Ethel Merman: A mulher que sacudiu a Broadway

Luís Alberto Alves

Ethel Merman era a principal intérprete de teatro musical americano de sua geração, criação de funções em 13 musicais da Broadway entre 1930 e 1959, e continuando a aparecer em shows de vez em quando através de 1970.

 Sua voz de clarim e enunciação exata eram perfeitos para  quando um artista de palco era obrigado a cantar alto o suficiente para ser ouvido na parte de trás do teatro sem amplificação.

Que fez dela uma favorita dos principais compositores da época, e ela apresentou algumas das canções mais memoráveis ​​de George Gershwin, Cole Porter e Irving Berlin.

Seu estrelato na Broadway, numa época em que o teatro musical foi uma das principais fontes para a música popular americana, oferecida nacionalmente suas oportunidades em outras áreas do entretenimento, incluindo aparições pessoais, registros, filmes, rádio e televisão. Mas sua verdadeira casa foi nos palcos da Broadway, e é aí que ela passou a maior parte de seu tempo por 40 anos.

Merman começou a cantar quando criança e entreter em campos militares durante a Primeira Guerra Mundial I. Ela se tornou uma secretária depois de se formar no Ensino Médio, mas gradualmente construiu uma carreira cantando em boates e vaudeville.

Em setembro de 1930,  atingiu o auge do sucesso vaudeville, gravando no Palace Theater em Nova York. Até então, no entanto, já estava se preparando para fazer uma transição para o teatro legítimo, e em 13 de outubro de 1930, abriu em um papel de destaque no musical da Broadway Girl Crazy, com músicas de George e Ira Gershwin, atraindo uma atenção considerável com sua performance de "I Got Rhythm."

O show teve 272 performances, fechando 06 de junho de 1931, e ela encontrou tempo durante seu funcionamento para continuar suas aparições discoteca e para trabalhar nos estúdios Paramount Pictures de Nova York, onde apareceu em filmes curtos, e em seguida, fez sua estreia no cinema.

Em 1º de outubro de 1931, fez um teste de gravação de "Life Is Just a Bowl of Cherries" para RCA Victor Records, mas não realizou a sua primeira gravação até uma sessão de Victor um ano depois, em 29 de Setembro de 1932, que produziu uma versão de Irving Berlin de "How Deep is Ocean?"

Em 12 de Outubro de 1950, Merman voltou à Broadway no próximo musical de Irving Berlin, Call Me Madam. Ele correu 644 apresentações, até 03 de maio de 1952, e ela ganhou um prêmio Tony. RCA Victor possuía os direitos sobre o álbum Broadway elenco original, mas ela ainda estava sob contrato com a Decca.

Ela desempenhou o papel antipático com entusiasmo, cantando "Everything's Coming Up Roses" e a violenta tour de force "Rose's Turn” canções escritas por Jule Styne e Stephen Sondheim. 

O show abriu em 21 de maio de 1959, e correu 702 performances, até 25 de março de 1961, e ela não só ficou com ele durante toda a Broadway, mas também realizou uma turnê nacional que corria um adicional de nove meses. O álbum elenco chegou ao número 13 e permaneceu nas paradas por mais de dois anos. Pela primeira vez, ela queria muito fazer a adaptação cinematográfica de 1962, e teria sido quase a idade apropriada para ele, mas foi jogada fora do papel por Rosalind Russell. Continuou nesta vida agitada até 1984, quando um tumor cerebral a levou embora para sempre, como maior estrela feminina da Broadway.

Soul Ballet: Mistura de Jazz com Soul Music = Erotismo

Luís Alberto Alves

Idealizado pelo produtor, arranjador, programador, e multi-instrumentista Rick "R. K." Kelly, Soul Ballet mistura jazz contemporâneo fresco, suave com batidas eletrônicas pulsantes e uma atmosfera moody surpreendentemente escuro.

 Kelly é ocasionalmente acompanhado por uma seção rítmica ao vivo, bem como uma série de vocalistas convidados (cujas fileiras incluíram Stefani, Annika, e Billy Valentine), mas para a maior parte, é o seu show. álbuns alma de Ballet incluem a estréia de 1996, 1998 da viagem a noite fantástica, e 2000 de Vibe Cinema.

Betty Hutton: Cantora versátil das grandes big bands

Luís Alberto Alves

Conhecida como uma das artistas mais versáteis e energéticas de todos os tempos, Betty Hutton foi uma cantora da banda, realizada em off Broadway, no cinema, no palco, e em casas noturnas. Sua gama de atriz provou que ela fosse capaz de ambos os papéis cômicos e dramáticos, além de os musicais esperados.

