Gene McDaniels, cantor que Richard Nixon pediu para censurar

Radiografia da Notícia

* Richard Nixon ficou indignado com a política radical das letras e Spiro Agnew instou a Atlantic a suprimir o álbum

* Seu trabalho mais conhecido dos anos 60 pode ser ouvido na coleção A Hundred Pounds of Clay: The Best of Gene McDaniels 

* Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels

Luís Alberto Alves/Hourpress

Gene McDaniels foi um artista multifacetado que ficou mais conhecido como vocalista pop/R&B no início e meados dos anos 60, quando o R&B estava começando a evoluir para o Soul. Ele marcou sucessos polidos e apaixonados que exibiam sua voz forte e clara, incluindo "A Hundred Pounds of Clay", "Tower of Strength" e "Chip Chip". McDaniels também se destacou como compositor e produtor, escrevendo o hit "Feel Like Makin' Love" para Roberta Flack e o atencioso e frequentemente regravado "Compared to What", bem como dirigindo sessões para Nancy Wilson , Melba Moore , Jimmy Smith. e Lenny Williams . 

Seu trabalho mais conhecido dos anos 60 pode ser ouvido na coleção A Hundred Pounds of Clay: The Best of Gene McDaniels , uma amostra sólida de seus lados clássicos da Liberty Records, enquanto seu trabalho aventureiro dos anos 70, impregnado de social e comentário político, é bem representado pelo item cult de 1971, Headless Heroes of the Apocalypse .

Nascido Eugene Booker McDaniels em Kansas City, Kansas, em 1935, e mais tarde criado em Omaha, Nebraska, ele era filho de um ministro. A música gospel, juntamente com as palavras da Bíblia, preencheram sua vida desde cedo, e seus ídolos incluíam os Soul Stirrers e os Swan Silvertones . Antes da adolescência, ele também descobriu o Jazz no momento em que o bebop estava varrendo o campo, e se tornou um dos primeiros admiradores de Charlie Parker e Miles Davis . Ele sempre gostou de cantar, o que não é surpresa devido ao seu alcance de quatro oitavas, mas também se tornou proficiente no saxofone e no trompete.

Música

Depois de assinar com Sy Waronker, McDaniels foi colocado nas mãos do produtor Felix Slatkin , mas seus dois primeiros singles e um álbum que os acompanha não venderam em grandes quantidades. Sua chance veio quando Snuff Garrett assumiu como produtor; Slatkin era um músico, violinista e maestro fenomenal, mas Garrett tinha um ouvido para sons e músicas incomparável e foi responsável por encurralar a música que se tornou o primeiro sucesso de McDaniels, "A Hundred Pounds of Clay". 

O próprio cantor odiou a música, acreditando que era muito simplista em relação ao Jazz que cantava na década anterior, mas os instintos de Garrett se mostraram corretos. O single alcançou o terceiro lugar na primavera de 1961 e ganhou o prêmio de disco de ouro. Embora seu próximo single, "A Tear", tenha sido um pequeno sucesso nas paradas, a música seguinte - "Tower of Strength", co-escrita por Burt Bacharach - alcançou o quinto lugar e rendeu a McDaniels outro prêmio de disco de ouro no processo.

Quando retornou à América em 1970, assinou com a Atlantic Records e retomou as gravações sob o nome de Eugene McDaniels . Seu primeiro álbum pela Atlantic, Outlaw , de 1970 , foi um esforço ambicioso e politicamente carregado que misturou Funk, Jazz e Rock com seus vocais dramáticos. Headless Heroes of the Apocalypse, de 1971 , foi ainda mais forte e franco, e supostamente uma cópia chegou à Casa Branca, onde Richard Nixon ficou indignado com a política radical das letras e Spiro Agnew instou a Atlantic a suprimir o álbum. 

Em 1971, McDaniels gravou um álbum para a MGM Records como parte do grupo Universal Jones , intitulado Vol. Um . Foi seu último disco por muito tempo, embora ele tenha continuado a trabalhar continuamente como compositor e produzido álbuns para Gladys Knight & the Pips , the Floaters , Nancy Wilson , Jimmy Smith e o ator Richard Roundtree . Um último álbum de Eugene McDaniels , Screams & Whispers , foi lançado por seu próprio selo Genepool Records em 2004. Gene McDaniels morreu enquanto dormia em sua casa no Maine em 29 de julho de 2011.

