Reportagens com clipes descrevendo histórias de artistas famosos,
principalmente de intérpretes da Black Music, além de destacar a importância do Blues no Showbiz.
Sandie ficou famosa ao vencer o Festival Eurovisão da Canção, em 1967
Sandie Shaw ficou famosa em toda a Europa ao vencer o Festival Eurovisão da Canção em 1967, aos 20 anos, com o hit "Puppet on a String". Sua carreira esteve repleta de sucessos, com três primeiros lugares nas paradas britânicas. Mais duas de suas famosas canções são "(There´s) Always Something There to Remind", "Long Live Love".
Uma das sacadas de marketing de Sandie foi ter cantado descalça em Viena, na época em que disputou o Festival citado acima. Já na década de 1960, ela era consciente em relação ao seu talento. Também estudou psicoterapia, para conhecer profundamente o comportamento das pessoas, principalmente aquelas que viviam ao seu redor.
Sandie é uma das heroínas musicais de Morrissey, ex-vocalista dos The Smiths. Com o grupo no vlipe "Hand in Glove", música famosa do conjunto de Manchester em 1985. Não há dúvida de que a Europa rendeu-se ao carisma e talento dela, ao vencer o Festival Eurovision da Canção.
Conseguiu deixar gravada na mente do público europeu a imagem da moça que dançava e cantava de pés descalços. Acabou conquistar vários fãs, dentre eles estão a vocalista Chrissie Hynde, da banda The Pretenders e a dupla Morrissey e Johnny Marr dos The Smiths.
Foi na década de 1980 que Sandie deu uma nova guinada na carreira, ao cantar em dueto com Chrissie num dos shows dos Pretenders, além de gravar com The Smiths singles, considerados atualmente verdadeiros cult, como "Jeane", "I Don´t Owe You Anything" e Hand in Glove"
Para vários críticos, Dusty é considerada a melhor cantora branca de Soul Music de todos os tempos
A estrela de Dusty Springfield brilhou até os 59 anos, quando um câncer de mama a matou em 1999. Cantora britânica, nascida em Londres em 1939, descobriu que tinha jeito para a Pop Music após sair da escola em 1958 aos 19 anos.
Logo tratou de entrar num grupo vocal, neste caso o Lana Sisters. Ali ficou até 1960, quando resolveu criar o trio The Springfields com o irmão Dion O´Brien e Tim Feild.
Três anos depois emendou a carreira solo, gravando o sucesso "I Only Want to Be With You", inspirada no estilo "Wall of Sound" de Phil Spector. Outros de seu hits que ganharam as paradas foram "Wishin´and Hopin", "I Just Don´t Know What to Do With Myself" (1964), "You Don´t Have to Say You Love Me" (1966) e "Son of a Preacher Man" (1969).
Durante o período em que esteve na ativa, trabalhou para tornar os artistas de Soul Music mais conhecidos no Reino Unido, desenvolvendo e apresentando em 1965 o programa The Sound of Motown, edição especial da série de TV Ready Steady Go com os melhores artistas da lendária Motown Records.
Quando ocorreu a "invasão" britânica nos Estados Unidos, Dusty foi a que provocou mais impacto no mercado norte-americano de Show Biz. De 1963 a 1970, colocou 18 singles no Hot 100 da Billboard, além de ganhar o título de Melhor Cantora Britânica pelos leitores da New Musical Express em 1964, 1965 e 1968.
Para muitos críticos, Dusty é
considerada uma das melhores intérpretes brancas de Soul Music de todos
os tempos. Em 1966 ganhou o Prêmio Cash Box como melhor cantora do ano.
Sua voz de menina cativou vários fãs, isto é visível no hit de Burt Bacharah, "The Look of Love", gravado por ela em 1967.
Na década de 1980 fez dueto com Pet Shop Boys no hit " What Have I Done to Deserve This?" Prosseguiu na cantando até descobrir que tinha câncer de mama em 1995. Quatro anos depois morreu em sua terra natal na Inglaterra. Durante sua carreira pouco vezes comentou sobre sua vida sexual, mas dizia que era homossexual.
Brincadeira que resultou num disco clássico do Rock
Para disfarçar a paixão pela mulher do amigo George Harrison, ex-guitarrista dos Beatles, Eric Claptou teve a ideia de criar uma banda de Blues/Rock chamada Derek and The Dominos na Primavera de 1970. Entraram em estúdio e produziram um álbum duplo. Na época o disco não vendeu quase nada. Tremendo fracasso comercial. Mas o passar do tempo o transformou num clássico do Rock. Por ironia do destino, a faixa título, "Layla"(na época mulher do ex-Beatles George Harrison) era uma declaração de amor, em claro sinal de adúlterio.
