Reportagens com clipes descrevendo histórias de artistas famosos,
principalmente de intérpretes da Black Music, além de destacar a importância do Blues no Showbiz.
* Miller se juntou ao Ubiquity de Roy Ayers por vários anos (com quem gravou várias datas)
* Byron Miller gravou dois CDs na década de 1990 como líder, incluindo Until for Discovery
Luís Alberto Alves/Hourpress
Um sideman há muito respeitado nos círculos de R&B, Byron Miller até agora só teve algumas oportunidades de liderar suas próprias datas de gravação. Embora tenha começado a tocar piano aos cinco anos, Miller não levou a música a sério até sofrer uma lesão no futebol, quando estava no primeiro ano do Ensino Médio.
Ele logo aprendeu sozinho baixo e teclado. Pouco depois do ensino médio, Miller se juntou ao Ubiquity de Roy Ayers por vários anos (com quem gravou várias datas). Outras associações incluíram Carlos Santana , George Duke (aparecendo em 14 de seus álbuns), Herbie Hancock , the Crusaders , Chaka Khan , Marvin Gaye , Whitney Houston , Luther Vandross e Doc Powell . Byron Miller gravou dois CDs na década de 1990 como líder, incluindo Until for Discovery.
* Ele começou a tocar piano aos sete anos e trompete aos 11
* Depois de trabalhar como freelancer em Chicago, mudou-se para Los Angeles em 1970
* Ele permaneceu ocupado nos estúdios e em shows de jazz
Luís Alberto Alves/Hourpress
Um dos grandes trompetistas de Jazz do período pós-anos 70, Oscar Brashear foi muito subestimado e muitas vezes esquecido por duas razões principais: ele nunca liderou sua própria gravadora e morou em Los Angeles por três décadas. Na realidade, Brashear, cujo estilo foi influenciado por Lee Morgan , Woody Shaw e particularmente Freddie Hubbard , manteve-se entre músicos muito mais conhecidos e merecia ser famoso.
Brashear também foi um músico de estúdio ocupado e bem-sucedido, apoiando Frank Sinatra , Willie Nelson , Carole King , BB King , Earth, Wind & Fire e muitos mais. Oscar Brashear morreu em 27 de julho de 2023 e será lembrado como um sideman talentoso que nunca registrou como líder.
* Depois de uma passagem pela França, onde se interessou pelo teatro e gravou algumas canções para o filme de Roger Vadim
* Foi a música que definiu sua carreira, mas a obra de Brown foi impressionantemente diversificada
* O fio condutor que une o catálogo de Brown é sua voz grande e estrondosa
Luís Alberto Alves/Hourpress
Arthur Brown saiu da obscuridade em 1968 com "Fire", uma fusão energética e contundente de Blues, Jazz, psicodelia e Hard Rock embrionário com os vocais exagerados de Brown invocando os perigos do lado negro. A faixa de destaque de seu álbum de estreia The Crazy World of Arthur Brown (que também era o nome de seu grupo), foi a música que definiu sua carreira, mas a obra de Brown foi impressionantemente diversificada.
Ele se interessou por Rock Progressivo com seu grupo posterior Arthur Brown's Kingdom Come (melhor ouvido em Galactic Zoo Dossier de 1972 ), pop/rock animado ( Dance with Arthur Brown de 1974 ), blues-rock estridente e encorpado ( Brown, Black & Blue de 1988). , uma colaboração com Jimmy Carl Black ), pop eletrônico com toques poéticos (Speak No Tech de 1982), rock teatral completo ( Long Long Road de 2022 ) e celebrações sinistras de todas as coisas assustadoras ( Monster's Ball de 2022 ). O fio condutor que une o catálogo de Brown é sua voz grande e estrondosa, teatralidade vocal exagerada e uma excentricidade intencional que aumenta o poder de sua música.
Arthur Wilton Brown nasceu em Whitby, uma cidade costeira em North Yorkshire, Inglaterra, em 24 de junho de 1942. Depois de frequentar uma escola primária em Leeds, Brown estudou na Universidade de Londres e na Universidade de Reading, onde se concentrou em direito e filosofia. Enquanto estava matriculado em Reading, seu interesse pela música começou a dominar suas atividades acadêmicas, e ele formou sua primeira banda, um combo de R&B chamado Blues and Brown.
