Dr. Lonnie Smith: Outro mestre do Hammond B-3

 

Na década de 1960, Smith tocou ao lado de George Benson

Chamou a atenção do público pela primeira vez no final da década de 1960

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um incendiário para a tradição Funky Soul-Jazz, Dr. Lonnie Smith é um mestre do órgão Hammond B-3 cujas gravações clássicas são frequentemente citadas como uma grande influência sobre os artistas eletrônicos, hip-hop e funk que o seguiram. Ele chamou a atenção do público pela primeira vez no final da década de 1960 tocando ao lado de dois colegas pioneiros do Soul-Jazz, o guitarrista George Benson e o saxofonista Lou Donaldson, o primeiro dos quais apareceu no álbum de estreia do organista de 1967, Finger Lickin' Good. No mesmo ano, Smith tocou no clássico álbum blue note de Donaldson, Jacaré Boogaloo, e depois seguiu com várias de suas próprias sessões para a gravadora, incluindo Think! de 1968 com Lee Morgan. 

Ele gravou para cti nos anos 70 antes de dar um tempo no negócio da música. Ao longo do caminho, ele adotou o título de "Dr." e começou a usar um turbante sikh tradicional, afetações teatrais que enriqueceram ainda mais sua personalidade Soulful. Desde que voltou a se apresentar regularmente nos anos 90, Smith recuperou sua proeminência como um dos antepassados do crossover jazz, e seus álbuns influenciaram inúmeros artistas de jazz ácido, artistas de hip-hop e DJs. Sob a orientação de Don Was,ele finalmente retornou ao Blue Note e lançou vários álbuns do Top 20 Billboard Jazz, incluindo Evolution de 2016 e Breathe with Iggy Popde 2021.

Nascido em 1942 em Buffalo, Nova York, Smith cresceu em uma família musical e foi apresentado ao gospel, jazz e blues por sua mãe. Ele tocava trompete e outros instrumentos em sua banda da escola, e na adolescência ele estava liderando seus próprios grupos vocais. Introduzido no órgão Hammond B-3 pelo proprietário da loja de música local Art Kubera, ele se destacou no instrumento e logo foi imbuído de discos de luminares de órgãos, incluindo Jimmy Smith, Wild Bill Davis, e Bill Doggett. Ele começou a fazer gigging em Buffalo e eventualmente chamou a atenção do guitarrista George Benson. Juntos, eles formaram um quarteto e gravaram vários álbuns marcantes de Soul-Jazz. Benson também participou da estreia solo de Smith, Finger Lickin' Good,de 1967, que contou com o guitarrista Melvin Sparks,a baterista Marion Bookere o saxofonista Ronnie Cuber.

Blue Note
Foi nessa época que Smith também se juntou à banda do saxofonista Lou Donaldson,aparecendo na clássica gravação blue note de 1967, Jacaré Boogaloo. Ele ficou com Donaldson pelos próximos anos, aparecendo em um punhado de álbuns igualmente inventivos misturando hard bop e funk. A gravadora tomou conhecimento de Smith, e em 1968 ele fez sua estreia no Blue Note com Think!, que novamente contou com seu grupo com o guitarrista Sparks e o baterista Booker, juntamente com o trompetista Lee Morgan, o saxofonista David "Fathead" Newman, e o percussionista Henry "Pucho" Brown. Smith ganhou mais atenção ao longo deste período, equilibrando seu trabalho com Donaldson com turnês e gravando sua própria música. Em 1969, ele foi nomeado "Top Organist" pela DownBeat Magazine e terminou seu tempo no Blue Note no ano seguinte com o álbum Drives.

Continuando a liderar seus próprios grupos nos anos 70, Smith lançou uma série de álbuns altamente orgânicos, incluindo Mama Wailer de 1971 na gravadora CTI de Creed Taylor. O disco o encontrou tocando órgão e clavinet, e trabalhando com um conjunto all-star com Billy Cobham, Ron Carter, Chuck Rainey, Grover Washington Jr., Airto, e outros. Ele retornou em 1975 com afro-Desia, uma pequena sessão de grupo com Carter no baixo elétrico, Jamey Haddad na bateria, e um saxofonista em ascensão Joe Lovano. Com Keep on Lovin'de 1976, Smith abraçou um som mais voltado para fusão e mudou de sua marca registrada Hammond B-3 para um Fender Rhodes. Foi durante esse período que ele adicionou o "Dr." ao seu nome (um aceno ao seu profundo conhecimento de Jazz e habilidades de teclado adeptos). Ele também começou a usar um turbante sikh tradicional (um aceno teatral semelhante à sua conexão espiritual com a música).