Hutton nasceu Betty June, em Battle Creek, MI, filha de um trabalhador de estrada de ferro e uma dona de casa. Sua irmã, Marion Hutton também despontou na indústria de entretenimento como cantora no grupo The Modernaires e na orquestra de Glenn Miller.

Em 1923, o pai de Hutton deixou a família e sua mãe e mudou-se para Detroit, em busca de uma vida melhor para seus filhos. Com a idade de nove anos, Hutton começou sua carreira de cantora. Com o incentivo de sua mãe,  cantou em jardins de cerveja e para as bandas locais e resort.

Em 1936, viajou para a Broadway, mas voltou a Detroit depois de ser dito que ela nunca faria isso. Determinada a vencer, Hutton continuou a cantar e dançar em clubes em Detroit.

No Clube Continental em Detroit, tem uma pausa quando Vincent Lopez assinou com ela para cantar com sua orquestra sob o nome Betty Darling. Em 1939, se apresentou em vários filmes musicais curtas: uma para o Livro com Hal Sherman Three Kings and a Queen, e  1 com Chaz Chase, Hal LeRoy, e Sextette de Emerson. Com determinação e esforço, Hutton finalmente chegou à Broadway em 1940.

Fez sua estréia na Broadway em dois para a mostra com o então recém-chegados Eve Arden, Alfred Drake, Richard Haydn, Tommy Wonder e Keenan Wynn.

Estava bem no seu caminho para uma carreira musical de sucesso, quando  conheceu o produtor B.G. DeSylva. Ele lhe deu um papel em seu musical da Broadway Panama Hattie. Ela cantou "Fresh as a Daisy," "They Ain't Doin' Right by Our Nell," and "All I Gotta Get Is My Man." O coro incluiu grandes nomes do canto como Lucille Bremer, Janis Carter, e Vera Ellen.

Quando DeSylva assumiu Paramount em 1941, a carreira única de Hutton floresceu mais. Ela se apresentou em 14 filmes em 11 anos, incluindo Happy Go Lucky, Annie Get Your Gun com Howard Keel, Let's Dance with Fred Astaire, e The Miracle of Morgan's Creek.

Em 1952, depois de uma disputa com a Paramount, Hutton deixou Hollywood e filmes para executar na Broadway, em concertos e discotecas, e para gravar suas obras. Em 1953,  voltou a Nova York para atuar no Palace Theater com as The Skylarks e o comediante Dick Shawn.

Cantou muitos sucessos de cinema e recebeu ótimas críticas. Os próximos 12 anos viu Hutton fazendo aparições na televisão em programas como a Lei de Gunsmoke e Burke. Em 1967, a vida de Hutton voltou-se para desespero quando sua mãe faleceu e ela declarou falência.

Resolveu estudar Direito, tornando-se especialista em doutorado honorário. Passou a lecionar e cantar em universidades. Apesar de muitos contratempos, Hutton é reconhecida por suas técnicas de canto e dança. Morreu em 2007 aos 86 anos.

Hellen Forrest: A cantora que o sucesso era sua companhia

Luís Alberto Alves

Uma das mais populares cantoras de banda da era grande, um artista que alguns podem não considerar uma vocalista de Jazz, mas com excepcional capacidade de letras para projeto e também uma excelente intérprete. Forrest usou vários nomes no início de sua carreira, entre eles o Blue Lady e Bonnie Blue.

Ela começou a cantar na banda de seu irmão em Washington, DC, em seguida, foi destaque na banda de Artie Shaw depois de Billie Holiday a deixou em 1938.

 Forrest juntou Benny Goodman quando Shaw dissolvida em 1939, permanecendo até 1941. Ela gravou com trio de Nat King Cole e Lionel Hampton em 1940, em seguida, começou a marcar visitas de trabalho com a orquestra de Harry James.

 Durante os anos de 1940, ela teve seqüência de sucessos. Mais tarde,  se uniu com Dick Haymes em seu programa de rádio e em seis duetos que foram grandes sucessos.

Forrest reduziu as atividades na década de 50, em seguida, cantou com a Orquestra de Tommy Dorsey liderado por Sam Donahue no início dos anos de 1960. Ela continuou a trabalhar no circuito de clube nos anos de  1970 e 1980, fazendo um novo álbum para Stash em 1983. Forrest morreu 11 de julho de 1999 aos 82 anos.