Eric Clapton adotou o pseudônimo de Derek, após tocar em outras bandas como Yardbirds, John Mayall´s, Cream e Blind Faith. Os Dominos eram o tecladista Bobby Whitlock, o baixista Carl Radle e o baterista Jim Gordon, todos remanescentes do conjunto Delaney and Bonnie and Friends, com quem Clapton já havia tocado algumas vezes. A maioria das canções é resultado de sessões de improviso sem qualquer compromisso sério. A proposta era economizar tempo e dinheiro. O autor do célebre riff no hit "Layla", Duane Allman, tinha ocupado a vaga de Clapton naquela banda. Porém as brigas entre Delaney e Bonnie Bramlett acabaram com o grupo. Jim Gordon (bateria) e Carl Radle (baixo) ficaram com Leon Russell na turnê do álbum Mad Dogs and Englishmen de Joe Cocker, enquanto Bobby Whitlock ficou com os Bramletts. Steve Cropper (guitarrista que produziu aquele que seria o último disco de Otis Redding em 1967) aconselhou que Whitlock procurasse Clapton na Inglaterra. Foi e morou alguns meses na casa dele. Nessa época participou de várias jams e escreveu canções que fariam parte do primeiro e último disco da futura banda Derek and The Dominos.
O curioso dessa história maluca é que até o show de estreia ao vivo no Lyceum Theatre de Londres, em 14 de junho de 1970, o conjunto Derek and The Dominos não tinha nome definido. Eram chamados de Eric Clapton and Friends. Foi quando o mestre de cerimônicas Jeff Dexter, amigo de Clapton, perguntou se não teria um nome melhor para a banda. Como o show era a apresentação do álbum All Things Must Pass, de George Harrison, ele e Clapton sugeriram Derek and The Dominos. Antes disso, o destino fez Clapton trazer Duane Allman para tocar guitarra no hit "Layla". Os solos mais pareciam um trem sem freios na descida, numa dos riffs mais inesquecíveis da história do Rock, deixando em segundo plano o célebre solo do hino nacional dos Estados Unidos que Jimi Hendrix tocou no festival de Woodstock. Ao término da gravação, o produtor Tom Dowd saiu impressionado do estúdio, afirmando que fora o melhor disco que gravara em 10 anos. A canção "Layla" ocupou o sétimo lugar nas paradas e depois atingiu o quarto posto em 1980.
A letra do hit falava sobre o amor não correspondido de Pattie Boyd, a mulher do melhor amigo de Clapton, o ex-Beatles George Harrison. Como não a conseguiu fazer largar o marido para ir morar com ele, Derek descarregou a paixão frustrada para a música deste álbum, fazendo diversas releituras de clássicos do Blues, de Big Bill Broonzy a Jimi Hendrix.
A banda emendou várias turnês por pequenas casas de shows da Grã Bretanha, em que Clapton escolheu para tocar no anonimato.Nos contratos era proibido usar o nome Eric Clapton para atrair público. Seria o mesmo, descontada as proporções, de Pelé no auge da fama jogar num time desconhecido usando o apelido de infância Dico. Visto que o pseudônimo de família de Clapton é Del. Como no final da primeira apresentação algumas pessoas chamaram o grupo de Eric and The Dynamos e outros sugeriram o nome de Del and The Dominos, saiu a contração Del e Eric, resultando em Derik.
A história toda começa com o trabalho de gravação sob supervisão do produtor Tom Dowd, no Criteria Studios de Miami. Como ainda faltava pimenta no molho, Dowd convidou Clapton para um concerto do The Allman Brothers Band. Era a primeira vez que Clapton ouviria Duane Allman tocando. Após o show, Clapton convidou a banda para uma jam session no Criteria Studios. Ficaram tocando 18 horas. Os engenheiros de som gravaram tudo.
As jams seriam lançadas anos mais tarde no segundo CD da caixa The Layla Sessions: 20th Anniversary Edition. Após as sessão, Allman interessou-se em ficar no estúdio observando os Dominos gravarem. Porém Clapton pediu que Duane trouxesse sua guitarra. Tocaram juntos a célebre "Tell the Truth". Naquele dia, Allman colocou riffs nas faixas "Nobody Knows You When You´re Down and Out", depois em outros dias fez o mesmo com "Key to the Highway", "Have Your Ever Loved a Woman" e "Why Does Love Got to Be So Sad".
