A dinamite Martha Wash e o hit "It's Raining Men (Live)"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Uma cantora exuberante com uma voz enorme e um som estrondoso e declarativo, Martha Wash se juntou originalmente a Izora Armstead. Eles eram conhecidos como Two Tons o 'Fun quando apoiaram Sylvester e mais tarde gravaram para Fantasy. 

Eles mudaram seu nome para Weather Girls e gravaram para a Columbia. Wash então começou a trabalhar como cantora solo. Ela estava no meio de um grande abalo no início dos anos 90, quando alegou que a C&C Music Factory não a creditava pelos vocais em seu grande sucesso "Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now)". 

Foi a voz rica e estilhaçante de Wash que transformou "Everybody Everybody" em um sucesso para a Black Box, mas ela não apareceu no vídeo, outra coisa que não a deixou muito feliz. Wash assinou com a BMG em 1991.

Rockie Robbins e a dançante "You And Me"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Nascido Edward W. Robbins Jr. em Minneapolis, o cantor de baladas Rockie Robbins começou a cantar ainda jovem. Trabalhando com os famosos produtores/arranjadores Richard Evans ( Natalie Cole , Peabo Bryson ) e Johnny Pate ( Curtis Mayfield and the Impressions , Lonette McKee, OKeh Records), Robbins fez uma estreia impressionante em seu LP autointitulado, lançado na primavera de 1979 pela A&M Records. 

Os singles de balada "If I Ever Lose You" e um cover de "Be Ever Wonderful" do EWF foram muito tocados nas rádios, mas não venderam muito, embora "Be Ever Wonderful" tenha alcançado a posição 67 no R&B no final de 1979. Outro impressionante o fato é que o registro foi feito, já que as fitas originais da sessão foram de alguma forma apagadas durante o trajeto do estúdio de gravação para a gravadora. 

Embora Rockie Robbins não fosse um grande vendedor, a A&M acreditou em Robbins e o manteve como artista. Juntando-se ao produtor/arranjador Bobby Martin - cujos créditos anteriores incluem arranjos de uma série de sucessos para Gamble & Huff da Philadelphia International Records e outros signatários da A&M LTD com o vocalista Jeffrey Osborne - o segundo LP de Robbins, You and Me , foi lançado na primavera de 1980.

 A faixa-título alcançou o nono lugar no R&B. O single seguinte, o dançante e inspirador "Hang Tough", alcançou a posição 70 no R&B. Os outros singles A&M de Robbins foram "After Loving You", "Time to Think" e "I Believe in Love" (todos foram sucessos moderados). Mudando para a MCA Records, Robbins ganhou a distinção (como Loleatta Holloway e Ronnie McNeir , entre outros) de ter dois LPs autointitulados em seu catálogo. O LP MCA foi lançado no início de 1985 e havia um single nas paradas na época de seu lançamento ("

Baby Washington e a elétrica "Let's Love In The Moonlight"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Sua entrega sensual rendeu a Justine "Baby" Washington R&B arcos nas paradas de R&B em quatro décadas diferentes, principalmente no delicioso clássico uptown soul "That's How Heartaches Are Made" para a Sue Records em 1963. Nascida na Carolina do Sul, mas criada no Harlem, Washington era uma membro do Hearts em 1956 antes de registrar seu primeiro sucesso de R&B em 1959 com "The Time" para Neptune. Anunciado ocasionalmente como Jeanette ou Justine Washington , ela escalou as paradas de soul em meados dos anos 70 com sucessos ainda quentes dos anos 60, como sua pepita "Only They in Love".

Phillip Bailey, da Earth Wind & Fire, na bela "Children of the Ghetto"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Mais conhecido por seu falsete entusiasmado, Philip Bailey apareceu no início dos anos 1970 como a contraparte de quatro oitavas de Maurice White em Earth, Wind & Fire , a banda repetidamente multiplatina e vencedora do Grammy que elevou a arte da performance a um nível espetacular . Além de cantar e tocar percussão, Bailey co-escreveu alguns dos primeiros sucessos do EW&F , incluindo "Evil" e "Shining Star", e no final dos anos 70 estendeu seu alcance à produção. Simultaneamente com o duradouro EW&F, Bailey iniciou uma carreira solo no início dos anos 80, que passou por R&B, Jazz, Gospel e Pop, iluminada pelo hit número dois da Billboard Hot 100 "Easy Lover" (1984), a gravação gospel vencedora do Grammy Triumph ( 1986 ), e o trabalho mais aventureiro da cantora, Love Will Find a Way (2019), que liderou a parada de jazz da Billboard no ano em que o EW&F comemorou seu 50º aniversário.