Frustrado com o negócio da música, Smith se afastou das gravações e passou grande parte dos anos 80 vivendo no Havaí e na Flórida. Ele continuou a atuar, mas manteve um perfil discreto, mesmo indo tão longe a ponto de trabalhar com nomes diferentes. Seu trabalho ganhou interesse entre rappers, DJs e artistas de jazz mais jovens que estavam construindo sobre os movimentos de funk e fusão com seu próprio som, primeiro chamado de jazz ácido, e mais tarde se dividindo em breakbeat, Neo-Soul, e outros estilos. Smith voltou a gravar em 1993 com Afro Blue, uma homenagem de trio a John Coltrane com o guitarrista John Abercrombie e o baterista Marvin "Smitty" Smith. Em 1995, o Blue Note também lançou Live at Club Moçambique, um álbum de longa data que Smith gravou em Detroit que ajudou a despertar ainda mais o interesse renovado em sua música.

Padrões de Jazz
Ele começou a fazer turnês, reacendendo sua longa associação com Donaldson e lançando álbuns mais bem recebidos, incluindo Boogaloo to Beck (de 2003, que o encontrou reinventando canções do artista pop Beck), Jungle Soul (um álbum de padrões de Jazz reformulados e modernizados) e Rise Up! de 2009 (uma mistura de covers e originais). Smith e seus membros do trio - o guitarrista Jonathan Kreisberg e o baterista Jamire Williams - continuaram uma implacável turnê e agenda de gravações. Ele lançou Spiral em 2010 em Palmetto com Matt Balitsaris produzindo, seguido pelo álbum ao vivo Healer em 2012.

Em 2016, Smith entregou Evolution, seu primeiro álbum para Blue Note desde 1970's Drives. Produzido por Don Was, contou com participações especiais do saxofonista Joe Lovano, pianista Robert Glasper,entre outros. O lançamento alcançou o número oito na parada Billboard Jazz Albums. Smith alistou-se foi como produtor novamente, desta vez para uma data de trio intitulada All in My Mind. 

Lançado em janeiro de2018, o conjunto incluiu um cover de "50 Ways to Leave Your Lover" (com a participação da vocalista convidada Alicia Olatuja),bem como uma participação em "Juju", de Wayne Shorter,em sua lista de faixas. O álbum também quebrou o Top Ten da parada jazz albums. Breathe chegou em 2021 e contou com colaborações com o cantor Iggy Pop, incluindo uma versão do hino soul de Timmy Thomasde 1972 "Why Can't We Live Together" e um trabalho no estilo boogaloo do clássico "Sunshine Superman" de Donovan dos anos 60.

The Original Grooves

The Original Grooves - dr. Lonnie Smith/ The Whip - YouTube

Why Can't We Live Together (Feat. Iggy Pop)

Dr. Lonnie Smith - Why Can't We Live Together (Feat. Iggy Pop) - YouTube

It's Changed

Lonnie Smith - It's Changed - 1977 - YouTube

Heaven & Earth: Quarteto que cantava lindas canções

 

Suas gravações eram de qualidade absoluta

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um quarteto vocal que originalmente se chamava Soul Majestics, e consistia dos irmãos Dwight Dukes (falsetto/tenor) e James Dukes (baixo), Keith Steward (tenor) e Michael Brown (barítono). Sob a direção do produtor Clarence Johnson,eles gravaram quatro álbuns como Heaven & Earth: um para a General Entertainment Corporation (GEC), três para Mercury (Phonogram) e um para wmot. Brown gravou no primeiro álbum e, posteriormente, deixou o grupo em 1978 e foi substituído por Dean Williams. Williams gravou no segundo álbum, e ele também partiu, sendo substituído por Greg Rose.

O grupo não conseguiu manter um quarto membro compatível, cuja contribuição vocal era essencial considerando que ele era o barítono. Em 1982, Dwight Dukes deixou o grupo e formou o trio Cashmere com McKinley Horton e Daryl Burgee, gravando na Philly World Records. Mais tarde naquele ano Steward se juntou ao grupo, e pouco depois Heaven & Earth se dissolveu. Mesmo que o quarteto baseado em Chicago não tenha balançado as paradas com seus lançamentos, suas gravações eram de qualidade absoluta. Em particular, as faixas escritas e produzidas pela equipe de composição/produção de Rodney G. Massey e Lawrence Hanks. Heaven & Earth é uma escuta imperdível para os amantes de R&B vintage.