Allman voltou a cumprir agenda de shows de sua banda. Neste período, Derek and The Dominos gravaram "I Looked Away", "Bell Bottom Blues" e "Keep on Growing". Dias depois Allman participou das faixas "I am Yours", "Anyday" e "It´s Too Late". Depois todos os músicos tocaram juntos na gravação de "Little Wing" e da célebre "Layla", onde Allman fez o famoso riff que entrou para a história do Rock And Roll. Apesar de todo o barulho, Allman recusou o convite de Clapton para participar de sua banda.
Depois a rapaziada colocou os pés na estrada para uma turnê regada a drogas. Visitaram diversas cidades norte-americanas. Allman, sem largar sua banda original, participou de dois concertos em Tampa, Flórida, (Curtis Hixon Hall) e Nova York (Onondaga Country War Memorial). Apesar de todos os músicos estarem bem alucinados, a turnê rendeu um bem sucedido álbum ao vivo, In Concert, gravado durante vários shows no Fillmore East em Nova York. Seis faixas desse disco foram resmaterizadas e inclusas em outro álbum ao vivo, Live at the Fillmore, lançado em 1994.
Mas a banda Derek and The Dominos não conseguiu andar muito na estrada do Show Biz. Na gravação do hit "Layla", Clapton ficou de baixo astral ao tomar conhecimento da morte de seu amigo e também guitarrista, Jimi Hendrix, encontrado morto num quarto de hotel de Londres sufocado pelo próprio vômito. Um ano depois Duane Allman morre num acidente de motociclete. As críticas negativas à canção "Layla" e as baixas vendas afetaram Clapton, o deixando longo período envolvido com drogas, principalmente heroína. O baixista Carl Radle morreu em 1980 em virtude do abuso de álcool e drogas, o baterista Jim Gordon, após tentar matar a própria mãe num surto psicótico, em 1984, está internado num hospício até hoje.O guitarrista Whitlock não tem mais amizade com Clapton.
Muitos imaginam que os grandes talentos do Blues só toquem guitarra, piano ou saxofone, piston ou trombone. Esquecem da gaita. Little Walter foi revolucionário na arte de soprar suas canções nesse instrumento pouco usado na maioria dos gêneros musicais. Nascido em 1930, em Rapides Parish, Estados da Lousiana, Walter acabou comparado a Charlie Parker e Jimi Hendrix, por causa do talento. Inovou e impactou sucessivas gerações de simpatizantes do Blues em todo o mundo. No Hall da Fama do Rock and Roll, onde está introduzido desde 2008, ele é o primeiro e único artista que ali entrou especificamente por causa do trabalho de tocar gaita. Walter aprendeu a tocar ainda criança, quando saiu da escola aos 12 anos e começou a viajar por várias cidades, entre elas Memphis, Helena, Arkansas e St.Louis. Aperfeiçou as habilidades nesse instrumento e guitarra tocando com velhos bluesman, como Sonny Boy Williamson II, Sunnyland Slim, Honeyboy Edwards e demais. Quando chegou a Chicago, com 15 anos, em 1945, passou a trabalhar como guitarrista, mas chamou a atenção quando soprava sua gaita. Segundo seu colega e bluesman, Floyd Jones, a primeira gravação de Walter foi uma demonstração inédita de algo que iria impactar o Blues. Porém ficava incomodado quando o som dos instrumentos de corda encobriam a gaita. A solução foi pegar um pequeno microfone nas mãos junto com ela e ligá-lo em um sistema de endereço público ou amplificador de guitarra. Competia com o volume de qualquer guitarrista.
Ao contrário de outros gaitistas de Blues contemporâneos, como Sonny Boy Williamson II e Snooky Pryor, que começaram a usar a tecnologia de amplificação recentemente disponível na mesma época apenas para o volume adicionado, Walter empurrou seus amplificadores para além do suas limitações técnicas, usando para explorar e desenvolver novos timbres radicais e efeitos sonoros inéditos de uma gaita ou qualquer outro instrumento. Foi o primeiro a utilizar propositalmente distorção eletrônica na música. Em 1947 começou a gravar seus primeiros discos na pequena Ora-Nelle Records. Ela funcionava no quarto dos fundos da Abram´s Bernard Abrams Maxwell Radio e guardou suas canções na Maxwell Street em Chicago. No ano seguinte entrou na banda de Muddy Waters e em 1950 tocava em gravações de Muddy para a Chess Records. Em 1951 gravou, usando o recurso de amplificação da gaita, no disco Country Boy de Muddy Waters. Após a saída da banda de Muddy em 1952, a Chess Records continuou o contratando para tocar em outras gravações. Como guitarrista gravou três músicas na ParkWay Records com Muddy e Baby Face Leroy Foster, que acabou lançado como CD, The Blues World of Little Walter, pela Delmark Records em 1993. O mesmo ocorreu com outro disco gravado junto com o pianista Eddie Ware e outras canções em que acompanhou Muddy Waters e Jimmy Rogers.