Londres
Depois de uma passagem pela França, onde se interessou pelo teatro e gravou algumas canções para o filme de Roger Vadim, The Game Is Over, de 1966, Brown retornou ao Reino Unido e trabalhou com vários grupos em Londres. Ele era membro do Ramong Sound, banda que tocava uma fusão de R&B e ska; ansioso para lançar um projeto que combinasse com sua personalidade descomunal no palco, ele deixou a banda para formar o Crazy World of Arthur Brown com Vincent Crane nos teclados, Mick Greenwood no baixo e Drachen Theaker na bateria. Não muito depois de Brown deixar o Ramong Sound, eles mudaram seu nome para Foundations e marcaram sucessos internacionais com "Build Me Up Buttercup" e "Baby, Now That I've Found You".
No entanto, Brown se consolaria no Crazy World conseguindo um contrato com a Track Records (Atlantic nos Estados Unidos), e Kit Lambert e Pete Townshend faziam parte da equipe de produção de seu álbum de estreia autointitulado. Eles capturaram um som grandioso cheio de drama e ameaça, e a faixa “Fire” – que abriu com o temível grito de Brown: “Eu sou o deus do Fogo do Inferno!” - tornou-se um grande sucesso em ambos os lados do Atlântico. O show ao vivo do Crazy World , que apresentava Brown usando um capacete que cuspia fogo e ocasionalmente subindo ao palco nu, ajudou a divulgar o grupo, e Brown se tornou um dos personagens mais comentados do rock britânico.
Brown voltou a gravar com sua última edição do Crazy World para Zim Zam Zim de 2014 , um LP que foi parcialmente gravado na yurt de terracota que ele chamava de lar. Brown comemorou seu 80º aniversário em 2022 e reconheceu a ocasião lançando dois novos trabalhos de estúdio. Long Long Road foi gravado com o produtor, engenheiro e multi-instrumentista Rik Patten. E a tempo para o Halloween, ele lançou Monster's Ball , uma coleção de músicas com temática de terror que incluía uma grande variedade de estrelas convidadas, entre eles Steve Hillage , Shuggie Otis , James Williamson , Rat Scabies e Nik Turner .
* O grande cérebro desta banda, que faz diversos shows no Brasil neste mês de março, um deles no Espaço Unimed, no próximo 21 de março, durante anos foi Maurice White
* O grupo, nestes 56 anos de estrada, já ganhou diversos Grammys ( o Oscar na Música nos Estados Unidos), inúmeros American Musice Awards e mais de 50 Discos de Ouro e Platina
* A sacada da Earth Wind & Fire foi ter como base tambor e naipe de metais inspirado em sua cidade natal, Memphis, Sul dos Estados Unidos
Luís Alberto Alves/Hourpress
Era uma sexta-feira de outubro de 1980 e o ginásio do
Ibirapuera estava lotado. Sentei-me na terceira fila de cadeiras próximo ao
palco para assistir o inesquecível show da Earth Wind & Fire. Como fã de
baile de Black Music estava curioso para ouvir a bela canção “Reasons”, que
tanto namoro embalou e até transformou em casamento, na voz de Philip Bailey.
Valeu a pena. A banda veio completa, inclusive com
todos músicos responsáveis pelos metais, inclusive o que fazia o solo de
clarinete num interlúdio de “Reasons”. A abertura do show com “That´s the way
of the world”, cujos direitos autorais foram doados para o Unicef, em campanha
de combate à fome em 1978.
O grande cérebro desta banda, que faz diversos shows
no Brasil neste mês de março, um deles no Espaço Unimed, no próximo 21 de março,
durante anos foi Maurice White, já falecido. Cantor, compositor, baterista e
produtor, ele foi o fundador deste grupo em 1968, ao lado de colegas que estudavam
num colégio de Ensino Médio, em Chicago.
Palcos
White já participava, na época, de gravações na Chess
Records, ao lado de feras como Billy Stewart, Ramsey Lewis (mais tarde
arranjador de vários sucessos da Earth Wind & Fire), Etta James entre
outros. No final da década de 1980, o Mal de Parkinson o afastou dos palcos.
O grupo, nestes 56 anos de estrada, já ganhou diversos
Grammys ( o Oscar na Música nos Estados Unidos), inúmeros American Musice
Awards e mais de 50 Discos de Ouro e Platina, além de colocar 46 singles de
R&B nas paradas de sucesso. O tempero para criação desta incrível banda
teve o dedo do ex-arranjador da Chess Records, Charles Stepney, também
produtor, multi-instrumentista, compositor e incentivador da criação da Kalimba
Productions.