Guess Who's Back In Town (Pee Dee Upload)

Heaven & Earth - Guess Who's Back In Town (Pee Dee Upload) - YouTube

Don Williams: O cantor das baladas populares

 

Começou a tocar guitarra quando era criança

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Com seus vocais descontraídos e diretos e grande e imponente, Don Williams passou a ser conhecido como "o Gigante Gentil". Esse apelido foi concedido a ele no início dos anos 70, quando ele começou uma série de hits countrypolitanos que correram para o início dos anos 90. Williams nunca foi conhecido como um inovador, mas suas baladas eram imensamente populares; no decorrer de sua carreira, ele teve um total de 17 hits número um.

Williams começou a tocar guitarra quando era criança, aprendendo o instrumento com sua mãe. Na adolescência, tocou em diversas bandas country, rockabilly, folk e rock & roll. Depois de completar o ensino médio, ele formou sua primeira banda com um amigo chamado Lofton Kline. Williams e Kline recrutaram outra cantora, Susan Taylor,e formaram o Pozo-Seco Singers, um grupo Folk-Pop, em 1964. No ano seguinte, a banda assinou um contrato com a Columbia Records. Em 1966, os Pozo-Seco Singers tiveram um sucesso pop com "Time", que subiu ao Top 50. Nos dois anos seguintes, eles tiveram uma série de hits menores, destacados por dois top 40 hits no final de 1966, "I Can Make It with You" e "Look What You've Done". O grupo ficou até 1971.

Depois que os Pozo-Seco Singers se separaram, Williams decidiu seguir uma carreira como compositor em Nashville, já que ele não estava convencido de que ele era adequado para uma carreira solo. Ele assinou com Jack Clement'sJack Music, Inc., inicialmente apenas como compositor. No final de 1972, ele havia assinado com jmi como artista solo, lançando "Don't You Believe" como sua estreia. A canção não deu em nada, mas "The Shelter of Your Eyes" subiu para o número 14 no início de 1973. 

No ano seguinte, Williams marcou uma série de pequenos sucessos antes de ter seu avanço em 1974, "We Should Be Together", que alcançou o número cinco. O single levou a um contrato com a ABC/Dot. "I Wouldn't Want to Live If You Didn't Love Me", seu primeiro single para a ABC/Dot, alcançou o número um no verão de 1974. O single lançou uma série de hits top ten que correram mais ou menos ininterruptas até 1991; entre 1974 e 1991, apenas quatro de seus 46 singles não chegaram ao Top 10. Em vez de chegar ao topo das paradas com seu material original, a maioria de seus grandes sucessos foram covers de outros compositores, incluindo John Prine, Bob McDill, Dave Loggins, e Wayland Holyfield.

Durante os anos 70, Don Williams se tornou o artista country mais bem sucedido do mundo. Seu Country-Pop não só atravessou para o mainstream pop americano, como também lhe rendeu um grande número de seguidores na Inglaterra e na Europa. Além de seus top ten hits, Williams ganhou vários prêmios de música country, destacado pela Country Music Association nomeando-o Vocalista Masculino do Ano em 1978, mesmo ano em que seu single número um, "Tulsa Time", foi nomeado Single do Ano. No final dos anos 70, ele começou a atuar, aparecendo principalmente nos filmes de seu amigo Burt Reynolds, incluindo W.W. & the Dixie Dancekings e Smokey & the Bandit II.

No início dos anos 80, Williams diminuiu um pouco o ritmo de sua carreira, já que sofria de problemas nas costas. No entanto, os hits continuaram por vir e muitos de seus singles alcançaram o número um. Em 1986, ele deixou a MCA Records , que havia adquirido a gravadora ABC enquanto ele estava gravando para ele - e assinou com o Capitol. A mudança de rótulos não afetou sua carreira, pois ele continuou a chegar ao Top 10 com regularidade. Em 1987, ele foi submetido a uma cirurgia nas costas, que curou seus problemas. Williams assinou com a RCA Records em 1989. Inicialmente, ele continuou a ter hits, mas sua sequência chegou ao fim no início de 1992, após seu último single top 10, "Lord Have Mercy on a Country Boy". Embora ele continuasse a se apresentar em meados dos anos 90, ele efetivamente se aposentou para sua fazenda em Nashville, voltando a gravar em 1998 com I Turn the Page.

Depois de algumas turnês limitadas, Williams retomou sua carreira de gravação com My Heart to You em Sugar Hill/Compendium em 2004, seguido em 2006 por sua "Farewell Tour of the World", tocando nos Estados Unidos e europa, e outra aposentadoria. Este durou até 2012, quando ele ressurgiu com o aclamado And So It Goes on Sugar Hill. Williams continuou gravando e se apresentando, e lançou Reflections em março de 2014. O ano de 2016 trouxe outra aposentadoria para Williams, que anunciou que estava pronto para "curtir um tempo tranquilo em casa". Morreu em setembro de 2017, aos 78 anos.

