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#BMW - Morre #QuincyJones, o gênio da produção de grandes discos

Luís Alberto Alves/Hourpress

segunda-feira, 13 de setembro de 2021

Dooly Mix: A banda que começou como brincadeira



O segundo single, "Everything and More" pegou a banda no seu melhor

Luís Alberto Alves/Hourpress

 Este trio pop de Debsey Wykes (vocal, baixo), Hester Smith (bateria) e Rachel Bor (guitarra) formaram um contraste acentuado contra o pós-punk dominante e a angústia se acumulando em Londres por volta de 1979 com bandas como Gang of Four sendo anunciadas na imprensa popular como as grandes coisas.

Originalmente, Dolly Mix era uma piada, montada por três amigas fingindo que estavam juntos em uma banda. Em fevereiro de 1978, ofereceram-se um show e decidiram que era melhor começarem a aprender a tocar instrumentos. Seu amor pelo glam, a melodia pop dos anos 60 e os Undertones combinados para uma raça de pop infeccioso, auto-proclamado como pós-punk, que iria influenciar todo o gênero indie pop. 

Executivos da A&R na Chrysalis captaram o hype em torno da banda e rapidamente tentaram transformá-los em um "grupo feminino" com um cover da música "Baby, It's You", de Betty Everett. A faixa falhou e o grupo começou a gravar com a nova gravadora de Paul Weller, Respond. O single resultante, "Been Teen", foi produzido pelo Capitão Sensível e Paul Gray dos Condenados. O segundo single, "Everything and More" pegou a banda no seu melhor.

Fora desse momento, a banda fez shows pela Inglaterra, gravou várias sessões com John Peel, e apareceu no Top of the Pops como reforço para o Capitão Sensível nas músicas "Happy Talk", "Wot!", e "Glad It's All Over". Essa exposição foi vista com emoções mistas pela banda, que de repente foi mais reconhecida por sua musicalidade de apoio do que por seu próprio trabalho.

Em 1983, eles lançaram o single "Remember This" em sua própria gravadora, Dead Good Dollys Platters, que tinha um estranho lado B com vozes fragmentadas, Wykes no piano e Bor nas cordas, um combo que jogou fora seu público mais tradicional e amante do pop. Este som continuaria no EP The Fireside de 1984 em Cordelia.

Seu álbum completo foi uma coleção de demos - originais e covers - e foi lançado em Dead Good Dollys Platters em 1984, pouco antes da banda se separar. O LP duplo foi embalado na manga do Álbum Branco dos Beatles e foi autografado e numerado. Faixas significativas incluem "Foxy Foxy" de Mott the Hoople e "Femme Fatale", do Velvet Underground, bem como originais como "Dead Rainbow", que foi um tributo ao cantor de glam rock Gary Glitter.

Depois de Dolly Mix, Wykes e Smith formaram o Coming Up Roses, um grupo de dança pop que existiu até novembro de 1986. Smith então se aposentou da música e Wykes começou Birdie com o colaborador Paul Kelly de Saint Etienne. Bor tocou com a banda Fruit Machine até 1999.

Baby it's you


Everything And More

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Rickie Lee Jones: Espírito criativo em nome da boa música

 


Expandiu seu repertório estilístico em seu segundo LP, Piratesde 1981

Luís Alberto Alves/Hourpress

Poucos artistas que ganharam fama nos anos 70 soaram tão individuais e ecléticos quanto Rickie Lee Jones. Seu maior sucesso comercial veio no início de sua carreira, mas um espírito criativo inquieto, combinado com uma recusa teimosa de se encaixar confortavelmente em qualquer nicho musical, assegurou seu status como uma heroína cult altamente conceituada. Letrista cujo trabalho refletia as influências dos poetas beat, um compositor que podia tecer Jazz, Folk e R&B em canções com uma sensibilidade pop distinta, e um vocalista com um instrumento expressivo e esfumaçado, Jones fez um respingo em 1979 com seu álbum de estreia autointitulado, um conjunto cheio de personagens memoráveis e boho cool que ganhou elogios da crítica e clicou com os ouvintes mainstream graças ao hit "Chuck E's in Love". 

