Anita Baker, a nova Lady of Soul

Desde a adolescência, Anita Baker já cantava em diversos grupos musicais de Detroit. Ao concluir o Ensino Médio, com 22 anos, em 1979, integrou-se ao conjunto Chapter 8. Eles haviam assinado contrato com a Ariola Records.Gravaram apenas um disco e Anita foi elogiada, merecendo investimento na sua carreira. 

Mas por causa do ríspido tratamento dispensado aos seus colegas optou por trabalhar num escritório de advocacia até 1983. Logo a convidaram para gravar um álbum pelo selo California Beverly Glen. Ela faria companhia ao soulman Bobby Womack, recém-contratado para lançar o disco The Poent.

Concluiu o disco The Songstress, mesmo com muito a aprender, os hits "No More Tears" e "Angel" fizeram razoável sucesso. A Elektra Records não perdeu tempo. Anita Baker trocou de gravadora. Ali emplacou a canção "What Your Step". Mas foi com a balada "Sweet Love", de 1986, que ela ganhou o Grammy de Melhor Canção e Melhor Vocalista R&B. No ano seguinte repetiu a dose com hit "Ain´t No Need to Worry".

Em 1988 gravou "Giving You The Best I Got", uma das mais belas canções daquele ano. Ganhou mais três Grammies e recebeu o título de Lady of Soul. Na década de 1990, o casamento reduziu o ritmo de seu trabalho, mas colocou, em 1994, o hit "Body and Soul" nas paradas e o sucesso continuou ao seu lado. 

Voltou a lançar outro disco no ano 2000, quando foi para a Atlantic Records. Porém, problemas familiares prejudicaram a gravação de novas músicas. Dois anos depois conseguiu obter fôlego para enfrentar a maratona de shows e estúdios. 

Pela Blue Note Records lançou o álbum My Everything em 2004 e ganhou outra indicação ao Grammy pela faixa "Christmas Fantasy". Depois  submergiu para  começar o trabalho em outro disco que saiu em 2011.

Lincoln Olivetti/Robson Jorge: a dupla tecnológica dos estúdios

É famosa a parceria entre os produtores musicais Lincoln Olivetti e Robson Jorge. Ela perdura desde a década de 1970, quando ambos trabalharam para diversos cantores da black music brasileira, cujo o auge foi entre 1975 e 1978. Olivetti começou a mexer com música em 1967, aos 13 anos. Depois não parou mais.
Instrumentista, arranjador e compositor cursou faculdade de Música e Engenharia Eletrônica. No início da década de 1970 conheceu o guitarrista Robson Jorge, com quem formou longa parceria. Ambos produziram, em 1980, o álbum Tim Maia; disco repleto de ótimos arranjos de metais com o Síndico cantando o hit "Meu Samba", como se fosse um velho partideiro de escola de samba. É deste disco a canção "Está Difícil de Esquecer", hit responsável pela fossa de diversos casais de namorados até hoje.
É extensa a galeria de artistas que recorreram aos arranjos da dupla Lincoln Olivetti/Robson Jorge: Gal Costa, Gilberto Gil, Jorge Benjor, Rita Lee, Roberto Carlos, Caetano Veloso, Maria Bethânia, Ângela Rô Rô, Fagner e Wando.

Mas o trabalho da dupla não ficou restrito aos estúdios. Nos anos de 1980 lançaram verdadeiras pérolas.

Destaques para os hits "Aleluia" e " Prét-à-porter", essa última com metaleira no estilo da banda Earth,Wind& Fire e riffs de guitarra semelhantes ao de George Benson. A mesma pegada se repete nos hits "Squash" e "Alegria".

Porém, o prestígio de ambos foi alvo de diversas críticas. Puristas da MPB diziam que eles estavam tirando a essência da nossa música, numa época em que a tecnologia andava a passos de tartaruga nos estúdios brasileiros. Por causa desse patrulhamento, na década de 1990 ambos participaram da produção de poucos discos, com exceção de Lulu Santos e Ed Motta que continuaram de braços abertos à modernidade.
O avanço tecnológico deste século mostrou que Lincoln Olivetti e Robson Jorge não estavam errados ao usar essa ferramenta de trabalho na produção de ótimos discos. É igual a guitarra, que na década de 1960 foi acusada de acabar com a MPB. Hoje ninguém se lembra mais disso dentro de um estúdio de música.

Azimuth: a beleza da música instrumental brasileira

O trio Azymuth é uma das joias raras da música brasileira. Formado na década de 1970 pelo baterista Ivan Conti "Mamão" , o contrabaixista Alex Malheiros e o tecladista José Roberto Bertrami misturaram Jazz, Samba, Funk dos Estados Unidos e Rock. O nome Azimuth é herança de uma música de Paulo Sérgio Vale que serviu de trilha sonora do filme Fabuloso Fittipaldi.

O primeiro álbum surgiu em 1975 e o hit "Linha do Horizonte" estourou nas paradas de sucesso de todo o Brasil, como trilha sonora da novela das 19h na Globo, Cuca Legal. Essa canção revela que o grupo é bom em música instrumental e vocal.  No ano seguinte repetem a dose com "Melô da Cuíca", que entra na trilha da novela, das 20h da Globo, Pecado Capital. O ano de 1977 marca a gravação do disco Águia Não Come Mosca e a canção Voo Sobre o Horizonte é outro sucesso e faz parte da trilha sonora da novela das 19h da Globo, As Locomotivas. A introdução com solo de violão, seguida de teclados é inesquecível.