Sing Me Back Home 

Don Williams - Sing Me Back Home (Official Video) - YouTube

Till the Rivers All Run Dry

Don Williams - Till the Rivers All Run Dry - YouTube

You're my best friend 

Don Williams - You're my best friend 1982 - YouTube

Don Gibson: Uma das feras da Country/Pop

 

Muitas de suas canções se tornaram clássicos Country 

Luís Alberto Alves/Hourpress

O cantor e compositor Don Gibson foi uma das forças mais populares e influentes no país dos anos 50 e 60, marcando inúmeros singles de sucesso como artista e compositor. Amúsica de Gibson tocou tanto no country tradicional quanto no country-pop altamente produzido, o que é parte da razão pela qual ele tinha um público tão amplo. Por quase uma década após seu primeiro single de sucesso, "Sweet Dreams", em 1956, ele foi um hitmaker confiável, e muitas de suas canções se tornaram clássicos Country - eles foram cobertos por uma ampla gama de artistas, incluindo Patsy Cline, Ray Charles, Kitty Wells, Emmylou Harris, Neil Young e Ronnie Milsap.

Ele nasceu Donald Eugene Gibson em Shelby, NC, o caçula de cinco filhos de Solon e Mary Gibson. Seu pai, um trabalhador da ferrovia, morreu quando Gibson tinha apenas dois anos de idade, e sua mãe se casou novamente no início dos anos 40, quando Don Gibson ainda era um menino - naquela época, a família sobreviveu como agricultores, mas mesmo quando menino o mais novo Gibson odiava a agricultura, e à medida que envelhecia ele tomou a decisão de ficar o mais longe possível dele. 

Ele deixou de frequentar a escola regularmente após a segunda série, uma decisão que se arrependeu nos anos seguintes - talvez em compensação, Gibson posteriormente tornou-se um leitor voraz durante grande parte de sua vida adulta. E por todo o seu desejo professado, mesmo jovem, de romper com uma vida na fazenda, foi impedido por uma terrível insegurança emocional. Gibson era irremediavelmente tímido durante toda a vida, defensivo sobre sua aparência - ao ponto de, como um menino ou um jovem,  evitar entrar em lugares que estavam muito lotados - e também sobre sua voz, que foi caracterizada por uma gagueira muito ruim enquanto  estava crescendo.

Tocador de violino

Uma fuga que  teve dessas e outras preocupações foi a música que ouviu no rádio nos anos 30 e início dos anos 40. Mesmo quando jovem,  ouvia a música e tentava se visualizar como artista. Ele deu seu primeiro passo em direção a este objetivo aos 14 anos, quando comprou um violão e aprendeu alguns acordes rudimentares. Ele logo estava sentado com o instrumento, observando e ouvindo outros meninos e homens mais velhos tocando, e tentando perceber o que eles estavam cantando e tocando. Quando não estava fazendo isso,  estava envolvido em seu outro passatempo preferido, ganhando a vida nos salões de sinuca ao redor de Shelby como um tubarão adolescente na piscina.

Quando  se aproximou de sua adolescência, Gibson está tocando avançado ao ponto de ser abordado por Ned Costner, um tocador de violino, que começou a gravar com ele na casa de Costner. A dupla informal logo se tornou um trio com a adição de Curly Sisk na segunda guitarra, e eles logo estavam tocando na casa da família Sisk, uma pensão onde os três se tornaram entretenimento regular para a família Sisk e seus inquilinos nas noites de sábado. 

Nova banda

Em pouco tempo, até tinham um nome, Os Filhos do Solo, com Gibson tocando um baixo de washtub. Eram bons o suficiente para que em 1948, quando Gibson tinha 16 anos (e Sisk apenas 14), foram contratados como uma dupla na WOHS, a estação de rádio local. E não muito tempo depois disso, Gibson como cantor (mas ainda tocando baixo, embora não mais um washtub adaptado) tornou-se o ponto focal de uma nova banda montada pelo diretor do programa da estação, Milton Scarborough (que tocava acordeom no grupo). 

Eles foram batizados de Hi-Lighters, com Billy Roberts (trompete), Gibson e Sisk, Scarborough e Doc Whitmire (acordeões), e Jim Barber (violino). Eles mal pagavam nada, mas a exposição fazia uma enorme quantia para os membros, especialmente Gibson, que estava superando pelo menos os aspectos mais externos de qualquer insegurança que ele estava sentindo.