Jones expandiu seu repertório estilístico em seu segundo LP, Piratesde 1981 , que adicionou sabores de Rock e Soul à mistura, e o EP Girl at Her Volcano de 1983 foi um set ao vivo que a encontrou abrindo suas asas como uma vocalista interpretativa. (Foi o primeiro de vários álbuns que ela lançaria em que ela colocava sua própria marca no trabalho de outros compositores.) Como os anos 90 deram lugar aos anos 2000, Jones continuou a explorar novas direções, experimentando com trip-hop em Ghostyheadde 1997 , oferecendo broadsides políticos em The Evening of My Best Day de2003 , entregando uma visão decisivamente pessoal sobre a fé com The Sermon on Exposition Boulevardde 2007 , e tendo um olhar introspectivo em sua própria vida em Balm em Gileadde 2009 . Ela assumiu o controle total de apresentar sua música ao mundo quando fundou sua própria gravadora para lançar The Other Side of Desire de 2015 e Kicksde 2019. Seja qual for a direção que Jones escolher seguir, seu trabalho sempre reflete sua conexão pessoal com a música e uma visão criativa intransigente.

Jones nasceu em 8 de novembro de 1954, em Chicago, mas a relação volátil entre sua mãe e seu pai resultou em uma educação que a levou a todos os lugares, de Phoenix, Arizona, a Olympia, Washington, onde uma expulsão encerrou sua carreira escolar. Na adolescência, Jones saiu de casa e começou a subir e descer a Costa Oeste antes de se estabelecer em Los Angeles em meados dos anos 70. Lá, ela trabalhou em uma série de trabalhos de garçonete enquanto ocasionalmente se apresentava em clubes da área, onde cantava e aprimia seus monólogos únicos e influenciados por Beat. Ela também começou um relacionamento com o colega Boho Tom Waits.


Sua primeira medida de sucesso foi como compositora; depois que seu amigo Ivan Ulz cantou a composição de Jones"Easy Money" por telefone para Lowell George, o ex-vocalista doLittle Feat incluiu-o em seu álbum Thanks I'll Eat It Here. Então, em 1978, a demo de quatro músicas de Joneschamou a atenção do executivo da Warner Bros. Lenny Waronker,que alistou Russ Titleman para coproduzir seu autointitulado LP de 1979. Estimulado pelo sucesso do hit de jazz "Chuck E's in Love", Rickie Lee Jones tornou-se um sucesso comercial e criticamente, ganhando elogios pelos vocais elásticos de Jones,jogo de palavras vívido e fusão única de folk, jazz e R&B.


Com a continuação de 1981, Pirates, ela avisou que sua música não ficaria parada; empregando estruturas de músicas mais longas e complexas, suas letras abordavam temas de evolução, mudança e morte. Dois anos depois, ela retornou com Girl at Her Volcano, uma coleção de EP de padrões deJazz ao vivo e tomadas de estúdio; com The Magazinede 1984, ela fez outra curva à esquerda, juntando-se ao compositor James Newton Howard para sua mais astuta e mais sintetizada saída até hoje.


Depois de tirar alguns anos de folga das gravações, ela reapareceu com o sterling Flying Cowboysde 1989, produzido por Walter Becker, de Steely Dan,e gravado com a ajuda do maravilhoso trio escocês, o Nilo Azul. Don Foi assumiu as rédeas da produção para pop popde 1991 , no qual Jones cobriu baladas que variam de origem de Tin Pan Alley para o Haight-Ashbury enquanto apoiado por músicos de jazz, incluindo Charlie Haden e Joe Henderson. Depois de Traffic from Paradise de1993, ela embarcou em uma turnê acústica; Naked Songs, um documento desses shows desconectados, seguido em 1995. Ghostyhead foi lançado em 1997 e o disco de padrões It's Like This apareceu três anos depois.


Jones retornou ao material original em 2003 com The Evening of My Best Day, um álbum que expressou sua raiva e decepção com a política americana contemporânea. Durante o verão de 2005, Rhino lançou a antologia de três CDs de Coolsville. Dois anos depois, ela lançou The Sermon on Exposition Boulevard, uma impressionante coleção de canções baseadas no livro the Words, do amigo Lee Cantelon,de 1997. Balm in Gilead, outro álbum que encontrou Jones explorando temas pessoais e espirituais, seguiu-se em 2009. Em 2012, ela retornou com o álbum devil you knowproduzido por Ben Harper. Para seu próximo projeto, ela optou por proteger sua visão única, assumindo o controle total do processo; The Other Side of Desire de 2015 foi financiado através de uma campanha de crowdfunding online e lançado por Jones através de sua própria gravadora, Other Side of Desire Music. Agravadora de Jones também lançou seu próximo álbum, Kicks,de 2019, no qual ela colocou seu próprio selo em um conjunto de músicas pop e padrões com a ajuda de uma banda de músicos de Nova Orleans.

