Nana Mouskouri, a cantora poliglota

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um ícone pop global, Nana Mouskouri, nascida na Grécia, é uma das cantoras mais reconhecidas e amadas de sua geração. Sua fluência em vários idiomas - grego, francês, inglês, espanhol, italiano, português - permitiu que ela alcançasse o público em toda a Europa, nas Américas e até na Ásia. Dona de uma distinta soprano angelical, Mouskouri, que estourou no cenário internacional no início dos anos 1960, foi algumas vezes descrito como a resposta europeia a Barbra Streisand.. Seu repertório era variado o suficiente para sustentar o apelo universal que ela buscava: padrões de jazz, músicas pop conhecidas de antes e depois da era do rock, canções de cabaré francesas, canções de cinema, repertório clássico e operístico, música religiosa, canções folclóricas de sua terra natal. 

Grécia e outros lugares, e muito mais. Muitas vezes reconhecida por seus óculos de armação preta, a fama inicial de Mouskouri na Europa foi construída em grande parte por canções escritas e associadas a ela, principalmente seu primeiro sucesso, a faixa-título de The White Rose of Athens de 1961 . Ela também representou Luxemburgo no Festival Eurovisão da Canção de 1963 com a canção "À Force de Prier". Ela foi particularmente bem-sucedida em sua casa adotiva na França, onde trabalhou em estreita colaboração com o compositor Michel Legrand., gravando o famoso tema do clássico musical de 1964 do diretor Jacques Demy, The Umbrellas of Cherbourg . 

De 1968 a 1976, até apresentou seu próprio programa de TV, Apresentando Nana Mouskouri. No entanto, a música continuou sendo seu foco, e marcou um de seus maiores sucessos em 1981 com "Je Chante Avec Toi Liberté". Embora Mouskouri tenha praticamente se aposentado das turnês desde 2008, continua a gravar de forma constante, adaptando lançamentos específicos para mercados internacionais específicos com tremendo sucesso. Em 2011,  homenageou seus fãs gregos e franceses com Nana & Friends , e marcou seus 60 anos como intérprete com o álbum de covers de 2018 Forever Young .

Canto

Ioana Mouskouri (Joanna em inglês; apelidada de "Nana" desde jovem) nasceu em 13 de outubro de 1934, na ilha de Creta, na cidade de Chania (ou Carée em francês). Seu pai trabalhava como projecionista de cinema e mudou-se com a família para Atenas quando ela tinha três anos. Grande parte de sua infância foi influenciada pela ocupação nazista da Grécia - durante a qual seu pai trabalhou para o movimento de resistência - e pela guerra civil de quatro anos que eclodiu logo após a Segunda Guerra Mundial. Ela começou a ter aulas de canto aos 12 anos e ouvia regularmente programas de rádio de cantores de jazz americanos (Frank Sinatra , Ella Fitzgerald e Billie Holiday em particular) e estrelas da música francesa ( Édith Piaf, etc). Em 1950, Mouskouri foi aceita no Conservatório de Atenas, onde estudou música clássica com ênfase em cantar ópera. Em 1957, descobriu-se que Mouskouri cantava com um grupo de jazz à noite e ela foi sumariamente expulsa do Conservatório.

Mouskouri começou a cantar jazz em boates, concentrando-se especialmente no repertório de Ella Fitzgerald . Em 1958,conheceu o compositor emergente Manos Hadjidakis , que se tornaria seu mentor no campo da música popular, e gravou um EP com quatro de suas composições para uma pequena gravadora naquele ano. No ano seguinte, ela cantou seu "Kapou Iparchi Agapi Mou" (co-escrito com o poeta Nikos Gatsos ) no inaugural Festival da Canção Grega; ganhou o primeiro prêmio e o desempenho de alto nível de Mouskouri começou a fazer seu nome. 

Mouskouri alcançou o estrelato na França com seu álbum de 1967, Le Jour Où la Colombe , que apresentava grande parte do núcleo de seu repertório francês: "Au Coeur de Septembre", "Adieu Angélina", "Robe Bleue, Robe Blanche" e um cover do clássico pop francês "Le Temps des Cerises", entre outros. Também marcando com uma versão de "Guantanamera", ela fez sua primeira aparição como atração principal no lendário teatro de concertos Olympia de Paris naquele ano, com um repertório que misturava pop francês, folk grego e números de Manos Hadjidakis . 

