérgio Reis de Oliveira, de 22 e 26 anos, baixista e baterista. Também perderam as vidas o piloto Jorge Martins, o copiloto Alberto Takeda e dois funcionários da banda.

Por causa das piadas corriqueiras de Dinho, inicialmente muitos não acreditaram no acidente. Tudo mudou quando os programas de rádio e televisão passaram a reprisar apresentações, entrevistas e o hit “Pelados em Santos” virou prefixo para entrada de matérias ao vivo. O sonho dos meninos de Guarulhos, apesar de colada a São Paulo, ser confundida como bairro da capital paulista, tinha chegado ao fim.

 

Velório dos integrantes da banda em Guarulhos (SP)

 Na curta carreira ganharam Disco de Diamante e milhões de fãs, a maioria crianças e adolescentes que gostavam das letras de duplo sentido e carregadas de humor. Era um Rock alegre, imitando o Brega, mas com pitadas de crítica social sem parecer composições “papo cabeça” nem muitos menos panfletária, como as  dos Titãs, cujos filhos dos componentes gostavam dos Mamonas.

O grupo musical que várias estrelas da MPB e mesmo do Rock não era levado a sério parou o Brasil naquele final de semana. A programação da Rede Globo se pautou apenas no assunto acidente de avião dos Mamonas, trazendo reprises da apresentação no Domingão do Faustão, quando os meninos vieram fantasiados de Chapolin.

O sisudo Jornal Nacional terminou a edição de segunda-feira (4), com a música “Pelados em Santos” num solo de piano bem sóbrio. Jornais e revistas exploraram bem a tragédia. A Guarulhos, de onde saíram para o sucesso, os recebeu num concorrido velório no ginásio de esportes da cidade. Suas ruas estreitas foram pequenas para acomodar a multidão, em grande número crianças e adolescentes.

 O cortejo até o cemitério Primavera, na Avenida Otávio Braga de Mesquita, foi lento, apesar de pouco distante de onde os corpos foram velados. Passados 27 anos, até hoje os túmulos recebem visitas de fãs de várias regiões do Brasil. Curioso: do cemitério é possível ver os aviões voando baixinho para pousar no Aeroporto Internacional de Guarulhos. Algo que o Learjet dos Mamonas Assassinas não conseguiu fazer naquele fatídico e hoje histórico 2 de março de 1996.

Pelados em Santos no Faustão 

https://www.youtube.com/watch?v=beEQxTEY-T8

Mamonas Assassinas no Jornal Nacional

https://www.youtube.com/watch?v=gcrBNn-n8bU

60 anos sem o talento de Patsy Cline

 Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas

Patsy morreu aos 32 anos, encerrando uma carreira que poderia ir mais longe

Luís Alberto Alves/Hourpress

Naquele domingo chuvoso de 5 de março de 1963, a rainha da Country Music, #Patsy Cline, não imaginaria que telefonaria pela última vez ao seu marido, Charlie, para tentar selar um acordo de paz definitivo e poder criar os dois filhos do casal, longe de brigas, que nos seus últimos seis anos de carreira eram rotina entre eles.

Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas, na pequena cidade de Camden, Estado do Tennessee, Sul dos Estados Unidos. Minutos depois, o motor da aeronave teve problema e caiu matando todos os passageiros.

#Patsy Cline, aos 32 anos, calaria para sempre sua bela voz de contralto. Um de seus últimos sucesso “Crazy” resume o talento de uma cantora que poderia ter brilhando muito, caso a tragédia não acabasse com os seus sonhos.

Filme Sweet Dreams que conta a história de Patsy Cline

https://www.youtube.com/watch?v=IqQ9s8tMQr0

Crazy (Official Video

(112) Patsy Cline - Crazy (Official Video) ft. The Jordanaires - YouTube