Philip Irvin Bailey começou a cantar na igreja quando criança em sua terra natal, Denver. Ele permaneceu em sua cidade para fazer faculdade, estudando na Metropolitan State University e na University of Colorado. Nesse período, Bailey tocou em uma banda chamada Friends & Love. Eles abriram para Earth, Wind & Fire, cujo Maurice White conseqüentemente convidou Bailey - e eventualmente o cantor e companheiro de banda do percussionista, o saxofonista Andrew Woolfolk - para fazer parte da formação reformulada de seu grupo. Bailey juntou-se a tempo de gravar o terceiro álbum do EW&F , Last Days and Time (1972), e assumiu um papel maior no seguinte Head to the Sky(1973), co-escrevendo "Evil" e liderando "Keep Your Head to the Sky", os dois primeiros singles da banda a atingir o pico no Top 25 da parada de R&B.

Bailey tornou-se um componente integral do EW&F, uma apresentação ao vivo eletrizante com sucesso comercial e de crítica notavelmente consistente. De meados dos anos 70 até o início dos anos 80, Bailey co-escreveu e apareceu em algumas de suas canções de assinatura, incluindo o hit pop Top 40 "Devotion" e o single número um pop e R&B "Shining Star", que foi ouro e deu à banda seu primeiro Grammy de Melhor Performance de R&B. Além disso, Bailey co-escreveu e liderou "Reasons", uma rolha de show rivalizada apenas pelos Isley Brothers' "Footsteps in the Dark" como a melhor e conhecida balada da época, não lançada como lado A.

 Durante intervalos intermitentes na turnê e gravação, Bailey participou de várias sessões de Jazz e R&B para outros artistas, frequentemente com seus companheiros de banda, escrevendo, fazendo arranjos, cantando e tocando percussão em várias combinações. Mais significativamente, ele estava à frente de "Sun Goddess" de Ramsey Lewis , um sucesso R&B número 20, e liderou o espírito EWF de Paulinho Da Costa "Deja Vu", uma joia profunda que não recebeu o impulso promocional merecia. Fledgling atua como Free Life , Dazz Band precursor Kinsman Dazz e Splendor foram produzidos por Bailey durante este tempo também.

Bailey continuou a equilibrar atividades solo e em grupo ao longo dos anos 90 e na década seguinte. Três anos depois - depois de Maurice White retirou-se da turnê, tornando Bailey o líder no palco do EWF.

Climax Blues Band e a linda "I Love You"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Liderada por Colin Cooper , o ex-líder da unidade de R&B Hipster Image , a Climax Chicago Blues Band, com sede em Stafford, na Inglaterra, foi uma das principais luzes do boom do blues no final dos anos 60. Um sexteto também formado pelos guitarristas Derek Holt e Peter Haycock , o tecladista Arthur Wood , o baixista Richard Jones e o baterista George Newsome , o grupo estreou em 1969 com um esforço autointitulado lembrando a obra de John Mayall . 

Antes do lançamento de Plays On , de 1969 , Jones deixou o grupo, levando Holt para passar ao baixo. Em 1970, a Climax Chicago Blues Band mudou-se para o selo Harvest, ao mesmo tempo mudando para um som mais voltado para o rock no LP A Lot of Bottle . Por volta do lançamento de Tightly Knit de 1971 , Newsome foi substituído pelo baterista John Cuffley ; após a saída de Wood após Rich Man de 1972 , a unidade decidiu continuar como um quarteto, também abandonando a parte "Chicago" de seu apelido para evitar confusão com a banda americana de mesmo nome.

 Em 1974, a Climax Blues Band lançou FM Live , um documento de um concerto de rádio em Nova York. Lançado em 1975, Selofoi seu avanço comercial, e Gold Plated de 1976 se saiu ainda melhor, estimulado pelo sucesso do hit "Couldn't Get It Right". No entanto, a ascensão do punk efetivamente interrompeu a Climax Blues Band em suas faixas, embora continuassem gravando prolificamente bem nos anos 80; depois de Drastic Steps de 1988 , o grupo ficou em silêncio por vários anos, mas ressurgiu em 1994 com Blues from the Attic .