Recebem convite para participar do Festival de Montreaux, na Suíça tornando-se o primeiro grupo brasileiro a pisar naquele palco de grandes atrações internacionais. Em 1978 a cantora brasileira de Jazz Flora Purim os convida para uma turnê pelos Estados Unidos. Ali lançam o primeiro disco internacional: Light as Father. 

A qualidade do trabalho abre as portas do mercado exterior, que perdura até hoje. Atualmente, o Azimuth faz mais sucesso no Exterior do que no Brasil, onde as gerações das décadas de 1990 e 2000 acreditam que eles são norte-americanos, por causa da forte pegada de Jazz que os acompanha.

A canção "Jazz Carnival", do álbum Light as Father, conquistou os britânicos e manteve o disco nas paradas durante um ano. 

De 1980 a 1989, o Azimuth lançou nove álbuns e participou de diversos festivais, entre eles Playboy Jazz  Festival, Berckley Festival, Concert Bay The Sea, Monterrey Jazz Festival (que revelou Janis Joplin e Jimi Hendrix na década de 1960), Tijuana Jazz Festival entre outros. 

Em 1986, o grupo é capa das mais importantes revistas de música dos Estados Unidos: Down Beat, Modern Drums e Guitar Player. Na década de 1990 prosseguem nas turnês e gravam o disco Spot Light comemorando 21 anos de carreira. Em 1995 assinam com o selo britânico Far Out por onde lançaram seus últimos dez álbuns. 

A partir daí passaram a excursionar pela Europa e Japão. Incluem a linguagem eletrônica em suas apresentações. O Azimuth já tocou em todas as casas Blue Note dos Estados Unidos, Japão e Itália. O sucesso não apagou as raízes brasileiras do grupo: em 2005 participaram do Festival de Inverno de Garanhuns, em Pernambuco; Festival de Jazz e Blues do Rio das Ostras e Bank Boston, no Rio de Janeiro, Festival de Inverno da Serra de Ibitipoca, em Juiz de Fora, Minas Gerais, e também do Projeto Três Mil Sons em São Paulo. Nesse mesmo ano lançaram o CD Brazilian Soul, comemorando 30 anos de carreira. Continuam em atividade, como sempre fazendo mais sucesso no Exterior do que no Brasil, onde a música instrumental ainda é vista como patinho feio. 

Romantismo das canções de Freddie Jackson

Romantismo é a praia de Freddie Jackson. Sua especialidade são as baladas em ritmo de Soul Music. Porém nunca conseguiu atingir as paradas de sucesso nos Estados Unidos como Luther Vandross, Anita Baker e Peabo Bryson, que transitam no mesmo estilo. 

Nascido no Harlem, em Nova York, no ano de 1956; Jackson desde a adolescência acostumou-se a cantar Gospel na igreja Batista do bairro. Ali conheceu Paul Laurence, mais tarde seu produtor e compositor das canções que invadiram os bailes.

No início da década de 1980, aos 24 anos, mudou-se para a Costa Oeste dos Estados Unidos. Durante certo tempo trabalhou como vocalista na banda R&B Merlin Mystic. Depois retornou a Nova York para prestar serviços numa empresa de Paul Laurence. Onde passou a atuar de backing vocal em diversas gravações. 

O esforço foi compensado. Em 1985 consegue assinar contrato com a Capitol Records. Lança seu primeiro disco e o hit "Rock Me Tonight" estoura nas paradas. O álbum vende 4 milhões de cópias. Também teve indicação ao Grammy, na categoria de Melhor Artista Novo. 

Depois emplacou as canções " You Are My Lady", "Just Like The First Time", e o dueto com Melba Moore, no hit "A Little Bit More". O segundo álbum A Lot of Love trouxe as músicas "Love Tasty", "Have You Fever Loved Somebody" e "Jam Tonight" o hit que colocou fogo nas paradas dos Estados Unidos. O segundo lugar ficou com "I Don´t Wanna Lose Your Love". 

A década de 1990 o premiou com mais sucessos e alguns fracassos. "Do me Again" manteve o gosto doce do êxito em sua carreira. Como não quis mexer em time vitorioso, passou a interpretar canções muito parecidas. A crítica não o perdoou. Ao regravar "Me and Mrs. Jones", cartão postal de Billy Paul, em 1992, o álbum Time for Love" não teve boa decolagem. Em 1993 entrou na RCA Victor Records. O disco Here it Is não vendeu muito. 

Dois anos depois lançou o álbum Private Party pelo selo Street Life. Sem bom retorno comercial, só voltou a gravar no final de 1999, quando soltou o disco Life After 30. Porém, a maré ruim só terminou em 2006, quando apresentou novo disco aos seus fãs e a canção "Until The End of Time" revelou que Freddie Jackson ainda estava vivo e sabia interpretar boas letras, cheias de romantismo e sem repetição de temas. Em 2010 assinou com a EMI e lançou p álbum For You. Segundo a crítica, o melhor dos últimos dez anos de sua carreira. 

