E já faz 24 anos sem Tim Maia...

 Agonia durou alguns dias, até o triste desfecho final

Antes de Tim Maia nenhum cantor brasileiro ousava fazer os arranjos típicos da Soul Music

Luís Alberto Alves/Hourpress

Em 15 de março de 1998, o Brasil perdia o talento de Tim Maia. Famoso por faltar a shows, por coincidência morreu trabalhando quando subiu ao palco, no dia 8 daquele mês, do  teatro municipal de Niterói (RJ) para fazer o que mais gostava: cantar! Chegava ao fim a carreira brilhante de um dos gigantes da Black Music do Brasil.

Antes de Tim Maia nenhum cantor brasileiro ousava fazer os arranjos típicos da Soul Music, intercalando naipe de instrumentos de sopros nas pausas de silêncio e claro, e canções dançantes. Como poucos, Tim Maia pegava letras simples e transformava em pérolas com ricos arranjos de metais, teclados e cordas, além de vocais, bem ao estilo das bandas e cantores negros dos Estados Unidos.

Desde o dia que gravou um compacto simples (disco de vinil com uma música de cada lado) ao lado de Elis Regina, com o hit “Thease are the songs”, a vida dele se transformou. A partir dai colecionou inúmeros sucessos e polêmica. Quando afrontado pela ditadura das gravadoras, soltava os cachorros para cima de diretores que desconheciam o universo musical, apenas o dinheiro entrando no cofre.

Bronca

Os shows ao vivo de Tim Maia eram memoráveis. Mesmo gordo e com manchas escuras no rosto (sinais típicos de diabetes), exercia forte fascínio sobre as adolescentes e jovens. Todas queriam subir ao palco para beijá-lo. Para alimentar a fogueira, as chamava de princesas. Nunca se cansava de dar bronca em seus músicos, da supercompetente Banda Vitória Régia.

Caso Tim Maia não tivesse sido deportado dos Estados Unidos na primeira metade da década de 1960, para onde foi em 1959 tentar sorte, e ali fixasse residência fixa, o seu talento iria atravessar fronteiras, apoiado no marketing musical que as gravadoras norte-americanas sabem fazer tão bem. Mesmo assim, deixou a sua marca na história dos grandes artistas.

 Último show de Tim Maia

Tim Maia - Último Show - Niterói, 1998 - YouTube

"Eu gostava tanto de você"

Tim Maia - Gostava Tanto de Voce - 1997 - YouTube

"Primavera"

Primavera (Vai Chuva) - YouTube

"Do Leme ao Pontal"

Tim Maia - Do Leme ao Pontal (Ao Vivo) - YouTube

"Telefone"

Tim Maia - Telefone (Ao Vivo) - YouTube

"Thease are the song"

These are the songs Elis Regina e Tim Maia - YouTube

Cincoenta e nove anos sem Patsy Cline

 Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas

Patsy morreu aos 32 anos, encerrando uma carreira que poderia ir mais longe

Luís Alberto Alves/Hourpress

Naquele domingo chuvoso de 5 de março de 1963, a rainha da Country Music, Patsy Cline, não imaginaria que telefonaria pela última vez ao seu marido, Charlie, para tentar selar um acordo de paz definitivo e poder criar os dois filhos do casal, longe de brigas, que nos seus últimos seis anos de carreira eram rotina na casa deles.

Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas, na pequena cidade de Camden, estado do Tennessee, Sul dos Estados Unidos. Minutos depois, o motor da aeronave teve problema e caiu matando todos os passageiros.

Patsy Cline, aos 32 anos, calaria para sempre sua bela voz de contralto. Um de seus últimos sucesso “Crazy” resume o talento de uma cantora que poderia ter brilhando muito, caso a tragédia não acabasse com os seus sonhos.