Walter Jackson solta voz no sucesso "Feelings"

Radiografia da Notícia

 

*  Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home"

*  Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B

* Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown)

Luís Alberto Alves/Hourpress

Walter Jackson era o soul de Chicago dos anos 60 em sua forma mais doce e, ocasionalmente, mais mainstream. Em meados daquela década, ele teve alguns sucessos sólidos de R&B - "Suddenly I'm All Alone", "It's an Uphill Climb (To the Bottom)", "Speak Her Name", "Welcome Home", " A Corner in the Sun" - sem nunca subir além dos limites inferiores do Top 100. Gravando para o estábulo OKeh, que abrigava os maiores talentos do soul de Chi-Town, ele se beneficiou por um tempo dos serviços de produção de artistas locais os mestres Carl Davis e Curtis Mayfield , que cuidaram dos Impressions , Major Lance , Gene Chandler , e outros. Seus lados empregavam metais e cordas vigorosos semelhantes, mas de uma forma mais suave e urbana; Jackson também se sentia confortável com saídas ocasionais ao puro pop de clube noturno, sem nenhum traço de R&B.

Jackson já havia gravado para a Columbia (e feito um teste sem sucesso para a Motown) quando o diretor de A&R da OKeh, Davis, o viu em um piano bar de Detroit em 1962. Acometido de poliomielite quando menino, Jackson nunca deixou sua deficiência atrapalhar suas ambições musicais. , atuando com muletas. Impressionado com sua voz de comando, Carl Davis pensou em Walter como um cantor do tipo Nat King Cole , e adquiriu material para Jackson de Mayfield , Van McCoy , Chip Taylor e outros compositores de primeira linha.

Apesar do óbvio potencial de crossover pop das gravações de Jackson, ele permaneceu obscuro para os ouvintes brancos. Durante a última parte de sua estadia na OKeh, ele foi transferido do estábulo de Davis para o produtor Ted Cooper . Jackson teve alguns sucessos com Cooper , mas houve pouco sucesso depois do final dos anos 60, embora ele tenha gravado para mais algumas gravadoras antes de morrer de hemorragia cerebral em 1983.

Jimmy Reed, outro talento destruído pelas bebidas

Radiografia da Notícia

* Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos

* Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível 

* Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60

Luís Alberto Alves/Hourpress

Simplesmente não há som no Blues tão facilmente digerível, acessível, instantaneamente reconhecível e tão fácil de tocar e cantar quanto a música de Jimmy Reed. Suas canções mais conhecidas - "Baby, What You Want Me to Do", "Bright Lights, Big City", "Honest I Do", "You Don't Have to Go", "Going to New York", " Ain't That Lovin' You Baby" e "Big Boss Man" - tornaram-se parte integrante do repertório padrão do Blues, é quase como se existissem desde sempre. Como seu estilo era simples e fácil de imitar, suas músicas eram acessíveis a quase todos, desde bandas de garagem do Ensino Médio até Elvis Presley , Charlie Rich , Lou Rawls , Hank Williams Jr. tornando-o, no longo prazo, talvez o bluesman mais influente de todos. 

Seus padrões de guitarra rítmica boogie de cordas inferiores (todos fornecidos pelo amigo de infância e parceiro musical de longa data Eddie Taylor ), reviravoltas simples de duas cordas, solos de gaita country (todos tocados em um suporte de pescoço pendurado em seu pescoço) e mingau vocais de boca aberta foram provavelmente a primeira exposição que a maioria dos brancos teve ao blues. E a sua música - preguiçosa, galopante e insistente, constantemente construída sobre a mesma estrutura robusta - foi uma fórmula que provou ser enormemente bem sucedida e influente, tanto junto do público negro de meia-idade como do público jovem branco durante uma boa dúzia de anos. 

Os discos de Jimmy Reed atingiram as paradas de R&B com uma frequência incrível e passaram para as paradas pop em muitas ocasiões, um feito raro para um bluesman não reconstruído. Isso é ainda mais surpreendente simplesmente porque a música de Reed não tinha nada de especial superficialmente; ele não possuía absolutamente nenhum conhecimento técnico em nenhum dos instrumentos escolhidos e seus vocais certamente careciam da intensidade declamatória feroz de um Howlin' Wolf ou de um Muddy Waters . 