Kelly Moran solta o talento no hit "Helix"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Kelly Moran é uma compositora e musicista de formação clássica que mora em Nova York. Embora ela tenha composto música para muitos instrumentos e se apresentado em vários grupos de rock de vanguarda e conjuntos experimentais, ela recebeu mais atenção por seus álbuns solo casando arranjos de piano preparados com eletrônica ambiente. Após o surpreendente sucesso de crítica de Bloodroot de 2017, ela lançou Ultraviolet baseado em improvisação em 2018.

Moran decidiu tocar piano desde muito jovem, apesar de nenhum de seus familiares ter formação musical. Ela estudou performance de piano, engenharia de som e composição na Universidade de Michigan antes de fazer pós-graduação na Universidade da Califórnia, Irvine, onde compôs música de câmara eletroacústica para apresentações de dança moderna como sua tese de mestrado.

 Ela começou a lançar gravações solo em 2010, iniciando com Microcosms, seguido por Movement de 2011, que apresentava peças compostas para apresentações de dança em conjunto com os coreógrafos Julia Cost, Randall Smith e Susie Thiel. A gravação ao vivo de Moran One on One foi lançada em 2012. Além de seu trabalho solo, Moran tocou baixo ao lado do baterista de thrash-jazz Weasel Walterna banda Cellular Chaos , tocou sintetizador no Voice Coils e tocou piano no Charlie Looker Ensemble .

Após Optimist de 2016, Bloodroot de Moran foi lançado pela Telegraph Harp em 2017. Composto, produzido e executado inteiramente por Moran usando piano e eletrônica preparados, o álbum recebeu atenção da Pitchfork, Rolling Stone e The New York Times, que o nomeou um dos os melhores lançamentos clássicos do ano. Após o lançamento do álbum, ela começou a se apresentar ao vivo com Oneohtrix Point Never , além de compor para a pianista Margaret Leng Tan e também para o quarteto de percussão/piano Yarn/Wire . Ultravioleta, baseado em uma série de improvisações de piano preparadas com eletrônica adicionada, foi lançado pela Warp em 2018. No ano seguinte, Moran voltou com WXAXRXP Sessions, um EP de cinco canções com seleções de Ultraviolet gravadas ao vivo no estúdio para a estação de rádio online NTS.

The Doobie Brothers, a banda do hit "What A Fool Believes"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Os Doobie Brothers tiveram duas fases distintas durante o auge da década de 1970, evoluindo de boogie rockers com uma queda por boas vibrações suaves para uma roupa suave de soul de olhos azuis. Reuniões subsequentes e décadas como uma atração ao vivo de sucesso obscureceram a divisão entre a divagante "Black Water" e a funky "What a Fool Believes", os dois sucessos número um da banda na Billboard. 

The Doobies acumulou vários outros sucessos em ambas as encarnações, canções que acabaram como perenes do rock clássico. "Listen to the Music", "Long Train Runnin'" e "China Grove" foram sucessos do início dos anos 70, todos escritos e cantados por Tom Johnston , o guitarrista que foi lentamente substituído como vocalista por Michael McDonald , um tecladista de voz rouca que escreveu e cantou "Takin 'It to the Streets", "It Keeps You Runnin'" e "Minute by Minute", junto com "What a Fool Believes". 

McDonald foi convocado para o Doobies para ajudar a apoiar o doente Johnston e acabou conduzindo a banda para um rock suave e cheio de Soul - o tipo de música que seria retroativamente apelidado de "rock iate". Os sucessos do McDonald 's com os Doobie Brothers o levaram ao estrelato solo e ele reentrou na órbita da banda depois que o grupo se reuniu com Johnston como vocalista em 1989. Eles continuariam em turnê com uma formação rotativa na década de 2020, com o trio central de Johnston ,- o guitarrista que escreveu e cantou "Black Water", o único membro constante na história da banda - gravando ocasionalmente um álbum de novo material, como Liberte de 2021 .

Gíria

As raízes dos Doobie Brothers estão no Pud , uma banda de country rock da Califórnia de curta duração na veia de Moby Grape com o guitarrista / vocalista Tom Johnston e o baterista John Hartman . Após o colapso de Pud em 1969, a dupla começou a tocar com o baixista Dave Shogren e o guitarrista Patrick Simmons.. Por fim, o quarteto decidiu formar um grupo, nomeando-se Doobie Brothers em homenagem a uma gíria para maconha. Logo, os Doobies ganharam muitos seguidores em todo o sul da Califórnia, especialmente entre os Hell's Angels, e eles assinaram com a Warner Bros. em 1970.