Filme Sweet Dreams que conta a história de Patsy Cline

(2) Patsy Cline_ Crazy_ Sweet dreams. Jessica Lange. dgt - YouTube

Crazy (Official Video

(112) Patsy Cline - Crazy (Official Video) ft. The Jordanaires - YouTube

O grande sambista chamado Nelson Cavaquinho

Ele começou a gosta de música por causa do pai

Nelson era mestre na arte de compor letras que se tornaram grandes clássicos do samba

Luís Alberto Alves/Hourpress

Nelson Cavaquinho foi outro grande talento da Música Brasileira, mestre na arte de escrever canções que se tornaram clássicos. Exemplo disto está no hit “O bem e o mal”: Nunca é tarde pra quem sabe esperar/O que se espera há de se alcançar/Eu plantei o bem e vou colher o que mereço/A felicidade deve ter meu endereço...

Ele tocava cavaquinho e violão, utilizando apenas dois dedos da mão direita, igual o guitarrista de Blues Wes Montgomery, que serviu de inspiração para George Benson.  Nelson Cavaquinho começou a gostar de música por causa do pai, que tocava na banda da PM e o tio que tinha grande afinidade com violino.

Quando foi morar no bairro carioca da Gávea passou a frequentar as rodas de Choro e ali ganhou o apelido que o acompanharia até falecer em fevereiro de 1986. Entrou na Polícia e fazia rondas noturnas a cavalo. É nesta época que conheceu e passou a frequentar o morro da Mangueira, onde conheceu Cartola e Carlos Cachaça.

Poeta

Até a sua partida em 1986 deixou mais de 400 canções escritas, entre elas clássicos como “A flor e o espinho” e “Folhas Secas”, ambas em parceria com Guilherme de Brito, amigo que o acompanhou em diversos sambas. Quando escrevia sozinho, Nelson Cavaquinho costumava vender as parcerias. Cyro Monteiro foi o sambista que mais gravou os seus hits. Em 1970 lançou o primeiro disco, “Depoimento de Poeta”.

Suas canções eram feitas com extrema simplicidade e letras quase sempre remetendo a questões como o violão, mulheres, botequins e, principalmente, a morte, como em "Rugas", "Quando Eu me Chamar Saudade", "Luto", "Eu e as Flores" e "Juízo Final".

Com mais de 50 anos de idade, conheceria Durvalina, 30 anos mais moça do que ele, sua companheira pelo resto da vida. Morreu na madrugada de 18 de fevereiro de 1986, aos 74 anos, vítima de um enfisema pulmonar.

"Juízo Final"

Nelson Cavaquinho - Juízo Final - ao vivo - YouTube

"Rugas"

Rugas - YouTube

"Quando Eu me Chamar Saudade"

Quando Eu Me Chamar Saudade - YouTube

"Eu e as Flores"

Eu E As Flores - YouTube

 

Helen Humes: Outro grande talento que saiu da Igreja

 

Ao longo de sua carreira lançou discos por várias gravadoras

Ela trabalhou com grandes nomes da música dos Estados Unidos

Luís Alberto Alves/Hourpress

Helen Humes era uma cantora versátil igualmente habilidosa em Blues, Swing standards e Baladas. Seu estilo alegre sempre foi uma alegria de ouvir. Quando criança, ela tocava piano e órgão na igreja, e fez suas primeiras gravações (dez músicas de Blues em 1927) quando tinha apenas 13 e 14 anos. Na década de 1930, ela trabalhou com Stuff Smith e Al Sears, gravando com Harry James em 1937-1938.

Em 1938, Humes juntou-se à Orquestra do Conde Basie por três anos. Desde Jimmy Rushing especializado em Blues, Helen Humes ficou presa cantando baladas pop, mas ela fez um bom trabalho. Depois de fazer freelancing em Nova York (1941-1943) e fazer turnês com Clarence Love (1943-1944), Humes mudou-se para Los Angeles. Ela começou a gravar como líder e teve um sucesso em "Be-Baba-Leba"; seu original de 1950 "Million Dollar Secret" é um clássico.

 Humes às vezes se apresentava com Jazz na Filarmônica, mas era principalmente um single na década de 1950. Ela gravou três álbuns soberbos para Contemporary durante 1959-1961, e teve turnês com Red Norvo. Ela se mudou para a Austrália em 1964, retornando aos EUA em 1967 para cuidar de sua mãe doente. Humes ficou fora do ramo da música por vários anos, mas fez um retorno completo em 1973, e permaneceu ocupado até sua morte. Ao longo de sua carreira, Helen Humes gravou para gravadoras como Savoy, Aladdin, Mercury, Decca, Dootone, Contemporary, Classic Jazz, Black & Blue, Black Lion, Jazzology, Columbia e Muse.