Sucesso
A sacada da Earth Wind & Fire foi ter como base tambor
e naipe de metais inspirado em sua cidade natal, Memphis, Sul dos Estados
Unidos. Aos 27 anos, em 1968, se tornou realidade o sonho de Maurice e seu
irmão Verdine (o contrabaixista do grupo), após turnê com o roqueiro Santana.
Em Denver encontraram Philip Bailey (a voz aguda de “Reasons”) e o caminho para
o sucesso cimentado.
Bailey saiu da faculdade e abraçou a carreira musical.
Antes, em 1967, Maurice tinha o projeto de fundar uma banda de música
universal. O falsete de Bailey com o tenor de White selou uma séria de grandes
sucessos do grupo.
A partir de 1972, após lançamento do álbum Last Days
and Time, o grupo começou a ganhar fama de gravações inovadoras e shows
emocionantes ao vivo, usando piano flutuante e “desaparecimento” de vocalistas,
como ocorreu no show realizado no ginásio do Ibirapuera, em outubro de 1980.
Estrelas
O golpe de sorte foi a canção “Sun Goddess”, que marcou
a estreia da banda na Columbia Records em 1974. A faixa título explodiu nas
paradas de R&B de 1975. Era o segundo Disco de Ouro. Numa viagem de avião,
à noite, olhando as estrelas, cercando as montanhas de Carimbou Ranch, nasceu o
hit “Shinning Star”. Outro sucesso, rendendo Disco Duplo de Platina para o
álbum “That´s The Way of the World”.
A febre nos bailes de todo o mundo foi a gravação da
balada “Reasons”, em 1975, no álbum Gratitude, que vendeu 2 milhões de cópias, imortalizando
essa canção na maioria dos bailes de todo o mundo. O solo inicial de clarinete
que estremeceu o Ginásio do Ibirapuera naquele inesquecível outubro de 1980
aliando à voz de Philip Bailey, numa grande saraivada de agudos marcou esse hit
para sempre na história da banda.
Balada
Outro grande sucesso eterno da banda é o hit “September”,
que se tornou tema principal da novela Boogie Oogie da Rede Globo em 2014.
Também sacudiu as pistas de dança o hit “Boogie Wonderland”, com vocais do
grupo feminino The Emotions. É desse disco a fenomenal balada “After the love
is gone”, de 1979, letra escrita no Japão por David Foster e Allee Willis.
Na década de 1980, o grupo trouxe a nitroglicerina “Let´s
Groove”, que rendeu mais Discos de Ouro e Platina. Em 1984, a banda deu uma pausa
e voltou anos depois. Dos componentes originais ainda estão o instrumentista e
vocalista Ralph Johnson, o contrabaixista Verdine White e a voz de ouro da
banda, Philip Bailey.
Na quinta-feira (21 de março), Al McKay, que esteve no
show inesquecível de outubro de 1980 no Ginásio do Ibirapuera, estará no Espaço
Unimed com a experiência Eart Wind & Fire.
Serviços: Earth Wind & Fire by Al
Mckay no Espaço Unimed
Show: Earth Wind & Fire by Al Mckay
no Espaço Unimed
*Beastie Boys Music chegou alguns meses depois de Beastie Boys Story e cobre um território familiar
* Essas adições e trocas fazem uma grande diferença
* O resultado são os melhores sucessos dos Beastie Boys já reunidos
Luís Alberto Alves/Hourpress
Beastie Boys Music é uma compilação que chega ao final de um período de autorreflexão dos Beastie Boys sobreviventes, uma era iniciada pela publicação do Beastie Boys Book em 2018, que foi apoiada por uma breve turnê teatral, que por sua vez foi capturado no filme Beastie Boys Story de Spike Jonze de 2020. Beastie Boys Music chegou alguns meses depois de Beastie Boys Story e cobre um território familiar, contendo 13 das 15 músicas do Solid Gold Hits de 2005 (tudo o que você esperaria, de "[You Gotta] Fight for Your Right [To Party] ", passando por "Sabotagem" até "Intergaláctico") e, em seguida, adicionando cinco cortes para ajudar a completar a narrativa. Essas adições e trocas fazem uma grande diferença.