A estreia homônima da banda foi ignorada em seu lançamento em 1971. Posfácio, Shogren foi substituído por Tiran Porter e o grupo adicionou um segundo baterista, Michael Hossack , para o Toulouse Street de 1972 . Impulsionado pelos singles "Listen to the Music" e "Jesus Is Just Alright", Toulouse Street se tornou o avanço do grupo. O Capitão e Eu(1973) teve ainda mais sucesso, gerando os dez maiores sucessos "Long Train Runnin '" e "China Grove".

No início de 2014, os Doobie Brothers - desta vez com McDonald , Johnston , Simmons e McFee - anunciaram que estavam voltando ao estúdio para gravar um álbum repleto de versões country de seus maiores sucessos, apresentando estrelas de Nashville como Toby Keith , Brad Paisley , Zac Brown , Sara Evans e Chris Young . Chamado de Southbound , o álbum apareceu em novembro, alcançando a posição 16 nas paradas da Billboard. Os Doobies continuaram a fazer turnês - principalmente sem McDonald - nos anos seguintes. Southbound. 

Fama

Em 2015, Bill Payne do Little Feat assumiu a vaga de tecladista anteriormente ocupada por Guy Allison , e eles continuaram a fazer turnês em anfiteatros e galpões pelos Estados Unidos. No final da década, eles se especializaram em shows destacando apresentações completas de sua Toulouse Street e os álbuns The Captain and Me , todos preparando o cenário para Michael McDonald se juntar à banda em 2020 para uma turnê de 50º aniversário. Antes desses shows, a banda foi incluída no Hall da Fama do Rock & Roll.

Johnston , Simmons e McFee foram os Doobie Brothers apresentados no Liberte , o álbum de 2021 que foi a primeira coleção de material original do grupo desde 2010. Mesmo não tendo aparecido no Liberte , McDonald continuou fazendo parte da programação ao vivo dos Doobie Brothers.

Em 1989, a formação do início dos anos 70 de Johnston , Simmons , Hartman , Porter e Hossack , aumentada pelo percussionista e ex-roadie do Doobies Bobby LaKind , assinou um contrato com a Capitol Records. Seu álbum de reunião, Cycles , ganhou disco de ouro em seu lançamento no verão de 1989, gerando o hit Top Ten "The Doctor". Brotherhood surgiu dois anos depois, mas não gerou muito interesse. Pelo restante dos anos 90, o grupo fez uma turnê pelos Estados Unidos, tocando no circuito dos velhos tempos e nos shows de revival dos anos 70.

 "Black Water"

https://www.youtube.com/watch?v=m4oZCtfmh44

"Listen to the Music"

https://www.youtube.com/watch?v=DkytJLoxGmQ

 

27 anos sem os meninos da banda Mamonas Assassinas

 

Os cinco meninos dos Mamonas Assassinas

 Luís Alberto Alves

Após o show no estádio Mané Garrincha em Brasília, na noite do dia 2 de março de 1996, nenhum fã da banda Mamonas Assassinas imaginaria o que iria ocorrer algumas horas depois com os cinco jovens de Guarulhos (SP), que em nove meses venderiam quase 2 milhões de CDs, algo inédito no showbiz brasileiro.

Era um sábado, tempo fechado, principalmente na Grande SP, onde fica o Aeroporto Internacional de Guarulhos, no bairro de Cumbica. Por volta das 23h15 o jato executivo Learjet bateu nas árvores da Serra da Cantareira, que margeiam o lado esquerdo do aeroporto, a 2 quilômetros do local onde iria pousar.

Destroços do Learjet que bateu na Serra da Cantareira em SP

  Ninguém sobreviveu ao impacto da aeronave na serra. Morreram o vocalista Dinho, 24 anos, o guitarrista Alberto Hinoto, 26, o Bento; o tecladista Júlio Rasec, 28; e os irmãos Samuel e Sérgio Reis de Oliveira, de 22 e 26 anos, baixista e baterista. Também perderam as vidas o piloto Jorge Martins, o copiloto Alberto Takeda e dois funcionários da banda.

Por causa das piadas corriqueiras de Dinho, inicialmente muitos não acreditaram no acidente. Tudo mudou quando os programas de rádio e televisão passaram a reprisar apresentações, entrevistas e o hit “Pelados em Santos” virou prefixo para entrada de matérias ao vivo. O sonho dos meninos de Guarulhos, apesar de colada a São Paulo, ser confundida como bairro da capital paulista, tinha chegado ao fim.