"Blues Aint Nothing but a Woman"

Blues Aint Nothing but a Woman - Helen Humes AND ALL STAR BAND,1962 - YouTube

 "I Cried for You"

Count Basie & Helen Humes - I Cried for You - YouTube

Connee Boswell: Cantora de um grande grupo de Jazz

 

Na década de 30 se tornaram populares

As Irmãs Boswell fizeram muito sucesso nas décadas de 30 e 40

Luís Alberto Alves/Hourpress

Uma das melhores cantoras de jazz da década de 1930, Connee Boswell (que sempre foi citada por Ella Fitzgerald como sua principal influência inicial) originalmente ganhou fama como membro The Boswell Sisters, um dos principais grupos vocais de jazz. Boswell contraiu pólio quando criança e sempre usava uma cadeira de rodas, embora sua deficiência fosse geralmente bem encoberta no palco. No início, ela tocava violoncelo, piano, sax alto e trombone, mas infelizmente nunca gravou em nenhum instrumento.

As três The Boswell Sisters(com Martha no piano e Vet no violino) tinham a oportunidade de se apresentar com a Filarmônica de Nova Orleans, mas logo desistiram de tocar seus instrumentos (exceto Martha no piano) e optaram por trabalhar no desenvolvimento como um grupo vocal. Embora tenham gravado "Nights When I'm Lonely" e o número solo de Connee "I'm going to Cry" em 1925, os Boswells não começaram a pegar (e gravar regularmente) até o final de 1930.

 Durante 1931-1936, The Boswell Sisters tornaram-se bastante populares no rádio e em concerto, fazendo aparições ocasionais em filmes (mais notavelmente The Big Broadcast de 1932). Durante o mesmo período, Connee (que trabalhou a maioria dos arranjos surpreendentes do Boswell) ocasionalmente gravava lados solo de sua autoria.

Quando Vet e Martha se casaram e decidiram se aposentar do canto em 1936, Connee (que também foi casada durante o mesmo período) lançou oficialmente sua própria carreira solo. Embora ela nunca tenha romido para se tornar uma grande estrela, Connee Boswell era bastante conhecida e trabalhou constantemente nos anos 50, aparecendo em alguns filmes (incluindo Kiss the Boys Goodbye e Syncopation) e no programa de televisão de curta duração Pete Kelly's Blues.

A mais notável de suas gravações em 1937 com Bob Cats de Bob Crosby que resultou em versões inventivas e hard-swinging de "Martha" e "Home on the Range". Connee Boswell também gravou um notável (mas longo fora de impressão) álbum de jazz de 1956 com Billy Butterfield, Miff Mole, e Jimmy Lytell, que se uniram como o Original Memphis Five.

 "Crazy People"

Boswell Sisters- Crazy People - 1932 Film Clip - YouTube

"Shout, sister, shout"

The Boswell Sisters - Shout, sister, shout (1931).wmv - YouTube

Ella Mae Morse: Cantora que se aproximou do Rock quando ele ainda não existia

 

Aos 17 anos gravou "Cow Cow Boogie"

Ella fez muito sucesso na década de 50

Luís Alberto Alves/Hourpress

Uma das vocalistas mais talentosas e negligenciadas dos anos 40, Ella Mae Morse misturou Jazz, Country, Pop e R&B; às vezes, ela chegou notavelmente perto do que se tornaria conhecido como rock & roll. Quando ela ainda não tinha 14 anos, Morse teve seu primeiro gostinho do grande momento, quando a banda de Jimmy Dorsey veio a Dallas para uma estadia no Hotel Adolphus e ela pediu um teste.

Sem que ela soubesse, a banda precisava de uma nova vocalista. Acreditando que Morse tinha realmente 19 anos, como ela e sua mãe alegaram, Dorsey a contratou. Quando ele recebeu uma carta do conselho escolar declarando que ele era responsável pelos cuidados de Morse, Dorsey a demitiu. 

