Reportagens com clipes descrevendo histórias de artistas famosos,
principalmente de intérpretes da Black Music, além de destacar a importância do Blues no Showbiz.
* As habilidades de McCann também incluíam sua voz expressiva, terrena e rouca. Ele gravou uma série de álbuns para o Pacific Jazz
* Ele assinou contrato com a Atlantic em 1968 e um ano depois gravou o Swiss Movement ao vivo com o saxofonista Eddie Harris
* Ele sofreu um derrame em 1995 que o deixou parcialmente paralisado, mas começou a gravar novamente
Luís Alberto Alves/Hourpress
Depois de deixar o emprego de Gene McDaniels em 1959, o pianista Les McCann evoluiu continuamente seu estilo de hard bop, incorporando seus ritmos característicos baseados em groove em soul-jazz, gospel, R&B e funk. As habilidades de McCann também incluíam sua voz expressiva, terrena e rouca. Ele gravou uma série de álbuns para o Pacific Jazz, começando com The Truth, de 1960. Ele assinou contrato com a Atlantic em 1968 e um ano depois gravou o Swiss Movement ao vivo com o saxofonista Eddie Harris , obtendo performances icônicas de "Compared to What?" e "Hora do pato frio".
Seu mandato no Atlântico (que durou até 1976) rendeu uma série de títulos populares e dois álbuns consecutivos de jazz-funk elétrico, agora influentes: Invitation to Openness, de 1973, e Layers , de 1974 . Mais tarde, ele gravou álbuns de sucesso para ABC Impulse e A&M, incluindo The Man , de 1978 , e depois gravou em indies. Ele sofreu um derrame em 1995 que o deixou parcialmente paralisado, mas começou a gravar novamente, lançando o repleto de estrelas Pump It Up em 2002 e A Time Les Christmas em 2018. Em 2023, a Resonance Records lançou o multidisco de arquivo Never a Dull Moment ! Ao vivo de costa a costa 1966-1967 .
McCann nasceu em Lexington, Kentucky, em 1935. Seus irmãos (um irmão e três irmãs) cantavam na igreja. Seu pai era fã de Jazz e sua mãe gostava de cantarolar árias de ópera. Ele começou a ter aulas de piano aos seis anos, mas depois de apenas algumas semanas, seu professor morreu inesperadamente. McCann continuou aprendendo piano sozinho enquanto recebia treinamento musical formal no Ensino Fundamental e Médio. Tocava tuba na banda marcial e bateria na orquestra.
Solo
McCann ingressou na Marinha e, durante seu serviço, ganhou um concurso de canto que resultou em uma aparição no Ed Sullivan Show, distribuído nacionalmente, em 1956. Depois de ser dispensado com honras, mudou-se para Los Angeles e formou um trio. McCann recusou um convite para se juntar ao Quinteto Cannonball Adderley para se concentrar em sua própria música. O primeiro show do grupo foi tocar no Purple Onion em 1959, abrindo para Gene McDaniels , que os contratou para acompanhá-lo na turnê depois daquela noite. Depois de deixar o emprego de McDaniels , McCann assinou um contrato solo com a Pacific Jazz. Em 1960, Les McCann Ltd. Plays the Truth e The Shout apareceram. Seu estilo funk e comovente no piano influenciou músicos emergentes, ressoou entre os veteranos e era popular entre o público ao vivo.
Ele seguiu com o ainda mais revolucionário Layers em 1973. Mantendo seu trio, e McDonald e Clarke da apresentação anterior, Layers revelou o amor de McCann pelo sintetizador ARP (ele também tocava piano e piano elétrico) e o levou a tentar sua própria versão. criação de uma orquestra com sons de cordas, palhetas, sopros, etc. A banda, por sua vez, manteve-se próxima de uma receita de Jazz-Funk arejado, corajoso. Tanto Invitation to Openness quanto Layers encontraram várias gerações de ouvintes, especialmente entre fãs de música eletrônica e hip-hop.