 

Velório dos integrantes da banda em Guarulhos (SP)

 Na curta carreira ganharam Disco de Diamante e milhões de fãs, a maioria crianças e adolescentes que gostavam das letras de duplo sentido e carregadas de humor. Era um Rock alegre, imitando o Brega, mas com pitadas de crítica social sem parecer composições “papo cabeça” nem muitos menos panfletária, como as  dos Titãs, cujos filhos dos componentes gostavam dos Mamonas.

O grupo musical que várias estrelas da MPB e mesmo do Rock não era levado a sério parou o Brasil naquele final de semana. A programação da Rede Globo se pautou apenas no assunto acidente de avião dos Mamonas, trazendo reprises da apresentação no Domingão do Faustão, quando os meninos vieram fantasiados de Chapolin.

O sisudo Jornal Nacional terminou a edição de segunda-feira (4), com a música “Pelados em Santos” num solo de piano bem sóbrio. Jornais e revistas exploraram bem a tragédia. A Guarulhos, de onde saíram para o sucesso, os recebeu num concorrido velório no ginásio de esportes da cidade. Suas ruas estreitas foram pequenas para acomodar a multidão, em grande número crianças e adolescentes.

 O cortejo até o cemitério Primavera, na Avenida Otávio Braga de Mesquita, foi lento, apesar de pouco distante de onde os corpos foram velados. Passados 27 anos, até hoje os túmulos recebem visitas de fãs de várias regiões do Brasil. Curioso: do cemitério é possível ver os aviões voando baixinho para pousar no Aeroporto Internacional de Guarulhos. Algo que o Learjet dos Mamonas Assassinas não conseguiu fazer naquele fatídico e hoje histórico 2 de março de 1996.

Pelados em Santos no Faustão 

https://www.youtube.com/watch?v=beEQxTEY-T8

Mamonas Assassinas no Jornal Nacional

https://www.youtube.com/watch?v=gcrBNn-n8bU

60 anos sem o talento de Patsy Cline

 Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas

Patsy morreu aos 32 anos, encerrando uma carreira que poderia ir mais longe

Luís Alberto Alves/Hourpress

Naquele domingo chuvoso de 5 de março de 1963, a rainha da Country Music, #Patsy Cline, não imaginaria que telefonaria pela última vez ao seu marido, Charlie, para tentar selar um acordo de paz definitivo e poder criar os dois filhos do casal, longe de brigas, que nos seus últimos seis anos de carreira eram rotina entre eles.

Entrou no avião monomotor, pilotado pelo amante e mais três artistas, na pequena cidade de Camden, Estado do Tennessee, Sul dos Estados Unidos. Minutos depois, o motor da aeronave teve problema e caiu matando todos os passageiros.

#Patsy Cline, aos 32 anos, calaria para sempre sua bela voz de contralto. Um de seus últimos sucesso “Crazy” resume o talento de uma cantora que poderia ter brilhando muito, caso a tragédia não acabasse com os seus sonhos.

Filme Sweet Dreams que conta a história de Patsy Cline

https://www.youtube.com/watch?v=IqQ9s8tMQr0

Crazy (Official Video

(112) Patsy Cline - Crazy (Official Video) ft. The Jordanaires - YouTube

A música perde o talento de Burt Bacharach

Luís Alberto Alves/Hourpress

Hoje, aos 94 anos,  calou-se para sempre a voz de Burt Bacharach, em Los Angeles. Quantos bailes realizei nas décadas de 1970 e 1980 ao som de "Mexican Divorce", gravado num disco de vinil de 12 faixas. Na capa estava a foto de Burt Bacharach com blusa branca e no rosto o ar jovial de alguém talentoso. 

Quando veio ao Brasil, pela primeira vez, na década de 1960, as mulheres ficaram fascinadas pelo norte-americano de olhos verdes, de voz bonita e fascinante. Suas canções estouravam nas vozes de outros cantores, como com aquela negra linda, Dione Warwick que iria fazer muito sucesso. 

 

Cada vez que vejo um grande artista ir embora, percebo que a música mundial se empobrece, por causa da mediocridade que tomou conta dos estúdios. Agora, qualquer cabeça de bagre se rotula artista de talento, quando nem voz tem para gravar algo. Se for mulher, o caminho trilhado passa pelos favores sexuais de alguém poderoso neste meio. 