The Brothers Four, a banda de Folk Music que driblou temas políticos

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The Brothers Four tem uma distinção como um dos grupos sobreviventes mais antigos do renascimento Folk do final dos anos 50/início dos anos 60 e talvez o ato musical "acidental" mais antigo da história - 43 anos e contando a partir de 2001, sem qualquer quebrar e com dois membros originais ainda na dobra. Se poucos reconhecem essa distinção, é porque os Brothers Four também fizeram parte de um capítulo amplamente esquecido na história da música folk na América.

A maioria dos relatos do boom da música folk pós-Segunda Guerra Mundial se concentra no ramo político e voltado para questões da música, personificado por Woody Guthrie e Bob Dylan , em detrimento do ramo mais suave e voltado para o entretenimento, personificado por nomes como o Kingston Trio , o Chad Mitchell Trio e os irmãos quatro. Esses atos e a música que eles fizeram - embora tenha vendido bem e, de fato, por muitos anos tenha definido o que a maioria dos americanos visualizava quando a frase "música folclórica" ​​era mencionada - raramente são mencionados na maioria das histórias; os quatro irmãos nem estão listados no Guinness Who's Who of Folk Music.

Um grande equívoco sobre o Brothers Four é que eles foram uma tentativa de emular o Kingston Trio . Na verdade, Bob Flick (baixo vertical, barítono, baixo), John Paine (guitarra, barítono), Mike Kirkland (guitarra, banjo, tenor) e Dick Foley (guitarra, barítono) se conheceram como estudantes de graduação na Universidade de Washington em 1956. e começaram a cantar juntos em 1957, mais de um ano antes do Kingston Trio fez seu primeiro disco. 

Baladas

A música folclórica estava crescendo na maioria das faculdades de artes liberais naquela época, e cada campus parecia ter sua cota de trios e quartetos, a maioria vindos de suas fraternidades. Flick, Paine, Kirkland e Foley eram todos membros do Phi Gamma Delta e aspiravam a carreiras em medicina, engenharia e diplomacia - como artistas amadores, no entanto, eles eram bons em seus instrumentos e encantavam o público do campus com sua capacidade de harmonizar em melodias tradicionais, canções inovadoras e baladas românticas.

Eles se profissionalizaram completamente por acidente, como resultado de uma brincadeira. Um membro de uma fraternidade rival providenciou para que uma mulher telefonasse para os membros do grupo, identificando-se como secretária do gerente de um local  de Seattle, o Colony Club, e convidasse o quarteto para um teste. Chegando lá, descobriram que não havia nenhum convite ou audição agendada, mas como estavam lá mesmo assim, o gerente do clube pediu que fizessem algumas músicas e acabou contratando. O noivado durou a maior parte de 1958 e, embora muitas vezes fossem pagos apenas com cerveja, a experiência foi inestimável, pois permitiu que o grupo - batizado após sua audição improvisada como Brothers Four.

No final das contas, se eles tivessem planejado uma carreira na música, o momento para o Brothers Four não poderia ter sido melhor. Em julho de 1958, o single "Tom Dooley" do Kingston Trio começou a subir para três milhões de vendas, e o boom do renascimento folk aumentou a partir daí. Durante a semana da Páscoa de 1959, os Brothers Four se mudaram para San Francisco para alguns shows melhores e ganharam uma vaga no clube Hungry I. Foi lá que eles foram vistos por Mort Lewis, que era o empresário do pianista de jazz Dave Brubeck - Lewis convenceu o grupo a gravar uma fita demo, que ele trouxe para a Columbia Records. A gravadora gostou do que ouviu e de repente o quarteto tinha um contrato de gravação e um empresário em tempo integral.

Políticos

O grupo nunca tentou ser político, seja na apresentação de si mesmos ou na escolha das canções. Seu objetivo era o entretenimento, não reunir as massas em torno de causas, e eles não podiam competir nesse novo ambiente. Do final de 1964 em diante, eles foram relegados à categoria de fácil audição, ao lado de Lettermen e Perry Como . Felizmente, a Columbia era uma das poucas gravadoras que mantinham esse mercado em alguma estima. Os álbuns Big Folk Hits e More Big Folk Hitsapareceram em 1963 e 1964, respectivamente, e o grupo foi tocado com sua versão de "Try to Remember", que se tornou a faixa-título de seu próximo LP.