Morse juntou-se à banda do ex-pianista Dorsey Freddie Slack em 1942; ela tinha apenas 17 anos quando eles gravaram "Cow Cow Boogie", que se tornou o primeiro single de ouro da Capitol Records. No ano seguinte, Morse começou a gravar solo. Embora seus registros fossem consistentemente sólidos e vendidos muito bem, Morse nunca obteve um grande número de seguidores. Ela se aposentou da gravação em 1957, e morreu de insuficiência respiratória em 16 de outubro de 1999.

"Cow Cow Boogie"

Cow Cow Boogie by Ella Mae Morse - YouTube

"HOUSE OF BLUE LIGHTS"

ELLA MAE MORSE ~ HOUSE OF BLUE LIGHTS ~ 1945 - YouTube

"OKIE BOOGIE"

ELLA MAE MORSE ~ OKIE BOOGIE ~ 1951 - YouTube

Jean DuShon: Talento que incomodou Dinah Washington

 

Ela perseguiu os seus sonhos em Nova York

Cantou em grandes clubes de jazz

Luis Alberto Alves/Hourpress

Jean DuShon cresceu em Detroit encantado pelas vozes das cantoras Billie Holiday e Dinah Washington. Então, em Washington, Dushon começou sua carreira profissional em clubes soando tão parecido com ela que atraiu a ira da própria Washington. Os shows pagos do clube vieram como resultado dos inúmeros shows de talentos que Dushon havia vencido. Ela era a atração principal do Flame Show Bar quando Berry Gordy e suas irmãs empreendedoras, Anna e Gwen, estavam batendo dólares através de concessões e fotografias. Na época em que Berry Gordy cozinhava a Motown, DuShon estava perseguindo seus sonhos em Nova York. Mas ela não se arrepende. O criador de estrelas John Levy tornou-se seu empresário e conseguiu alguns shows premiados em alguns grandes clubes de jazz.

Embora a associação com Levy não tenha durado tanto quanto o esperado, ela encontrou inúmeras oportunidades de carreira em Nova York, incluindo uma temporada como vocalista da Cootie Williams Band; seu marido agora conseguiu. Um acordo único com a Atco Records em 1961 resultou em "Talk to Me", produzido por Phil Spector. Não fez muito, mas Spector passou a criar a Parede do Som em hits para os Ronettes, os Crystals, Darlene Love, os Righteous Brothers, e outros.

 O outro lado de "Talk to Me", "Tired of Trying" (escrito por DuShon), é bem querido por muitos colecionadores de almas. DuShon cortou um obscuro 45 para a Lennox Records chamado "It Won't Stop Hurting", bem como algumas outras pequenas produções de gravadoras. Seu maior não-hit 45 é "Second Class Lover" (Okeh Records). Na maioria das vezes, essas primeiras gravações não refletiam o amor de DuShon pelo jazz; eram misturas de R&B/soul forçadas a competir com gravações de contemporâneos que se beneficiaram de mais promoção.

Caviar

Ela tatuou o que parecia ser um acordo promissor com a Chess Records em 1964. Três álbuns resultaram (dois no Argo e um na Cadet Records, ambas subsidiárias de Xadrez); embora todos foram aclamados pela crítica, o programa de promoção do Chess foi anêmico. Ela estreou com Make Way para Jean Dushon, gravada com membros do quinteto de Lou Donaldson, e seguiu com a mais conhecida das três, You Better Believe Me, onde ela é acompanhada pelo Ramsey Lewis Trio. Um terceiro álbum, que a apresentou com o pianista, baixista e baterista de Donaldson novamente, Feeling Good, sofreu o mesmo destino dos dois anteriores, apesar de arranjos de sterling e vocais caviar.

Ainda no Chess, o escritor Ron Miller, da Motown, procurou um cantor polido para demo uma canção que ele havia escrito com Orlando Murden chamada "For Once in My Life", e entrou em contato com DuShon. Ele ficou tão impressionado que ele decidiu deixar DuShon fazê-lo, mas ele Chess lançou (em Cadete) e começou a fazer barulho em Detroit. Ele pegou a orelha de Berry Gordy, que descobriu que Miller co-escreveu.

