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Luís Alberto Alves/Hourpress

terça-feira, 12 de setembro de 2017

Carl Davis: O grande produtor da Soul Music de Chicago



Luís Alberto Alves/Hourpress

O produtor e o homem de Carl & A & Carl desempenharam um papel importante na Soul Music de Chicago dos anos 60 e 70, embora sua contribuição seja geralmente negligenciada injustamente pelos historiadores do Rock (como, de fato, a Soul Music de Chicago como um todo é, até certo ponto).

 Como produtor e diretor da A & R para a OKeh Records, ele obteve hits com o Major Lance, que ajudou a definir o som da Soul Music de Chicago, além de trabalhar em discos de Soul com menos conhecidos e de qualidade por Billy Butler e Walter Jackson. Após a metade dos anos 60, muitos dos esforços de Davis foram focados na lista de rotulagem de Brunswick, onde ele desenvolveu um estábulo de excelente talento da Soul Music, incluindo o Chi-Lites, Tyrone Davis, Barbara Acklin, Young-Holt Unlimited e Jackie Wilson. Davis também produziu alguns registros notáveis ​​das estrelas de Soul Gene Chandler e Mary Wells.

No início dos anos 60, Davis co-executou o pequeno rótulo Chicago Nat, que teve um pequeno sucesso com um single, "Nite Owl", pelo grupo vocal do Dukays. Isso foi produzido por Davis, como foi outro corte dos Dukays, chamado "Duke of Earl". Isto foi emitido como um lançamento pelo cantor de Dukays "Gene Chandler", e foi um clássico número um hit bridging Doo Wop e Soul. Em torno do mesmo tempo (1962), Davis tornou-se produtor e diretor de A & R para a subsidiária Columbia, OKeh, e obteve uma série de sucessos de Soul e Pop com o Major Lance, o único artista, além de Curtis Mayfield e Impressions, que deram a Chicago Soul marca de som.

Isso foi caracterizado por arranjos peppy, brassy (por Johnny Pate) e músicas dançáveis, otimistas com um tom de latin. Ele teve muita ajuda a este respeito por músicos de sessão e arranjadores, como Johnny Pate. Embora Mayfield gravasse para ABC-Paramount, ele era um associado vital para Davis e OKeh em meados da década de 1960, escrevendo um grande material para Lance e Billy Butler (irmão de Jerry Butler).

 Davis e Mayfield também fizeram uma Soul Music mais doce e mais orientada para baladas com Walter Jackson. Davis trabalhou com cuidado com Mayfield para extrair material que Curtis pensava que seria inapropriado para as Impressões, geralmente porque era mais pop-slanted e liricamente simples; claro, Mayfield também estava segurando algum material primário para o uso das Impressões.

À medida que os anos 60 se transformaram nos anos 70, os maiores triunfos de Davis foram com gravações românticas que foram atadas como "Sweet Soul" e "Soft Soul". Davis formou o rótulo Dakar distribuído no Atlântico em 1968, sendo seu maior artista Tyrone Davis, que teve sucessos sensuais com "Can I Change My Mind" e "Turn Back the Hands of Time".


De volta a Brunswick, houve também esmagas de harmonia pelo Chi-Lites, um dos maiores grupos vocais da Soul Music dos anos 70. A prosperidade do Soul de Chicago começou a diminuir depois de meados dos anos 70, assim como o perfil de Davis (juntamente com muitos outros produtores especializados em Soul nos EUA). Carl Davis morreu de fibrose pulmonar em sua casa em Summerville, Carolina do Sul, em 9 de agosto de 2012; aos 77 anos de idade.

segunda-feira, 11 de setembro de 2017

Gene Chandler: O homem da balada “Duke of Earl”




Luís Alberto Alves/Hourpress

Gene Chandler é lembrado pela audiência do Rock & Roll quase que exclusivamente para a novidade clássica e a balada de Soul Doo Wop-tinged "Duke of Earl"; O inesquecível canto de abertura do título que liderou o caminho, a música foi um hit número um em 1962.

Ele é estimado pelos fãs da Soul Music como um dos principais expoentes da cena deste gênero dos anos 60 Chicago, juntamente com Curtis Mayfield e Jerry Butler. Nascido Eugene Dixon, ele era membro do grupo doo wop, os Dukays e "Duke of Earl" eram na verdade uma gravação da Dukays; Dixon foi renomeado Gene Chandler e o único emprestou seu crédito como cantor solo.

 Chandler nunca se aproximou do enorme sucesso do pop desse chart-topper (embora ocasionalmente tenha entrado no Top 20), mas ele foi uma grande estrela com a audiência de R & B com números diretos de Soul de meia-tempo e balada em meados dos anos 60, muitos de que foram escritos por Curtis Mayfield e produzidos por Carl Davis.