 Em 1966, eles gravaram o álbum A Beatles Songbook, que concedeu o domínio da invasão britânica e também rendeu um sucesso nas paradas de fácil audição sob o disfarce de "If I Fell". O grupo continuou se conectando em seu próprio continuum de soft folk e encontrou muito trabalho na América em hotéis e outros locais que atendem a adultos que não queriam participar de protestos, conflitos políticos ou música elétrica, e no Exterior, onde o público era um pouco menos doutrinário em seu gosto e simplesmente gostavam de música folk americana feita por americanos. Foi em meados dos anos 60 que eles começaram a cultivar um público de concertos e compradores de discos no Japão, em particular,

O álbum de 1967 da Columbia, A New World's Record, foi o último a apresentar a formação original; o co-fundador Mike Kirkland saiu em 1969, após a morte de seu filho, e foi substituído por Mark Pearson , outro ex-aluno da Universidade de Washington, que não apenas tocava banjo e violão de 12 cordas, mas também adicionava piano ao seu som. O contrato do grupo com a Columbia terminou em 1969 com o lançamento de Let's Get Together , e eles se mudaram para a Fantasy Records para um LP em 1970. Nas décadas seguintes, houve mais mudanças de pessoal - Pearson saiu após dois anos para ser substituído por Bob Haworth , que esteve no grupo por 18 anos antes de Pearson retornar para sucedê-lo;Bob Flick também saiu por três anos na década de 1970, para ser substituído por Tom Coe, que trouxe consigo o som do baixo elétrico; e o co-fundador Dick Foley saiu da escalação em 1990, após 31 anos, para ser sucedido por Terry Lauber . Até a chegada do século 21, a banda nunca parou de trabalhar.

Johnny Ray , o cantor surdo que alcançou o sucesso

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Embora praticamente surdo, a entrega cheia de lágrimas de Johnnie Ray o classificou como uma sensação do início dos anos 50. Deixando Oregon para Detroit, Ray encontrou um show no Flame Club, uma instituição de R&B e Jazz. Em 1951, assinou com a subsidiária de R&B da Columbia, a Okeh Records, embora "Cry", seu histriônico milhão de vendas naquele ano, fosse uma entrada pop o tempo todo, com vocais de fundo dos Four Lads. 

Produzido por Mitch Miller , "Cry" permaneceu no topo das paradas pop por quase três meses. Ray bisou com "The Little White Cloud That Cried" antes de mudar para o logotipo pai da Columbia e desfrutar de um fluxo constante de sucessos pop, incluindo "Walkin' My Baby Back Home"' "Just Walking in the Rain" em 1956. As travessuras frenéticas de Ray provocaram tumultos entre as admiradoras durante seu apogeu, mas o advento do Rock logo entorpeceu seus poderes de fazer sucessos. Em 1959, os sucessos terminaram.

Frankie Laine, o cantor que abalou as estruturas do Jazz

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Frankie Laine foi um dos vocalistas mais populares da década de 1950, balançando os padrões do Jazz, bem como meia dúzia de temas de filmes de faroeste da época com seu barítono encorpado. A popularidade de Laine foi ainda mais dominante no Reino Unido, onde ele estabeleceu dois recordes nas paradas em 1953: sua versão de "I Believe" permaneceu em primeiro lugar no Reino Unido por incríveis 18 semanas, e seus dois sucessos subsequentes que ano ("Hey Joe", "Answer Me") ajudou a estabelecer um recorde ao colocar Laine em primeiro lugar por 27 semanas durante o ano.

Nascido em Chicago em 1913, Laine cantou no coro da igreja local e se apresentou profissionalmente pela primeira vez aos 15 anos. Ele se mudou para boates no final do Ensino Médio e começou a viajar pelo país, atuando como garçom cantor e instrutor de dança em além de trabalho braçal, como vendas de carros e trabalho de maquinista. Laine subiu um degrau em 1937, quando substituiu Perry Como em uma big band regional liderada por Freddy Carlone. Laine estava de volta por conta própria em meados dos anos 40, mas uma interpretação emocionante de "Rockin 'Chair" de Hoagy Carmichael realizada uma noite quando Carmichael estava na platéia provou ser o intervalo do jovem cantor.

Carmichael encontrou um emprego para ele no Vine Street Club de Hollywood e financiou a primeira sessão de gravação de Laine; seus instintos provaram ser precisos, já que uma das faixas, "We'll Be Together", tornou-se bastante popular depois que Laine assinou com a Mercury Records em 1945. "That's My Desire" atingiu o número quatro nos Estados Unidos dois anos depois, e Laine voltou a entrar no Top Ten em 1948 com "Shine". Ele atingiu o grande momento no ano seguinte, com dois grandes sucessos número um, "That Lucky Old Sun" e "Mule Train". Outro sucesso, "The Cry of the Wild Goose", de 1950, foi seu último para Mercury, e ele assinou com a Columbia apenas um ano depois.