Carol Kidd: Uma grande dama do Jazz

Luís Alberto Alves

Por mais de uma década, a cantora de jazz Carol Kidd conseguiu puxar a onda consistentemente de elogios, "Best Awards", e honras de uma arena constituída por grandes nomes de todos os tempos, como Peggy Lee, Ella Fitzgerald e Sarah Vaughan.

Nascida em Glasgow, Escócia, Kidd tem conhecido desde quando tinha cinco anos de idade que ela era uma cantora. Ao levantar três filhos e execução de um hotel, ela cantou a tempo parcial toda a Inglaterra, realizando no palco e na televisão.

Sua carreira profissional em tempo integral começou em 1990, quando Frank Sinatra a convidou para se apresentar ao vivo com ele em Ibrox Stadium, Glasgow, na frente de uma grande multidão. Os amantes do jazz britânico deram elogios e Kidd foi convidada para cantar no internacionalmente aclamado de Ronnie Scott Clube de Londres, onde foi ouvida por Tony Bennett. O impulso de seu sucesso pegou e ela foi eleita a Melhor Intérprete no Edinburgh International Jazz.

Em 1990, também assinou com a Linn Records, e a gravadora lançou seu álbum de estréia, The Night We Called It a Day, eleito a Melhor Gravação de Jazz no Reino Unido. Após receber o prêmio de Melhor Vocalista em Cannes, passou a receber diversos convites no restante da Europa, Extremo Oriente e Estados Unidos.

Eva Cassidy: A cantora que fez sucesso após sua morte

Luís Alberto Alves

A história da vida de Eva Cassidy se parece com enredo de filme dramalhão. Nascida em Washington, a garota tímida ganhou respeito como intérprete magistral de qualquer gênero musical por causa da sua agilidade técnica e paixão em pesquisar o lado emocional de qualquer trabalho musical que colocasse sua voz.

Mesmo com este potencial, as gravadoras não se interessavam pelo seu trabalho, por causa do repertório eclético. Por lado ela não aceitava usar a camisa de força imposta pelo show biz. Só em 1996 começou a fazer pequenos discos, quando apareceu um câncer em sua vida, se espalhando por todo o corpo. Após sua morte, sua música ganhou o coração dos DJs e sua antologia vendeu 1 milhão de exemplares na Inglaterra.

Nascida em 1963 em Oxon Hill, Maryland, aos nove anos já gostava de cantar, inclusive Jazz e Folk. Logo aprendeu a tocar guitarra. Não demorou em surgir um conjunto familiar, que passou a se apresentar nos parques da cidade. Na adolescência cantou numa banda de Pop/Rock, Stonehenge enquanto cursava o Ensino Médio.

 Depois engatou a marcha como backing vocal em conjuntos de amigos. Em 1986 um amigo sugeriu que ela colocasse sua voz numa balada pop. No estúdio conheceu o produtor Chris Biondo, que ficou impressionado com seu talento. A partir dali iria sempre aquele local para fazer backing vocal em diversos discos, inclusive em canções de Black Music.

Em 1991 juntou forças com o funk man Chuck Brown, que até não tinha conhecido o gosto doce do sucesso. Ao seu lado gravou Jazz e Blues e Soul. Passaram a se apresentar em Washington. Perdeu a insegurança dos shows ao vivo. As gravadoras passaram a correr atrás dela.

Três anos depois, já com o câncer estourando no seu pescoço, a Blues Notes Records apostou no talento Eva numa levada Jazz/Pop da Filadélfia, conhecida como Pieces of a Dream. Saiu o single “ Goodbye Manhattan”. Em 1996 fez dois shows no D.C. Club Blues Alley. Dali saiu o disco Live at Blues Alley, reunindo canções que cantou ali.

Seria o único álbum solo de sua vida. Mudou-se para Annapolis e resolveu pintar murais em escolas. Passou a ter problemas de saúde. Uma radiografia revelou o seu quadril quebrado. Exames mostraram que o câncer havia se espalhado por todo o corpo, atingindo pulmões e ossos.

Num show beneficente teve forças para soltar a linda voz, quando interpretou “What a Wonderdul World”. Poucos dias depois morreu O disco que ela havia trabalhado com Biondo antes de sua partida final, Eva by Heart saiu pela Liaison Records em 1997. Quando a cantora de Folk Music, Grace Griffith passou a interpretar os hits de Eva, o público britânico começou a procurar seu disco.