Dia

Mas foi exatamente essa falta de confronto musical direto que fez de Jimmy Reed uma adição bem-vinda à coleção de discos de todos nos anos 50 e 60. E para aqueles aspirantes a músicos que queriam experimentar o blues, seja vocalmente ou instrumentalmente (não importa com que cor de pele você nasceu), talvez Billy Vera tenha dito isso melhor em seu encarte de uma antologia de grandes sucessos de Reed: "Sim , qualquer pessoa com um alcance de mais de seis notas poderia cantar as músicas de Jimmy e tocá-las no primeiro dia em que mamãe e papai trouxeram para casa aquela primeira guitarra da Sears & Roebuck. Acho que Jimmy poderia ser considerado o punk bluesman dos anos 50. "

Reed nasceu em 6 de setembro de 1925, em uma plantação dentro ou ao redor da pequena cidade de Dunleith, MS. Ele permaneceu na região até os 15 anos, aprendendo os rudimentos básicos de gaita e violão com seu amigo Eddie Taylor , que na época estava se destacando como músico semi-profissional, trabalhando em jantares country e juke joint. Reed mudou-se para Chicago em 1943, mas foi rapidamente convocado para a Marinha, onde serviu por dois anos. 

Depois de uma rápida viagem de volta ao Mississippi e do casamento com sua amada esposa Mary (conhecida pelos fãs de Blues como " Mama Reed "), ele se mudou para Gary, Indiana, e encontrou trabalho em um frigorífico da Armor Foods, ao mesmo tempo em que invadia o florescente blues. cena em torno de Gary e da vizinha Chicago. O início dos anos 50 o encontrou trabalhando como acompanhante de Gary Kings de John Brim (que é Reed tocando harpa no clássico "Tough Times" de Brim e seu outro lado instrumental, "Gary Stomp") e tocando na rua para obter dicas com Willie Joe Duncan , uma figura sombria que tocava um instrumento amplificado e caseiro de uma corda chamado Unitar. 

Década

Depois de falhar em um teste com a Chess Records (seu sucesso posterior nas paradas seria um espinho constante no lado da empresa), o baterista de Brim na época - o que é improvável, Albert King , a futura lenda da guitarra do Blues - o trouxe para o recém-formada Vee-Jay Records, onde foram feitas suas primeiras gravações. Foi nessa época que ele se reencontrou e voltou a tocar com Eddie Taylor , uma parceria musical que duraria até a morte de Reed. O sucesso demorou a chegar, mas quando seu terceiro single, "You Don't Have to Go", acompanhado de "Boogie in the Dark", alcançou o quinto lugar nas paradas de R&B da Billboard, os sucessos continuaram chegando para o próximo. década.

A lenta descida de Reed aos estragos do alcoolismo e da epilepsia acompanhou aproximadamente o declínio da Vee-Jay Records, que faliu aproximadamente ao mesmo tempo em que seu último 45º álbum foi lançado, "Don't Think I'm Through". Seu empresário, Al Smith , rapidamente conseguiu um contrato com o recém-formado selo ABC-Bluesway e vários álbuns foram lançados nos anos 70, todos sem o charme antigo, soando como se tivessem sido gravados em uma linha de montagem musical. 

Jimmy gravou um último álbum, uma tentativa horrível de atualizar seu som com batidas Funk e pedais wah-wah, antes de se tornar um recluso virtual em seus últimos anos. Ele finalmente recebeu atenção médica adequada para sua epilepsia e parou de beber, mas já era tarde demais e morreu tentando retornar ao circuito de festivais de blues em 29 de agosto de 1976.

Elmore James e o seu grande sucesso "It hurts Me Too"

Radiografia da Notícia

* James deixou amplo rastro de influência atrás dele. Ela continua até hoje – em abordagem, atitude e tom

* Elmore James sempre deu tudo o que tinha, tudo o que podia investir emocionalmente em um número

* Esse compromisso de espírito é algo que aparece repetidamente ao ouvir vários takes de seus mestres de gravação

Luís Alberto Alves/Hourpress

Não há dúvida: o guitarrista de slide mais influente do período pós-guerra foi Elmore James, sem dúvida. Embora sua morte precoce por insuficiência cardíaca o tenha impedido de aproveitar os frutos do renascimento do Blues dos anos 60, como fizeram seus contemporâneos Muddy Waters e Howlin' Wolf , James deixou amplo rastro de influência atrás dele. Ela continua até hoje – em abordagem, atitude e tom – em quase todos os guitarristas que colocam um slide no dedo e lamentam o Blues. Como guitarrista ele escreveu o livro seu estilo de slide influenciando nomes como Hound Dog Taylor Joe Carter seu primo Homesick James e JB Hutto enquanto seu trabalho raramente ouvido em uma única corda teve um efeito igualmente profundo em BB King e Chuck Berry .