De acordo com um livro de John Levy, Gordy esfaqueou o disco e mandou Miller criar uma versão de Stevie Wonder. (Também é possível que chess acabou de deixar cair a promoção da bola.) Como a maioria nunca ouviu a interpretação de DuShon, muitas vezes acredita-se erroneamente que Wonder gravou o original.

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Gordy tinha outras razões para supostamente torpedear o disco: Roquel "Billy" Davis, conhecido como Tyran Carlo (seu antigo parceiro de composição) era o homem de Chess' A&R e os dois tinham uma competição animada indo sobre quem ia fazer os melhores discos e ter mais sucessos. Gordy saiu vitorioso, mas Davis gravou alguns recordes atemporais para o Xadrez antes de causar um impacto ainda maior na publicidade.

Ironicamente, "For Once in My Life" não aparece em nenhum dos três álbuns de Xadrez de DuShon. A malarkey machucou e azedou DuShon na indústria fonográfica, mas ela seguiu em frente e fez shows com inúmeros artistas, tocando em todos os principais locais de Nova York: Birdland, Small's Paradise, the Apollo, the Blue Note e Fillmore East. Um ator, Dick Anthony Williams, trouxe uma mudança de carreira para DuShon. Ele a encorajou a tentar atuar, algo que ela nunca tinha feito antes. E, em 1970, ela estava aparecendo fora da Broadway em Helen of Troy and The Crystal Tree. Alguns trabalhos de televisão vieram através do Merv Griffin Show.

Em 1971, ela cantou no álbum The Fourth Dimension, de Jack McDuff. Mas seu coração não estava mais em gravar; ela ainda trabalhou nos clubes quando o tempo permitiu, mas deixou sua carreira de gravação definhar.

Chicago

O trabalho fora da Broadway preparou-a para a Broadway, onde ela teve um papel principal em What the Wine Sellers Buy, que co-estrelou Williams e Glynn Turman. Ela co-estrelou com Cab Calloway em Bubbling Brown Sugar; esse show durou 11 anos de folga. Outros créditos de Dublagem incluem Blues in the Night, que foi indicado para um Tony como o melhor musical do ano, e Little Dreamer: A Night in the Life of Bessie Smith, que durou mais de um ano em Chicago.

Shows em boates estavam sempre lá para ela, e ela trabalhou no Sign of the Dove e outros lugares quando o trabalho de teatro diminuiu. Ela apareceu no especial de televisão Strolling Down Forty Seventh Street e interpretou uma prostituta em Claudine estrelando Diahann Carroll, mas infelizmente sua parte foi cortada do filme. DuShon percorreu o mundo em 1991 e mais tarde fez comerciais para a Miller's Beer e apareceu no filme Can't Buy Love.

"For Once In My Life"

Jean DuShon - For Once In My Life - YouTube

"Feeling Good"

Feeling Good - Jean DuShon - YouTube

Mitty Collier: Cantora que trocou o sucesso para ser pastora

 Na adolescência participou de grupo gospel

Venceu concurso de caça talento

Luís Alberto Alves/Hourpress

A cantora Mitty Collier é mais conhecida por sua balada sensual orquestrada "I Had a Talk with My Man", um single de Xadrez de 1964, que ironicamente não foi seu single mais alto. Um single posterior, "Sharing You", foi um sucesso de R&B top ten.

Nascida em 21 de junho de 1941, em Birmingham, AL, Mitty Collier cantou na igreja quando era adolescente e excursionou com o Hayes Ensemble, um grupo gospel. Na faculdade, Collier começou a cantar rhythm and blues em clubes locais. Enquanto visitava seu irmão em Chicago no verão de 1959, uma ex-instrutora sugeriu que ela entrasse em shows de talentos. Vencendo o Concurso de Talentos do DJ Al Benson no lendário Regal Theater por seis semanas seguidas, ela foi oferecida um contrato de gravação por Ralph Bass da Chess Records em 1960.