O rei do Twist Chubby Checker

Luís Alberto Alves/Hourpress

Chubby  Checker foi o homem do sucesso na década  de 1960. Considerado o rei da dança naquela época quando lançou o Twist. Durante cinco anos  manteve cinco álbuns no top 20 das paradas dos Estados Unidos. Tudo começou quando ele passou a cantar para os clientes de uma loja de produtos para aves na Filadélfia. Depois ganhou um concurso para colocar sua voz num cartão de Natal em 1958.

Logo assinou contrato com a Cameo-Parkway Records. O nome de batismo Ernest Evans cedeu lugar ao pseudônimo Chubby Checker. Lançado no Outono de 1960, o hit "Twist" resultou em milhões de cópias vendidas. A canção permaneceu nas paradas por quatro meses. Repetindo o feito no ano seguinte.

O restante da década de 1960 esteve recheado de diversas músicas interpretadas por Chubby Checker. Destacaram-se "Let´s Twist Again" (eterno sucesso passados mais de 55 anos), "Pony Time", "The Fly", "Slow Twistin" e "Lymbo Rock".

Para aproveitar a onda, a gravadora Cameo-Parkway lançou o álbum Chubby Checker & Bobby Rydell, onde cada um canta os maiores sucessos do outro em mais de 7 minutos de hits inesquecíveis. Nas décadas seguintes o disco torna-se peça rara, mesmo nas lojas de antiguidades.

 É bonito ouvir Chubby Checker cantar "Volare" (música que estourou na voz de Bobby Rydell e entrou para sempre no seu repertório) assim como apreciar "Let´s Twist Again" na interpretação de Bobby Ridell.

Após a passagem da febre do Twist, que é um estilo de dança, não um gênero musical, Chubby Checker retornou às paradas em 1988 quando uniu-se aos Fat Boys para regravar "The Twist". Escorado na fama conquistada na década de 1960, Chubby Checker prossegue fazendo shows.

"Twist", o primeiro grande sucesso

https://www.youtube.com/watch?v=pHGXwQeUk7M

"Let´s Twist Again", o hit que ficou eterno

https://www.youtube.com/watch?v=eh8eb_ACLl8

"Lymbo Rock",  outra canção de sucesso

https://www.youtube.com/watch?v=Q6U-FBNSc_8

"Chubby Cheker and Bobby Ridell", disco que virou raridade durante muitos anos

https://www.youtube.com/watch?v=Q6U-FBNSc_8

"Pony Time", outro hit que fez bonito nas paradas

https://www.youtube.com/watch?v=JyaxcvHSyZY

Eric Clapton: o "deus" da guitarra

O talento de Eric Clapton vem de berço. Seu pai, um soldado canadense que engravidou sua mãe aos 15 anos, era excelente pianista; sua avó materna também tocava piano e o marido dela gostava das big bands, numerosas nas décadas de 1930 e 1940. O resultado disso seria um neto, que anos mais tarde receberia o codinome de "deus" da guitarra, por causa da facilidade com que toca músicas instrumentais, das mais fáceis às difíceis. Nascido em março de 1945 na Grã-Bretanha, o garoto Clapton cresceu imaginando que sua mãe Patricia Molly Clapton fosse sua irmã mais velha, pois ele acabou sendo criado pelos avós. Só aos nove anos de idade, descobriu a verdade. 

Em 1958, com 13 anos, pediu um violão de presente de aniversário. Aos 16 anos foi estudar Arte na Faculdade de Kingston. Mas acabou expulso, porque passava a maior parte das aulas tocando Blues. No início da década de 1960, Eric Clapton já era vidrado no estilo de Freddie King, B.B. King, Muddy Waters, Buddy Guy; todos músicos experientes e grandes representantes do Blues. 

Com 17 anos, em 1963, de posse de uma guitarra velha comprada pelos avós, formou sua primeira banda: The Roosters. Antes de mergulhar de vez na carreira, trabalhou de servente de pedreiro do avô. Em outubro de 1963, sem banda, foi admitido pelos Yardbirds, por causa de sua fama de excelente guitarrista de Blues. Nos 18 meses passados no conjunto, gravou as canções "Good Morning Schoolgirl Little " e "For Your Love". 

Dois anos depois entrou para a banda Bluesbreakers. É nessa época que Eric Clapton adota definitivamente o Blues. É quando um fã exaltado faz pichação nas ruas de Londres, dizendo que ele é "deus" tocando guitarra. Pura loucura. Em 1966 faz sua primeira turnê aos Estados Unidos e o mundo começa a conhecer melhor o seu talento. Com a Bluesbreakers tocando Rock com a harmonia de Blues, o conjunto virou referência no mercado. A banda não conseguiu administrar a rápida fama adquirida e chegou ao fim em 1968. 

Clapton não perde tempo e funda o grupo Blind Faith, ao lado de Steve Winwood, Ginger Baker e Rick Grech. Gravam um álbum e Clapton fica sozinho outra vez. O início da década de 1970 é dedicado a novas composições. Aproveita e cria a banda Dominos com Jim Gordon, Radle Carl e Bobby Whitlock. Gravam um disco de Rock e a canção "Layla" estoura nas paradas. A fonte de inspiração era  Patti, a mulher do Beatles George Harrison, que não quis trair o marido com Clapton.