 Seu lick característico - uma atualização elétrica de "I Believe I'll Dust My Broom" de Robert Johnson e que Elmore gravou em infinitas variações desde o primeiro dia até sua última sessão - é uma parte essencial da estrutura essencial do Blues. de licks de guitarra que ninguém que tente tocar slide guitar consegue sem ser comparado a Elmore James. Outros podem ter tido mais técnica – Robert Nighthawk e Earl Hooker vêm imediatamente à mente – mas Elmore tinha o som e todo o sentimento.

Reparador de rádios de profissão, Elmore retrabalhou seus amplificadores de guitarra em seu tempo livre, fazendo com que produzissem sons crus e distorcidos que não ressurgiriam até o advento da amplificação do rock pesado no final dos anos 60. Esta abordagem amp-on-11 foi conectada a uma das abordagens emocionais mais fortes do Blues já registradas. Nunca há um momento em que você esteja ouvindo um de seus discos e você sente - não importa quão familiar seja a estrutura - que ele está ligando apenas para fazer uma verificação rápida da gravação. Elmore James sempre deu tudo o que tinha, tudo o que podia investir emocionalmente em um número.

Material

 Esse compromisso de espírito é algo que aparece repetidamente ao ouvir vários takes de seus mestres de gravação. A pura repetitividade do processo de gravação diminuiria o fogo criativo de quase qualquer pessoa, mas James sempre parecia dar 100 por cento toda vez que a luz vermelha acendia. Poucos cantores de Blues tinham uma voz que pudesse competir com a de James; era alto, forte, propenso a "pegar" ou quebrar nos registros agudos, e quase soando à beira da histeria em certos momentos. Evidentemente, em meados dos anos 30, quando James tinha Robert Johnson como companheiro de jogo, teve uma profunda influência sobre ele, não apenas na escolha do material, mas também na apresentação do mesmo.

Mas por mais urbano que fosse seu som, ele sempre teve raízes na cidade natal de Elmore, Canton, Mississippi. Ele nasceu lá em 27 de janeiro de 1918, filho ilegítimo de Leola Brooks e mais tarde recebeu o sobrenome de seu padrasto, Joe Willie James. Ele se adaptou à música desde cedo, aprendendo a tocar gargalo em um instrumento caseiro feito de cabo de vassoura e lata de banha. Aos 14 anos, ele já era músico de fim de semana, trabalhando em vários jantares country e juke joint na região sob os nomes de "Cleanhead" ou "Joe Willie James". Embora ele tenha se limitado a uma área ao redor de Belzoni, ele se juntou e trabalhou com músicos viajantes como Robert Johnson , Howlin' Wolf e Sonny Boy Williamson . 

No final dos anos 30, formou sua primeira banda e estava trabalhando na região sul do estado com Sonny Boy até o início da Segunda Guerra Mundial; ele passou três anos estacionado na Marinha em Guam. Quando recebeu alta,  continuou de onde parou, mudando-se para Memphis por um tempo e trabalhando em clubes com Eddie Taylor e seu primo Homesick James . Elmore também foi uma das primeiras "estrelas convidadas" no popular programa de rádio King Biscuit Time na KFFA em Helena, Arkansas, também fazendo participações no programa Talaho Syrup no WAZF de Yazoo City e no programa Hadacol no KWEM em West Memphis.

 Em maio de 1963, James retornou a Chicago, pronto para retomar sua carreira de músico intermitente - seus discos ainda eram lançados e relançados regularmente por diversas gravadoras - quando sofreu seu último ataque cardíaco. Seu velório contou com a presença de mais de 400 luminares do Blues antes de seu corpo ser enviado de volta ao Mississippi. Foi eleito para o Hall da Fama da Blues Foundation em 1980 e mais tarde  eleito para o Hall da Fama do Rock & Roll como uma influência seminal. Elmore James pode não ter sobrevivido para colher os frutos do renascimento do Blues, mas sua música e influência continuam a ressoar.