 O sucesso de Chandler tornou-se mais agitado depois que Mayfield parou de escrever material para ele, embora tenha gostado de alguns hits do final da década de 60 e teve uma explosão de Pop e Soul em 1970 com "Groovy Situation". Seus últimos sucessos foram os muito menos distinguidos discursos de R & B influenciados pela discoteca e a dança, "Get Down" (1978) e " Does She Have a Friend?" (1980).

The Unifics: As vozes do hit “The Beginning of My End”



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Um grupo de Soul dos finais dos anos 60 e início dos anos 70, The Unifics formados em Washington, Universidade Howard de D.C. O seu vocalista foi Al Johnson, com os tenores Michel Ward e Grek Cook e o barítono Harold Washington. Seu maior sucesso foi o "Tribunal de Amor" de 1968, que misturou a narrativa, os julgamentos simulados e os vocais apaixonados de Johnson.

 Ele chegou ao número três e também  ao número 25 nas paradas pop. Um segundo single, "The Beginning of My End", também quebrou o R & B Top Ten no número nove. Eles gozaram de dois outros sucessos leves em 1969: "É um mundo Groovy" e "Toshisumasu", mas nunca mais foram grandes artistas na arena da Soul Music.


 Ward e Washington deixaram em 1970, e foram substituídos por Marvin Brown e Tom Fauntleroy. The Unifics se mudaram de Kapp para o rótulo Fountain em 1971, fazendo mais algumas gravações antes de se desarmar. Johnson teve algum sucesso como cantor e produtor principal no final dos anos 70, 80 e 90.

Honey & The Bees: Quarteto feminino que tocou com a nata do Som da Filadélfia


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Um quarteto feminino de Soul Music, menor, mas talentoso, da Filadélfia, Honey & the Bees fez algumas gravações relativamente pouco conhecidas para os rótulos Arctic e Josie no final dos anos 60 e início dos anos 70 com a ajuda de músicos que tocaram as produções clássicas dos Gamble-Huff dos anos 1970.
Estes incluíram o próprio Leon Huff no piano, e Ron Baker, Earl Young, Bobby Eli e Norman Harris na seção rítmica; Harris e Thom Bell estavam entre aqueles que contribuíram para a composição.


Honey & the Bees passou anos no circuito do clube, abrindo para maiores atos de Soul na Filadélfia e em toda a costa leste antes de se separar em 1973. A membro do grupo, Gwen Oliver, se casou com Fred Wesley dos JB, a quem conheceu quando Honey & the Bees abriu show para James Brown em 1971.

Ray Noble: Maestro que teve como trombonista Glenn Miller



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Ray Noble teve uma estranha carreira. O mais notável como o compositor de "The Very Thought of You", "Eu não tinha ninguém até você", "The Touch of Your Lips", "Goodnight Sweetheart" e "Cherokee" (assim como o líder da orquestra que apoiou o popular programa de rádio de Edgar Bergen), Noble foi um importante líder de banda na década de 1930, mas ele nunca pareceu atingir seu potencial.

Classicamente treinado como pianista, Noble estava mais interessado em música de dança e ganhou um grande concurso de organização organizado pela Melody Maker na Inglaterra. Ele se tornou o diretor musical do importante selo HMV (1929-34) e liderou uma série de gravações com sua New Mayfair Dance Orchestra (1930-34), que freqüentemente apresentava os vocais de Al Bowlly.

A música era orientada para a dança com uma leve influência do Jazz. Com base no seu sucesso popular, em 1935, Noble veio aos Estados Unidos, onde liderou sua melhor orquestra durante 1935-37, muitas vezes tocando no Rainbow Room. Sua banda incluiu por um tempo o arranjador trombonista Glenn Miller (que foi muito influenciado pela abordagem de Noble e estilo de arranjo, "emprestando" o "Moonlight Serenade" do livro de Noble), Bud Freeman, Pee Wee Erwin, Charlie Spivak, Johnny Mintz, Claude Thornhill e Will Bradley.


No entanto, após a orquestra romper em 1937, Noble tornou-se muito mais famoso como um emcee no rádio e, em seguida, para a sua representação de um inglês pomposo e tolo em pedaços de comédia. Além desses papéis, Noble ocasionalmente liderou bandas de dança, mas, em meados dos anos 50, ele havia se aposentado em grande parte. Poucos hoje provavelmente percebem quem Ray Noble era aquele composto "Cherokee!"