O segundo álbum é um fracasso. Sem o amor da mulher do amigo e sucesso, Clapton entra no inferno do vício da heroína e ali permanece três anos. Em janeiro de 1973 consegue dar a volta por cima e retorna com dois concertos no teatro Rainbow, em Londres. Os fãs passam a conhecer o cantor e guitarrista Eric Clapton. Até a década de 1980, ele iria gravar diversos álbuns, entre eles um com a canção " I Shot The Sheriff" que revelaria ao mundo o talento do rei do Reggae, Bob Marley. 

No final da década de 1980, Clapton torna-se compositor de trilhas sonoras de filmes.  Em 1992 ganha   o   Grammy, pelo álbum Tears in Heaven. Dois anos depois grava o disco  From The Cradle dedicado aos seus heróis do Blues. No ano 2000 gravou outro álbum junto com B.B. King, de quem é fã. Ganha o disco de ouro. Em 2005 lança o álbum Me and Mr. Johnson, tributo ao bluesman Robert Johnson.

Três anos depois ganha o Grammy de Melhor Álbum de Blues Contemporâneo com o disco The Road to Escondido. Ao todo já conquistou 18 Grammy, além de participar das gravações de inúmeros discos dos grandes cantores do Rock, Soul Music e Blues. 

Livre da heroína na década de 1970, passou os anos de 1980 e 1990 lutando contra o alcoolismo. Acabou criando uma clínica de reabilitação, na Ilha de Antigua, para pessoas sem dinheiro. Obteve quase US$ 5 milhões com leilão de cem guitarras suas, para manter em funcionamento a clínica. Ao lado dos melhores guitarristas do mundo, fez em 2004 um festival no Texas, para arrecadar mais fundos. Nesse mesmo ano   leiloou sua lendária guitarra Fender Stratocaster e uma Gibson ES335. Mais US$ 6 milhões foram para os cofres da sua clínica de reabilitação de alcoólatras. 

Dos dias 6 a 12 de outubro de 2011, Eric Clapton estará se apresentando no Brasil. É a oportunidade para ouvir um dos maiores guitarristas da atualidade. Para quem gosta de Blues, é um prato cheio. 

Kurtis Blow: o primeiro rapper dos Estados Unidos

Kurtis Blow é um dos principais cantores de Hip-Hop dos Estados Unidos, onde nasceu em agosto de 1959, no bairro do Harlem, Nova York, considerado o Pelourinho norte-americano, por causa da miséria da grande população negra ali residente. Aos 13 anos, em 1972 começou a dançar break pelas ruas de sua cidade natal, até iniciar o trabalho de DJ e tornar-se rapper. Nesse período entrou para Faculdade de Nova York, onde tornou-se diretor do programa da estação de rádio.
Ali conheceu Russell Simmons, do grupo The Force, e juntos passaram a promover festas no bairro de Queens, em Nova York. Após virar MC (mestre de cerimônias) por conta própria adotou o pseudônimo de Kurtis Blow (seu nome de batismo é Kurtis Walker).
Na segunda metade da década de 1970, o movimento Hip-Hop (inspirado no nome de uma música do tecladista Herbie Hancock, gravada em 1973) dava seus primeiros passos nos Estados Unidos. Para vender seu peixe, Blow passa a intitular-se o primeiro rapper do Queens. O seu primeiro discípulo é José, irmão mais novo de Simmons. Mais tarde ele adota o nome de Run-DMC.

Aos 20 anos, em 1979, Blow é o primeiro rapper a assinar contrato com uma grande gravadora: a Mercury. Vende meio milhão de cópias de seu primeiro álbum, somente com canções de RAP. Destacaram-se as faixas "The Breaks" e "Throughout The Years". Sua postura de letras recheadas de críticas sociais influencia uma nova geração de rappers, inclusive no Brasil. 

Até 2007, lançou dez discos. O álbum Deuce, de 1981, fez sucesso nos Estados Unidos e Europa, com os hits "8 Million Stories" e "Basketball" estourando nas paradas e nos bailes de black music.  Em 1985, o disco America lhe rendeu o prêmio MTV Award Monitor.
A partir desse álbum, a canção "If I Ruled The World" tornou-se um hit top 5 na Billboard. Em 1988 escreveu, junto com Dexter Scott King, uma música para comemorar 20 anos da morte do líder pacifista na luta pelos direitos civis nos Estados Unidos, Martin Luther King. Diversos artistas participam da gravação desse disco, destacando-se Whitney Houston, Kool and The Gang, New Edition, Stephanie Mills, El Debarge, The Fat Boys e Run DMC.
Dez anos depois produz o filme "The History of Rap". Em 2005, a canção "Basketball", do álbum Ego Trip , de 1984, é utilizada em comerciais  durante partidas da NBA. Kurtis Blow tem seu trabalho valorizado, porque a maioria de suas músicas critica o racismo, alerta os jovens das pequenas cidades dos Estados Unidos em relação aos perigos do modernismo, tão presentes nas metrópoles. Nunca esquece de citar os perigos do álcool e das drogas. Não é um rapper que faz apologia ao crime organizado, como ocorreu durante diversos anos no Brasil.
O talento de Kurtis Blow o tornou o primeiro rapper a assinar contrato com uma grande gravadora nos Estados Unidos, o primeiro a fazer turnê por todo aquele país e Europa, o primeiro a gravar um comercial para um refrigerante da Coca-Cola em rede nacional para a televisão norte-americana, foi o primeiro a produzir um vídeo de RAP. Também acabou escolhido pelo governo dos EUA para fazer shows em suas bases militares no Afeganistão, Paquistão, Arábia Saudita, Jordânia, Bahrein, Kwait e Omã.
Em agosto de 2009 tornou-se pastor da Igreja evangélica Hip-Hop em Nova York. Ali atua como DJ, rapper e ministro do evangelho. Agora por meio de suas canções, passa os ensinamentos das palavras de Deus, para inúmeros jovens que ainda continuam presos nas drogas, crimes, prostituição e alcoolismo.