Seu primeiro single foi um disco de resposta para "Part Time Love", de Little Johnny Taylor, um sucesso número um de R&B no verão de 1963. "I'm Your Part Time Love" de Collier, "Don't You Forget It" atingiu o número 20 de R&B no outono de 1963. Seu próximo hit se tornou sua música de assinatura. Inspirado em parte pelo grande gospel James Cleveland em "I Had a Talk with God Last Night" e produzido pelo produtor de xadrez Billy Davis, "I Had a Talk with My Man" b/w "Free Girl (In the Morning)" atingiu o número três de R&B na parada de R&B da Cashbox Magazine no outono de 1964. Outro sucesso inspirado em Cleveland ("No Cross No Crown"), "No Faith, No Love" b/w "Together", alcançou o número 29 de R&B no início de 1965.

Os outros singles de Xadrez de Collier foram "Come Back Baby" b/w "Aint That Love", o hit local "For My Man" b/w "Help Me", "Sharing You" b/w " Walk Away", "Watching and Waiting" b/w "Like Only Yesterday", "That'll Be Good Enough" b/w "Git Out" e "You're the Only One" b/w "Do It With Confidence". Em 1969, Collier assinou com a Peachtree Records de Atlanta, GA e lançou os singles "True Love Never Comes Easy" e "You Hurt So Good" b/w "I Can't Lose". Seus outros lançamentos são o single "Let Them Talk" e o CD Shades of Genius.

Em 1972, Collier deixou a música secular e começou a cantar música gospel. Nos anos 90, ela era pastora em uma igreja em Chicago. "I Had a Talk with My Man" foi coberto por Dusty Springfield (Antologia, 1997), Shirley Brown (Timeless, 1991), Inez Foxx (Memphis & More, 1996), e Marva Wright (Marvalous, 1995), entre outros.

 "I Had A Talk With My Man"

Mitty Collier - I Had A Talk With My Man - YouTube

"Sharing You"

Mitti Collier - Sharing You - YouTube

Miki Howard: Cantora que veio de berço cristão

 

Seu primeiro sucesso pela gravadora foi o single "Come Share My Love"

Miki foi back vocal de Roy Ayers

Luís Alberto Alves/Hourpress

Miki Howard cresceu na igreja, onde ambos os pais eram cantores gospel. Sua mãe também era membro do grupo gospel The Caravans e conhecia vários artistas. A mãe de Howard a levaria para as casas de várias estrelas como Aretha Franklin e Mavis Staples.

Ainda no Ensino Fundamental, Howard se mudou para Los Angeles com a mãe. Aos 15 anos, ela se apresentou em um concurso adolescente. Após o show, ela conheceu Augie Johnson, membro do Side Effect, que por acaso estava na plateia e começou a trabalhar com Howard criativamente. Depois de um período de tempo, Howard tornou-se um membro do Efeito Colateral - após a partida de Sylvia St. James. O mandato de Howard no grupo durou alguns anos. Durante este tempo, ela também teve dois filhos de Johnson. Além de cantar com Side Effect, ela fez vocais de fundo para Wayne Henderson, Roy Ayers, Stanley Turrentine, e vários outros artistas.

Depois de deixar o Efeito Colateral, Howard assinou um acordo com a Atlantic. Seu primeiro sucesso pela gravadora foi o single "Come Share My Love", da Billboard R&B Top Ten. Ela seguiu com o remake do hit "Imagination", de Glenn Miller, de 1940. Seu sucesso continuou com mais dois singles do Top 10, "Baby Be Mine" e "That's What Love Is". Este último foi um dueto com Gerald Levert e foi o resultado da união criativa que Howard formou com Marc Gordon e Levert. Howard e Levert mais tarde se envolveram romanticamente, e esse romance gerou um dos maiores sucessos de Howard, "Love Under New Management". A canção foi escrita durante seu breve caso de amor, mas foi lançada após o romance ter se dissolvido.

Em 1990, Howard assinou um contrato com a Giant, que facilitou o lançamento de seu hit número um " Ain't Nobody Like You". A linha de vida de Howard na Giant foi interrompida devido a uma briga que seu marido teve na gravadora. Ela também fez uma aparição como Billie Holiday em uma cena de clube no filme de Spike Lee Malcom X. Howard continuou a emitir álbuns ao longo dos anos 90 e início dos anos 2000, alguns deles pesados - ou totalmente dependentes - capas. Seus lançamentos durante esses anos incluíram Femme Fatale (1992), Shining Through (1993), Live Plus (1996), Can't Count Me Out (1997), Three Wishes (2001) e Pillow Talk (2006).