Paul Whiteman: O Rei do Jazz



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Como os agentes da imprensa o apelidaram de "The King of Jazz" na década de 1920, Paul Whiteman sempre foi considerado uma figura polêmica na história do Jazz. Na verdade, sua orquestra foi a mais popular durante a era e, às vezes (apesar do tamanho), tocou Jazz muito bom; talvez "King of the Jazz Age" tenha sido um título melhor.

Originalmente um violinista classicamente treinado, Paul Whiteman liderou uma grande banda da Marinha durante a Primeira Guerra Mundial e sempre teve um forte interesse pela música popular do dia.

Em 1918,  organizou sua primeira banda de dança em São Francisco e, após curtos períodos em Los Angeles e Atlantic City, ele se instalou em Nova York em 1920. Suas gravações iniciais ("Sandman japonês" e "Whispering") eram vendedores tão grandes que Whiteman logo foi um nome familiar. Sua banda de dança superior usou alguns dos músicos mais tecnicamente habilidosos da época em um show versátil que incluiu tudo, desde melodias pop e valsas até obras semi-clássicas e Jazz.

O trompetista Henry Busse (apresentado em "Hot Lips" e "When Day Is Done") foi a estrela principal de Whiteman durante o período 1921-1926. Buscando "fazer uma senhora sair do jazz", o jazz sinfônico de Whiteman nem sempre se balançou, mas no Aeolian Hall em 1924, ele apresentou "Rhapsody in Blue" (com seu compositor George Gershwin no piano) no que foi chamado de "Experiência em Modern Música."

Red Nichols e Tommy Dorsey passaram pela banda, mas foi em 1927, com a adição de Bix Beiderbecke, Frankie Trumbauer e Bing Crosby (o último originalmente apresentado como parte de um trio vocal chamado Rhythm Boys), que Whiteman começou a finalmente tem uma importante banda de Jazz. Joe Venuti e Eddie Lang logo se juntaram, e muitas das gravações de Whiteman de 1927-1930 (particularmente aquelas com arranjos de Bill Challis) estão entre as melhores.

Depois que Beiderbecke deixou a banda em 1929 e Whiteman filmou o filme errático, mas fascinante, The King of Jazz, em 1930, a Depressão forçou o líder da banda a reduzir seu pessoal (que incluía dois pianos, tuba, saxofone baixo, baixo de corda, banjo e guitarra em sua seção de ritmo). Embora sua orquestra na década de 1930, às vezes, apresentasse Bunny Berigan, Trumbauer e Jack e Charlie Teagarden, a música de Whiteman era considerada um velho chapéu no momento da era do balanço e ele se aposentava essencialmente (exceto para aparências especiais) no início dos anos 40.


 Muitas de suas gravações (particularmente aquelas com Beiderbecke) foram reeditadas várias vezes e são mais gratificantes do que seus detratores levariam a acreditar. Na década de 1970, Dick Sudhalter por um tempo organizou e liderou "a New Paul Whiteman Orchestra", que registrou alguns registros finais de recreação.

Ted Lewis: Grande concertista durante 50 anos




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É difícil de acreditar, com base em um pequeno par de discos compactos da música de Ted Lewis que existem, que desde o início dos anos 20 até meados dos anos 30, ele foi um dos atos musicais mais populares do mundo, produzindo gravações de venda de milhões quando esses quase não aconteceram mais de uma vez por ano.

É ainda mais difícil compreender que Lewis manteve uma gravação ativa, rádio, cinema, televisão e carreira de concertista por 50 anos, de 1917 a 1967, e gozava de respeito pelos membros da comunidade de Jazz que era único para um líder de uma banda de dança. Ted Lewis nunca foi considerado um grande músico de Jazz, embora fosse um músic melhor do que ele acreditava por ser - e não foi levado a sério como cantor, nem a maioria da música que ele gravou considerou bom Jazz.

Durante a maioria dos anos 20, sua maior década para vendas recorde, ele favoreceu números de dança e novidade que hoje evocam o lado zanier da era. Até mesmo sua frase de captura - "Todos estão felizes?" - parecia, no final dos anos 30, ser um eco pitoresco dos chamados Roaring Twenties. Ele era uma figura como Paul Whiteman, porém mais músico, e ele também se parecia com Al Jolson, como personalidade tanto quanto músico. 

Lewis também empregou uma extraordinária variedade de músicos talentosos e até algumas lendas futuras - os homens que passaram pelas fileiras de sua banda incluíram Benny Goodman, Jack Teagarden, Muggsy Spanier, Jimmy Dorsey, Frank Teschemacher e George Brunies e até mesmo Fats Waller fez um turno com a banda.