Burt Bacharach conseguia rivalizar com a dupla Lennon/McCartney no auge dos Beatles, na década de 1960. É a prova de que ele sabia como escrever lindas canções, que se tornaram imortais e serviu de instrumento para transformar muito namoro em casamento. Descanse paz grande artista.  Abaixo alguns dos seus grandes sucessos.

Dionne Warwick & Burt Bacharach • “What The World Needs Now.

https://www.youtube.com/watch?v=o1wgUwD4XnY

Raindrops Keep Falling On My Head

https://www.youtube.com/watch?v=HsbkPDeC3tI

I Say A Little Prayer For You

https://www.youtube.com/watch?v=75lAZuzOEwk

#SamaraJoy mostra que é melhor do que Anitta

Muito pseudo crítico confunde Pancadão com Funk

Luís Alberto Alves/Hourpress

#Samara Joy é uma cantora de jazz americana da cidade de Nova York. Seu estilo suave, delicioso e aveludado e contralto gutural refletem a era de ouro dos vocalistas de gênero interpretativo dos anos 1930 até meados dos anos 60, incluindo Ella Fitzgerald , Sarah Vaughan e Billie Holiday.  Como alguém que se espelhou nestas três grandes cantoras pode ser tão pichada por que ganhou o Grammy, recentemente?

Por acaso, Anitta tem o talento semelhante a Billie Holiday que serviu de inspiração para outra grande intérprete da Black Music, #Janis Joplin? Como dizia Tim Maia, "o grande mal de vários críticos é não saber a diferença de uma nota musical no diapasão". Cantar não é só pegar o microfone e soltar a voz, quando se tem voz. Exige técnica. 

Pergunte às grandes bandas de Rock, entre elas os #Rolling #Stones se era incompetente o trio Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan e Billie Holiday? Ouça a opinião de #Maddona a respeito deste mesmo assunto. Em mais de 45 anos que acompanho o mercado musical, já vi muito pseudo cantor e cantora aparecer e rápido desaparecer.

Harmonia

Outra falta de conhecimento é dizer que Anitta canta Funk. Não é verdade. Qualquer tipo de música decente precisa ter Ritmo, Melodia e Harmonia. Sem isto é apenas ruido. Mesmo no Heavy Metal esses três quesitos estão presentes. Nesta barulheira inventada no Rio de Janeiro, que copiaram do House Music, não há melodia e harmonia. 

Em qualquer tipo de canção deste lixo musical, que serve de trilha sonora para enaltecer o crime organizado e incentivar a prostituição entre crianças e adolescentes, só existe ritmo. É a mesma batida. Só muda a letra, geralmente sofríveis, recheadas de palavrões. Uma cantora não precisa ser sucesso por causa do corpo sarado em academias, mas pelo talento.

O que muito pseudo crítico desconhece é que a música é influenciada pela matemática. São os compassos que ditam o número de notas por tempo. No caso do Rock, o compasso é 4x4, o Samba é 2x4, Blues são 12x8. Nos estúdios de gravações, o maestro liga o manômetro (instrumento que mede os compassos), em cima dele é que sai a palhetada na guitarra, violão, cavaquinho, violino, banjo, contrabaixo, órgão, instrumentos de sopro e até bateria.

Bateria

Não existe meios de se fazer música sem passar pelos compassos. É o mesmo de tentar fazer omelete sem quebrar os ovos. O que as pessoas chamam de Funk, hoje no Brasil, é a House Music, que surgiu nos Estados Unidos na década de 1980, enfatizando canções de forte apelo erótico, aliado a batidas repetitivas de contrabaixo e bateria.

Imitado no Rio de Janeiro nos bailes de periferia, realizado nas ruas e salões, por equipes como a Furacão 2000, apareceram letras repletas de palavrões, elogios ao crime organizado e danças sensuais, algumas até insinuando relação sexual. Aliás, Anitta era uma dessas dançarinas na Furacão 2000. A partir dai a filosofia do nazista Joseph Goebbels, responsável pela propaganda de Hitler, entra em campo. 

Ele dizia que a mentira repetida várias vezes se torna verdade. No Brasil, confudiram House Music com Funk. É o mesmo que pegar alguém chamado João e dizer que o seu nome é Antonio. A matriz de todas os gêneros da Black Music (Soul, Rock, Blues, Reggae, Jazz, RAP, Sharm, Bossa Nova) está no Blues. Ao lado do Gospel, ele está na raiz de todos esses gêneros.