Em 2012, McCann conheceu o pianista de jazz Joe Alterman no palco do Blue Note em Nova York. Eles se tornaram amigos rápidos e duradouros, apesar da diferença de idade (mais de meio século). A dupla falou quase todos os dias após aquela reunião. Em agosto de 2023, o jovem lançou Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe, composto por dez originais de Les e "Don't Forget to Love Yourself", co-escrito pela dupla.
Em dezembro, o produtor e detetive de jazz Zev Feldman , em associação com a Resonance Records, lançou Never a Dull Moment! Ao vivo de costa a costa 1966-1967 . Ele capturou os excelentes trios de McCann de meados dos anos 60 tocando no lendário clube Penthouse de Seattle e no The Village Vanguard.
* O disco foi um pequeno sucesso, mas em 1953 Clark seguiu em frente, assumindo funções principais no grupo vocal de Chicago
* Eles também lançaram “The Convention”, um disco inovador inspirado nas eleições presidenciais daquele ano
* Ele lutou para criar seu próprio estilo, imitando Clyde McPhatter no sucessor “Seven Nights”
Luís Alberto Alves/Hourpress
Embora amplamente desconhecido entre o público contemporâneo, Dee Clark foi um dos cantores de R&B de maior sucesso do final dos anos 50 e início dos anos 60, seu tenor ressonante e expressivo enfeitando clássicos como "Raindrops" e "(Hey) Little Girl". Delecta Clark nasceu em Blytheville, Arkansas, em 7 de novembro de 1938; aos três anos de idade, ele cresceu no West Side de Chicago, em 1952 juntando-se aos colegas de escola Sammy McGrier e Ronnie Strong no Hambone Kids. Uma moda que exigia que os artistas batessem nas coxas, peitos e outras partes do corpo emulando o que hoje é conhecido como batida de Bo Diddley , os Hambone Kids foram populares por tempo suficiente para que o trio adolescente colaborasse com Red Saunders & His Orchestra por um single, também intitulado "Hambone", lançado pela Okeh em 1952.
O disco foi um pequeno sucesso, mas em 1953 Clark seguiu em frente, assumindo funções principais no grupo vocal de Chicago, Goldentones - quando o DJ local Herb "The Kool Gent" Kent assumiu o gerenciamento deles e rebatizou seus pupilos de Kool Gents , conseguindo-lhes um contrato de gravação com o selo Vee-Jay de Chicago. O grupo lançou seu single de estreia "This Is the Night" no início de 1956, seguido naquele verão por "I Just Can't Help Myself". (Como Delegados , eles também lançaram “The Convention”, um disco inovador inspirado nas eleições presidenciais daquele ano.)
Depois de uma gravação final do Vee-Jay que rendeu "Mother's Son", de 1957, o gerente geral da gravadora, Ewart Abner, convenceu Clark a seguir carreira solo - sua estreia, "Gloria", foi, na verdade, uma gravação do Kool Gents , embora apenas o nome de Clark aparecesse na gravadora. Ele lutou para criar seu próprio estilo, imitando Clyde McPhatter no sucessor “Seven Nights” e imitando Little Richard em “Oh, Little Girl”, de 1958. Nenhum dos dois foi mapeado, mas quando o próprio Little Richard parou abruptamente de se apresentar para entrar na faculdade bíblica, seu agente contratou Clark para cumprir seus shows restantes; ele finalmente passou cinco meses na estrada com a banda de apoio de Richard , os Upsetters , também recrutando o grupo para shows em estúdio.
Paradas
Clark oficialmente se destacou com "Nobody But You" do final de 1958 - uma canção de amor luminosa e acelerada, idealmente combinada com seus vocais profundamente comoventes, o single alcançou o número 21 nas paradas pop e o número três nas paradas de R&B, criando o modelo para o restante de sua produção Vee-Jay. Seu sucessor de 1959, "Just Keep It Up (And See What Happens)", foi um sucesso pop ainda maior, alcançando o 18º lugar (embora chegando apenas ao nono lugar no ranking de R&B), e com Bo Diddley - O roqueiro inspirado "(Hey) Little Girl" Clark solidificou sua popularidade, alcançando o 20º lugar no pop e o segundo lugar no R&B durante uma temporada de 15 semanas nas paradas.