Otis Rush, outro gigante do Blues

Radiografia da Notícia

* Foi uma honra nebulosa, já que Rush tocou em clubes do South Side de Chicago 

* Seu legado Cobra de 1956-1958 é magnífico, distinguido pelas obras-primas de tom menor produzidas por Dixon

* Depois que o Cobra fechou as portas, a sorte musical do Rush fracassou. Ele seguiu Dixon até Chess em 1960

Luís Alberto Alves/Hourpress

Quando entrou no Top Ten do R&B pela primeira vez em 1956 com o blues lento e surpreendentemente intenso "I Can't Quit You Baby", o guitarrista canhoto Otis Rush posteriormente se estabeleceu como um dos principais bluesmen do circuito de Chicago. Rush foi frequentemente creditado como um dos arquitetos do estilo de guitarra West Side, junto com Magic Sam e Buddy Guy . Foi uma honra nebulosa, já que Rush tocou em clubes do South Side de Chicago com a mesma frequência durante o período de incubação do som no final dos anos 50. 

No entanto, seu estimado status como um dos principais inovadores de Chicago foi eternamente garantido pelo trabalho de guitarra vibrante e aprimorado que permaneceu seu estoque no comércio e uma entrega vocal torturada e superintensa que poderia forçar os cabelos da nuca para cima. saudação silenciosa. Se o talento por si só fosse a fórmula para o sucesso generalizado, Rush certamente teria sido o principal artista de Blues de Chicago. Mas o destino, a sorte e as próprias idiossincrasias do guitarrista conspiraram para impedi-lo em diversas ocasiões, quando a oportunidade estava praticamente implorando para ser aceita.

Rush veio para Chicago em 1948, conheceu Muddy Waters e soube instantaneamente o que queria fazer do resto da vida. O onipresente Willie Dixon percebeu a atuação de Rush e o contratou para a Cobra Records de Eli Toscano em 1956. A assustadoramente intensa "I Can't Quit You Baby" foi o primeiro esforço do artista e da gravadora, alcançando o sexto lugar na parada de R&B da Billboard. Seu legado Cobra de 1956-1958 é magnífico, distinguido pelas obras-primas de tom menor produzidas por Dixon, "Double Trouble" e "My Love Will Never Die", as duras como pregos "Three Times a Fool" e "Keep on Loving Me Baby" e o clássico do rock "All Your Love (I Miss Loving)". Rush aparentemente gravou a última música no carro a caminho dos estúdios do Cobra em West Roosevelt Road, onde a gravaria com o núcleo do combo de Ike Turner .

Terrível

Depois que o Cobra fechou as portas, a sorte musical do Rush fracassou. Ele seguiu Dixon até Chess em 1960, gravando outro clássico (o impressionante "So Many Roads, So Many Trains") antes de passar para Duke (um single solitário, "Homework" de 1962), Vanguard e Cotillion (lá ele gravou o subestimado Mike Bloomfield - Nick Gravenites - produziu o álbum Mourning in the Morning de 1969 , com a ajuda de um homem da seção rítmica house em Muscle Shoals). Típico da terrível sorte do Rush foi a saga enervante de seu álbum Right Place, Wrong Time. 

Fundado em 1971 pela Capitol Records, o selo gigante inexplicavelmente rejeitou o projeto, apesar de sua óbvia excelência. Demorou mais cinco anos para o conjunto surgir no pequeno selo Bullfrog, diminuindo o ímpeto do Rush mais uma vez (o álbum foi posteriormente disponibilizado pela HighTone). Um set de 1975 desigual, mas valioso para Delmark, Cold Day in Hell e uma série de álbuns ao vivo sólidos que em sua maioria soam muito semelhantes mantiveram o nome dourado do Rush no mercado até certo ponto durante os anos 70 e 80, um período preocupante para o lendário canhoto.

Mais uma vez, uma série de problemas pessoais ameaçaram pôr fim ao tão esperado retorno do Rush à proeminência nacional antes de decolar. Mas ele permaneceu em excelente forma, liderando uma banda compacta que simpatizava totalmente com a abordagem escaldante do guitarrista. Rush assinou com a incipiente gravadora House of Blues, garantindo instantaneamente a essa empresa uma grande dose de credibilidade e preparando-se para outro impulso na carreira. No entanto, sua turnê e gravação foram interrompidas após um derrame debilitante em 2003. Seu álbum Live... and In Concert from San Francisco foi lançado pelo selo Blues Express em 2006,  gravado em 1999. Em 29 de setembro, 2018, Otis Rush morreu de complicações decorrentes do acidente vascular cerebral; aos 83 anos.