Chuck E's In Love


 Danny's All Star Joint


 Satellite


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terça-feira, 31 de agosto de 2021

Brenda Ray: outro grande nome do Reggae

 


 Projeto que envolvia a reedição de faixas da gravadora Desaquisa Desaquia

Luís Alberto Alves/Hourpress

Estacionada no noroeste da Inglaterra no final dos anos 70, Brenda Ray começou sua carreira musical na era do pós-punk, operando sob vários pseudônimos e fundindo instrumentação punk crua com ritmos de dança e influências do Reggae. Durante esse tempo, Ray produziu gravações de D.I.Y. como parte do nebuloso coletivo liverpudliano Naffi, operando como Naffi Sandwich e Brenda & the Beach Balls. 

Vários singles foram emitidos ao longo do início dos anos 80, todos em uma escala local incrivelmente obscura. Em meados dos anos 90, Ray estava auxiliando os produtores dereggae Sir Freddie Viadukt e Roy Cousins em um projeto que envolvia a reedição de faixas da gravadora Desaquisa Desaquia. 

Estimulada pelo projeto, Ray começou a gravar suas próprias composições, baseando-se em raízes originais ritmos de Reggae a partir dessas fitas vintage e superduque seus próprios vocais, melodica, e outros vários florescimentos. Esse processo se estendeu entre 1995 e 2005, com o resultado final sendo o álbum clássico cult de 2006 Walatta, um amálgama aclamado pela crítica de ritmos de rock de amantes e sonho deslocado. Em 2012, uma compilação do trabalho pós-punk de Raysurgiu na forma de D'Ya Hear Me!: Naffi Years, 1979-1983.

Sweet Romance


D'Ya Hear Me! 


 Dreamin'

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Lee Perry: Reggar perde um dos seus inovadores

 


Ele ajudou a guiar a mudança da música jamaicana do ska e rocksteady para o reggae 

Luís Alberto Alves/Hourpress

Uma figura notoriamente excêntrica cuja reputação e personalidade colorida combinam com a estranheza de grande parte de sua produção gravada, Lee Perry é, sem dúvida, um dos artistas mais inovadores e influentes do reggae. Suas inovações de mixagem, desde seu uso inicial de amostras até efeitos alucinatórios de eco e reverb, prepararam o palco para gerações de experimentação musical, particularmente ao longo da música eletrônica e alternativa/pós-punk, e seu estilo vocal de livre associação é um claro precedente para o rap. Ativo como produtor e vocalista desde o início dos anos 60, ele ajudou a guiar a mudança da música jamaicana do ska e rocksteady para o reggae com singles como "People Funny Boy" (1968). 

Durante os anos 70, ele se tornou um super-produtor, comandando trabalhos seminais de Bob Marley & the Wailers, the Congos, e Junior Murvin, além de lançar álbuns de dub como Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle (1973) e Super Ape (1976), muitas vezes creditados à sua banda the Upsetters. Seu trabalho tornou-se popular no Reino Unido, e ele colaborou com o Clash, ampliando seu público. No final dos anos 80, ele começou a gravar extensivamente com acólitos dub, como Mad Professor e Adrian Sherwood. Compilações como arkologia de 1997 e o reconhecimento de atos alternativos como os Beastie Boys confirmaram o status lendário de Perrydurante os anos 90. Ele permaneceu altamente ativo durante as duas primeiras décadas do século XXI, excursionando com frequência e colaborando com artistas que vão desde Andrew W.K. (2008's Repentance) até o Orb (The Orbserver in the Star House), de2012, além de revisitar material anterior em lançamentos como Super Ape Returns to Conquerde 2017.

Em 2012, um álbum completo, Master Piece,apareceu na Born Free Records, construído a partir de faixas que apareceram pela primeira vez em versões mais ásperas em um EP de 2010 intitulado The Unfinished Master Piece. Perry também colaborou com os pioneiros do ambient techno the Orb para um álbum intitulado The Orbserver in the Star House, que acabou sendo seguido por More Tales from the Orbservatory, gravado durante as mesmas sessões. Perry foi reconhecido pelo sistema de honra jamaicano em 2012, quando foi eleito comandante da classe na Ordem da Distinção. No ano seguinte, ele recebeu uma Medalha de Ouro Musgrave pelo Instituto da Jamaica.