A BBC apresentou programas contando sua vida. Em 2000 saiu um CD, Time After Time,  trazendo 12 músicas inéditas (oito de estúdio e quatro ao vivo). Em 2011 saiu outros discos, como Simply Eva, incluindo composições desconhecidas e em 2015 veio The Best of Eva Cassidy, com 31 canções de 1996.

Norah Jones: A talentosa filha de RaviShankar Jones

Luís Alberto Alves

A vocalista e pianista Norah Jones desenvolveu uma mistura única de Jazz e Pop vocal tradicional, com toques de Country Blues e Folk contemporânea, devido em grande parte à sua criação original. A filha de Ravi Shankar, Jones cresceu no Texas com sua mãe. Enquanto ela sempre achou a música de Billie Holiday e Bill Evans tanto intrigante e reconfortante, ela não realmente explorou Jazz até assistir Dallas 'Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts.

 Durante o Ensino Médio[LO1] [LO2] , Jones ganhou a Down Beat Estudante Music Awards de Melhor Jazz Vocalista e Melhor Composição Original em 1996, e ganhou um segundo prêmio de Melhor Jazz Vocalista em 1997. Colocando seus talentos vocais em banho-maria, Jones trabalhou no sentido de obter uma licenciatura em jazz piano na Universidade de North Texas por dois anos antes de aceitar a oferta de um amigo de um sublocação de verão em Greenwich Village durante o verão de 1999.

Embora toda a intenção de voltar para a faculdade, a atração dos cafés populares e clubes de jazz provou ser demasiado forte e ela logo foi inspirada a escrever suas próprias canções. Jones apareceu regularmente com a banda de Trip-Hop-Eletronica Wax Poetic e montado seu próprio grupo em torno de compositores Jesse Harris (guitarra) e Lee Alexander (baixo), com Dan Rieser na bateria.

Em outubro de 2000, o grupo gravou um punhado de demos para a Blue Note Records e sobre a força dessas gravações, Jones assinou com a gravadora de Jazz no início de 2001. Após uma aparição no Canções de Charlie Hunter do Parque Analog, Jones passou grande parte de 2001 tocando ao vivo com o grupo de Hunter e trabalhando em material para a sua estreia.

Come Away With MeCOMe Away with Me, gravado por Craig Street (Cassandra Wilson, Manhattan Transfer, K. D. lang) e o lendário produtor Arif Mardin (Aretha Franklin, Dusty Springfield, os Bee Gees), foi lançado no início de 2002 e recebeu muita atenção do público. A combinação de sua beleza marcante e o fato de que ela era a filha de um músico de renome internacional colocou Jones na incômoda posição de defender sua música daqueles que rejeitou-a como mais um rostinho bonito (o mesmo argumento usado por aqueles que se opõem a Diana Krall) e / ou de outra montando coattails de sua herança real musical (ver Natalie Cole, Miki Coltrane, Corey Parker).

 Apesar de não ser por qualquer trecho um álbum de "jazz" (a etiqueta escolheu para chamá-lo de "jazz-informado"), que contou com o guitarrista de Jazz Bill Frisell e o baterista Brian Blade, e indicou uma nova direção para a Blue Note, combinando a estética do Jazz e talento com uma sensibilidade pop. Come Away with Me eventualmente foi multi-platina, vendendo 18 milhões de cópias em todo o mundo e ganhar Jones oito Grammy Awards.

Em 2004,  lançou seu tão aguardado álbum seguinte, Feels Like Home. Emparelhamento mais uma vez com o produtor Arif Mardin, Jones seguiu uma abordagem semelhante à Come Away With Me, mistura dos anos 70 faixas da cantora / compositora de estilo com Blues, Country, e sua própria mellow assumir jazz piano. Em 2003, Jones tocou em um grupo chamado Little Willies, juntamente com Lee Alexander (baixo), Richard Julian (guitarra / vocal), Dan Rieser (bateria), e Jim Campilongo (guitarra), trazendo covers de música americana clássico como Hank Williams , Willie Nelson, e Kris Kristofferson.

 Este desempenho one-off, em última análise se transformou em espetáculos esporádicos no local sempre que os seus horários individuais permitiria, incorporando lentamente canções originais para o seu conjunto ao longo do caminho. Com o tempo, o pequeno Willies começou a considerar o lançamento de um álbum ao vivo, mas em vez disso acabou documentando seu som no estúdio de gravação. Ordenha de Bull Records lançou o álbum auto-intitulado resultante na Março de 2006.