Bossa Nova

Vejam só: do Country (música sertaneja norte-americana) com Blues saiu o Rock no final da década de 1940; da mistura do Soul, Blues e Calypso veio o Reggae nos fins dos anos de 1950; na Jamaica, Blues mais Gospel e Jazz resultou no Soul na década e 1940; do Blues mais o Gospel saiu o Sharm na década de 1970; do Gospel mais Blues veio o Jazz na década de 1920; do Jazz mais Soul e Rock saiu o RAP no final da década de 1970; do Samba mais o Jazz nasceu a Bossa Nova no ínicio da década de 1960 no Rio de Janeiro.

No caso do Pancadão, originário da House Music, ele não se enquadra em nenhum destes padrões. Portanto não pode ser chamado de Funk que é a mistura de Jazz, Blues e Soul. Em gíria de estúdio se diz que o músico que toca Blues, pode se aventurar em qualquer gênero que se acaba bem. Por causa da escala pentatônica, ou seja conjunto de todas as escalas é formado por cinco notas ou tons, em vez de sete, como ocorre na escala diatônica, com sucesso de intervalos das notas de semitons e tons.

Trazendo para o campo do futebol, é como um time com cinco jogadores repetir o mesmo desempenho de uma equipa com sete atletas, sem deixar a qualidade da partida ficar ruim. Geralmente quem conhece Blues, tem grande domínio musical. Não existe música sem timbre (qualidade ou característica especial de cada som), melodia (combinação de notas que são tocadas uma após a outra) e harmonia (conjunto de sons ou notas que são tocadas de uma só vez), ritmo (movimento, cadência ou balanço que obedece ao som durante execução da canção), dinâmica (modos de interpretação usadas numa peça musical), interpretação (maneira de exteriorizar nosso sentimento e nossa sensiblidade através do som e técnica (grau de execução e perfeição que se adquire após algum tempo de estudo e prática).

Samara

É partir desses fundamentos descritos acima que se percebe a mentira de falar que House Music ou Pancadão seria o Funk, que surgiu no começo da década de 1960 nos Estados Unidos. O Funk verdadeiro consiste na união de Jazz, Soul e Blues. Tem batidas sincopadas e forte marcação rítmica de metais (sax, trompete, piston e trombone). Neste tipo de música o som do contrabaixo acaba sobressaindo sem deixa a bateria em segundo plano. É possível ouvir nitidamente os acordes de piano, cordas (guitarra, violão, baixo). 

No Funk legítimo a melodia varia de andamento, não permanece naquele andamento mecânico, como ocorre nas canções cantadas por repentidas e no Pancadão. Tanto o Jazz quanto o Soul carregam o Blues em sua essência. Ou seja, o Jazz, que Samara Joy canta, é a misura de Gospel e Blues, já o Soul é mescla de Blues, Pop e Spiritual. Em qualquer estúdio musical de qualidade, o manômetro vai marcar o compasso da canção que será gravada.

Ele indica a velocidade que o instrumento deve ser tocado. Com o Pancadão e a House Music isto não ocorre, porque é uma "música" eletrônica. O manômetro detecta esse som como ruído. Barulho e música são coisas distintas. Mesmo o Heavy Metal ou Rock Pauleira, como é conhecido, é identificado no manômetro no compasso 4x4. Em todas canções do Pancadão, as música são cantadas em cima da mesma base eletrônica. Ou seja, falta de criatividade. Em tempo: estudei música clássica e não escrevo nenhum artigo baseado no achismo.  Aceito crítica, desde que seja bem fundamentada. Do contrário ignoro, como o organismo faz com os alimentos descartados pelo estômago.

Can't Get Out Of This Mood ( Samara Joy)

https://www.youtube.com/watch?v=tb1reqE4BzY

Bola Rebola (Anitta)

https://www.youtube.com/watch?v=APvRUy5SK84

September (Earth Wind & Fire, exemplo de Funk original)

https://www.youtube.com/watch?v=Gs069dndIYk

(Not Just) Knee Deep ( um dos grandes sucessos de George Clinton)

https://www.youtube.com/watch?v=WxJ5BRrZ3kM

Do Leme ao Pontal (um dos grandes Funk de Tim Maia)

https://www.youtube.com/watch?v=bGE55d_f30E