Eles podem ter ficado frenéticos ao ver Benny Goodman, mas eles sempre pagaram para ver Lewis, e até Goodman era conhecido por deixar as performances de seu antigo empregador apenas para aproveitar seu trabalho. Lewis continuou a gravar os melhores clubes dos Estados Unidos e da Europa antes da guerra, ganhando maior dólar e cobrança superior onde quer que ele tocasse, e fez aparições especiais em filmes como Hold That Ghost (com Abbott & Costello) - em 1943, anos depois de Lewis último recorde de grandes vendas, Columbia Pictures até mesmo relembrou que todos estão felizes?

 Até 1950, ele ainda gravou para Decca ("My Blue Heaven", "Blue Skies", etc.), embora este não fosse um esforço maior ou sério, nem os lados de dança que ele gravou para o RKO de curta duração rótulo no final dos anos 50. O trabalho de concertos foi o que interessou Lewis, e ele conseguiu isso, além de aparições ocasionais na televisão, até o final dos anos 60 nos maiores resorts e hotéis do país. Ele tocou seu último show, ainda usando o chapéu alto, no Desert Inn em Las Vegas em 1967, 50 anos depois de se aventurar no negócio da música.

Ted Lewis era quase -porém não bastante - mais uma personalidade do que um músico. Em um nível, ele era como Al Jolson, contudo com uma personalidade mais genial e discreta, um clarinete pronto, e uma banda escolhida a dedo atrás dele; mas ele também era menos e mais do que isso.

Ao contrário de Jolson,  não tinha voz para falar, e ainda assim as pessoas gostavam de ouvi-lo conversar através de letras, quase como um rapper; ele não era um grande músico, mas contratou grandes e deixou que eles fizessem seu trabalho do jeito que gostassem; ele mesmo teve a sensação de Blues, para julgar por seu trabalho com Fats Waller em "Dallas Blues" e "Royal Garden Blues". 

Mesmo no final do século 20, é impossível ouvir o melhor trabalho de Lewis e não sorrir, em meio ao desejo de dançar e rir - a música de Lewis ainda faz o público responder "Yes!" para sua pergunta " Is everybody happy?"


quinta-feira, 31 de agosto de 2017

Ziggy Elman: O homem que influenciou as big bands



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Ziggy Elman (nascido Harry Finkelman) teve influência na música de big band, Swing, Jazz e klezmer. Sua interpretação da melodia klezmer "Fralich in Swing", gravada em 1939 com a vocalista Martha Tilton como "E os Anjos Sing", tornou-se um grande sucesso e ainda continua a ser um clássico da era do balanço.

Embora tenha gravado mais de duas dúzias de músicas como líder de banda, Elman é melhor lembrado por seu trabalho com a Benny Goodman & His Orchestra na década de 1930 e a Tommy Dorsey & His Orchestra na década de 1940. Em uma entrevista publicada em 25 de fevereiro de 1939, edição de Collier, Goodman lembrou-se "De volta em 1934 enquanto estávamos tocando para um salão de convenções em Kansas City, Ziggy Elman alcançou sua trombeta, virou-a para o céu e se inclinou para um arranjo de cabeça para um coro de "sussurrar".

Um arranjo de cabeça, se você estiver interessado, significa meramente que Ziggy tomou a melodia de "Sussurrar" sem morte, se tocada a morte, e bordou-a com uma filigrana fantasiosa de decoração musical, cada nota que lhe veio na cabeça no instante antes de explodir. Assim, por improvisação talentosa, Ziggy colocou a vida e entrou na canção, deu-lhe asas. Na gíria musical, ele colocou a pedra nela.

Elman primeiro atraiu a atenção em 1932, quando tocou trombone em uma gravação de Alex Bartha. Quatro anos depois, ele se juntou à orquestra de Benny Goodman. Elman encontrou seu prazer através da música. Quando Harry James se juntou ao grupo, Elman estava satisfeito com o fornecimento de linhas de harmonia para o solo de James.


Seu período mais ambicioso ocorreu em 1938 e 1939, quando gravou 20 músicas como líder de banda. Ele continuou a brincar com Goodman até sair para se juntar à banda de Tommy Dorsey em 1940. Permaneceu como membro destacado do grupo até 1947.

 Embora ele alternasse o trabalho com o grupo de Dorsey e liderasse sua própria banda entre 1947 e 1952, Elman caiu na obscuridade com o passagem da era do balanço. Durante o resto da vida, ele surgiu ocasionalmente para tocar em várias sessões de estúdio.