Duas faixas de To the 5 Boroughs , "An Open Letter to NYC" e "Triple Trouble", foram abandonadas em favor de "Make Some Noise" e "Don't Play No Game That I Can't Win", ambas de 2011. Hot Sauce Committee Part Two , depois "Paul Revere", "Hold It Now, Hit It", "Shadrach", "Get It Together" e "Jimmy James" são todos ingredientes necessários adicionados à mistura. O resultado são os melhores sucessos dos Beastie Boys já reunidos: tem todos os itens principais, apresentados de forma animada.
* Era DJ e colecionador de discos quando não trabalhava como redator de anúncios
* Depois de ouvir em 1983 sobre uma competição nacional para remixar "Play That Beat Mr. DJ"
* Soul Brother Number One foi o próximo na lista, e "Lesson Two: The James Brown Mix" introduziu Clint Eastwood , Bugs Bunny e LPs instrucionais na mistura
Luís Alberto Alves/Hourpress
Antepassados de todos os aspectos mais malucos do turntablism, Double Dee & Steinski criaram uma sucessão de obras extralegais de arte de estúdio - "Lesson One: The Payoff Mix", "Lesson Two: The James Brown Mix", "Lesson 3: The History of Hip-Hop" - que rapidamente se tornou um marco dos DJs e alguns dos bootlegs mais valiosos da história do rap. Steinski , nascido Steve Stein , era DJ e colecionador de discos quando não trabalhava como redator de anúncios.
Depois de ouvir em 1983 sobre uma competição nacional para remixar "Play That Beat Mr. DJ" de GLOBE & Whiz Kid, patrocinada pela Tommy Boy Records (título oficial: "Hey Mr. DJ Play That Beat Down by Law Switch the Licks Mastermix Contest" ), ele se juntou a Double Dee ( Doug Di Franco , engenheiro de estúdio) para produzir "Lesson One: The Payoff Mix", uma faixa que polvilhava os habituais breakbeats do funk com um desfile de samples de longas-metragens e desenhos animados, incluindo todos os tipos de referências da cultura pop. Um painel incluindo Afrika Bambaataa , Arthur Baker e Shep Pettibone concedeu-lhe o primeiro prêmio após uma audição, e o remix ganhou ainda mais airplay do que o original.
Soul Brother Number One foi o próximo na lista, e "Lesson Two: The James Brown Mix" introduziu Clint Eastwood , Bugs Bunny e LPs instrucionais na mistura. Na época de "Lesson 3: The History of Hip-Hop", o terceiro disco lançado por Tommy Boy, as vítimas ofendidas do sample começaram a exigir sua remoção das prateleiras do varejo e, para a maioria dos fãs de hip-hop, Double Dee & Steinski entraram no reino. do lendário.
Tempo
Enquanto Di Franco voltava ao trabalho de engenheiro, Steinski continuou gravando com "The Motorcade Sped On", um tributo a JFK com samples de transmissões de rádio, Walter Cronkite , o assassinato de Lee Harvey Oswald e o próprio JFK . Os registros subsequentes forneceram comentários sobre a televisão ("We'll Be Right Back") e sobre a Guerra do Golfo ("It's Up to You"), e Steinski também remixou para Frankie Goes to Hollywood .
Ele também passou um tempo considerável em seu trabalho diário, mas a enorme influência da dupla no Hip-Hop sampladélico finalmente o convenceu a lançar outro, produzido para o programa de rádio Solid Steel, afiliado ao Coldcut , com sede em Londres . Esse disco, Nothing to Fear: A Rough Mix , apareceu em 2002 pelo selo Soul Ting.
* Embora outros como Grandmaster Flash tenham aperfeiçoado e elevado a técnica, foi Herc quem recebeu o crédito por sua criação
* O começo de sua carreira de DJ foi no início dos anos 70
Luís Alberto Alves/Hourpress
Kool DJ Herc é o criador do DJing breakbeat, a essência do Hip-Hop. Ao isolar e repetir os "breaks", ou partes mais dançantes, dos discos de Funk de Mandrill , James Brown e Jimmy Castor Bunch , Herc criou o protótipo do Hip-Hop moderno. Embora outros como Grandmaster Flash tenham aperfeiçoado e elevado a técnica, foi Herc quem recebeu o crédito por sua criação.