Ele ainda ganhava a vida fazendo trabalhos externos, e os meninos aparentemente não pensavam em termos de onde ir além do WOHS. Então, em 1949, o destino tomou uma mão quando um vendedor de rádio chamado Marshall Pack teve a chance de visitar a estação e ouviu os Hi-Lighters. Ele ficou impressionado com todo o grupo, mas especialmente com o canto de Gibson, e ele, por sua vez, convenceu o produtor da Mercury Records, Murray Nash, de que o grupo poderia valer uma audição. 

Mais investimentos

Desse encontro casual veio a primeira gravação de Gibson, um conjunto de quatro canções: "Automatic Mama", "I Love My Love", "Cloudy Skies" -- as duas últimas com Gibson, Siske Barber nos vocais de harmonia no estilo dos Sons dos Pioneiros -- e "Why Am I So Lonely"; esta última também foi a primeira canção escrita por Don Gibson a ver a luz do dia como um registro. Todos os quatro lados foram emitidos por Mercúrio, creditados aos Filhos do Solo. Qualquer chance que o grupo já teve de fazer um nome para si mesmo terminou mais tarde em 1949, no entanto, quando Sisk e Barber saíram da programação para um lugar no show ao vivo do ator caubói Lash LaRue.

Gibson marcou tempo por um tempo, até que uma chance de um contrato com a RCA Victor abriu em 1950. Ele montou um novo grupo chamado King Cotton Kinfolks e também retomou seu lugar na guitarra rítmica na nova banda. Gravaram uma demo para o chefe da RCA A&R Steve Sholes em uma estação de rádio de Charlotte, NC, em 17 de outubro de 1950. Nenhum dos lançamentos resultantes da primeira estadia de Gibsonna RCA vendeu bem o suficiente para justificar mais investimentos - a empresa simplesmente não tinha certeza do que fazer com ele como cantor, ou com a banda, cujo som naquela época era honky tonk. 

Eles não estavam vendendo um monte de discos, mas tinham um lugar regular no rádio como parte do The Tennessee Barn Dance, o que lhes deu alguma exposição muito necessária - Gibson permaneceria um acessório no programa por anos. No Verão de 1952, Gibson conseguiu um novo contrato de gravação, desta vez com a Columbia Records através do produtor Don Law. As dezenas de músicas que ele gravou ao longo dos dois anos em que esteve com a gravadora mostraram um crescimento fenomenal em seu alcance e profundidade como cantor, mas só incluíram um par de originais - embora uma delas, "Many Times I've Waited", foi impressionante.

Sweet Dreams

O ponto de virada para Gibson veio após o fim de seu contrato com a Columbia. Ele ficou sem uma gravadora por quase um ano, mas ainda se apresentando regularmente, e logo começou a se concentrar em escrever. Em 1955,  começou a compor canções a sério, e um de seus originais, "Sweet Dreams", impressionou especialmente um amigo de Gibson chamado Mel Foree, que trabalhou para a editora Acuff-Rose. Ele, por sua vez, arranjou para Wesley Rose, um sócio da companhia, ver Gibson cantar a música. Ele ofereceu a Gibson um contrato de escrita, que  aceitou. mas só se incluísse uma chance de gravar. Rose concordou, e Acuff-Rose garantiu um contrato com a MGM Records. Desta vez, com sua própria música "Sweet Dreams" como o lado A, o single de estreia resultante para a gravadora tornou-se um hit top ten e foi coberto por Faron Young, que levou-o para o número três ao mesmo tempo.

Após o sucesso de "Sweet Dreams", Gibson foi contratado pela RCA Victor em 1957 por Chet Atkins, que se tornaria seu produtor pelos próximos sete anos. Lançado no início de 1958, o primeiro single de Gibson,"Oh Lonesome Me", foi um sucesso de bilheteria, passando oito semanas no topo das paradas country e cruzando para o Top Ten pop. No mesmo ano, ele realizou um sonho antigo quando fez sua primeira aparição no Grand Ole Opry. Gibson e Atkins desenvolveram um estilo pop-friendly com florescimentos de rock & roll que o trouxeram a um público maior - ele era um artista country, com certeza, mas ouvindo algumas de suas canções durante o final dos anos 50 também se podia ouvir a influência de artistas como Elvis Presley e Buddy Holly tecidas em seu trabalho, todos soando perfeitamente naturais. Seu canto, que era único em alcance e expressividade, foi intimamente acompanhado por sua guitarra tocando, que se destacou até mesmo em gravações com nomes como Hank "Sugarfoot" Garland, o próprio Atkins ocasionalmente, e outros guitarristas de Nashville (assim como Floyd Cramer, et al.).