"Baby Be Mine"

Miki Howard - Baby Be Mine - YouTube

"Come Share My Love"

Come Share My Love - Miki Howard - YouTube

Steve Gadd: Um dos melhores bateristas de Jazz

  

Um dos músicos de estúdio mais utilizados e respeitados de sua geração

Foi apresentado ao instrumento com três anos de idade

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um baterista altamente conceituado e sob demanda, Steve Gadd tem permanecido no topo do escalão de estúdios e músicos em turnê por mais de cinco décadas. Um talento virtuoso desde sua juventude, Gadd é considerado um dos melhores bateristas de Jazz e fusão de todos os tempos. No entanto, seu trabalho com ícones do Pop, Funk e R&B também significa que ele é um dos músicos de estúdio mais utilizados e respeitados de sua geração.

Nascido Stephen Kendall Gadd em 1945 e criado em um subúrbio de Rochester, Nova York, Gadd foi apresentado à bateria aos três anos de idade por seu tio, um ex-baterista do Exército, que lhe deu seu primeiro par de paus e mostrou-lhe como tocar em um bloco de prática de madeira. Por volta dos seis anos, ele recebeu sua primeira bateria e começou a ter aulas particulares. Um prodígio, Gadd progrediu rapidamente, mergulhando no estilo de seu herói, o baterista de swing Gene Krupa. Junto com a bateria, ele estudou sapateado e trabalhou em uma equipe de dança com seu irmão.

Em 1957, aos 11 anos, ele ganhou um concurso e apareceu tocando bateria e sapateado em um episódio do programa de televisão The Mickey Mouse Club da Disney. Também durante seus anos de formação, Gadd frequentava regularmente shows com seu pai e teve a oportunidade de sentar-se com luminares como Dizzy Gillespie, Richard "Groove" Holmes, Jack McDuff, entre outros. No ensino médio, além de suas atividades de jazz, ele também tocou no corpo de bateria do Rochester Crusaders, e excursionou pela Europa com a Banda das Américas.

Exército

Após o ensino médio, Gadd estudou na Escola de Música de Manhattan, terminando sua graduação na Escola de Música Eastman de Rochester. Ao se formar, ele foi recrutado para o Exército, e passou três anos tocando em palcos militares e bandas de campo. No entanto, ele também teve oportunidades de jogar fora do Exército e trabalhou regularmente com os nativos de Rochester Chuck e Gap Mangione. Ele apareceu na estreia solo de Gap em 1968, Diana in the Autumn Wind, e no álbum de Chuck de 1970 Friends and Love... Um Concerto chuck mangione, bem como em álbuns com Luiz Bonfá e Janis Ian.

Após sua dispensa, Gadd retornou a Rochester, onde formou seu primeiro trio com Mike Holmes e seu colega da Eastman School of Music Tony Levin. O trio acabou se mudando para Nova York e se desfez, deixando o baterista aberto para o trabalho. Ele chamou a atenção do vibrafonista Mike Mainieri, que contratou Gadd e Levin para seu projeto White Elephant de 1972, que também contou com um notável quadro de músicos como Randy e Michael Brecker, Jon Faddis, Lew Soloff, entre outros. Logo, Gadd foi um grande jogador de estúdio, muitas vezes trabalhando para a gravadora CTI de Creed Taylor e aparecendo em álbuns de Joe Farrell, George Benson, Chet Baker, e muitos mais. Ele também continuou sua associação com Chuck Mangione, gravado com Chick Corea, e foi até mesmo um breve membro de Return to Forever. Ele também começou a pegar trabalhos fixos fora do idioma jazz, aparecendo em álbuns de Bette Midler, Paul Simon, Jim Croce, Aretha Franklin, Judy Collins, entre outros.