O começo de sua carreira de DJ foi no início dos anos 70, numa época em que o disco era rei, Herc imediatamente se destacou por lançar discos funk do final dos anos 60 de James Brown e Mandrill e isolar seus intervalos. Entre outras coisas, Herc era famoso por dar festas a noite toda e invariavelmente presentes em uma festa de Kool Herc em meados dos anos 70 eram geralmente jovens dançarinos (chamados de b-boys) que eram as primeiras encarnações dos dançarinos de break dos anos 80. Outra atração de Kool Herc era seu sistema de som gigantesco, capaz de ultrapassar o corpo de um festeiro, fazendo-o literalmente sentir a música.
A carreira de Herc foi deixada de lado, porém, quando ele foi esfaqueado em uma de suas festas, fazendo com que o DJ restringisse suas atividades por vários anos. Embora tenha sido ocasionalmente reconhecido durante os anos 90 - aparecendo no Source Awards para falar sobre os primeiros dias do Hip-Hop, bem como no lançamento de 1994 Super Bad do Public Enemy DJ Terminator X - Herc se afastou da comunidade Hip-Hop e deixou de ser uma peça-chave da mesma forma que era no início e meados dos anos 70.
* Quem não se lembra do hit "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree", que estourou nas paradas em 1973?
* Embora a sua carreira de 60 anos como concertista termine no próximo 22 de março na Mohegan Sun Arena em Uncasville, Connecticut
* Como os grandes profissionais de diversas áreas, ele percebeu que já era hora de encerrar o show
Luís Alberto Alves/Hourpress
Com vários hits de sucesso conquistados durante brilhante carreira, Tony Orlando e Dawn já pensa numa turnê de despedida dos palcos, onde alegrou muita gente, serviu de cupido para diversos casais e tornou as suas canções trilha sonora na vida de muita gente. Quem não se lembra do hit "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree", que estourou nas paradas em 1973?
Embora a sua carreira de 60 anos como concertista termine no próximo 22 de março na Mohegan Sun Arena em Uncasville, Connecticut, com várias outras apresentações que antecedem a essa despedida final, Tony continuará apresentando o seu popular programa de rádio: Saturday Nights with Tony Orlando.
Como os grandes profissionais de diversas áreas, ele percebeu que já era hora de encerrar o show. Compreendeu o porquê da aposentadoria de Elton John, Kenny Loggins, Oak Ridge Boys, Bill Medley e até o brasileiro Milton Nascimento saíram de cena. A velha rotina das viagens, ficar sentado em aeroportos, atrasos de voos, custos dos quartos de hotel. Aos 79 anos ele percebeu que é melhor sair dos palcos enquanto ainda está se vendendo.
Ensino
Mas os fãs podem esperar que os shows de despedidas serão calorosos, em gratidão ao apoio que recebeu durante 64 anos de muita estrada. Tony começou a carreira aos 16 anos, com o seu primeiro sucesso na voz de Carole King e Gerry Goffin, chamado "Halfway to Paradise". Por causa dos compromissos com a música, ele parou na 8ª
Série do Ensino Médio, mas os seus shows o levaram a provar comidas de 36 países.
Mas qual a razão de escolher o Mohegan Sun, em Connecticut? Para Tony, é o seu local favorito, coisa de família. Faz apresentações naquele hotel desde 1998. Sentirá muito contente ao ver lotados os 12 mil lugares, cheios de artistas, amigos seus há décadas, como Priscilla Presley, Frankie Valli entre outros.
É bem provável que o eterno sucesso "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" esteja presente, pois a sua fita amarela já é marca registrada na história das grandes lutas que os Estados Unidos enfrentaram. Em Jerusalém, a população usa fita amarela em homenagem aos reféns presos em Gaza.
* Ela está em alguns lançamentos do grupo, em projetos solo dos co-fundadores Nicolay e Phonte
* Enquanto Smith produziu a música e tocou vários instrumentos em seus LPs anteriores, aqui ela se concentra principalmente na produção
* No meio estão canções de amor de vários tons complementares, mudando de baladas animadas na primeira metade para material bastante uptempo
Luís Alberto Alves/Hourpress
Entre os quase incontáveis papéis coadjuvantes que Sy Smith desempenhou desde a década de 1990, de backing vocal de Whitney Houston a membro focal de longa data do trompetista Chris Botti , o cantor de soul contemporâneo de cinco oitavas tem sido um importante associado do Foreign Exchange .