Laine provou ser ainda mais popular na Grã-Bretanha e na Europa do que na América durante esse tempo, e depois de seu último hit no Top Ten americano ("Love Is a Golden Ring" em 1957), ele se voltou para luxuosos passeios de cabaré que cruzaram o mundo e o encontrou recorrendo a materiais cada vez mais inspiradores e religiosos. Ele se aposentou em sua casa na Califórnia em meados dos anos 80. Laine faleceu de insuficiência cardíaca em 6 de fevereiro de 2007.

Ben E. King solta a voz no grande sucesso "Stand By Me"

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Das produções orquestradas inovadoras dos Drifters aos seus próprios sucessos solo, Ben E. King foi a definição de elegância R&B. O barítono melancólico de King tinha toda a paixão do Gospel, mas as configurações em que era exibido eram mais adaptados para seu fraseado suave e enunciação nítida, provando talvez pela primeira vez que o R&B poderia ser sofisticado e acessível ao público pop hetero. A abordagem de King influenciou inúmeros cantores de soul suave em seu rastro, e seus discos foram os principais precursores do som da Motown.

King nasceu Benjamin Earl Nelson em Henderson, Carolina do Norte, em 1938, e cantou com o coro de sua igreja antes de a família se mudar para o Harlem em 1947. No Ensino Fundamental, ele começou a se apresentar com um grupo doo wop de esquina chamado Four B's , que ganhou o segundo lugar em um concurso de talentos do Apollo Theatre. Ainda no Ensino Médio, teve a chance de se juntar aos Moonglows , mas era muito jovem e inexperiente para ficar. 

Posteriormente,  trabalhou no restaurante de seu pai como garçom cantor, o que o levou a um convite para se tornar o cantor barítono em uma roupa doo wop chamada Five Crowns em 1958. Os Five Crowns fizeram vários shows no Apollo Theatre junto com os Drifters, cuja carreira começou a fracassar desde a saída do vocalista original Clyde McPhatter . O gerente do Drifters , George Treadwell , insatisfeito com a falta de confiabilidade e sucesso dos membros do grupo, demitiu todos no verão de 1958 e contratou os Five Crowns para assumir o nome de Drifters (que ele possuía).

Vocal

Os novos Drifters viajaram por cerca de um ano, tocando para públicos muitas vezes hostis que sabiam que eram um grupo completamente diferente. No início de 1959, eles entraram em estúdio com os produtores Jerry Leiber e Mike Stoller para gravar seus primeiros discos. Uma música que Nelson (ainda tocando com seu nome de batismo) co-escreveu chamada "There Goes My Baby" tornou-se seu primeiro vocal principal, e o exuberante arranjo de apoio tornou altamente heterodoxo (na verdade, virtualmente inédito) o uso de uma seção de cordas. "There Goes My Baby" se tornou um grande sucesso, lançando as bases para praticamente todas as produções de soul suaves que se seguiram. Nos dois anos seguintes, Nelson cantou em vários outros Drifters clássicos, incluindo "Dance with Me", "This Magic Moment", "Save the Last Dance for Me" e "I Count the Tears".

Em 1960, Nelson abordou Treadwell sobre um aumento de salário e uma parte mais justa dos royalties do grupo. Treadwell o rejeitou e Nelson saiu do grupo, neste ponto assumindo o nome artístico mais memorável de Ben E. King em preparação para uma carreira solo. Permanecendo na Atlantic, King marcou seu primeiro sucesso solo com a elegante balada latina "Spanish Harlem". A sequência, "Stand by Me", uma ode sincera à amizade e devoção co-escrita por King, tornou-se sua canção de assinatura e um clássico duradouro do R&B; foi também seu maior sucesso, liderando as paradas de R&B e alcançando o Top Five pop. 

Em 1986, "Stand by Me" foi destaque no filme de Rob Reiner de mesmo nome; relançado como single, subiu para o Top Ten novamente. Em seu rastro, King voltou a gravar solo, lançando álbuns a cada poucos anos. O álbum de King de 1999 Shades of Blue (na Half Note Records) o encontrou se ramificando no território do jazz, tocando com uma big band e convidados como Milt Jackson e David "Fathead" Newman . O ano de 2006 viu o lançamento de um álbum suave de R&B, I've Been Around, na True Life Records. Uma data de 2010 intitulada Heart & Soul apresentou King com um pequeno grupo de jazz, estendendo-se nos padrões vocais. Ele continuou a fazer turnês e apresentações especiais, e também atuou na Stand by Me Foundation, sua instituição de caridade dedicada à educação infantil. Ben E. King morreu em 30 de abril de 2015, após uma breve doença.