Em 1960, Clark conseguiu mais três entradas consecutivas nas paradas pop: o hit Top 40 "How About That", "(Crazy Little Mama) At My Back Door" e "You're Looking Good". A seqüência continuou em 1961 com "Your Friends", que alcançou a posição 34 nas paradas pop nacionais e provou ser um sucesso ainda maior no mercado de sua cidade natal, Chicago. Inspirado pelo clima inclemente que assolou uma viagem de volta da cidade de Nova York, o álbum seguinte, "Raindrops", foi ao mesmo tempo o maior sucesso de Clark e seu ápice criativo - uma performance virtuosa vividamente cinematográfica que alcançou o segundo lugar na parada pop da Billboard, seu o som sofisticado antecipou a evolução do gênero R&B para o Soul.
Mas Clark nunca mais recuperou seu sucesso nem no estúdio nem nas paradas: nenhum de seus três singles seguintes - "Don't Walk Away from Me", "You Are Like the Wind" de 1962 e "Dance On, Little Girl "- até mapeado. "I'm Going Back to School" foi uma espécie de renascimento, quebrando o Top 20 do R&B, mas em 1963 Clark tropeçou novamente, e depois de três singles consecutivos ("I'm a Soldier Boy", "How Is He Treating You? " e "Walking My Dog") falhando nas paradas, ele deixou a Vee-Jay, assinando com o novo selo de Ewart Abner, Constellation, para o disco dance "Crossfire Time", que alcançou a posição 92 na Billboard Hot 100 - sua última parada nos EUA. aparência.
Falência
A gestão de Clark no Constellation é um estudo de frustração - entre 1964 e 1966, ele lançou oito singles pela gravadora, nenhum dos quais alcançou sucesso. (Alguns, no entanto, eram excelentes, em particular "Come Closer", "Warm Summer Breeze" e "TCB" de Bob Gaudio ). Na esteira de "Old Fashion Love", lançado em meados de 1966, Constellation faliu e Clark gastou o resto de sua carreira pulando de gravadora em gravadora, nunca mais lançando mais de um single por qualquer selo - esses esforços incluem "In These Very Tender Moments" de 1967 (Columbia), "Nobody But You" de 1968 (Wand), 1970 “24 Horas de Solidão” (Liberty) e o autoexplicativo “Raindrops '73”, que apareceu na subsidiária da Warner, Rocky.
Ao longo desse período, ele morou em quase o mesmo número de cidades, ganhando a vida como atração principal em salões e casas noturnas locais durante estadias prolongadas em Los Angeles, Atlanta e Orlando. Embora o lançamento do selo Chelsea em 1975, "Ride a Wild Horse", tenha tido sucesso nas paradas do Reino Unido, o single foi o último de Clark - ele continuou em turnê incansavelmente durante a década seguinte, a rotina sem dúvida contribuiu muito para o ataque cardíaco fulminante que terminou sua vida em 7 de dezembro de 1990, com apenas 52 anos.
* Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels
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Gene McDaniels foi um artista multifacetado que ficou mais conhecido como vocalista pop/R&B no início e meados dos anos 60, quando o R&B estava começando a evoluir para o Soul. Ele marcou sucessos polidos e apaixonados que exibiam sua voz forte e clara, incluindo "A Hundred Pounds of Clay", "Tower of Strength" e "Chip Chip". McDaniels também se destacou como compositor e produtor, escrevendo o hit "Feel Like Makin' Love" para Roberta Flack e o atencioso e frequentemente regravado "Compared to What", bem como dirigindo sessões para Nancy Wilson , Melba Moore , Jimmy Smith. e Lenny Williams .
Seu trabalho mais conhecido dos anos 60 pode ser ouvido na coleção A Hundred Pounds of Clay: The Best of Gene McDaniels , uma amostra sólida de seus lados clássicos da Liberty Records, enquanto seu trabalho aventureiro dos anos 70, impregnado de social e comentário político, é bem representado pelo item cult de 1971, Headless Heroes of the Apocalypse .