Trailer inédito de 'Bob Marley: One Love' traz sucessos do artista e cenas emblemáticas de sua história

                          Divulgação

Radiografia da Notícia

* A cinebiografia da lenda do reggae chega aos cinemas brasileiros em 12 de fevereiro

* A prévia traz novas cenas do longa que retratam a vida e a luta da lenda do reggae entre a Jamaica e Londres

* O enredo celebra a vida e a música de um ícone que inspirou gerações

Luís Alberto Alves/Hourpress

Assista ao trailer AQUI

“Redemption Song” e “Three Little Birds” embalam novo trailer de “Bob Marley: One Love” divulgado hoje, 5 de dezembro, pela Paramount Pictures. A prévia traz novas cenas do longa que retratam a vida e a luta da lenda do reggae entre a Jamaica e Londres, além de destacar Lashana Lynch, no papel de Rita Marley.

O enredo celebra a vida e a música de um ícone que inspirou gerações por meio de sua mensagem de amor e união. Na tela dos cinemas pela primeira vez, o público vai descobrir a poderosa história de superação e a jornada por trás de sua música revolucionária. Dirigido por Reinaldo Marcus Green (King Richards: Criando Campeãs), o filme é estrelado por Kingsley Ben-Adir e Lashana Lynch. James Norton, Tosin Cole, Umi Myers e  Anthony Welsh também integram o elenco.  

“Bob Marley: One Love” ainda conta com produção executiva de Brad Pitt, ao lado de Richard Hewitt, Orly Marley, Matt Solodky. A esposa de Bob, Rita Marley, e os filhos, Ziggy e Cedella assinam a produção junto com Robert Teitel, Dede Gardner e Jeremy Kleiner. Distribuído para os cinemas pela Paramount Pictures, o filme é produzido pela Plan B Entertainment, State Street Pictures e Tuff Gong Pictures. A cinebiografia chega aos cinemas brasileiros em 12 de fevereiro.   

Bob Marley: One Love - 12 de fevereiro exclusivamente nos cinemas
#BobMarleyOneLove 

The Honeycombs e a explosiva "Have I The Right? "

Radiografia da Notícia

* Os singles e álbuns da banda foram produzidos pelo lendário Joe Meek , que usou todos os seus truques de estúdio

* O baixo combinado com um efeito hipnotizante

* os Honeycombs possuíam um toque apaixonado, mesmo para os padrões da Invasão Britânica

Luís Alberto Alves/Hourpress

Reconhecidos por seu hit internacional Top Five de 1964, "Have I the Right", os Honeycombs possuíam um toque apaixonado, mesmo para os padrões da Invasão Britânica. O som deles era uma estranha combinação de influências: a guitarra solo sonora e pungente de Alan Ward , a bateria grandiosa de Honey Lantree , os vocais trêmulos de Dennis D'Ell , a guitarra rítmica de Martin Murray e a guitarra rítmica de John Lantree . O baixo combinado com um efeito hipnotizante. Os singles e álbuns da banda foram produzidos pelo lendário Joe Meek , que usou todos os seus truques de estúdio – incluindo órgão fantasmagórico e compressão que atinge o ouvinte como um soco no peito – para dar aos Honeycombs um estilo inconfundível. Embora nenhuma de suas outras músicas tenha encontrado tanto público quanto "Have I the Right", canções como "Color Slide" e "That's the Way" e álbuns como The Honeycombs de 1964 e All Systems Go ! variam do pop animado às baladas de Roy Orbison e ao proto-rock de garagem, provando que havia mais em seu trabalho do que apenas seu grande sucesso.