Harry Belafonte e a inesquecível "Jamaica Farewell"

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Neste 25 de abril calou-se para sempre a voz de Harry Belafonte, conhecido como o Rei do Calypso na Black Music dos Estados Unidos. Quando surgiu na década de 1950 conseguiu mesclar o Folk, Jazz e demais ritmos para criar uma música engajada na defesa dos Direitos Civis na década de 1960, quando não era permitido, em outras violências, que negros votassem. Até partir para o além, Belafonte utilizou o talento artístico pela redução das desigualdades sociais, ainda gritantes nos Estados Unidos. Não usou a fama, apenas para aparecer no colunismo social.

Harold George Belafonte, Jr., nasceu em 1º de março de 1927 no Harlem, Nova York. Filho de imigrantes nascidos no Caribe, ele voltou com sua mãe para sua terra natal, a Jamaica, aos oito anos, permanecendo lá pelos próximos cinco anos.

 Ao retornar aos Estados Unidos, Belafonte abandonou o Ensino Médio para se alistar na Marinha dos Estados Unidos; após sua dispensa,  se mudou para a cidade de Nova York para construir uma carreira como ator, atuando no American Negro Theatre enquanto estudava teatro no famoso Dramatic Workshop de Erwin Piscator ao lado de nomes como Marlon Brando e Tony Curtis .

Índias

Um papel de cantor resultou em uma série de compromissos de cabaré e, eventualmente, Belafonte até abriu seu próprio clube. Inicialmente,  colocou sua voz clara e sedosa para trabalhar como um cantor pop hetero, lançando sua carreira musical no selo Jubilee em 1949; no entanto, no início da década de 1950,  descobriu a música folclórica, aprendendo material através dos arquivos de canções folclóricas americanas da Biblioteca do Congresso, ao mesmo tempo em que descobriu a música das Índias Ocidentais. 

Com o guitarrista Millard Thomas , Belafonte logo fez sua estreia no lendário clube de jazz Village Vanguard; em 1953, ele fez sua estreia cinematográfica em Bright Road, ganhando um Tony Award no ano seguinte por seu trabalho na revista da Broadway John Murray Anderson's Almanac.

Com seu papel principal na adaptação cinematográfica de Otto Preminger de Carmen Jones, de Oscar Hammerstein , Belafonte disparou para o estrelato; depois de assinar com a gravadora RCA,  lançou Mark Twain and Other Folk Favorites , que alcançou o terceiro lugar nas paradas da Billboard nas primeiras semanas de 1956. Seu próximo esforço, intitulado simplesmente Belafonte , alcançou o primeiro lugar, dando início a um nacional mania de música calypso; Calypso , também lançado em 1956, liderou as paradas por impressionantes 31 semanas com a força de sucessos como "Jamaica Farewell" e o imortal "Banana Boat (Day-O)".

Racista

Após o sucesso de 1957 An Evening with Belafonte e seu hit "Mary's Boy Child", Belafonte voltou ao cinema, usando sua agora considerável influência para realizar o polêmico filme Island in the Sun, no qual seu personagem contempla um caso com uma mulher branca retratada por Joan Fontaine. Da mesma forma, Odds Against Tomorrow, de 1959, o escalou como um ladrão de banco que se juntou a um cúmplice racista. Também em 1959 lançou o LP Belafonte no Carnegie Hall , uma gravação de uma apresentação esgotada em abril que passou mais de três anos nas paradas; Belafonte retorna ao Carnegie Hall seguido em 1960 e contou com aparições de Odetta , Miriam Makeba eo Chad Mitchell Trio .

Na virada dos anos 60, Belafonte se tornou o primeiro produtor negro da televisão; seu especial Tonight with Harry Belafonte ganhou um Emmy no mesmo ano. Embora insatisfeito com o cinema,  continuou sua prolífica produção de álbuns com Jump Up Calypso de 1961 e The Midnight Special de 1962 , que apresentou a primeira aparição gravada de um jovem gaitista chamado Bob Dylan . À medida que os Beatles e outras estrelas da invasão britânica começaram a dominar as paradas pop, o impacto de Belafonte como força comercial diminuiu. 