Nascido Eugene Booker McDaniels em Kansas City, Kansas, em 1935, e mais tarde criado em Omaha, Nebraska, ele era filho de um ministro. A música gospel, juntamente com as palavras da Bíblia, preencheram sua vida desde cedo, e seus ídolos incluíam os Soul Stirrers e os Swan Silvertones . Antes da adolescência, ele também descobriu o Jazz no momento em que o bebop estava varrendo o campo, e se tornou um dos primeiros admiradores de Charlie Parker e Miles Davis . Ele sempre gostou de cantar, o que não é surpresa devido ao seu alcance de quatro oitavas, mas também se tornou proficiente no saxofone e no trompete.
Música
Depois de assinar com Sy Waronker, McDaniels foi colocado nas mãos do produtor Felix Slatkin , mas seus dois primeiros singles e um álbum que os acompanha não venderam em grandes quantidades. Sua chance veio quando Snuff Garrett assumiu como produtor; Slatkin era um músico, violinista e maestro fenomenal, mas Garrett tinha um ouvido para sons e músicas incomparável e foi responsável por encurralar a música que se tornou o primeiro sucesso de McDaniels, "A Hundred Pounds of Clay".
O próprio cantor odiou a música, acreditando que era muito simplista em relação ao Jazz que cantava na década anterior, mas os instintos de Garrett se mostraram corretos. O single alcançou o terceiro lugar na primavera de 1961 e ganhou o prêmio de disco de ouro. Embora seu próximo single, "A Tear", tenha sido um pequeno sucesso nas paradas, a música seguinte - "Tower of Strength", co-escrita por Burt Bacharach - alcançou o quinto lugar e rendeu a McDaniels outro prêmio de disco de ouro no processo.
Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels . Seu primeiro álbum pela Atlantic, Outlaw , de 1970 , foi um esforço ambicioso e politicamente carregado que misturou Funk, Jazz e Rock com seus vocais dramáticos. Headless Heroes of the Apocalypse, de 1971 , foi ainda mais forte e franco, e supostamente uma cópia chegou à Casa Branca, onde Richard Nixon ficou indignado com a política radical das letras e Spiro Agnew instou a Atlantic a suprimir o álbum.
* Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home"
* Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B
* Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown)
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Walter Jackson era o soul de Chicago dos anos 60 em sua forma mais doce e, ocasionalmente, mais mainstream. Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home", " A Corner in the Sun" - sem nunca subir além dos limites inferiores do Top 100. Gravando para o estábulo OKeh, que abrigava os maiores talentos do soul de Chi-Town, ele se beneficiou por um tempo dos serviços de produção de artistas locais os mestres Carl Davis e Curtis Mayfield , que cuidaram dos Impressions , Major Lance , Gene Chandler , e outros. Seus lados empregavam metais e cordas vigorosos semelhantes, mas de uma forma mais suave e urbana; Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B.
Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown) quando o diretor de A&R da OKeh, Davis, o viu em um piano bar de Detroit em 1962. Acometido de poliomielite quando menino, Jackson nunca deixou sua deficiência atrapalhar suas ambições musicais. , atuando com muletas. Impressionado com sua voz de comando, Carl Davis pensou em Walter como um cantor do tipo Nat King Cole , e adquiriu material para Jackson de Mayfield , Van McCoy , Chip Taylor e outros compositores de primeira linha.
Apesar do óbvio potencial de crossover pop das gravações de Jackson, ele permaneceu obscuro para os ouvintes brancos. Durante a última parte de sua estadia na OKeh, ele foi transferido do estábulo de Davis para o produtor Ted Cooper . Jackson teve alguns sucessos com Cooper , mas houve pouco sucesso depois do final dos anos 60, embora ele tenha gravado para mais algumas gravadoras antes de morrer de hemorragia cerebral em 1983.
*Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos
* Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível
* Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60
Luís Alberto Alves/Hourpress
Simplesmente não há som no Blues tão facilmente digerível, acessível, instantaneamente reconhecível e tão fácil de tocar e cantar quanto a música de Jimmy Reed. Suas canções mais conhecidas - "Baby, What You Want Me to Do", "Bright Lights, Big City", "Honest I Do", "You Don't Have to Go", "Going to New York", " Ain't That Lovin' You Baby" e "Big Boss Man" - tornaram-se parte integrante do repertório padrão do Blues, é quase como se existissem desde sempre. Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos, desde bandas de garagem do Ensino Médio até Elvis Presley , Charlie Rich , Lou Rawls , Hank Williams Jr. tornando-o, no longo prazo, talvez o bluesman mais influente de todos.
Seus padrões de guitarra rítmica boogie de cordas inferiores (todos fornecidos pelo amigo de infância e parceiro musical de longa data Eddie Taylor ), reviravoltas simples de duas cordas, solos de gaita country (todos tocados em um suporte de pescoço pendurado em seu pescoço) e mingau vocais de boca aberta foram provavelmente a primeira exposição que a maioria dos brancos teve ao blues. E a sua música - preguiçosa, galopante e insistente, constantemente construída sobre a mesma estrutura robusta - foi uma fórmula que provou ser enormemente bem sucedida e influente, tanto junto do público negro de meia-idade como do público jovem branco durante uma boa dúzia de anos.
Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível e passaram para as paradas pop em muitas ocasiões, um feito raro para um bluesman não reconstruído. Isso é ainda mais surpreendente simplesmente porque a música de Reed não tinha nada de especial superficialmente; ele não possuía absolutamente nenhum conhecimento técnico em nenhum dos instrumentos escolhidos e seus vocais certamente careciam da intensidade declamatória feroz de um Howlin' Wolf ou de um Muddy Waters .
Dia
Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60. E para aqueles aspirantes a músicos que queriam experimentar o blues, seja vocalmente ou instrumentalmente (não importa com que cor de pele você nasceu), talvez Billy Vera tenha dito isso melhor em seu encarte de uma antologia de grandes sucessos de Reed: "Sim , qualquer pessoa com um alcance de mais de seis notas poderia cantar as músicas de Jimmy e tocá-las no primeiro dia em que mamãe e papai trouxeram para casa aquela primeira guitarra da Sears & Roebuck. Acho que Jimmy poderia ser considerado o punk bluesman dos anos 50. "
Reed nasceu em 6 de setembro de 1925, em uma plantação dentro ou ao redor da pequena cidade de Dunleith, MS. Ele permaneceu na região até os 15 anos, aprendendo os rudimentos básicos de gaita e violão com seu amigo Eddie Taylor , que na época estava se destacando como músico semi-profissional, trabalhando em jantares country e juke joint. Reed mudou-se para Chicago em 1943, mas foi rapidamente convocado para a Marinha, onde serviu por dois anos.
Depois de uma rápida viagem de volta ao Mississippi e do casamento com sua amada esposa Mary (conhecida pelos fãs de Blues como " Mama Reed "), ele se mudou para Gary, Indiana, e encontrou trabalho em um frigorífico da Armor Foods, ao mesmo tempo em que invadia o florescente blues. cena em torno de Gary e da vizinha Chicago. O início dos anos 50 o encontrou trabalhando como acompanhante de Gary Kings de John Brim (que é Reed tocando harpa no clássico "Tough Times" de Brim e seu outro lado instrumental, "Gary Stomp") e tocando na rua para obter dicas com Willie Joe Duncan , uma figura sombria que tocava um instrumento amplificado e caseiro de uma corda chamado Unitar.
Década
Depois de falhar em um teste com a Chess Records (seu sucesso posterior nas paradas seria um espinho constante no lado da empresa), o baterista de Brim na época - o que é improvável, Albert King , a futura lenda da guitarra do Blues - o trouxe para o recém-formada Vee-Jay Records, onde foram feitas suas primeiras gravações. Foi nessa época que ele se reencontrou e voltou a tocar com Eddie Taylor , uma parceria musical que duraria até a morte de Reed. O sucesso demorou a chegar, mas quando seu terceiro single, "You Don't Have to Go", acompanhado de "Boogie in the Dark", alcançou o quinto lugar nas paradas de R&B da Billboard, os sucessos continuaram chegando para o próximo. década.