Ela está em alguns lançamentos do grupo, em projetos solo dos cofundadores Nicolay e Phonte e em cada um dos Zo! álbuns para a gravadora de mesmo nome, incluindo Abstractions , a colaboração do músico com Tall Black Guy . O sexto álbum de Smith é uma convergência natural. É um lançamento em Foreign Exchange , produzido quase inteiramente pela dupla Abstractions , com Phonte como produtor executivo.
Enquanto Smith produziu a música e tocou vários instrumentos em seus LPs anteriores, aqui ela se concentra principalmente na produção e nos arranjos de todos os vocais - contando o trabalho de seis backing vocals dignos de serem destacados - e, como sempre, flexiona como compositor. Until We Meet Again é o álbum mais organizado de Smith até agora. Ele abre com uma homenagem turbulenta e dispersa a um ente querido e termina com uma homenagem de adoração à família e aos amigos que ela perdeu.
Amor
No meio estão canções de amor de vários tons complementares, mudando de baladas animadas na primeira metade para material bastante uptempo na segunda metade. Os lados giram sutilmente do nível de parar o show "Always Pick Up for You" para o groove circular acelerado de "Slide", ambas músicas coloridas pelas cordas Soulchestra de Pirahnahead . Depois da rolante "Masterclass" (com percussão de Sheila E. e violão de Leo Amuedo ), uma das poucas músicas com forte sabor brasileiro, há algumas pérolas do Soul Hip-Hop na nostálgica "Summer of '93" e o florescente "All the Ways".
Smith deslumbra de cima a baixo com a fluidez de sua voz cadenciada, seu registro de assobio sempre capaz de provocar exclamações involuntárias de qualquer pessoa ao alcance da voz. No primeiro lado, " Why Do You Keep Calling Me ", produzido por ela mesma, ela é uma ave de rapina furtiva, docemente equilibrada ao interrogar, enganosamente alegre ao comentar: "Ela parece o tipo de garota que você realmente precisa se a mediocridade é sua coisa."
Então ela realmente coloca o pé no chão no comportamento incômodo de seu sujeito - que deseja apenas um encontro secreto - gritando e depois soltando sobre ele um grito em tom de assobio, transmitindo frustração com mais poder do que uma maldição entre os dentes cerrados.
*Impressionado, Combs ofereceu-lhe um contrato em seu selo Bad Boy. , distribuído pela Arista
* Baseado em Brentwood, Long Island, Mack gravou seu primeiro single ainda adolescente
* Foi classificada como uma das primeiras faixas do grupo a se destacar em grande estilo; um hit pop Top Ten
Luís Alberto Alves/Hourpress
Um rapper acima da média, abençoado com um pouco de sorte e conexões, além de talento, Craig Mack praticamente chegou ao selo Bad Boy de Puff Daddy com um remix de seu hit de 1994, “Flava in Ya Ear”. Baseado em Brentwood, Long Island, Mack gravou seu primeiro single ainda adolescente, mas não deu em nada. Ele estava trabalhando como ajudante dos heróis de sua cidade EPMD quando se juntou a Sean "Puffy" Combs , que lhe ofereceu uma vaga em um remix de Mary J. Blige em 1992. Impressionado, Combs ofereceu-lhe um contrato em seu selo Bad Boy. , distribuído pela Arista. O que realmente vendeu o LP, entretanto, foi um remix de platina do single "Flava in Ya Ear".
Apresentando um desfile de talentos da Costa Leste - Notorious BIG , Rampage , LL Cool J e Busta Rhymes - foi classificada como uma das primeiras faixas do grupo a se destacar em grande estilo; um hit pop Top Ten e número um nas paradas de rap e dança. Mack retornou em 1997 (após ter cortado relações com Combs ) com Operation: Get Down , uma produção executiva do antigo chefe da Costa Leste, Eric B.
O álbum nem chegou ao Top 40, e Mack lutou por um contrato durante o resto da década. Depois de gravar algumas gravadoras brancas, ele retornou à Bad Boy com uma aparição no LP We Invented the Remix de Combs ("Special Delivery" com Ghostface Killah e Keith Murray ). Depois de deixar Bad Boy, Mack continuou gravando para seu próprio selo Mack World Records após a virada do milênio. Ele morreu em março de 2018 em sua casa em Walterboro, Carolina do Sul; Craig Mack tinha 47 anos.