Belafonte de 1964 no Greek Theatre foi seu último esforço no Top 40, e esforços subsequentes como o de 1965An Evening with Belafonte/Makeba e In My Quiet Room de 1966 lutaram até mesmo para quebrar o Top 100. Homeward Bound de 1969 rendeu a Belafonte sua última aparição nas paradas da Billboard, embora ele continuasse a gravar. Ele então fez sua primeira aparição no cinema em mais de uma década em The Angel Levine, de 1970, e continuou a se concentrar em seu trabalho como ativista dos direitos civis.Seu último papel no cinema foi em BlacKkKlansman de Spike Lee em 2018; até falecer em 25 de abril 2023 aos 96 anos com sua importância como artista, ativista e humanitário firmemente gravada no lugar.

 

Black Box e o som das pistas "Ride on Time"

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Líderes do movimento House Music italiano do final dos anos 80, o Black Box era composto principalmente pelo DJ Daniele Davoli, o gênio da computação Mirko Limoni e o clarinetista clássico Valeric Semplici, um trio de músicos de estúdio conhecido coletivamente como a equipe de produção Groove Groove Melody. Aclamado entre os produtores de maior sucesso em toda a Dance Music italiana, Groove Groove Melody dirigiu dezenas de singles a cada ano em seu auge; em 1989 eles se juntaram à modelo Katrin (nascida Catherine Quinol) como Black Box, estreando com o single "Ride on Time". 

O disco não apenas foi um grande sucesso em casa, mas logo cruzou as paradas pop britânicas, alcançando o primeiro lugar por seis semanas consecutivas, apesar da controvérsia que surgiu após a descoberta de que incluía samples não creditados de Loleatta. O single disco de Holloway, "Love Sensation". (Uma segunda versão apresentava vocais não creditados de Heather Small.) Seguiu-se uma série de sucessos do Black Box, entre eles "I Don't Know Anybody Else" (um sucesso no Top Ten também nos Estados Unidos) e "Everybody Everybody", que apresentava vocais de Martha Wash; o LP de estreia do grupo, Dreamland de 1990, também foi um sucesso.

 Eles voltaram em 1991 com "Strike It Up", outra entrada no Top Ten americano, bem como Mixed Up! coleção; além disso, a equipe Groove Groove Melody marcou com material gravado sob uma variedade de outros pseudônimos, entre eles Starlight ("Numero Uno") e Mixmaster ("Grand Piano"). Depois de um longo hiato, o Black Box voltou em 1995 com o álbum Positive Vibration, que passou despercebido. Davoli permaneceu um DJ proeminente e ocasionalmente produziu e remixou faixas sob vários pseudônimos.

A dinamite Martha Wash e o hit "It's Raining Men (Live)"

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Uma cantora exuberante com uma voz enorme e um som estrondoso e declarativo, Martha Wash se juntou originalmente a Izora Armstead. Eles eram conhecidos como Two Tons o 'Fun quando apoiaram Sylvester e mais tarde gravaram para Fantasy. 

Eles mudaram seu nome para Weather Girls e gravaram para a Columbia. Wash então começou a trabalhar como cantora solo. Ela estava no meio de um grande abalo no início dos anos 90, quando alegou que a C&C Music Factory não a creditava pelos vocais em seu grande sucesso "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)". 

Foi a voz rica e estilhaçante de Wash que transformou "Everybody Everybody" em um sucesso para a Black Box, mas ela não apareceu no vídeo, outra coisa que não a deixou muito feliz. Wash assinou com a BMG em 1991.

Rockie Robbins e a dançante "You And Me"

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Nascido Edward W. Robbins Jr. em Minneapolis, o cantor de baladas Rockie Robbins começou a cantar ainda jovem. Trabalhando com os famosos produtores/arranjadores Richard Evans ( Natalie Cole , Peabo Bryson ) e Johnny Pate ( Curtis Mayfield and the Impressions , Lonette McKee, OKeh Records), Robbins fez uma estreia impressionante em seu LP autointitulado, lançado na primavera de 1979 pela A&M Records. 

Os singles de balada "If I Ever Lose You" e um cover de "Be Ever Wonderful" do EWF foram muito tocados nas rádios, mas não venderam muito, embora "Be Ever Wonderful" tenha alcançado a posição 67 no R&B no final de 1979. Outro impressionante o fato é que o registro foi feito, já que as fitas originais da sessão foram de alguma forma apagadas durante o trajeto do estúdio de gravação para a gravadora. 