Eddy Grant: o reggaeman que saiu da Guiana

Eddy Grant ficou conhecido no Brasil, durante a década de 1980, por causa do reggae "I Don´t Wanna Dance". Como pipoca em porta de cinema, a música explodiu nas casas noturnas e fez muito sucesso nas rádios. Ao contrário da maioria dos cantores de Reggae, Grant nasceu na Guiana, em março de 1948. Muito jovem, seus pais mudaram-se para a Grã-Bretanha, onde cresceu e teve os primeiros contatos com o Rock tocado por Chuck Berry.
Aos 17 anos, em 1965, formou a banda The Equals misturando Calypso e Soulful. Por cerca de dois anos, o grupo conseguiu emplacar alguns hits nas paradas britânicas, entre eles "Baby Come Back" e "Black Skin Blue-Eyed Boys". A crítica social nessa segunda música, o levou a sair do conjunto em 1971.
É quando aproxima-se do Reggae, por causa de suas mensagens pacifistas e políticas. No ano de 1977 embarca na carreira-solo, lançando o álbum Man Mensagem.
O destaque do disco é a canção "Hello Africa". É a mistura do Calypso bem pesado com a Soul Music. A partir daí, a maioria dos seus lançamentos incluem músicas retratando as lutas enfrentadas diariamente pela comunidade negra.
Nas décadas de 1980 e 1990 prossegue na mesma pegada. Com o aumento das pressões pela libertação do líder sul-africano Nelson Mandela, compôs " Gimme Hope Jo´anna". Jo´anna é referência à cidade de Johannesburgo. No aniversário de 90 anos de Mandela, Eddy Grant cantou essa canção ao arquiteto da destruição do regime segregacionista do apartheid na África do Sul.
Outros hits que se tornaram cartões de visita de Grant, são as músicas "War Party", " Walking on Sunshine",       e "Electric Avenue". Morando nos Estados Unidos, ainda continua fazendo turnês por todo o mundo.

Gilson, a voz célebre de Casinha Branca

Gilson é daqueles cantores talentosos que, sem qualquer explicação, desaparece da mídia. Em 1975, quando gravou seu primeiro LP (disco de vinil com 12 faixas), estourou nas paradas de todo o Brasil com a canção "Casinha Branca", décadas depois regravadas por diversos artistas, inclusive pelo britânico Jim Capaldi, que a traduziu como "Old Photograph". Maria Bethânia, em 2002, no seu álbum de comemoração de 35 anos de carreira, também gravou "Casinha Branca". O mesmo fez o sambista Neguinho da Beija-Flor. 

Nesse primeiro disco, ainda tiveram destaques os hits "Andorinha", "Fim de Primavera", "Lembranças" e "Chuva". O segundo álbum Encontro Casual, revelando as dificuldades dos intérpretes brasileiros, saiu em 1987 pelo selo RGE. Nele estão as músicas "Espiã", "Pau ou Pedra", "A Noite Vem", "Encontro Casual" e "Nossa História de Amor", canção que tornou-se hino dos casais que cultivam excelente relacionamento conjugal. O ótimo arranjo de cordas é uma massagem para os ouvidos de quem gosta de música de qualidade. 

Um dos grandes parceiros de Gilson é Joran. Ele também dividiu diversas letras com Ed Wilson, quando este optou por cantar música Gospel. A característica marcante de Gilson é a excelente interpretação, sem precisar recorrer a gritos ou qualquer parafernália eletrônica para deixar a composição bonita. 

Cassiano, um dos pais da Soul Music no Brasil

Cassiano, ao lado de Tim Maia, é um dos pais da Soul Music no Brasil. Quem gosta de suas lindas músicas, logo percebe o tempero do Blues que Otis Redding incluía em seus hits. Atualmente desaparecido da mídia, na década de 1970 compôs verdadeiras pérolas. Do início dos anos 70, quem não se lembra de "Eu Amo Você" e "Primavera", ambas gravadas por Tim Maia? E "A Lua e Eu", parceria com Paulo Zdanowski, de 1975, que entrou na trilha sonora da novela O Grito, da Rede Globo? Também teve "Coleção", desse mesmo ano, na trilha sonora da novela das 19h, Locomotivas, mais tarde regravada por Ivete Sangalo. Até 1978, Cassiano podia cantar, mas a extração de um dos seus pulmões o obrigou a abandonar o microfone e se dedicar apenas a compor. 