Pouco depois, Perry começou a trabalhar com o produtor Daniel Boyle no Rolling Lion Studio de Londres, com o objetivo de recriar o som e a vibe da magia rudimentar de áudio da Black Ark Studios. O resultado foi o surpreendentemente preciso álbum back on the Controls , que veio à tona em 2014 com a ajuda de uma campanha online financiada por fãs. O álbum foi posteriormente indicado para um Grammy. Em 2015, o estúdio de Perryna Suíça (onde ele residia com sua esposa e dois filhos) pegou fogo, desta vez por acidente, destruindo inúmeras gravações inéditas e figurinos de palco. Felizmente, ele estava ileso, e continuou produtivo, lançando The Super Macaco Strikes Again (com Pura Vida) em 2015, seguido por Must Be Free em 2016. 

Também naquele ano, Perry e o Subatômico Sistemade Som do Brooklyn , que colaboravam regularmente desde o final dos anos 2000, fizeram turnês juntos em comemoração ao 40º aniversário do clássico Super Macacode Perry. Isso precedeu o super macaco de 2017 Returns to Conquer, uma interpretação atualizada do original, com vocais convidados de Jahdan Blakkamoore e do falecido Ari Up of the Slits. The Black Album, segundo álbum de Perrycom Boyle,apareceu em 2018. Ele então se juntou a Sherwood mais uma vez no longa-metragem Rainford, lançado em 2019. Uma versão dublada do álbum, Heavy Rain,apareceu no final do ano. Além disso, Perry juntou-se a Peaking Lights e Ivan Lee para Life of the Plants, um EP lançado pela Stones Throw. Lee "Scratch" Perry morreu em um hospital em Lucea, Jamaica, em 29 de agosto de 2021, aos 85 anos.

Skanking With The Upsetter Rare Dubs

Panic in Babylon


People Funny Boy


Live HD at Reggae Sun Ska 2012 

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Evie Sands e a bela While I Look At You


Luís Alberto Alves/Hourpress

A cantora Evie Sands suportou um dos mais notáveis contos de azar na música pop - vez após vez, seus discos pareciam preparados para o sucesso nas paradas, apenas para cair em uma presa ao capricho da indústria. A voz rouca e Soulful de JerryLieber e Mike Stoller,nascida no Brooklyn, atraiu pela primeira vez a atenção da gravadora Blue Cat de Jerry Lieber e Mike Stoller em 1965, e ao assinar com a empresa, ela entrou no estúdio com a equipe de composição/produção de Chip Taylor e Al Gorgoni para gravar seu primeiro single, "Take Me for a Little While". 

Antes do lançamento do disco, um teste foi contrabandeado para executivos da Chess Records, onde a cantora de chicago Jackie Ross imediatamente gravou a  sua própria versão da música; assim como a versão de Sandsde "Take Me for a Little While" quebrou as paradas de R&B, o músculo de marketing de Chess garantiu que a capa de Ross começou a receber a parte do leão do rádio, deixando o original na poeira. (Ross, deve-se notar, inicialmente não tinha conhecimento de nenhuma versão concorrente da canção e deixou Chess logo depois.) 

A confusão e o litígio subsequente atrapalharam severamente a carreira de Sands,e sua continuação, a soberba "I Can't Let Go", de 1966, foi perdida na lama; um ano depois, a canção se tornou um grande sucesso internacional para os Hollies. Mudando-se para o selo Cameo, em 1967 Sands ressurgiu com o taylorescrito "Anjo da Manhã"; apesar do início do ar, poucas semanas após o lançamento do single, Cameo faliu, permitindo que a gravação da canção de Merilee Rush chegasse ao topo das paradas pop alguns meses depois.