Ben Selvin: Líder de banda mais gravado de todos os tempos



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Por muitas contas, o líder de banda mais gravado de todos os tempos com até 13.000 gravações, Ben Selvin liderou uma variedade de grupos de estúdio e orquestras da sociedade de 1910 até os anos 30, registrando inúmeras novidades para o cruzamento comercial principal, muitos dos quais apresentavam os futuros líderes da banda Benny Goodman, os Dorsey Brothers, Jack Teagarden, Red Nichols e Bunny Berigan. Entre os mais populares dos milhares de lados de Selvin, estavam "Dardanella" (a primeira gravação para vender cinco milhões de cópias), "Eu estou sempre soprando bolhas", "Sim! Não temos bananas", "Manhattan", "Happy Days Are Here Again "(mais conhecido como uma música-tema para o presidente Franklin D. Roosevelt), e" When It's Springtime in the Rockies ".

Além de seus próprios lados, Selvin também liderou grupos de apoio para os vocalistas Ethel Waters, Kate Smith e Ruth Etting. Selvin começou sua carreira como violinista na orquestra de Charles Strickland. Ainda não fora de sua adolescência, ele lançou sua própria banda de dança da sociedade em 1917 e começou uma residência de sete anos no clube do Moulin Rouge em Nova York.

 Ele gravou seu primeiro hit, "I'm Forever Blowing Bubbles", para Victor em julho de 1919 em sua primeira sessão de gravação. Durante os próximos anos, liderou conjuntos de estúdio para rótulos, incluindo Vocalion, Brunswick, Okeh, Paramount, Lyric, Emerson e Arto (muitos deles registrados sob aliás, da Bar Harbor Society Orchestra aos Broadcast Syncopators). Assim como nas datas de gravação, Selvin foi capaz de liderar uma variedade de orquestras da sociedade nas datas de desempenho, mesmo na mesma noite.

 O que então era uma prática comum pode resultar em dezenas de orquestras que tocam em shows de fim de semana em Nova York, cada uma sob a bandeira de Selvin (ou Lester Lanin ou Meyer Davis ou qualquer outro líder de banda popular do dia).

No final dos anos 20, Selvin estava gravando exclusivamente para a Colômbia. Ele continuou a aparecer lado a lado em meados dos anos 30. Depois de se aposentar da atuação em 1934, foi trabalhar como vice-presidente de gravação e programação da recém-formada empresa Muzak, usando suas conexões para convencer líderes de bandas para gravar anonimamente para a empresa.


Ele se tornou o diretor da Columbia Records da A & R em 1947 e supervisionou sessões de gravação para cantores como Frank Sinatra e Doris Day. Em 1952, mudou-se para RCA Victor, onde trabalhou até aposentar-se em 1963, após o que foi consultor de 3M. Ele também foi co-fundador da Majestic Records. Viveu para ver sua nona década antes de morrer de um ataque cardíaco em 1980.

Kay Kyser: Grande talento sem nunca ter lido nota musical



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Kay Kyser não conseguiu ler uma nota de música e passou quase tanto tempo fazendo comédia como música no rádio. Mas, por mais de 15 anos, de 1933 até o final da década de 1940, ele foi um dos mais populares líderes de banda e personalidades da música na América, e deleitou dezenas de milhões de ouvintes.

Nascido em uma família de acadêmicos, Kyser deveria prosseguir uma carreira na lei, mas abandonou isso depois de assumir a banda do campus em sua faculdade de seu líder, Hal Kemp. Ele se tornou tão popular como uma personalidade que estava na estrada quando  se formou.

A fim de compensar a falta de treinamento musical, ele contratou o arranjador / compositor George Duning (mais tarde o autor de filmes para filmes como Picnic), formado pelo Conservatório de Música de Cincinnati.

Kyser e sua banda se tornaram conhecidas nacionalmente após uma série de transmissões de rádio do Miramar Hotel em Santa Monica - um grupo de truques, como ter o vocalista para cantar os títulos das músicas a serem realizadas, interrompendo um coro para o tema da banda, "Thinking of You", e anunciando o nome do cantor, fez seu grupo se destacar no rádio, e um noivado no restaurante Blackhawk em Chicago fez de Kyser uma estrela.

Seu programa de rádio, o Kollege of Musical Knowledge de Kay Kyser, funcionou por 11 anos, misturando perguntas de questionário com música swing, baladas e músicas de novidades; Kyser presidiu tudo vestido com um vestido acadêmico completo com o Mortarboard, apresentando uma personalidade do Southern e comic fácil.

Ele era tão popular que a RKO o inscreveu para uma série de filmes, começando com That's Right, You're Wrong, jogando a si mesmo. Ele fez um filme para a MGM em 1944, Swing Fever, que foi uma tentativa mal sucedida de converter Kyser em um molde Harold Lloyd.