A carreira do paraibano Genival Cassiano dos Santos começou em 1962, quando aos 21 anos foi tocar violão no conjunto Bossa Trio. Até 1971, trabalhando neste grupo, Cassiano gravou diversos compactos simples (disco com uma música de cada lado) até finalizar com um LP (disco com 12 faixas) em 1971. Nesse álbum estão suas composições "Clarimunda" e "Não dá Pra Entender". Depois em carreira-solo gravou pela RCA Victor o álbum Imagem e Som, destacando-se as canções "Uma Lágrima", "Tenho Dito", "Ela Mandou Esperar" e "Primavera". 

Dois anos depois lançou, pela Odeon, o disco Apresentamos o Nosso Cassiano", com diversas músicas de sua autoria, entre elas "Cedo ou Tarde", "Me Chame Atenção" e "Castiçal". Como guitarrista participou da gravação de diversos discos de Tim Maia e de outros cantores que valorizavam o Blues e Soul, caso de Carlos Dafé, Hyldon, Fábio entre outros. 

Após parar de cantar, continuou compondo e teve músicas suas gravadas por Alcione ("Mister Samba") e Gilberto Gil ("Morena"). Nana Caymmi regravou "Primavera". E Claúdio Zolli, em 1988, colocou em seu a disco a canção "Não dá Pra Entender". 

Em 1991 participou do songbook de Noel Rosa e lançou o disco Cedo ou Tarde, com as participações de Ed Motta, Djavan, Marisa Monte, Luiz Melodia, Sandra de Sá e Cláudio Zolli. Neste álbum estão regravações de sucessos antigos e canções nova, como "Know-How". No ano de 1999, outra composição sua, "Férias" em parceria com Índio, batizou o disco de Cláudio Zolli, lançado pela gravadora Trama. Em 2001, para comemorar o centenário da RCA Victor, foi relançado em CD parte de seu acervo, onde estão incluídos os álbuns Imagem e Som e Cuban Soul. 

Carrie Lucas: outra cantora meteoro da era Disco Music

Carrie Lucas é produto, na década de 1970, da gravadora Som de Los Angeles, que reuniu no seu cast Think Midnight Star, The Whispers, Shalamar, Lakeside, Dynasty, Calloway entre diversos cantores e grupos. O manda-chuva desse time era Dick Griffey, sucessor do programa de televisão Soul Train (espécie de Globo de Ouro, que a Globo exibia às sextas-feiras na década de 1970).
A carreira de Carrie Lucas, em sete anos, resultou em seis álbuns. Irmã mais velha do tecladista Greg Phillinganes, ela confessou nunca ter levado a sério a arte de cantar, por causa da timidez. Quando Greg passou a trabalhar com Stevie Wonder, Carrie passou a compor e mudou de opinião.
Em 1976 ela cantou com os Whispers o hit "One for The Money". Agradou tanto, que Dick Griffey a escolheu como sua esposa. No ano seguinte, estourou com a composição " Fairytales". Para acompanhar seu grande amor, Griffey arregimentou os melhores músicos de Los Angeles. Entraram na banda o saxmen Ernie Watts e Hank Redd, o guitarrista Jay Graydon, o tecladista Clarence MacDonald, além dos backing vocal Oscar Brashear e George Bohannon. Os arranjos ficaram com Jerry Peters, da banda Earth, Wind & Fire.
Logo gravou outro single, no auge da Disco Music, e o sucesso prosseguiu com "I Gotta Keep Dancin´".
Conhecedor dos gostos de quem frequenta bailes, Dick Griffey orientou a esposa Carrie Lucas cantar baladas, mas sussurrando. Ela acatou o conselho do marido e continuou bem colocada nas paradas.
No ano de 1979, lançou a pipoca das casas de danças "Dance With You". No mesmo disco veio "I Gotta Get Away From Your Love".
Em 1980, o álbum Portrait of Carrie vendeu bem.  Em 1982 lançou outro disco, misturando Blues e Soul. O destaque ficou para a canção "Still in Love". Cinco anos depois regravou de Barbara Lewis o hit "Hello Stranger". A música ficou entre as 20 primeiras colocadas nas paradas dos Estados Unidos. Nas décadas seguintes sumiu das paradas. Está na memória de algumas pessoas, como a intérprete que abusava dos sussurros em suas músicas.

Brick uniu Funk com Jazz

A banda Brick surgiu em 1972, resultado da fusão de dois grupos: um do estilo Disco Music e outro de Jazz. O primeiro single ("Matic Music") do conjunto saiu em 1976. Depois assinaram contrato com a Bang Records e lançaram o segundo single: "Dazz", uma mistura de Disco Music e Jazz. 

Ficaram na Bang Records até 1982. Fizeram sucesso com "Happy", "That´s What It´s All About", "Dusic", "Ain´t Gonna Hurt Nobody". 

O último sucesso da banda foi em 1981 com a canção "Sweat (Til You Get Wet)".