A lenta descida de Reed aos estragos do alcoolismo e da epilepsia acompanhou aproximadamente o declínio da Vee-Jay Records, que faliu aproximadamente ao mesmo tempo em que seu último 45º álbum foi lançado, "Don't Think I'm Through". Seu empresário, Al Smith , rapidamente conseguiu um contrato com o recém-formado selo ABC-Bluesway e vários álbuns foram lançados nos anos 70, todos sem o charme antigo, soando como se tivessem sido gravados em uma linha de montagem musical.
Jimmy gravou um último álbum, uma tentativa horrível de atualizar seu som com batidas Funk e pedais wah-wah, antes de se tornar um recluso virtual em seus últimos anos. Ele finalmente recebeu atenção médica adequada para sua epilepsia e parou de beber, mas já era tarde demais e morreu tentando retornar ao circuito de festivais de blues em 29 de agosto de 1976.
* James deixou amplo rastro de influência atrás dele. Ela continua até hoje – em abordagem, atitude e tom
* Elmore James sempre deu tudo o que tinha, tudo o que podia investir emocionalmente em um número
* Esse compromisso de espírito é algo que aparece repetidamente ao ouvir vários takes de seus mestres de gravação
Luís Alberto Alves/Hourpress
Não há dúvida: o guitarrista de slide mais influente do período pós-guerra foi Elmore James, sem dúvida. Embora sua morte precoce por insuficiência cardíaca o tenha impedido de aproveitar os frutos do renascimento do Blues dos anos 60, como fizeram seus contemporâneos Muddy Waters e Howlin' Wolf , James deixou amplo rastro de influência atrás dele. Ela continua até hoje – em abordagem, atitude e tom – em quase todos os guitarristas que colocam um slide no dedo e lamentam o Blues. Como guitarrista ele escreveu o livro seu estilo de slide influenciando nomes como Hound Dog Taylor Joe Carter seu primo Homesick James e JB Hutto enquanto seu trabalho raramente ouvido em uma única corda teve um efeito igualmente profundo em BB King e Chuck Berry .
Seu lick característico - uma atualização elétrica de "I Believe I'll Dust My Broom" de Robert Johnson e que Elmore gravou em infinitas variações desde o primeiro dia até sua última sessão - é uma parte essencial da estrutura essencial do Blues. de licks de guitarra que ninguém que tente tocar slide guitar consegue sem ser comparado a Elmore James. Outros podem ter tido mais técnica – Robert Nighthawk e Earl Hooker vêm imediatamente à mente – mas Elmore tinha o som e todo o sentimento.
Reparador de rádios de profissão, Elmore retrabalhou seus amplificadores de guitarra em seu tempo livre, fazendo com que produzissem sons crus e distorcidos que não ressurgiriam até o advento da amplificação do rock pesado no final dos anos 60. Esta abordagem amp-on-11 foi conectada a uma das abordagens emocionais mais fortes do Blues já registradas. Nunca há um momento em que você esteja ouvindo um de seus discos e você sente - não importa quão familiar seja a estrutura - que ele está ligando apenas para fazer uma verificação rápida da gravação. Elmore James sempre deu tudo o que tinha, tudo o que podia investir emocionalmente em um número.
Material
Esse compromisso de espírito é algo que aparece repetidamente ao ouvir vários takes de seus mestres de gravação. A pura repetitividade do processo de gravação diminuiria o fogo criativo de quase qualquer pessoa, mas James sempre parecia dar 100 por cento toda vez que a luz vermelha acendia. Poucos cantores de Blues tinham uma voz que pudesse competir com a de James; era alto, forte, propenso a "pegar" ou quebrar nos registros agudos, e quase soando à beira da histeria em certos momentos. Evidentemente, em meados dos anos 30, quando James tinha Robert Johnson como companheiro de jogo, teve uma profunda influência sobre ele, não apenas na escolha do material, mas também na apresentação do mesmo.