O vocalista de Kyser durante grande parte do final dos anos 30 e início dos anos 40 foi Ginny Simms, que foi sucedida por Gloria Wood, Julie Conway, Trudy Erwin e Georgia Carroll ("There Goes That Song Again"), o último cantor e ex-formador John Robert Powers, modelo a quem Kyser se casou.

A outra personalidade destacada foi Merwyn Bogue, que era conhecida no ar como Ish Kabibble, que lidava com os números da novidade. Os sucessos de Kyser, para Brunswick durante a maior parte da década de 1930 e a Colômbia depois de 1939, incluíram "Você, Você Darlin", "Playmates", "Com o vento e a chuva no seu cabelo", "Amizade", "Fish Fish Tennessee" "The White Cliffs of Dover" e "Old Buttermilk Sky".

Durante a Segunda Guerra Mundial, Kyser e sua banda se encaminharam para milhões de ouvintes e militares, aparecendo em mais de 1.800 instalações militares em shows da USO, além de suas aparições regulares no rádio. Embora a ênfase fosse na comédia, a banda foi reconhecida como uma habilidade de Jazz Swing capaz.


O programa de rádio foi cancelado em 1949, e Kyser se aposentou no ano seguinte. Ele recusou-se a participar com os seus ex-membros da banda na criação do álbum 1963 do Capitólio, Kyser Hits, no Hi-Fi, que contou com o comediante Stan Freberg imitando as apresentações da música falada de Kyser. Durante o resto de sua vida, passou o tempo como professor itinerante na Christian Science, uma área na qual ele era um verdadeiro erudito.

Fred Waring: Artista de grande visão empresarial



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Provavelmente seria esticar a definição consideravelmente para colocar Fred Waring na categoria de Jazz, embora ele fosse muito popular utilizando alguns conceitos da escola de improvisação. Waring liderou uma banda de banjo baseada em dança aos 18; ele freqüentou Penn State, então formou os colegas de Fred Waring, que finalmente se tornaram os pensilvânia, apesar de terem sede em Detroit.

Eles gravaram extensivamente nos anos 20 e desfrutaram de algum sucesso. O filme de 1929 Sincopação e o show de palco de 1930 Os nova-iorquinos ajudaram a banda de Waring a se tornar sensação popular.

 Ficaram cada vez mais comerciais e leves nos anos 30, enquanto se tornavam artistas de rádio e filmes ampliados. A banda apareceu em um filme com Dick Powell em 1937, estava na Feira Mundial de 1940, apareceu na Broadway em 1945, depois em um filme de desenho animado em 1948.

Eles também marcaram hits pop em 1947 e 1949, e se tornou a primeira banda a pousar seu próprio programa de televisão em 1949. Se tornaram um império diversificado, com empresas, oficinas para diretores de clubes de glee, asas publicitárias, um jornal mensal, imobiliário e uma corporação para executar tudo desde 1950-1970.


O receptivo de uma Medalha de Ouro do Congresso de 1982 por suas contribuições para a música americana, Waring continuou a realizar até sua morte em 29 de julho de 1984.

Ray Anthony: Outro grande talento das Big Bands


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Ray Anthony tocou dois anos com Glenn Miller e dez com Jimmy Dorsey antes de formar sua própria banda. Anthony liderou um grupo no Pacífico durante a Segunda Guerra Mundial, depois teve uma banda de dança altamente popular. Ele provavelmente tem tanta fama, se não mais, como o escritor do tema de Dragnet, a melodia da novidade "The Bunny Hop" e o single de sucesso "Dancing in the Dark". Ele também teve muitos trabalhos de cinema e TV nos anos 50, incluindo uma aparição no filme Daddy Long Legs.

Nelson Riddle: Um dos maiores arranjadores da música dos Estados Unidos




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Nelson Riddle foi possivelmente o maior arranjador da história da música popular americana. Ao longo de sua longa e distinta carreira, ele também era um compositor de banda sonora popular, um maestro, um trombonista e um ocasional golpeador por direito próprio.

Ele trabalhou com muitos dos principais vocalistas do Pop de hoje em dia, mas foi o seu trabalho imortal com Frank Sinatra, particularmente nos álbuns conceituais do Capitol, respeitosamente revertidos, que cimentaram o legado duradouro de Riddle.

Era um mestre de humor e sutileza, e um especialista em desenhar o subtexto emocional de uma música. Ele era altamente versátil em termos de estilo, humor e tempo, e embalou seus gráficos cheios de variações rítmicas e melódicas e cores tonais ricas que se misturam perfeitamente atrás da linha vocal principal.