A Brick, composta por Jimmy Brown (vocal, saxofone e flauta), Regi Hargis Hickman (guitarra, contrabaixo e vocais), Eddie Irons (vocais, bateria e teclados), Donald Nevins (teclados e vocais) e Ray Ransom (vocal, contrabaixo, teclados e percussão),

 foi feliz ao unir o Funk com Jazz, mas não conseguiu se manter em atividade por mais de 11 anos. 

Os Brothers Johnson e a batida Funk no contrabaixo

Os Brothers Johnson estouraram nas paradas de todo o mundo em 1976, com o hit "I´ll Be Good to You". E continuaram influenciando diversas músicos por mais 20 anos. A dupla, George na guitarra e Louis no contrabaixo, deu seus primeiros passos no início da década de 1970 em Los Angeles. A fama cresceu e logo estavam trabalhando com o tecladista Billy Preston.

 Depois o maestro Quincy Jones os contratou para turnê na Ásia. Logo, ambos conseguiram assinar contrato com a A &M Records e Jones produziu o primeiro álbum  Look Out For. 

Durante cinco anos ganharam diversos discos de platina. Fizeram sucesso com " Strawberry Letter 23", "Get The Funk Out of My Face", " Ain´t We Funkin´Now´" e a inesquecível " Stomp". Em 1981 a dupla entrou em queda livre. Três anos depois reataram, com Leon Sylvers produzindo o álbum Out of Control. A canção " You Kepp Me Comin´ Back" fez relativo sucesso.

 A agonia durou até 1988, quando ocorreu a separação definitiva. Hoje, cada um trabalha com projetos solos. Ás vezes se reúnem para shows esporádicos. Da dupla, restou o estilo sleep (batendo nas cordas do instrumento) de tocar contrabaixo.

Aretha Franklin + Janis Joplin = Joss Stone

Pense numa grande cantora de Blues, Soul e R& B da atualidade. Imagine que ela tem o talento de Aretha Franklin e Janis Joplin. De olhos fechados, ao ouvi-la cantar pode imaginar que seja uma negra, típica daquelas que soltam suas vozes aos domingos nas igrejas Batistas dos Estados Unidos e que tenha passado dos 40 anos, por causa do grande estilo para interpretar as belas canções do Blues. E se essa maravilhosa intérprete for uma menina de 24 anos, branca e nascida na Grã-Bretanha?
Joss Stone é, sem qualquer contestação, a maior cantora de Blues do momento. Foi abençoada por Deus com uma voz linda e formidável presença de palco, além de sentir intensamente todos os detalhes de uma composição, quando fica diante de um microfone. Não é gostosona, nem é dona de pernas malhadas em academias de ginástica, tampouco precisa ficar arranjando escândalos para permanecer na mídia. O seu talento é suficiente.
Joscelyn Eve Stoker já vendeu mais de 11 milhões de discos em todo o mundo. Ganhou um disco de ouro pelo álbum The Soul Sessions & Introducing Joss Stone e outro de prata por Mind, Body & Soul. Só no Brasil, seus três discos anteriores (lançados em  2003, 2004 e 2007) venderam mais de 150 mil cópias.
Joss passou sua adolescência, em Dover, Grã-Bretanha, onde nasceu em abril de 1987, ouvindo vários estilos musicais, mas fixou-se no Soul e Blues. Procurou assimilar o formato dos vocais existentes na Soul Music. Pegou como parâmetro Aretha Franklin.
Aos 15 anos foi para Nova York e assinou contrato com a BMG Music. Seu primeiro álbum (The Soul Sessions), lançado em setembro de 2003, teve na produção o dedo de feras como Betty Wright (a dama do Soul de Miami), Benny Latimore, Timmy Thomas e Little Beaver. O hit "Fell in Love With a Boy" alcançou boa colocação nas paradas britânicas.
Seu segundo disco, gravado em 2004, fez mais sucesso que o primeiro. "You Had Me" entrou no top dez da Grã-Bretanha. Emplacaram também as canções "Right to Be Wrong", "Spoiled" e "Don´t Cha Wanna Ride".
No início de 2005 foi indicada a três Brit Awards e ganhou dois: Artista Solo Feminina Britânica e Artista Britânica de Música Urbana. Também foi indicada a três Grammy, como Melhor Artista Revelação, Melhor Performance Vocal Feminina de Pop e Melhor Álbum Vocal de Pop.
A canção "Cry Baby"/"Peace of My Heart", lançada como single, foi o primeiro a entrar Billboard Hot 100.
Em julho de 2005 fez um dueto inesquecível com James Brown, no Hyde Park de Londres, durante o show Friday Night With Jonathan Ross.
 Atualmente, Joss Stone, aos 24 anos, já é dona de sua própria gravadora. Seu mais recente álbum saiu em 2009. Com a cabeça no lugar, como demonstrou várias vezes, ainda sentirá inúmeras vezes o gosto doce do sucesso. Talento não lhe falta.

The Chi-Lites: de Chicago para o sucesso

O grupo vocal The Chi-Lites foi criado em 1959, na cidade de Chicago. Seus integrantes originais eram Marshal Thompson, Creadel Jones, Eugene Record, Robert Lester e Clarence Johnson. Como Hi-Lites eles lançaram diversos hits em Chicago. Em 1964 mudaram o nome do conjunto para Mashall & The Chi-Lites. A letra "C" é homenagem a Chicago, cidade natal dos primeiros componentes da banda. 