Durante os anos 70, fora de seu trabalho de estúdio, ele co-fundou a preeminente banda de jazz-funk Stuff, aparecendo em Stuff de 1976 ao lado do baixista Gordon Edwards, do tecladista Richard Tee, do guitarrista Eric Gale e do guitarrista Cornell Dupree. Ele também contribuiu para o clássico álbum de Steely Dan de 1977, Aja, e até se apresentou regularmente como membro da banda original Saturday Night Live. No final dos anos 70, Gadd era um baterista de renome mundial e músico de sessão muito procurado, bem respeitado o suficiente em seu próprio direito de ver transcrições de sua música disponibilizadas no Japão.

Álbuns

Os anos 80 foram uma década igualmente frutífera para Gadd, que continuou a ganhar uma infinidade de oportunidades de estúdio e turnê, incluindo mais trabalhos com Steely Dan, Paul Simon e Chick Corea, bem como gravações com David Sanborn, Hubert Laws, Dave Grusin, Al Jarreau, e Bob James, para citar alguns. Ele também se juntou ao grupo Steps Ahead do vibrafonista Mainieri, gravando um punhado de álbuns com o grupo até o início dos anos 80.

Em 1982, Gadd fez sua estreia solo com Gaddabout, uma excursão de funk e jazz com o tecladista Tee, o saxofonista Ronnie Cuber, o guitarrista Jeff Mironov, entre outros. Também durante esse período, ele apareceu em álbuns notáveis como L.A. de Frank Sinatra. É My Lady, Grover Washington Jr. s Winelight, e Simon & Garfunkel's Concert no Central Park. Motivado pelo crescente interesse em sua experiência em bateria, Gadd também lançou vídeos populares de instrução de bateria, como Up Close e In Session.

A carreira de Gadd continuou a ganhar força nos anos 90, quando ele se juntou ao grupo de Eric Clapton, gravando e excursionando com o guitarrista. Ele também embarcou em uma parceria frutífera com o pianista francês de jazz Michel Petrucciani e o baixista Anthony Jackson, lançando o esforço aventureiro Trio em Tóquio. Houve também álbuns com Al Di Meola, Bob Berg e Andy Snitzer, bem como mais produções com Al Jarreau, Steely Dan, David Sanborn, e Paul Simon. Na segunda metade da década, Gadd continuou seu trabalho com Clapton, aparecendo com B.B. King no Grammy de 2000, cavalgando com o rei.

Music

Ele então colaborou em vários projetos de jazz fusion com o guitarrista John Tropea, incluindo Standard Influence de 2004 e Rock Candy de 2006. Houve também álbuns com James Taylor, Eliane Elias e Earl Klugh, bem como uma reunião passo à frente. Em reconhecimento às suas muitas conquistas na música contemporânea, Gadd recebeu um diploma honorário de Doutor em Música pela Berklee College of Music em 2005. A companhia de tambores Zildjian também começou a patrocinar uma série de passeios bem recebidos da clínica anunciados como a Missão de Gadd.

Em 2010, Gadd se afastou de seu trabalho de estúdio para seu próprio encontro, Live at Voce, com o organista e trompetista Joey DeFrancesco, o saxofonista Ronnie Cuber e o guitarrista Paul Bollenback. Ele também continuou sua associação contínua com Clapton, e apareceu em álbuns com David Sanborn, Kate Bush, e outros. Ele então entregou Gadditude de 2013, com Walt Fowler, Larry Goldings, Jimmy Johnson e Michael Landau. No ano seguinte, ele estreou o álbum trio Blicher Hemmer Gadd com o saxofonista Michael Blicher e o organista Hammond Dan Hemmer. O álbum way back home: Live in Rochester, NY apareceu em 2016, e encontrou o baterista voltando para sua casa para celebrar sua longa carreira.

Em 2017, ele se reuniu com Corea para a Borboleta Chinesa, que também contou com Lionel Loueke, Steve Wilson, Carlitos Del Puerto e Luisito Quintero. No ano seguinte, ele estava de volta com Blicher Hemmer Gadd para a saída do trio no segundo ano, Omara. Ele então fez dupla com o baixista Eddie Gomez e o pianista David Matthews para o álbum de trio Sir., de 2018.

"drum solo"

Steve Gadd - drum solo - YouTube

"ERIC CLAPTON  e STEVE GADD"

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