Embora Rockie Robbins não fosse um grande vendedor, a A&M acreditou em Robbins e o manteve como artista. Juntando-se ao produtor/arranjador Bobby Martin - cujos créditos anteriores incluem arranjos de uma série de sucessos para Gamble & Huff da Philadelphia International Records e outros signatários da A&M LTD com o vocalista Jeffrey Osborne - o segundo LP de Robbins, You and Me , foi lançado na primavera de 1980.

 A faixa-título alcançou o nono lugar no R&B. O single seguinte, o dançante e inspirador "Hang Tough", alcançou a posição 70 no R&B. Os outros singles A&M de Robbins foram "After Loving You", "Time to Think" e "I Believe in Love" (todos foram sucessos moderados). Mudando para a MCA Records, Robbins ganhou a distinção (como Loleatta Holloway e Ronnie McNeir , entre outros) de ter dois LPs autointitulados em seu catálogo. O LP MCA foi lançado no início de 1985 e havia um single nas paradas na época de seu lançamento ("

Baby Washington e a elétrica "Let's Love In The Moonlight"

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Sua entrega sensual rendeu a Justine "Baby" Washington R&B arcos nas paradas de R&B em quatro décadas diferentes, principalmente no delicioso clássico uptown soul "That's How Heartaches Are Made" para a Sue Records em 1963. Nascida na Carolina do Sul, mas criada no Harlem, Washington era uma membro do Hearts em 1956 antes de registrar seu primeiro sucesso de R&B em 1959 com "The Time" para Neptune. Anunciado ocasionalmente como Jeanette ou Justine Washington , ela escalou as paradas de soul em meados dos anos 70 com sucessos ainda quentes dos anos 60, como sua pepita "Only They in Love".

Phillip Bailey, da Earth Wind & Fire, na bela "Children of the Ghetto"

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Mais conhecido por seu falsete entusiasmado, Philip Bailey apareceu no início dos anos 1970 como a contraparte de quatro oitavas de Maurice White em Earth, Wind & Fire , a banda repetidamente multiplatina e vencedora do Grammy que elevou a arte da performance a um nível espetacular . Além de cantar e tocar percussão, Bailey co-escreveu alguns dos primeiros sucessos do EW&F , incluindo "Evil" e "Shining Star", e no final dos anos 70 estendeu seu alcance à produção. Simultaneamente com o duradouro EW&F, Bailey iniciou uma carreira solo no início dos anos 80, que passou por R&B, Jazz, Gospel e Pop, iluminada pelo hit número dois da Billboard Hot 100 "Easy Lover" (1984), a gravação gospel vencedora do Grammy Triumph ( 1986 ), e o trabalho mais aventureiro da cantora, Love Will Find a Way (2019), que liderou a parada de jazz da Billboard no ano em que o EW&F comemorou seu 50º aniversário.

Philip Irvin Bailey começou a cantar na igreja quando criança em sua terra natal, Denver. Ele permaneceu em sua cidade para fazer faculdade, estudando na Metropolitan State University e na University of Colorado. Nesse período, Bailey tocou em uma banda chamada Friends & Love. Eles abriram para Earth, Wind & Fire, cujo Maurice White conseqüentemente convidou Bailey - e eventualmente o cantor e companheiro de banda do percussionista, o saxofonista Andrew Woolfolk - para fazer parte da formação reformulada de seu grupo. Bailey juntou-se a tempo de gravar o terceiro álbum do EW&F , Last Days and Time (1972), e assumiu um papel maior no seguinte Head to the Sky(1973), co-escrevendo "Evil" e liderando "Keep Your Head to the Sky", os dois primeiros singles da banda a atingir o pico no Top 25 da parada de R&B.

Bailey tornou-se um componente integral do EW&F, uma apresentação ao vivo eletrizante com sucesso comercial e de crítica notavelmente consistente. De meados dos anos 70 até o início dos anos 80, Bailey co-escreveu e apareceu em algumas de suas canções de assinatura, incluindo o hit pop Top 40 "Devotion" e o single número um pop e R&B "Shining Star", que foi ouro e deu à banda seu primeiro Grammy de Melhor Performance de R&B. Além disso, Bailey co-escreveu e liderou "Reasons", uma rolha de show rivalizada apenas pelos Isley Brothers' "Footsteps in the Dark" como a melhor e conhecida balada da época, não lançada como lado A.

 Durante intervalos intermitentes na turnê e gravação, Bailey participou de várias sessões de Jazz e R&B para outros artistas, frequentemente com seus companheiros de banda, escrevendo, fazendo arranjos, cantando e tocando percussão em várias combinações. Mais significativamente, ele estava à frente de "Sun Goddess" de Ramsey Lewis , um sucesso R&B número 20, e liderou o espírito EWF de Paulinho Da Costa "Deja Vu", uma joia profunda que não recebeu o impulso promocional merecia. Fledgling atua como Free Life , Dazz Band precursor Kinsman Dazz e Splendor foram produzidos por Bailey durante este tempo também.