No final de 1964, Clarence Johnson deixa o grupo e o nome da banda volta a ser The Chi-Lites. Até 1968, Eugene Record assume o papel de compositor e produtor musical. Em 1969 chegam às paradas com o hit "Give It Away". Também teve presença moderada nas rádios a canção " Let Me Be The Man My Daddy Was". 

O ano de 1971 marca outro grande sucesso dos The Chi-Lites: " Are You My Woman (Tell me So)". Depois vieram " (For God´s Sake) Give More Power To People", "Have You See Her". Em 1972, a balada "Oh!Girl" manteve o doce sabor do êxito do grupo, inclusive fazendo muito sucesso no Brasil, onde entrou na trilha sonora da primeira versão, na Rede Globo, da novela Uma Rosa com Amor, em 1973. 

A ótima fase do grupo não impediu  a saída de seus membros: Creadel Jones deu lugar a Stanley Anderson, que foi substituído por Willie Kensey. A década e 1980 marca a entrada na gravadora Car Davis ´Chi Sound. Na nova casa estouram com o hit "Hot On a Thing (Called Love)".

No ano seguinte, na Larc Records, continuam nas paradas com "Bottoms Up". Nessa época, Creadel Jones  aposenta-se dos palcos e The Chi-Lite torna-se um trio. 

Mas na década de 1990, Jones retorna às atividades e Anthony Watson entra no grupo. Em 2000, The Chi-Lites são admitidos no hall da fama do Blues. O conjunto continua em atividade, porém sem Eugene Record, compositor da maioria dos grandes sucessos da banda. Ele morreu em 2005. 

Stacy Lattisaw e seus 11 anos de sucessos

Aos  14 anos Stacy Lattisaw estourou nas paradas de todo o mundo, com o hit "Love On a Two Way Street", regravação de um sucesso do grupo Ray, Goodman & Brown da década de 1970. A voz suave de menina logo conquistou admiradores, principalmente pelo seu falsete. Antes, aos 12 anos, em 1979, tinha lançado seu primeiro álbum sob direção do conceituado maestro e arranjador Van McCoy, especialista em produzir sucessos da black music.
Mas foi pelas mãos de Narada Michael Walden que Stacy Lattisaw iria  colocar diversos hits nas paradas, até abandonar a música secular, no início da década de 1990, para cantar Gospel honrando suas raízes cristãs.
De 1981 a 1986 gravou cinco discos. Todos eles recheados de boas canções, que venderam bem. Destaque para "Let Me Be Your Angel", "Jump To The Beat", " Miracle", "Sneakin Out", "Attack of The Game Name", além do dueto com Johnny Gill no hit "Where Do We Go from Here".
Porém, o sucesso da indústria da música não foi suficiente para barrar suas decepções com a feroz competitividade desse mercado, onde não há escassez de recursos sujos utilizados pelas gravadoras visando aumentar seus lucros, sugando todas as energias de seus artistas contratados.
Aos 23 anos, Stacy Lattisaw resolveu virar as costas para o show bizz, casou-se, teve dois filhos e passou a dedicar-se a cantar canções Gospel, tão comuns nas igrejas Batistas de todo os Estados Unidos. A maioria dos seus vídeos mandou retirar do youtube, em filmagens onde aparecia mostrando o talento de uma grande cantora de Blues e Soul.

A febre chamada GQ

O auge da banda de Soul Music GQ (iniciais de boa qualidade em inglês) foi no final da década de 1970, quando aproveitaram o calor da Disco Music para emplacar vários hits nas paradas de sucesso. A primeira formação do conjunto é de 1968, que na época chamava-se  The Rhythm Makers. Só tocavam Funk. Faziam parte do grupo Emanuel Leblanc (vocal e guitarra rítmica), Keith Crier (vocal e contrabaixo), Herb Lane (vocal e teclados) e Kenny Banks (vocal e bateria). 

Em 1976 lançaram o álbum Soul On Your Side, com a faixa-título "Zone" aparecendo nas pistas de danças. Mas a consagração só veio em 1978, quando o conjunto passou a chamar-se GQ (Good Quality, boa qualidade) e assinam contrato com a Arista Records.

 O álbum Disco-Nights, com a canção "Disco Nights Rock-Freaks, estourou em diversas paradas de sucesso, além de não faltar em nenhuma pista de dança. Faziam parte desse disco as canções "I Do Love You", regravação de um hit inesquecível de Billy Stewart, "Boogie Oogie Oogie", das meninas do Taste of Honey. Vendeu mais de 1 milhão de cópias. 

Com a passagem da febre da Disco Music, no final da década de 1990 o conjunto faz remake de músicas de Marvin Gaye e Billy Stewart. "Sitting in the Park", sucesso de Billy Stewart em 1964 ganha nova roupagem e ajuda vender mais cópias de discos. Nessa época o baterista Kenny Banks cede suas baquetas para Steve Adorno. Ele permaneceu na banda até 1999, quando o grupo torna-se um trio. Depois Emanuel Leblanc seguiu carreira-solo, adotando o nome artístico de MR.Q, em homenagem à banda que deixou de existir.