Muitas vezes escreveu especificamente para vocalistas individuais, mantendo seus pontos fortes e limitações em mente e empurrando-os para oferecer performances emocionalmente ressonantes. Como tal, Riddle era perfeitamente adequado à tarefa de enquadrar intérpretes vocais, ao contrário de apenas cantores; ele estava mais em sincronia com os vocalistas mais matizados e artisticamente ambiciosos, como o Sinatra.

 Riddle sabia como se deitar e trazer certas letras ou sutilezas vocais para a frente, e como adicionar contra-melodias que enfatizavam outras letras, ou faziam importantes transições. Ele poderia chamar o ouvinte com enfeites atraentes, desafiá-los com harmonias aventureiras e construir para o clímax que se desvaneciam em estágios surpreendentemente restringidos. Em suma, Riddle era tudo o que um cantor de alto nível poderia pedir.

Em meados dos anos 70, Riddle estava em grande parte aposentado, uma combinação de mudanças de gostos musicais e problemas de saúde que necessariamente restringiam suas atividades. Ele surgiu no início dos anos 80 para trabalhar com Linda Ronstadt em uma sucessão de álbuns pop tradicionais: 1983's What's New, Lush Life de 1984 e 1986's Sentimental Reasons.


Os dois anteriores ganharam o Grammys para o Best Arrangement Acompanhando vocais. O projeto final completado do Riddle foi Blue Skies, uma colaboração de 1985 com o cantor de ópera Kiri Te Kanawa. Ele faleceu em Los Angeles em 6 de outubro de 1985.

Billy May: O mago dos arranjos de Frank Sinatra



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O último dos grandes arranjadores que escreveram regularmente para Frank Sinatra, Billy May teve várias carreiras variadas dentro e fora do Jazz. Seu primeiro show notável foi como um arranjador / trompetista com Charlie Barnet (1938-1940), para quem ele escreveu o acordo de wah-wah-ing do "Cherokee" de Ray Noble.

 Mais tarde,  trabalhou na mesma capacidade para Glenn Miller (1940-1942) e Les Brown (1942) antes de se instalar em empregos de equipe, primeiro em estúdios da NBC, depois na Capitol Records, onde liderou sua própria grande banda de estúdio de 1951 a 1954 . Seus arranjos para Sinatra, começando com “Come Fly With Me” (1957) e terminando com Trilogy (1979), estão freqüentemente em um modo de Swing Swing, Brassy e até provocador, gerando alguns dos voces mais violentos do cantor.


 Também fez uma pontuação extensa para televisão, filmes e comerciais. Embora maio tenha sido em grande parte inativo nos anos 80 e 90, ele surgiu inesperadamente em 1996 com alguns gráficos de banda larga tipicamente brilhantes para os Estados Unidos da América, de Stan Freberg, Vol. 2 (Rhino), 25 anos depois de suas contribuições para Vol. 1. O veterano arranjador morreu em silêncio em casa em 22 de janeiro de 2004 aos 87 anos.

Henry Mancini: O artista de 20 Grammys



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Se o reconhecimento de seus pares é a verdadeira medida de sucesso, então poucos homens são tão bem-sucedidos quanto compositor, arranjador e maestro Henry Mancini. Em uma carreira que durou 40 anos, escrevendo para cinema e televisão, Mancini ganhou quatro Oscars e 20 Grammys, o recorde histórico de um artista pop. Para o pequeno almoço de 1961 em Tiffany sozinho, Mancini ganhou cinco Grammys e dois Oscars.

 O café da manhã no Tiffany's inclui o clássico "Moon River" (letra de Johnny Mercer), indiscutivelmente uma das melhores canções pop dos últimos 50 anos. Na última contagem, havia mais de 1.000 gravações. Suas outras músicas notáveis ​​incluem "Dear Heart", "Days of Wine and Roses" (um Oscar, dois Grammys) e "Charade", os dois últimos com letras de Mercer.

Ele também teve um recorde número um e ganhou um Grammy pelo "Love Theme From Romeo and Juliet" de Nino Rota. Entre os outros títulos de filmes notáveis, estão The Pink Panther (Three Grammys), Hatari! (um Grammy), Victor / Victoria (um Oscar), Two for the Road, Wait Until Dark e 10. Seus temas de televisão incluem "Peter Gunn" (dois Grammys, gravados por muitos artistas de Rock), "Mr. Lucky" ( dois grammys), "Newhart", "Remington Steele" e a mini-série The Thorn Birds.

O apogeu de Mancini foi no início dos anos 60, quando sua pontuação para o Breakfast at Tiffany's (1961) cedeu o single "Moon River", vencedor do Oscar, que imediatamente se tornou um padrão Pop. No ano seguinte, ele escreveu a música para Days of Wine and Roses, que também ganhou um Oscar por sua música de título. Ao longo das próximas três décadas, ele continuou sendo um dos compositores de filmes mais bem-sucedidos do mundo, além de um condutor de concertos popular. Ele continuou trabalhando até sua morte em 1994; antes da partida final,  estava escrevendo a pontuação para a adaptação musical de Victor / Victoria.