Seu maior sucesso é o hit "Juke", que estourou na Billboard R&B. Entre 1952 e 1958, ele apareceu nas paradas, inclusive com a canção "My Babe" (1955), sucesso comercial nunca alcançado por seus antigos companheiros de Blues, como Howlin ´Wold e Sonny Boy Williamson II. Seguindo a fórmula bem sucedida de "Juke", o restante de seus singles contou com uma performance vocal de um lado e gaita instrumental de outro. Várias de suas canções eram originais que escrevera ou adaptara e atualizou a partir de temas anteriores do Blues. Porém, o som acabava modernizado, sem a rigidez que outros gaitistas impunham quando tocavam esse gênero musical. Depois que saiu da banda de Muddy Waters, criou um grupo jovem com alguns músicos que já havia trabalhado em Chicago, como Junior Wells, os irmãos David Myers, o baterista Fred Below e nascia o conjunto The Jukes. Em 1955 alguns membros saíram, cedendo lugar aos guitarristas Robert Junior Lockwood e Luther Tucker, e o baterista Odie Payne Jr. Durante a década de 1950 também trabalharam com Walter os guitarristas Jimmie Lee Robinson e Freddie Robinson, além do saxofonista Albert Ayler e um pianista em início de carreira chamado Ray Charles.
O grande problema de Littler Walter era o alcoolismo e o nervosismo, que lhe provocara vários problemas, inclusive o declínio na fama, além de perder muito dinheiro, apesar de turnês bem-sucedidas pela Europa em 1964 e 1967. Numa delas, ele participou do American Folk Blues, do qual resultou em imagens registrada do seu desempenho no palco. A apresentação resultou num DVD lançado em 2004. Em outra, Walter aparece tocando na Alemanha as canções "My Babe"e "Mean Old World". O material rendeu outro DVD, disponível no mercado desde janeiro de 2009.
Em 1967, a Chess Records lançou um album de estúdio com Little Walter com Bo Diddley e Muddy Waters, conhecido como Super Blues. Após retornar de uma turnê na Europa, ele envolveu-se numa briga de rua após se apresentar em uma boate em Chicago. Ficou ferido e preferiu ir dormir na casa da namorada. No dia seguinte não acordou mais. Aos 38 anos, seu comportamento temperamental acabou responsável por matá-lo. Para muitos críticos, Walters é considerado o rei de todos os harpistas de Blues pós-guerra.
Chuck D (de camisa azul) é o fundador e cabeça pensante do Public Enemy
Quando se fala de Hip-Hop nunca se pode esquecer de Public Enemy, também conhecido nos Estados Unidos como PE. Desde 1982, quando surgiu pelas mãos de Chuck D, a temática política sempre está presente em suas composições, além de crítica à mídia. O ativismo nas causas de interesse da comunidade negra não fica esquecido. É um grupo musical com fortes pitadas de politização. Descontadas as proporções é algo parecido com os Racionais MCs no Brasil.
A história do Public Enemy começou em 1982 quando Carlton Ridenhour,
mais conhecido como Chuck D., ainda estudava na Universidade Adelphi, em
Long Island.
Na mesma época, Chuck conhece Hank Schocklee e Bill
Stephney, com quem dividiu a paixão pelo Hip-Hop. Shocklee, que nessa
altura gravava uma fita demo, deixou Chuck D fazer um RAP sobre uma de
suas composições, mais tarde batizada de "Public Enemy No.1". A demo
foi parar nas mãos de Rick Rubin, co-fundador da editora Def Jam, que
não hesitou em convidar Chuck D. para gravar.
Mesmo inseguro, ele aceitou o desafio, e convidou seus amigos
(Hank Schocklee e Bill Stephney) para fazer parte do projeto. Shocklee
ficou com o cargo de produtor e Stephney com o de promoção. Mais tarde,
eles se juntaram com o DJ Terminator X , além de Teacher Griff, que
assumiu o cargo de coreógrafo da banda. Para completar a equipe William
Drayton também passa a integrar o Public Enemy. William, que adotou o
título de Flavor Flav, tinha um inconfundível relógio gigante ao pescoço
como marca registrada.