 Em 1969, Sands finalmente anotou um hit próprio com "Any Way That You Want Me", também emitindo um LP de mesmo nome. Ela passou a maior parte da década seguinte focando principalmente na composição, no entanto, e depois de completar o álbum de 1979 da RCA Suspended Animation se aposentou de se apresentar completamente. Em 1996, Sands juntou-se a Taylor no palco durante um show em Los Angeles, a reunião improvisada provando tanto sucesso que eles concordaram em reacender sua colaboração; o álbum Women in Prison, distinguido por uma sensação muito mais raiz do que sua Soul Music de olhos azuis quase hits da década de 1960, seguido em 1999.
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Connie Francis: A cantora que vendeu 35 milhões de discos em 1967

 


Ela começou a carreira aos 3 anos de idade

Luís Alberto Alves/Hourpress

Connie Francis é o protótipo da cantora pop feminina de hoje. No auge de sua popularidade nas paradas no final dos anos 50 e início dos anos 60, Francis era única como uma artista de gravação feminina, acumulando vendas de discos iguais ou superando as de muitos de seus contemporâneos masculinos. Em última análise, ela se ramificou em outros estilos de música - big band, country, étnica, e muito mais. Ela ainda desafia Madonna como a artista feminina mais vendida de todos os tempos. Como Madonna, Concetta Rosemarie Franconero veio de uma formação ítalo-americana. Francis começou sua carreira musical aos três anos, tocando uma sanfona comprada para ela por seu pai empreiteiro, George. O sonho de seu pai não era que sua filha se tornasse uma estrela, mas que Francis se tornasse independente dos homens como adulto com sua própria escola de música. Aos dez anos, ela foi aceita no Startime, um programa de televisão de Nova York que contou com cantores e artistas infantis talentosos. O show não tinha mais ninguém que tocasse acordeom. Seu apresentador, o lendário olheiro de tv Arthur Godfrey,teve dificuldade em pronunciar seu nome e sugeriu algo "fácil e irlandês", que se transformou em Francis. Depois de três semanas no Startime, o produtor do programa e o então empresário de Francisa aconselharam a largar o acordeom e se concentrar em cantar. Francis se apresentou semanalmente no Startime por quatro anos.

Depois de ser recusado por quase todas as gravadoras que ela abordou, Francis, de 16 anos, assinou um contrato com a MGM, só porque uma das músicas de sua demo, "Freddy", também era o nome do filho do presidente. "Freddy" foi lançado em junho de 1955 como o primeiro single do cantor. Depois de uma série de singles de flop, em 2 de outubro de 1957 ela empreendeu o que seria sua última sessão para a MGM. Francis havia recentemente aceitado uma bolsa de estudos para a Universidade de Nova York e estava contemplando o fim de sua carreira como cantora. Tendo gravado duas músicas, ela agradeceu aos técnicos e músicos, na esperança de não ter que gravar a terceira música que seu pai tinha em mente, uma música antiga de 1923. Depois de um falso começo, ela cantou em uma tomada. Quando Dick Clark tocou "Who's Sorry Now?" no American Bandstand, ele disse aos oito milhões de telespectadores do programa que Connie Francis era "uma nova cantora que está indo direto para o primeiro lugar".

"Who's Sorry Now?" foi o primeiro de Francis'longa sequência de sucessos mundiais. Em 1967, ela vendeu 35 milhões em todo o mundo, com 35 sucessos no Top 40 dos EUA e vários números um ("Everybody's Somebody's Fool", "My Heart Has a Mind of Its Own", "Don't Break the Heart That Loves You" e "Stupid Cupid") para seu crédito. Lançado em 1963, "No Verão de Seus Anos", escrito como um tributo ao assassinado John F. Kennedy,continua sendo um dos primeiros registros de caridade conhecidos, com lucros doados a dependentes dos policiais baleados durante o incidente.

Francis tinha afinidade com as línguas e foi uma das primeiras cantoras pop a gravar suas canções em outras línguas; A canção título de 1961 do filme Where the Boys Are foi gravada em seis idiomas. Ela estrelou em quatro filmes (não descritivos), cantou dublagens em filmes para atrizes que não podiam cantar, e foi uma estrela convidada em inúmeros programas de TV. Os críticos de música que não gostaram dos anos de música pop de Francisforam eventualmente conquistados por sua versatilidade. Seus álbuns italianos e judeus transformaram Francis de um ídolo adolescente para um artista maduro em pontos noturnos ao redor do mundo. Ela também teve uma longa história sendo a primeira escolha de um compositor para interpretar canções que se tornaram grandes sucessos para outros artistas, incluindo "Somewhere My Love", "Strangers in the Night", "Angel in the Morning" e "When Will the Apples Fall".