Mas por mais urbano que fosse seu som, ele sempre teve raízes na cidade natal de Elmore, Canton, Mississippi. Ele nasceu lá em 27 de janeiro de 1918, filho ilegítimo de Leola Brooks e mais tarde recebeu o sobrenome de seu padrasto, Joe Willie James. Ele se adaptou à música desde cedo, aprendendo a tocar gargalo em um instrumento caseiro feito de cabo de vassoura e lata de banha. Aos 14 anos, ele já era músico de fim de semana, trabalhando em vários jantares country e juke joint na região sob os nomes de "Cleanhead" ou "Joe Willie James". Embora ele tenha se limitado a uma área ao redor de Belzoni, ele se juntou e trabalhou com músicos viajantes como Robert Johnson , Howlin' Wolf e Sonny Boy Williamson .
No final dos anos 30, formou sua primeira banda e estava trabalhando na região sul do estado com Sonny Boy até o início da Segunda Guerra Mundial; ele passou três anos estacionado na Marinha em Guam. Quando recebeu alta, continuou de onde parou, mudando-se para Memphis por um tempo e trabalhando em clubes com Eddie Taylor e seu primo Homesick James . Elmore também foi uma das primeiras "estrelas convidadas" no popular programa de rádio King Biscuit Time na KFFA em Helena, Arkansas, também fazendo participações no programa Talaho Syrup no WAZF de Yazoo City e no programa Hadacol no KWEM em West Memphis.
Em maio de 1963, James retornou a Chicago, pronto para retomar sua carreira de músico intermitente - seus discos ainda eram lançados e relançados regularmente por diversas gravadoras - quando sofreu seu último ataque cardíaco. Seu velório contou com a presença de mais de 400 luminares do Blues antes de seu corpo ser enviado de volta ao Mississippi. Foi eleito para o Hall da Fama da Blues Foundation em 1980 e mais tarde eleito para o Hall da Fama do Rock & Roll como uma influência seminal. Elmore James pode não ter sobrevivido para colher os frutos do renascimento do Blues, mas sua música e influência continuam a ressoar.
*Foi uma honra nebulosa, já que Rush tocou em clubes do South Side de Chicago
* Seu legado Cobra de 1956-1958 é magnífico, distinguido pelas obras-primas de tom menor produzidas por Dixon
* Depois que o Cobra fechou as portas, a sorte musical do Rush fracassou. Ele seguiu Dixon até Chess em 1960
Luís Alberto Alves/Hourpress
Quando entrou no Top Ten do R&B pela primeira vez em 1956 com o blues lento e surpreendentemente intenso "I Can't Quit You Baby", o guitarrista canhoto Otis Rush posteriormente se estabeleceu como um dos principais bluesmen do circuito de Chicago. Rush foi frequentemente creditado como um dos arquitetos do estilo de guitarra West Side, junto com Magic Sam e Buddy Guy . Foi uma honra nebulosa, já que Rush tocou em clubes do South Side de Chicago com a mesma frequência durante o período de incubação do som no final dos anos 50.
No entanto, seu estimado status como um dos principais inovadores de Chicago foi eternamente garantido pelo trabalho de guitarra vibrante e aprimorado que permaneceu seu estoque no comércio e uma entrega vocal torturada e superintensa que poderia forçar os cabelos da nuca para cima. saudação silenciosa. Se o talento por si só fosse a fórmula para o sucesso generalizado, Rush certamente teria sido o principal artista de Blues de Chicago. Mas o destino, a sorte e as próprias idiossincrasias do guitarrista conspiraram para impedi-lo em diversas ocasiões, quando a oportunidade estava praticamente implorando para ser aceita.