Desde aquela época o objetivo do Public Enemy era modernizar as bases e batidas do RAP e levar para o gênero as discussões políticas e sociais norte-americanas. A banda com Terminator X., Teacher Griff e Flavor X. Em 1987 lançaram o primeiro álbum, Yo! Bum Rush the Show. No outro ano gravaram os hits "It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back". Depois vieram os sucessos "Don´t Believe The Hype" e "Rebel Without a Pause". O disco é sucesso de crítica e faz do Public Enemy uma grande banda, ultrapassando os limites do Hip-Hop.
Com "Fight of Power", presente na trilha do filme Faça a Coisa Certa, lançado em 1989 por Spike Lee, o Public Enemy mira sua metralhadora giratória para os ídolos brancos, como John Wayne e Elvis Presley. O filme mostra a intolerância e conflitos raciais numa comunidade multi-étnica no bairro de Bedford-Stuyesant no Brooklin, Nova York. O hit fica famoso dos simpatizantes do Hip-Hop. Nesse mesmo ano, Teacher Griff é expulso do grupo após supostas declarações anti-semitas ditas ao jornal The Washington Post.
Porém a banda continuaria a conservar o sucesso de crítica e público com os discos Fear of a Black (1990) e Apocalypse 91...The Enemy Strikes Black (1991). Nesse segundo, a banda regravou o tema "Bring The Noise", juntamente com "The Anthrax". O álbum ficou em quarto lugar na paradas da Billboard. Mas os problemas com drogas de Flavor Flav deixou a banda longe dos palcos em 1993, além de perder um pouco de cartaz junto à crítica, mesmo fazendo turnê ao lado da banda U2.
Em 1992 provocam polêmica com o clipe "By The Time I Get to Arizona", num protesto contra o Arizona, um dos dois Estados norte-americanos que não consideravam feriado a data de aniversário do líder negro e Prêmio Nobel da Paz de 1964, Martin Luther King, assassinado em 1968. Ficam cada vez mais populares. Principalmente quando Chuck D., diz que o RAP é a CNN da comunidade negra dos guetos. O ano de 1994 os traz de volta com disco Muse Sick-N-Hour Mess Age. Não bem-recebido pelos fãs. Nessa época Chuck D., resolve acabar com a banda, e investe na carreira solo, solidificando as relações com Def Jam. Dois anos depois lança o primeiro disco, Autobiography of MistaChuck. Mudou de ideia e anunciou um novo álbum do Public Enemy. Tudo tornou-se realidade em 1998 com gravação de "He Got Game", outra trilha sonora em mais um filme de Spike Lee. Em 1999 veio o álbum There´s a Poison Going On, após ficar disponível na internet. Três anos depois lançou Revolverlution, mesclando sucessos antigos e faixas inéditas. A banda colocou no mercado em 2005 uma coletânea com seus maiores hits, além de um novo álbum, New Whirl Odor. Outros CDs foram Rebirth of a Nation (2006), How You Sell Soul To A Soulless People Who Sold Their Soul??? (2007), Bring The Noise, Hits, Vids and Docs Box: Greatest Hits and Sounds (Chapter 2 1999-2009) (2010), Most of My Heroes Still Don´t Appear On No Stamp (2012), The Evil Empire of Everything (2012).
A Steel Pulse continua com a mesma energia política de 38 anos atrás
O ano de 1975 marcou a criação da banda de Reggae Steel Pulse. Tudo começou quando três rapazes descendentes de imigrantes jamaicanos, do bairro negro de Handsworth, na Grã Bretanha, resolveram colocar para fora suas frustrações, usando como canal a música. Nascia a Steel Pulse, uma das bandas mais admiradas pelos simpatizantes do Reggae em todo o mundo.
O grupo era formado pelo baixista Ronald McQueen e os guitarristas Basel Gabbidon e Dave Hinds. As letras descreviam a situação de quem residia na periferia britânica, pois na época era comum confrontos com a polícia e os moradores do local, além de um sistema educacional decadente e alta taxa de desemprego.