No decorrer de 1958-1961, Gibson teve um total de 11 singles top 10, incluindo "I Can't Stop Lovin' You", "Blue Day", "Who Cares", "Don't Tell Me Your Troubles", "Just One Time", "Sea of Heartbreak" e "Lonesome Number One". "I Can't Stop Lovin' You", juntamente com um par de suas outras composições, Tornou-se um padrão country e pop instantâneo nas mãos de outros artistas, e bem sucedido como Gibson era como um artista de gravação, ele era ainda mais influente como compositor - em meados dos anos 60, RCA Victor estava emitindo álbuns construídos em suas gravações desde 1957, e até a MGM e Columbia entraram no ato em 1965, saqueando dezenas de músicas gibson cada uma que eles tinham em seus cofres.

Love Fires

Embora sua carreira não tenha sido tão bem sucedida na segunda metade dos anos 60, ele ainda teve o single ocasional Top Ten, incluindo "(Sim) Estou Machucando" (1966), "Funny, Familiar, Forgotten, Feelings" (1966), "Rings of Gold" (1969) e "There's a Story (Goin' Round)" (1969); A RCA também emitiu dois volumes separados "melhores" sobre ele em LP durante este mesmo período, com cinco anos de diferença. Durante o final dos anos 60, ele sofria de alcoolismo e vício em drogas, mas ele limpou no início dos anos 70, o que levou a um retorno em 1971. Trocando as gravadoras de RCA para Hickory, esta última de propriedade da Acuff-Rose, Gibson teve um sucesso no Top 10 com "Country Green" em 1972. No verão seguinte, ele teve seu último single número um, "Mulher (Mulher Sensual)." Ele também teve uma série de duetos com Sue Thompson entre 1971 e 1976, que foram todos moderadamente bem sucedidos.

Depois de dois sucessos no Top 10 em 1974, "One Day at a Time" e "Bring Back Your Love to Me" , ele se estabeleceu em uma série de pequenos sucessos que correram até "Love Fires", de 1980. Durante os anos 80 e 90, ele continuou a fazer turnês e se apresentar no Grand Ole Opry. Durante as décadas de 1980 e 1990, Gibson viu seu catálogo relançado em várias compilações diferentes, incluindo três box sets cobrindo sua carreira até 1969, pela Bear Family Records da Alemanha, e nos anos 1990 e início do século XXI, a RCA/BMG também emitiu compilações de sucessos sobre ele, bem como licenciando a reedição de vários de seus álbuns para CD. Gibson morreu em Nashville em 17 de novembro de 2003.

Sweet Dreams

Don Gibson Sweet Dreams MGM 909 - YouTube

"I Can't Stop Lovin' You"

Don Gibson & The Jordanaires -I Can't Stop Loving You (1963). - YouTube

Sea Of Heartbreak

DON GIBSON: Sea Of Heartbreak - YouTube

Dooly Mix: A banda que começou como brincadeira

O segundo single, "Everything and More" pegou a banda no seu melhor

Luís Alberto Alves/Hourpress

 Este trio pop de Debsey Wykes (vocal, baixo), Hester Smith (bateria) e Rachel Bor (guitarra) formaram um contraste acentuado contra o pós-punk dominante e a angústia se acumulando em Londres por volta de 1979 com bandas como Gang of Four sendo anunciadas na imprensa popular como as grandes coisas.

Originalmente, Dolly Mix era uma piada, montada por três amigas fingindo que estavam juntos em uma banda. Em fevereiro de 1978, ofereceram-se um show e decidiram que era melhor começarem a aprender a tocar instrumentos. Seu amor pelo glam, a melodia pop dos anos 60 e os Undertones combinados para uma raça de pop infeccioso, auto-proclamado como pós-punk, que iria influenciar todo o gênero indie pop. 

Executivos da A&R na Chrysalis captaram o hype em torno da banda e rapidamente tentaram transformá-los em um "grupo feminino" com um cover da música "Baby, It's You", de Betty Everett. A faixa falhou e o grupo começou a gravar com a nova gravadora de Paul Weller, Respond. O single resultante, "Been Teen", foi produzido pelo Capitão Sensível e Paul Gray dos Condenados. O segundo single, "Everything and More" pegou a banda no seu melhor.

Fora desse momento, a banda fez shows pela Inglaterra, gravou várias sessões com John Peel, e apareceu no Top of the Pops como reforço para o Capitão Sensível nas músicas "Happy Talk", "Wot!", e "Glad It's All Over". Essa exposição foi vista com emoções mistas pela banda, que de repente foi mais reconhecida por sua musicalidade de apoio do que por seu próprio trabalho.