O que manteve o trabalho de Mancini fresco era sua capacidade de escrever em quase todos os estilos imagináveis ​​e suas experiências bem-sucedidas com sons e instrumentos incomuns. Em seu livro de memórias de 1989, eles mencionaram uma música, que o colega de Mancini, Gene Lees, escreveu que "Mais do que qualquer outra pessoa, ele americanizou a pontuação de filmes e, no tempo, os compositores de cinema europeus seguiram seu caminho" e que Mancini escreveu pontuações que "continha quase tantas melodias de música totalmente desenvolvidas como um musical da Broadway".


Se ele não tivesse permanecido fiel ao seu primeiro amor, no ranking de filmes, Mancini teria feito um impacto tão grande no palco da Broadway como ele fez na tela de prata.

quarta-feira, 30 de agosto de 2017

Lawrence Welk: O artista que soube explorar bem a televisão



Luís Alberto Alves/Hourpress

Pode ou não ser verdade que Lawrence Welk é o artista mais popular e fácil de ouvir de todos os tempos, mas é difícil pensar em alguém que esteja mais proeminentemente associado ao gênero. O show de variedades de televisão de longa data da Welk foi um enorme sucesso em seu tempo, e continua sendo um favorito duradouro nas repetições.

E, embora Welk gravemente, seu verdadeiro legado musical foi construído através da estética obstinadamente inocua e saudável de seu show. Ele era uma improvável estrela de televisão - seu forte sotaque alemão e a rigidez na câmera teriam sido passivos incapacitantes para muitos outros anfitriões. No entanto, Welk foi amado apesar de - ou, talvez, por causa - dessas limitações, principalmente porque ele conhecia seu público e prestava muita atenção ao que queria.

No processo, ele criou um estábulo de artistas familiares cujas aparências regulares foram ansiosamente antecipadas pelos seus espectadores. Exigente e particular, Welk colocou-os através de ensaios rigorosos e aplicou agressivamente o tom inofensivo e não ameaçador que tornou o show tão palatável para espectadores de todas as idades.

Para as pessoas que se consideravam remotamente hip, esse tom tornava o nome de Welk sinônimo de entretenimento higienizado e um alvo fácil para a escárnio. Ele e seus atos eram freqüentemente descartados como irremediavelmente quadrados, por turnos esponjosos ou sentimentais, e refletindo uma pureza idealizada que realmente não existia em qualquer lugar.

 Ele também criou críticas para a extrema escassez de artistas minoritários no show, aparentemente outro sintoma de seu kowtowing para a América do Norte de pão branco. No entanto, esse conservadorismo essencial ajudou a dar ao The Lawrence Welk Show um apelo extraordinariamente duradouro; depois de perder seu slot de rede, passou mais de uma década em sindicatos com maior sucesso do que nunca, e encontrou nova vida quando suas repetições se tornaram a principal fonte de receita para muitas estações públicas de televisão em todo o país.

Em 1971, a ABC cancelou The Lawrence Welk Show, sentindo que seu público-alvo estava crescendo demais para atrair anunciantes. Welk rapidamente assegurou um acordo de distribuição que colocou seu show em mais de 200 estações em todo o país, e manteve-se certo em produzi-lo até 1982. Como os anos 70 usavam, muitos dos antigos artistas se aposentaram ou se mudaram, para serem substituídos por similares Atos que seguiram essencialmente o plano estabelecido há muito tempo.

Mas mesmo que houvesse menos destaques individuais, o show ainda encheu um nicho de público que de outra forma foi amplamente ignorado. Após a sua aposentadoria em 1982, Welk instalou-se em Santa Monica, e logo estabeleceu uma comunidade de resort / aposentadoria, o Lawrence Welk Country Club Village, em Escondido. Ele também adquiriu um vasto catálogo de publicação de música, bem como outras propriedades imobiliárias.


A partir de 1987, algumas estações de televisão públicas começaram a exibir as exibições do The Lawrence Welk Show, para o deleite de uma base de visualização de idosos. À medida que os anos 90 passaram, a TV pública veio confiar mais e mais no The Lawrence Welk Show como um ganhador de dinheiro básico durante as promessas, garantindo assim sua disponibilidade e popularidade continuadas após a passagem de Welk: ele morreu de pneumonia em 17 de maio de 1992. A banda que ele já conduziu continuou a tocar no Champagne Music Theatre em Branson.