Originalmente chamada de Sheratons, a banda foi formada em Hackney em 1963 pelo guitarrista Martin Murray , um músico autodidata que formou seu primeiro grupo, os Black Rebels, em meados dos anos 50, em resposta à mania do skiffle que dominava as paradas do Reino Unido. . Para completar o Sheratons, Murray convocou o vocalista Dennis D'Ell (nascido Dennis Dalziel ) depois de conhecê-lo na pista de boliche onde ele trabalhava e ouvir as demos de D'Ell . O guitarrista Allan Ward foi recomendado a Murray pelo amigo em comum John Lantree , e o baterista original Chris Chaplin se conectou com a banda através de um anúncio que ele colocou em uma loja de música local. Eventualmente, Lantree se juntou ao grupo como baixista. Essa formação da banda gravou o single "Do the Blues" no Pye Studios com o empresário pop Les Conn, mas a música não atraiu muito interesse.

Os Sheratons tiveram uma audição com o produtor visionário Joe Meek , que estava sempre em busca de compositores e grupos que pudessem se beneficiar de sua experiência (anteriormente, Murray trabalhou no estúdio de Meek como guitarrista de gravação). Esta audição de março de 1964 tornou-se a sessão de gravação de "Have I the Right?", Que se tornou uma vitrine para as técnicas pouco ortodoxas de estúdio de Meek . Com suas guitarras fortes, os vocais oscilantes de D'Ell e a bateria elefantina de Lantree - que foram ecoadas por overdubs dos membros da banda batendo os pés na escada do estúdio de Meek em 304 Holloway Road, Islington - - o single tinha um som verdadeiramente único.

Sucesso

"Tenho o direito?" foi lançado pela Pye Records em junho de 1964, mas não antes de o quinteto mudar seu nome para Honeycombs, graças ao diretor administrativo da Pye Records e posteriormente presidente, Louis Benjamin. Depois de uma estagnação inicial no meio das paradas, "Have I The Right?" foi captado pela renomada emissora pirata Rádio Caroline. No final de agosto, alcançou o número um na Inglaterra (e também, posteriormente, na Austrália, África do Sul e Japão) e o número cinco na América. Após o sucesso do single, os Honeycombs viajaram pelo Extremo Oriente e pela Austrália, ganhando fortes seguidores no Japão no processo.

Gravado em um mês, o álbum de estreia autointitulado dos Honeycombs (lançado como Here Are the Honeycombs nos EUA pelo selo Interphon de Vee-Jay) chegou em setembro de 1964. Embora destacasse o excelente jeito de tocar guitarra de Martin Murray , o distinto som principal e contou com os vocais de Honey Lantree em "That's the Way", a sorte da banda já estava diminuindo. Na semana do lançamento do álbum, Murray quebrou o braço e a perna direitos, e o guitarrista Peter Pye tomou seu lugar enquanto ele se recuperava. 

O single de outubro "Is It Because" alcançou a posição 38 na UK Singles Chart, e "Eyes" de novembro falhou nas paradas. Nos Estados Unidos, Here Are the Honeycombs alcançou a posição 147 na Billboard 200 Albums Chart, enquanto o single " I Can't Stop "atingiu 48º lugar no Hot 100 Singles Chart. As tensões dentro do grupo levaram Murray a deixar os Honeycombs em dezembro de 1964. Ele começou uma nova banda, os Lemmings , que lançou um single no Pye antes de desaparecer. Ele então foi solo com um lançamento de 45. Após sua saída, Peter Pye se juntou como membro permanente e o grupo continuou.

Europa

Em 1965, a Inglaterra e a América estavam ultrapassando o som rock & roll pelo qual os Honeycombs eram conhecidos. Embora a banda tenha alcançado o 12º lugar no Reino Unido com "That's the Way", "Something Better Beginning", escrita por Ray Davies, alcançou apenas o número 39; nos EUA, esses singles não chegaram às paradas. No entanto, a sua popularidade disparou no norte da Europa, na Alemanha e, especialmente, no Japão e no Extremo Oriente. Eles viajaram para despertar a resposta do público e seus discos logo foram direcionados a esses mercados também. Essa mudança coincidiu com a decisão de Howard e Blaikley de mover Honey Lantree de trás da bateria para o centro do palco ( Viv Prince do Pretty Things assumiu o lugar do baterista para shows ao vivo).

 Em novembro de 1965, o single "This Year Next Year", outro dueto entre Lantree e D'Ell , apareceu antes do segundo álbum dos Honeycombs, All Systems Go! Lançado em dezembro daquele ano, incluía dois covers de músicas de Ray Davies , um dos quais, "Emptiness", aparentemente nunca foi gravado por mais ninguém. Naquele mês, o álbum japonês ao vivo Honeycombs in Tokyo foi lançado e apresentava performances de "She's About a Mover", "Wipe Out", "Lucille", "Kansas City", "Goldfinger" e "What'd I Say" que capturou seu ato original com mais precisão do que seus dois álbuns de estúdio.