Enquanto a gravação de "Who's Sorry Now?" em 1957 foi planejada para ser sua última sessão para a MGM, ela realmente terminou esse relacionamento em 1969, optando por não renovar seu contrato quando a MGM foi assumida pela Polydor. Ela optou pela vida doméstica com seu terceiro marido. Francis só voltou ao estúdio de gravação em 1973, quando os roteiristas de "Tie a Yellow Ribbon", amigos de longa data, escreveram "A Resposta" especialmente para Francis. Em 1974, seu marido a encorajou a voltar aos palcos, com consequências desastrosas. Após sua terceira apresentação, ela foi estuprada no hotel onde estava hospedada. Em última análise, este incidente contribuiu para o fim de seu casamento. Durante 1975, uma cirurgia nasal a roubou temporariamente a voz dela. Ela estava na trilha de retorno em 1981 quando seu irmão, George, foi brutalmente assassinado. Levou sete anos para determinar que, através de todos esses eventos, ela também foi diagnosticada com transtorno bipolar. Ela finalmente fez seu retorno aos palcos e gravação em 1989, e Connie Francis continuou a cantar para o público esgotado no novo milênio. Ela gravou mais de 70 LPs.

Who's Sorry Now?


 "Besame Mucho" 


Frankie




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Timi Yuro: a garotinha de voz potente

 


Quando criança, ela recebeu aulas de voz

Luís Alberto Alves/Hourpress

"A garotinha com a grande voz", Timi Yuro foi o melhor cantor de soul branco da América dos anos 1960. Seu single de estreia de um milhão de vendas, "Hurt", introduziu um intérprete de tal poigância e profundidade tão profunda que muitos ouvintes assumiram que ela era um homem, um afro-americano, ou ambos, e enquanto Yuro nunca mais alcançou as mesmas alturas comerciais, seus melhores discos merecem menção no mesmo fôlego que Aretha Franklin, Irma Thomas, e as outras rainhas da alma da época.

 Nascida Rosemarie Timotea Aurro em Chicago, em 4 de agosto de 1940, ela era o produto de uma família ítalo-americana que possuía um restaurante local; Quando criança, ela recebeu aulas de voz, e de acordo com a lenda, sua babá também a levou para os lendários clubes de blues da Cidade do Vento, onde Timi (um apelido de infância) testemunhou aparições ao vivo que alteraram a vida das cantoras Dinah Washington e Mildred Bailey. Depois de adotar a ortografia fonética de seu sobrenome, a família Yuro mudou-se para Los Angeles em 1952, onde Timi estudou sob o comando da treinadora de voz Dr. Lillian Goodman. Em meados da década, Yuro estava se apresentando em boates, para desgosto de seus pais. No entanto, suas performances subsequentes em seu restaurante de Hollywood Alvoturnos não só retirariam o restaurante à beira da falência, mas o colocariam nas fileiras dos destinos mais quentes de Tinseltown.

Uma performance de Alvoturnos no final de 1959 convenceu o caçador de talentos da Liberty Records Sonny "Confidential" Knight a recomendar Yuro para rotular o chefe Al Bennett, que imediatamente ofereceu ao cantor um contrato de gravação. Mas Yuro achou a escolha de material de Liberty tão frustrante que depois de meses gravando demos leves mal combinadas com sua voz ressonante e comandada, ela caiu em uma reunião do conselho de 1961, prometendo a Bennett e seus colegas rasgar seu contrato se eles não a deixassem cortar material mais apropriado. 

Ela então fez uma leitura a cappella do hit de R&B de Roy Hamilton de 1954 "Hurt", impressionando tanto o brass liberty que em junho de 1961 Yuro entrou no estúdio com o produtor Clyde Otis para gravar a canção para a posteridade. Um disco de estreia notavelmente maduro e assegurado, "Hurt" alcançou o quarto lugar nas paradas pop da Billboard naquele outono, além de alcançar o número 22 nas paradas de R&B. Sem dúvida, os telespectadores de ambos os lados da linha colorida ficaram chocados quando as aparições de Yurona televisão revelaram que esta balada profundamente emocional foi obra de uma mulher branca de 20 anos com menos de 1,80 m de altura. Seu single seguinte, um cover da composição de Charlie Chaplin "Smile", subiu para o número 42 no final de 1961, e Liberty encerrou o ano com o lançamento de "I Believe", um esforço único emparelhando a cantora com o galã pop Johnnie Ray.