Rush veio para Chicago em 1948, conheceu Muddy Waters e soube instantaneamente o que queria fazer do resto da vida. O onipresente Willie Dixon percebeu a atuação de Rush e o contratou para a Cobra Records de Eli Toscano em 1956. A assustadoramente intensa "I Can't Quit You Baby" foi o primeiro esforço do artista e da gravadora, alcançando o sexto lugar na parada de R&B da Billboard. Seu legado Cobra de 1956-1958 é magnífico, distinguido pelas obras-primas de tom menor produzidas por Dixon, "Double Trouble" e "My Love Will Never Die", as duras como pregos "Three Times a Fool" e "Keep on Loving Me Baby" e o clássico do rock "All Your Love (I Miss Loving)". Rush aparentemente gravou a última música no carro a caminho dos estúdios do Cobra em West Roosevelt Road, onde a gravaria com o núcleo do combo de Ike Turner .
Terrível
Depois que o Cobra fechou as portas, a sorte musical do Rush fracassou. Ele seguiu Dixon até Chess em 1960, gravando outro clássico (o impressionante "So Many Roads, So Many Trains") antes de passar para Duke (um single solitário, "Homework" de 1962), Vanguard e Cotillion (lá ele gravou o subestimado Mike Bloomfield - Nick Gravenites - produziu o álbum Mourning in the Morning de 1969 , com a ajuda de um homem da seção rítmica house em Muscle Shoals). Típico da terrível sorte do Rush foi a saga enervante de seu álbum Right Place, Wrong Time.
Fundado em 1971 pela Capitol Records, o selo gigante inexplicavelmente rejeitou o projeto, apesar de sua óbvia excelência. Demorou mais cinco anos para o conjunto surgir no pequeno selo Bullfrog, diminuindo o ímpeto do Rush mais uma vez (o álbum foi posteriormente disponibilizado pela HighTone). Um set de 1975 desigual, mas valioso para Delmark, Cold Day in Hell e uma série de álbuns ao vivo sólidos que em sua maioria soam muito semelhantes mantiveram o nome dourado do Rush no mercado até certo ponto durante os anos 70 e 80, um período preocupante para o lendário canhoto.
Mais uma vez, uma série de problemas pessoais ameaçaram pôr fim ao tão esperado retorno do Rush à proeminência nacional antes de decolar. Mas ele permaneceu em excelente forma, liderando uma banda compacta que simpatizava totalmente com a abordagem escaldante do guitarrista. Rush assinou com a incipiente gravadora House of Blues, garantindo instantaneamente a essa empresa uma grande dose de credibilidade e preparando-se para outro impulso na carreira. No entanto, sua turnê e gravação foram interrompidas após um derrame debilitante em 2003. Seu álbum Live... and In Concert from San Francisco foi lançado pelo selo Blues Express em 2006, gravado em 1999. Em 29 de setembro, 2018, Otis Rush morreu de complicações decorrentes do acidente vascular cerebral; aos 83 anos.
“Redemption Song” e “Three Little Birds” embalam novo trailer de “Bob Marley: One Love” divulgado hoje, 5 de dezembro, pela Paramount Pictures. A prévia traz novas cenas do longa que retratam a vida e a luta da lenda do reggae entre a Jamaica e Londres, além de destacar Lashana Lynch, no papel de Rita Marley.
O enredo celebra a vida e a música de um ícone que inspirou gerações por meio de sua mensagem de amor e união. Na tela dos cinemas pela primeira vez, o público vai descobrir a poderosa história de superação e a jornada por trás de sua música revolucionária. Dirigido por Reinaldo Marcus Green (King Richards: Criando Campeãs), o filme é estrelado por Kingsley Ben-Adir e Lashana Lynch. James Norton, Tosin Cole, Umi Myers e Anthony Welsh também integram o elenco.
“Bob Marley: One Love” ainda conta com produção executiva de Brad Pitt, ao lado de Richard Hewitt, Orly Marley, Matt Solodky. A esposa de Bob, Rita Marley, e os filhos, Ziggy e Cedella assinam a produção junto com Robert Teitel, Dede Gardner e Jeremy Kleiner. Distribuído para os cinemas pela Paramount Pictures, o filme é produzido pela Plan B Entertainment, State Street Pictures e Tuff Gong Pictures. A cinebiografia chega aos cinemas brasileiros em 12 de fevereiro.
Bob Marley: One Love - 12 de fevereiro exclusivamente nos cinemas #BobMarleyOneLove