Depois de 1965, Howard e Blaikley voltaram sua atenção para Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich , que estavam mais em sincronia com o gosto da batida pós-Merseybeat/pós-britânica da época. Os Honeycombs tocaram no circuito de cabaré e continuaram a lançar singles, incluindo "Who Is Sylvia", de fevereiro de 1966, uma adaptação de "An Sylvia" de Franz Schubert . Naquele mês de abril, D'Ell , Ward e Pye deixaram a banda, com o futuro membro do Honeybus Colin Boyd se juntando como vocalista/guitarrista junto com o guitarrista/vocalista Rod Butler (que mais tarde tocou em grupos com Murray e D'Ell ) e tecladista/ vocalista Eddy Spence. "It's So Hard", que também foi gravada por Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich , apareceu em julho. Escrito por Boyd , o último single da banda, "That Loving Feeling", foi lançado em setembro.

Após o suicídio de Meek em fevereiro de 1967, os Honeycombs se separaram. D'Ell lançou um par de 45 para a British CBS e Decca naquele mesmo ano. Mais tarde, ele passou por bandas mais blues e menos pop e, a partir dos anos 80, também liderou várias versões modernas do Honeycombs. Pouco depois da separação da banda, Honey Lantree teve uma carreira solo de curta duração; mais tarde, ela se apresentou frequentemente com D'Ell , e só parou de tocar quando D'Ell morreu em 2005, aos 61 anos. Lantree faleceu em 2018, aos 75 anos. Murray trabalhou como produtor e reformou os Honeycombs com uma nova formação em 2004 e, finalmente, regravou as músicas do grupo para o set de 2016, 304 Holloway Road Revisited . Nos anos após a separação da banda, inúmeras reedições e compilações apareceram, incluindo Have I the Right? "Os álbuns e singles completos dos anos 60" .

Johnny and the hurricanes, banda de vários hits instrumentais

Radiografia da Notícia

* Originalmente conhecido como Orbits, o grupo foi formado em Toledo, OH, em 1958

*  Marcou vários outros sucessos instrumentais que misturavam Rock & Roll com melodias tradicionais

* Depois de uma breve gravação com o cantor de Rockabilly Mack Vickery , o grupo viajou para Detroit

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um dos grupos instrumentais mais distintos dos anos 50 e 60, Johnny & the Hurricanes produziu o hit Top Ten "Red River Rock" e marcou vários outros sucessos instrumentais que misturavam rock & roll com melodias tradicionais. Originalmente conhecido como Orbits, o grupo foi formado em Toledo, OH, em 1958 e era liderado pelo saxofonista Johnny Paris ; outros membros incluíam o organista Paul Tesluk , o guitarrista Dave Yorko , o baixista Lionel "Butch" Mattice e o baterista Tony Kaye .

 Depois de uma breve gravação com o cantor de Rockabilly Mack Vickery , o grupo viajou para Detroit, na esperança de se tornar uma banda de apoio para cantores emergentes. No entanto, dois promotores musicais, Harry Balk e Irving Michanik, os contrataram como um grupo independente, e eles gravaram seu primeiro single, "Crossfire", para o selo Twirl em 1959. "Crossfire" alcançou o número 23 e o o grupo mudou-se para o selo Warwick para "Red River Rock", um rock & roll instrumental do padrão "Red River Valley" que alcançou a posição cinco. 

Os Hurricanes responderam ao seu sucesso com mais do mesmo, lançando "Reveille Rock", "Rockin' Goose", "Revival" e "Beatnik Fly" no ano seguinte, fazendo extensas turnês o tempo todo. Eventualmente, o ritmo - e a falta de mais singles de sucesso - alcançou o grupo, e Johnny & the Hurricanes se desfez em 1965. Paris mudou-se para Hamburgo, começou sua própria gravadora, Atila, e em 1970 formou uma nova formação de Hurricanes que excursionou até novembro de 2005, duas semanas antes de Paris adoecer e ser hospitalizada. Ele morreu em 1º de maio de 2006, por causa de pneumonia e sangue séptico após uma esplenectomia.