Yuro passou o início de 1962 abrindo para Frank Sinatra em uma breve turnê pela Austrália. Embora a exposição, sem dúvida, tenha impulsionado seu perfil, foi fundamental para cristalizar a crescente percepção do público de que ela era mais uma artista de cabaré do que uma cantora de soul, uma imagem que foi ainda mais estabelecida com seu quarto single, um revival de "Let Me Call You Sweetheart" que chegou apenas ao número 66 nas paradas pop, mas quebrou o top 20 fácil de ouvir. E apesar de seu título, o LP do segundo ano de Yuro, Soul!, provou ser uma coleção de padrões, embora ela tenha retornado às suas raízes de R&B com a soberba homenagem dos Drifters "Count Everything". Durante as sessões para seu próximo esforço, "What's a Matter Baby", o produtor Otis saiu abruptamente da Liberty, e os mestres foram entregues ao seu substituto interino, Phil Spector. O single completo carrega todas as marcas do som clássico spector, desde seu elegante arranjo de cordas até seu ritmo insistente ao vocal justamente indignado de Yuro,e provaria seu maior sucesso desde "Hurt", alcançando o número 12 nas paradas pop e número 16 em sua contraparte de R&B. A equipe de Burt Bacharach e Hal David escreveu o próximo single de Yuro,"The Love of a Boy", que subiu para o número 44 no início de 1963. Sua continuação, "Insulto à Lesão", não foi superior ao número 81 quando chegou ao rádio alguns meses depois.


Após o sucesso de Ray Charlesno country & western material, Yuro cobriu em seguida "Make the World Go Away", de Hank Cochran,marcando seu último sucesso significativo nas paradas americanas quando o single alcançou o número 24 nas paradas pop e o número oito na parada de escuta fácil. Um álbum de covers country, também intitulado Make the World Go Away, rendeu mais dois hits menores - "Gotta Travel On" e "Permanente Lonely" - e na sequência de "Should I Ever Love Again", de 1964, Yuro cortou laços com liberty, assinando com Mercury para lançar "If", que parou no número 120. Seu terceiro esforço de Mercury, uma versão de "You Can Have Him", de Roy Hamilton,foi seu único lançamento na gravadora para quebrar o Hot 100, mancando para o slot número 96 no início de 1965. 

Teddy Randazzo foi o autor do próximo lançamento de Yuro,o sublime "Get Out of My Life", e enquanto o disco era um comercial duro, seu outro lado, "Can't Stop Running Away", mais tarde ressurgiria como um dos favoritos da comunidade de almas do norte da Grã-Bretanha. Yuro retornou às suas origens italianas com o lançamento de 1965 "Ti Credo", gravado para entrada no Festival anual de San Remo, na Itália. Seu perfil nos EUA era praticamente inexistente, no entanto, e os lançamentos subsequentes de Mercury, incluindo "Don't Keep Me Lonely Too Long" de 1966 e o cover bluesy do próximo ano de "Guitar" Watson"Cuttin' In" não deu em nada.

Yuro finalmente retornou à Liberty no início de 1968, viajando para a Grã-Bretanha para cortar seu single de retorno proposto, "Something Bad on My Mind". O produto acabado foi seu lançamento mais forte em algum tempo, mas não deu em nada. Sua música tema de tirar o fôlego para o filme de Douglas Sirk Interlude seguiu, e encontrou um destino igualmente sombrio (embora Morrissey e Siouxie Sioux cobrissem a música um quarto de século depois); "It'll Never Be Over for Me" também endureceu, mas também se tornou uma alma do norte perene, com cópias originais trocando de mãos por mais de 100 libras por cópia. Um concerto LP, Live at PJ's,estava programado para ser lançado no verão de 1969, mas retirado poucos dias antes de chegar ao varejo.

 Yuro novamente deixou liberty logo depois, desta vez se mudando para Las Vegas e começando uma família. Ela se apresentou apenas esporadicamente na década seguinte, ressurgindo brevemente em 1975 na gravadora de curta duração da Playboy com "Southern Lady", que estagnou no número 108. Para a marca frequência de Willie Mitchell, Yuro cortou uma capa deslumbrante de "Nothing Takes the Place of You", de Toussaint McCall,em 1979. Um ano depois, ela foi diagnosticada com câncer na garganta, mas se recuperou para cortar vários LPs para o mercado holandês, bem como Timi Yuro Today de 1982, produzido e financiado pelo amigo de longa data Willie Nelson. Dois anos depois, ela foi forçada a se submeter a uma operação de traqueotomia, efetivamente encerrando sua carreira de cantora. Ela morreu em 30 de março de 2004, aos 63 anos.

COLLECTION 1993 FULL ALBUM


Hurt 


I'm Sorry


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