Not Too Late Late em 2006, o single "Thinking About You", anunciou um retorno à sua carreira solo. Ele caiu no álbum Not Too Late, lançado no início de 2007. A queda chegou em 2009, seguido em 2010 por ... Featuring Norah Jones, uma coleção de colaborações musicais. No ano seguinte, foi solicitada a fornecer alguns vocais para Danger Mouse (aka Brian Burton) e projeto de faroeste do compositor italiano Daniele Luppi, Roma.

Burton retornou o favor em 2012 produzindo e co-escrevendo as músicas do quinto álbum de estúdio de Jones, pequenas Broken Hearts. Ela próxima uniu com Billie Joe Armstrong do Green Day em um projeto para recriar os clássicos 1958 Everly Brothers canções do álbum de Our Daddy Taught Us. Gravado em nove dias, com o baixista Tim Luntzel eo baterista Dan Rieser, Foreverly foi lançado em 2013.

Fundo de Quintal e o samba perdem o talento de Mario Sérgio

Mario Sérgio era um dos grandes nomes do samba da Vai-Vai e do Fundo de Quintal

Luís Alberto Alves

Foi em 1985 que conheci Mario Sergio, falecido no sábado (29) em Nilópolis (RJ), sempre com seu banjo nas rodas da Vai-Vai nas tardes de domingo no bairro do Bixiga, região central de São Paulo. Nos muitos anos que ali fiquei, nunca o vi de mau humor. Era amigo de todos. Quando resolvi comprar um cavaquinho, perguntei a ele se conhecia um bom conservatório para estudar música. Indicou o Souza Lima, no Jardim Paulista, perto da Alameda Jaú, a alguns quarteirões da Vai-Vai.

O samba ainda era discriminado. Tocava pouco nas rádios e raramente aparecia nos programas de televisão. Certa vez o procurei para cifrar uma canção que havia feito. Com a maior boa vontade, em fração de segundos deixou tudo perfeito. De formação clássica, Mario Sergio conhecia música profundamente. Todos tiravam o chapéu para ele.

Mesmo quando resolveu entrar num grupo Fundo de Quintal em 1991, estava presente nos desfiles da Vai-Vai, acompanhando quem cantava o samba no sambódromo do Anhembi. Levava a sério. Cumprimentava desde o empurrador de carro alegórico aos destaques de luxo, contaminados pelo excesso de estrelice.

Hoje não faço mais parte do mundo das escolas de samba, de onde estou distante há 20 anos. Porém quando soube da morte de Mario Sérgio me veio à lembrança as tardes de domingo e desfiles, primeiro na Tiradentes e depois no Anhembi, quando nos encontrávamos para cantar e tocar samba de qualidade, composições que se tivessem sido gravadas estariam na boca do povo até hoje. Mario cumpriu o ritual imposto pela vida. Afinal de contas todos nós teremos o nosso dia de despedida final deste mundo. Para ele foi no sábado (29).

Shelby Lynne: A gatinha que mistura Blues, Soul, Roots Rock, Jazz e Pop Music

Luís Alberto Alves

Até o momento Shelby Lynne ganhou seu Best New Artist Grammy, ela já tinha completado seis álbuns e teve mais de uma década de experiência de gravação em seu currículo. No entanto, de certa forma, o prêmio era apropriado, já que o disco  I Am Shelby Lynne a fez obter o controle de sua música, após alguns anos à procura de identidade.

O trabalho de Lynne variou através do  Blues, Soul Sul, Roots Rock, balanço ocidental, Jazz e Pop Music Contemporânea; naturalmente, que o ecletismo fez difícil para o mercado, e também resultou em pressão para gravar material radio-friendly mais comercial, que realmente não se adequar a ela. Uma vez que Lynne colocou todas as peças juntas, encontrou-se não abraçado pelo mainstream país, mas pelos críticos de rock, o público britânico, e a multidão alt-country / Americana.

Sunrise Lynne nasceu Shelby Lynne Moorer em Quantico, Virginia, em 1968, e passou a maior parte de sua infância em Jackson, Alabama. Seu pai era um bandleader local e sua mãe uma professora-cantando a harmonia; como as crianças, ela e sua irmã mais nova Allison - mais tarde um país gravação artista em seu próprio direito - às vezes se juntou seus pais no palco para cantar junto.