Em 1983, eles lançaram o single "Remember This" em sua própria gravadora, Dead Good Dollys Platters, que tinha um estranho lado B com vozes fragmentadas, Wykes no piano e Bor nas cordas, um combo que jogou fora seu público mais tradicional e amante do pop. Este som continuaria no EP The Fireside de 1984 em Cordelia.

Seu álbum completo foi uma coleção de demos - originais e covers - e foi lançado em Dead Good Dollys Platters em 1984, pouco antes da banda se separar. O LP duplo foi embalado na manga do Álbum Branco dos Beatles e foi autografado e numerado. Faixas significativas incluem "Foxy Foxy" de Mott the Hoople e "Femme Fatale", do Velvet Underground, bem como originais como "Dead Rainbow", que foi um tributo ao cantor de glam rock Gary Glitter.

Depois de Dolly Mix, Wykes e Smith formaram o Coming Up Roses, um grupo de dança pop que existiu até novembro de 1986. Smith então se aposentou da música e Wykes começou Birdie com o colaborador Paul Kelly de Saint Etienne. Bor tocou com a banda Fruit Machine até 1999.

Baby it's you

Dolly mixture - Baby it's you - YouTube

Everything And More

Dolly Mixture - Everything And More - YouTube

Rickie Lee Jones: Espírito criativo em nome da boa música

 

Expandiu seu repertório estilístico em seu segundo LP, Piratesde 1981

Luís Alberto Alves/Hourpress

Poucos artistas que ganharam fama nos anos 70 soaram tão individuais e ecléticos quanto Rickie Lee Jones. Seu maior sucesso comercial veio no início de sua carreira, mas um espírito criativo inquieto, combinado com uma recusa teimosa de se encaixar confortavelmente em qualquer nicho musical, assegurou seu status como uma heroína cult altamente conceituada. Letrista cujo trabalho refletia as influências dos poetas beat, um compositor que podia tecer Jazz, Folk e R&B em canções com uma sensibilidade pop distinta, e um vocalista com um instrumento expressivo e esfumaçado, Jones fez um respingo em 1979 com seu álbum de estreia autointitulado, um conjunto cheio de personagens memoráveis e boho cool que ganhou elogios da crítica e clicou com os ouvintes mainstream graças ao hit "Chuck E's in Love". 

Jones expandiu seu repertório estilístico em seu segundo LP, Piratesde 1981 , que adicionou sabores de Rock e Soul à mistura, e o EP Girl at Her Volcano de 1983 foi um set ao vivo que a encontrou abrindo suas asas como uma vocalista interpretativa. (Foi o primeiro de vários álbuns que ela lançaria em que ela colocava sua própria marca no trabalho de outros compositores.) Como os anos 90 deram lugar aos anos 2000, Jones continuou a explorar novas direções, experimentando com trip-hop em Ghostyheadde 1997 , oferecendo broadsides políticos em The Evening of My Best Day de2003 , entregando uma visão decisivamente pessoal sobre a fé com The Sermon on Exposition Boulevardde 2007 , e tendo um olhar introspectivo em sua própria vida em Balm em Gileadde 2009 . Ela assumiu o controle total de apresentar sua música ao mundo quando fundou sua própria gravadora para lançar The Other Side of Desire de 2015 e Kicksde 2019. Seja qual for a direção que Jones escolher seguir, seu trabalho sempre reflete sua conexão pessoal com a música e uma visão criativa intransigente.

Jones nasceu em 8 de novembro de 1954, em Chicago, mas a relação volátil entre sua mãe e seu pai resultou em uma educação que a levou a todos os lugares, de Phoenix, Arizona, a Olympia, Washington, onde uma expulsão encerrou sua carreira escolar. Na adolescência, Jones saiu de casa e começou a subir e descer a Costa Oeste antes de se estabelecer em Los Angeles em meados dos anos 70. Lá, ela trabalhou em uma série de trabalhos de garçonete enquanto ocasionalmente se apresentava em clubes da área, onde cantava e aprimia seus monólogos únicos e influenciados por Beat. Ela também começou um relacionamento com o colega Boho Tom Waits.

Sua primeira medida de sucesso foi como compositora; depois que seu amigo Ivan Ulz cantou a composição de Jones"Easy Money" por telefone para Lowell George, o ex-vocalista doLittle Feat incluiu-o em seu álbum Thanks I'll Eat It Here. Então, em 1978, a demo de quatro músicas de Joneschamou a atenção do executivo da Warner Bros. Lenny Waronker,que alistou Russ Titleman para coproduzir seu autointitulado LP de 1979. Estimulado pelo sucesso do hit de jazz "Chuck E's in Love", Rickie Lee Jones tornou-se um sucesso comercial e criticamente, ganhando elogios pelos vocais elásticos de Jones,jogo de palavras vívido e fusão única de folk, jazz e R&B.