Bailey continuou a equilibrar atividades solo e em grupo ao longo dos anos 90 e na década seguinte. Três anos depois - depois de Maurice White retirou-se da turnê, tornando Bailey o líder no palco do EWF.

Climax Blues Band e a linda "I Love You"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Liderada por Colin Cooper , o ex-líder da unidade de R&B Hipster Image , a Climax Chicago Blues Band, com sede em Stafford, na Inglaterra, foi uma das principais luzes do boom do blues no final dos anos 60. Um sexteto também formado pelos guitarristas Derek Holt e Peter Haycock , o tecladista Arthur Wood , o baixista Richard Jones e o baterista George Newsome , o grupo estreou em 1969 com um esforço autointitulado lembrando a obra de John Mayall . 

Antes do lançamento de Plays On , de 1969 , Jones deixou o grupo, levando Holt para passar ao baixo. Em 1970, a Climax Chicago Blues Band mudou-se para o selo Harvest, ao mesmo tempo mudando para um som mais voltado para o rock no LP A Lot of Bottle . Por volta do lançamento de Tightly Knit de 1971 , Newsome foi substituído pelo baterista John Cuffley ; após a saída de Wood após Rich Man de 1972 , a unidade decidiu continuar como um quarteto, também abandonando a parte "Chicago" de seu apelido para evitar confusão com a banda americana de mesmo nome.

 Em 1974, a Climax Blues Band lançou FM Live , um documento de um concerto de rádio em Nova York. Lançado em 1975, Selofoi seu avanço comercial, e Gold Plated de 1976 se saiu ainda melhor, estimulado pelo sucesso do hit "Couldn't Get It Right". No entanto, a ascensão do punk efetivamente interrompeu a Climax Blues Band em suas faixas, embora continuassem gravando prolificamente bem nos anos 80; depois de Drastic Steps de 1988 , o grupo ficou em silêncio por vários anos, mas ressurgiu em 1994 com Blues from the Attic .

Kelly Moran solta o talento no hit "Helix"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Kelly Moran é uma compositora e musicista de formação clássica que mora em Nova York. Embora ela tenha composto música para muitos instrumentos e se apresentado em vários grupos de rock de vanguarda e conjuntos experimentais, ela recebeu mais atenção por seus álbuns solo casando arranjos de piano preparados com eletrônica ambiente. Após o surpreendente sucesso de crítica de Bloodroot de 2017, ela lançou Ultraviolet baseado em improvisação em 2018.

Moran decidiu tocar piano desde muito jovem, apesar de nenhum de seus familiares ter formação musical. Ela estudou performance de piano, engenharia de som e composição na Universidade de Michigan antes de fazer pós-graduação na Universidade da Califórnia, Irvine, onde compôs música de câmara eletroacústica para apresentações de dança moderna como sua tese de mestrado.

 Ela começou a lançar gravações solo em 2010, iniciando com Microcosms, seguido por Movement de 2011, que apresentava peças compostas para apresentações de dança em conjunto com os coreógrafos Julia Cost, Randall Smith e Susie Thiel. A gravação ao vivo de Moran One on One foi lançada em 2012. Além de seu trabalho solo, Moran tocou baixo ao lado do baterista de thrash-jazz Weasel Walterna banda Cellular Chaos , tocou sintetizador no Voice Coils e tocou piano no Charlie Looker Ensemble .

Após Optimist de 2016, Bloodroot de Moran foi lançado pela Telegraph Harp em 2017. Composto, produzido e executado inteiramente por Moran usando piano e eletrônica preparados, o álbum recebeu atenção da Pitchfork, Rolling Stone e The New York Times, que o nomeou um dos os melhores lançamentos clássicos do ano. Após o lançamento do álbum, ela começou a se apresentar ao vivo com Oneohtrix Point Never , além de compor para a pianista Margaret Leng Tan e também para o quarteto de percussão/piano Yarn/Wire . Ultravioleta, baseado em uma série de improvisações de piano preparadas com eletrônica adicionada, foi lançado pela Warp em 2018. No ano seguinte, Moran voltou com WXAXRXP Sessions, um EP de cinco canções com seleções de Ultraviolet gravadas ao vivo no estúdio para a estação de rádio online NTS.