No entanto, o pai de Lynne era um alcoólatra violento que em um ponto a tinha jogado na cadeia; quando Lynne tinha 17 anos, ele atirou em sua esposa morta na garagem da família, em seguida, virou a arma contra si mesmo, enquanto suas filhas observavam. Lynne se encarregou de levantar sua irmã e se casou com seu namorado da escola (embora brevemente) antes de sua mudança para Nashville.

Lá, Lynne gravou algumas músicas demo, que lhe conseguiu uma aparição na série TNN's Nashville Now que a levou a um dueto com George Jones, para 1988 do Top 50 hit "If I Could Bottle This Up”, rendendo contrato com a Epic Records, onde juntou forças com o lendário produtor Billy Sherril no seu disco de estreia, Sunrise.

A crítica a considerou sempre um talento emergente, quando ganhou o prêmio Horizon em 1991. Dois anos depois saiu da Epic para entrar na Morgan Creek Records lançando o disco Temptations, mesclando Western Swing e Jazz big-band. Quatro anos após mudou para a Restlees, voltando ao estilo Contemporâneo. Depois sumiu do mercado por anos.

Em 2000 apareceu na Island Records apresentando o disco I  Am Shelby Lynne, fazendo sucesso no Reino Unido. Ganhou um Grammy de Melhor Artista Novo em 2001. Três anos após entrou em crise de identidade no CD de estreia na Capitol Records. Sete anos depois saiu outro álbum, numa homenagem a Dusty Springfield. Em 2011 passou a escrever, produzir e tocar todos os instrumentos no lançamento do álbum Revelation Road.

Terri Clark: Do Canadá para a Country Music de Nashville

Luís Alberto Alves

Como sua contemporânea Shania Twain, a cantora / compositora Terri Clark veio de assalto do Canadá e capturou a atenção da indústria da Country Music dos Estados Unidos em meados dos anos de 1990. Onde Twain incorporou mais elementos de Rock & Roll em sua música, Clark, em grande parte ficou mais perto de suas raizes do país, mesmo que elas fossem as do Honky incondicional.

 Cresceu em Medicine Hat, Alberta, Clark (nascida em Montreal, 05 de agosto de 1968) foi parte de uma família musical. Seus avós, Ray e Betty Gauthier, eram estrelas no Canadá, abrindo shows para artistas como George Jones e Little Jimmy Dickens, enquanto sua mãe cantou canções populares em cafés locais.

Quando criança, Terri ouviu gravações da avó e aprendeu a tocar guitarra sozinha. Na adolescência passou a cantar, tocar e se deliciar com a Country Music, inspirada por RebaMcEntire, The Judd e Linda Ronstadt. Após conclusão do Ensino Médio, em 1987, mudou-se para Nashville e apareceu no Tootsie Orchid Lounge e perguntou se poderia cantar por ali.

Levou tempo para ganhar confiança das gravadoras locais. Durante sete anos gramou em clubes e outros serviços para obter um contrato. Nessa época conheceu o violinista Ted Stevenson. Em 1994 mandou uma fita para a Mercury Records e o presidente da empresa gostou dela. No ano seguinte saiu seu primeiro álbum de estúdio. A partir dai sua história mudou.

O segundo disco explodiu nas paradas e assim caminhou até a Mercury lançar uma coletânea abrangendo o período 1994/2004, seguido do CD Life Goes On em 2005. Ao sair dessa gravadora, criou o próprio selo, Tracks, com seus discos distribuídos pela Capitol Records. Em 2009 saiu o CD Long Way Home. Seguido do DVD Live at Cedar Creek em 2010.

Julie Roberts: A cara do sucesso

Luís Alberto Alves

Julie Roberts começou sua carreira em casa em Lancaster, SC, cantando ambos os gêneros favoritos do  país e  Blues. Ela se mudou para Nashville depois de uma temporada na Universidade da Carolina do Sul, para assistir a Universidade Belmont e talvez encontrar-se uma carreira como um artista de gravação.

Após a faculdade, Roberts trabalhou nos escritórios da Mercury Nashville, mas não deixou transparecer sobre suas aspirações, passar noites cantando com combos locais e estabelece faixas demo.

Esse material fez o seu caminho para produtor Brent Rowan, que por sua vez, trouxe-a para Luke Lewis em, de todos os lugares, Mercury. O selo assinado Roberts em 2003 e emitiu sua estréia 25 de maio de 2004. Dois anos mais tarde veio Men & Mascara, que encontrou Roberts co-escrever quatro das canções.