Com a continuação de 1981, Pirates, ela avisou que sua música não ficaria parada; empregando estruturas de músicas mais longas e complexas, suas letras abordavam temas de evolução, mudança e morte. Dois anos depois, ela retornou com Girl at Her Volcano, uma coleção de EP de padrões deJazz ao vivo e tomadas de estúdio; com The Magazinede 1984, ela fez outra curva à esquerda, juntando-se ao compositor James Newton Howard para sua mais astuta e mais sintetizada saída até hoje.

Depois de tirar alguns anos de folga das gravações, ela reapareceu com o sterling Flying Cowboysde 1989, produzido por Walter Becker, de Steely Dan,e gravado com a ajuda do maravilhoso trio escocês, o Nilo Azul. Don Foi assumiu as rédeas da produção para pop popde 1991 , no qual Jones cobriu baladas que variam de origem de Tin Pan Alley para o Haight-Ashbury enquanto apoiado por músicos de jazz, incluindo Charlie Haden e Joe Henderson. Depois de Traffic from Paradise de1993, ela embarcou em uma turnê acústica; Naked Songs, um documento desses shows desconectados, seguido em 1995. Ghostyhead foi lançado em 1997 e o disco de padrões It's Like This apareceu três anos depois.

Jones retornou ao material original em 2003 com The Evening of My Best Day, um álbum que expressou sua raiva e decepção com a política americana contemporânea. Durante o verão de 2005, Rhino lançou a antologia de três CDs de Coolsville. Dois anos depois, ela lançou The Sermon on Exposition Boulevard, uma impressionante coleção de canções baseadas no livro the Words, do amigo Lee Cantelon,de 1997. Balm in Gilead, outro álbum que encontrou Jones explorando temas pessoais e espirituais, seguiu-se em 2009. Em 2012, ela retornou com o álbum devil you knowproduzido por Ben Harper. Para seu próximo projeto, ela optou por proteger sua visão única, assumindo o controle total do processo; The Other Side of Desire de 2015 foi financiado através de uma campanha de crowdfunding online e lançado por Jones através de sua própria gravadora, Other Side of Desire Music. Agravadora de Jones também lançou seu próximo álbum, Kicks,de 2019, no qual ela colocou seu próprio selo em um conjunto de músicas pop e padrões com a ajuda de uma banda de músicos de Nova Orleans.

Chuck E's In Love

Rickie Lee Jones Chuck E's In Love; - YouTube

 Danny's All Star Joint

Rickie Lee Jones - Danny's All Star Joint - YouTube

 Satellite

Rickie Lee Jones - Satellite - YouTube

Brenda Ray: outro grande nome do Reggae

 

 Projeto que envolvia a reedição de faixas da gravadora Desaquisa Desaquia

Luís Alberto Alves/Hourpress

Estacionada no noroeste da Inglaterra no final dos anos 70, Brenda Ray começou sua carreira musical na era do pós-punk, operando sob vários pseudônimos e fundindo instrumentação punk crua com ritmos de dança e influências do Reggae. Durante esse tempo, Ray produziu gravações de D.I.Y. como parte do nebuloso coletivo liverpudliano Naffi, operando como Naffi Sandwich e Brenda & the Beach Balls. 

Vários singles foram emitidos ao longo do início dos anos 80, todos em uma escala local incrivelmente obscura. Em meados dos anos 90, Ray estava auxiliando os produtores dereggae Sir Freddie Viadukt e Roy Cousins em um projeto que envolvia a reedição de faixas da gravadora Desaquisa Desaquia. 

Estimulada pelo projeto, Ray começou a gravar suas próprias composições, baseando-se em raízes originais ritmos de Reggae a partir dessas fitas vintage e superduque seus próprios vocais, melodica, e outros vários florescimentos. Esse processo se estendeu entre 1995 e 2005, com o resultado final sendo o álbum clássico cult de 2006 Walatta, um amálgama aclamado pela crítica de ritmos de rock de amantes e sonho deslocado. Em 2012, uma compilação do trabalho pós-punk de Raysurgiu na forma de D'Ya Hear Me!: Naffi Years, 1979-1983.

Sweet Romance

Brenda Ray - Sweet Romance - YouTube

D'Ya Hear Me! 

Brenda Ray - D'Ya Hear Me! (original version) - YouTube

 Dreamin'

Brenda Ray - Dreamin' - YouTube