Em vez de escolher o crime como válvula de escape como ocorre em diversos países emergentes e em alguns de Primeiro Mundo, a rapaziada da Steel Pulse canalizou as energias para a música, e de qualidade. Era preciso manter o espírito em alta e a consciência quanto às sacanagens feitas pelo governo contra a minoria negra. Estavam preparando o terreno para reinado da Primeira Ministra Margareth Thatcher que assumiria o comando da Inglaterra em 1979 e aniquiliria o mínimo de conquistas que os trabalhadores e minorias tinham obtido nos anos anteriores.
Quando a terra é fértil, as sementes nascem e crescem rapidamente. Logo a banda Steel Pulse ganharia o reforço do tecladista Selwyn Brown, o baterista Steve Nisbett, o percussionista Alphonso Martin e o cantor Michael Riley. Durante três anos ensaiaram e lutaram por shows, fazendo covers de Burning Spear, Gladiators e Bob Marley, que se encontrava no auge.
O problema da Steel Pulse era encontrar locais para tocar. Visto que muitos clubes negros fechavam suas portas, por causa da má fama dos simpatizantes dos rastafaris. O curioso é que as melhores oportunidades vieram do movimento Punk, que na época abalavam as estruturas da indústria nacional britânica e do governo do Reino Unido.
Como estratégia de sobrevivência, alinharam-se à organização Rock Against Racism e coloram os pés no primeiro festival de música no começo de 1978. Escolheram fazer turnê com simpatizantes do movimento Punk, como The Stranglers, XTC, The Clash e The Police. Logo chamaram a atenção da Island Records, gravadora que apostou no talento de Bob Marley.
O primeiro lançamento da Steel Pulse foi o álbum Handsworth Revolution, centrando fogo na Ku Klux Klan, considerado um dos males do racismo nos Estados Unidos durante várias décadas. Era um dos principais marcos na evolução do reggae britânico, com apoio do produtor Peter King.
Por causa das letras engajadas, a Steel Pulse passou a abrir shows para Bob Marley em turnês pela Europa. A crítica adorou. O gerente da Island Records, Tom Terrel virou peça fundamental para planejar a estreia da Steel Pulse nos Estados Unidos na noite do funeral de Bob Marley, transmitido ao vivo para todo o mundo em 21 de maio de 1981.
Assinaram contrato com a Elektra Records e lançaram coleção consistente de canções desde o álbum Handsworth Revolution with True Democracy. Porém, a Elektra escolheu o caminho de tentar tornar a Steel Pulse mais popular, sugerindo que eles tocassem o Reggae água com açúcar, numa postura Pop/Reggae, estilo Eddy Grant. Seria como pedir para Martinho da Vila fazer samba "mela cueca" como ocorre com diversos grupos de pagodes atuais.
Gravaram o disco Babylon The Bandit, enfraquecido por um som mais comercial. Mas como grandes guerreiros incluiram a canção de protesto "Not King James Version" sobre a omissão do povo negro em diversos relatos em algumas versões da Bíblia. Como o fato de apresentar Jesus Cristo, os discípulos e outros profetas da Bíblia como homens loiros e de olhos azuis, quando na verdade não é essa a realidade escrita nos documentos originais em aramaico e hebraico. O próprio menino Davi, depois rei de Israel, era ruivo.Resultado: a Steel Pulse foi o primeiro e único grupo de Reggae britânico a ganhar o prêmio Grammy. Depois mudaram para a MCA Records. Por questão mercadológica mantiveram algums detalhes da época de Elektra Records. Lançaram o álbum Rastafari Centennial, gravado ao vivo no Elysee Montmartre, em Paris, e dedicado ao aniversário de cem anos de nascimento de Haile Selassie (segundo os rastafaris, ele seria descendente do filho de Salomão com a rainha de Sabá). Era o primeiro trabalho desde a saída do percussionista Alphonso Martin da banda.
Enfrentaram críticas injustas de fãs do reggae britânico nos Estados Unidos. Mas a Steel Pulse continuou a crescer, como a primeira banda deste estilo musical a aparecer no programa de televisão The Tonight Show. Em 1992 colocaram mais pimenta no molho quando desafiaram a Comissão de Justiça de Nova York, afirmando que os motoristas de táxi negros eram discriminados por causa de sua crença Rastafari. Antes em 1989 contribuiu com a trilha sonora do filme de Spike Lee, Faça a Coisa Certa. O ano de 1994 marcou a presença da banda em alguns dos maiores festivais de Reggae no mundo, como Reggae Sunsplash (EUA), Sunsplash Jamaica, Japão Splash e Northen California Reggae. Em 1997 lançou o disco Rage and Fury, com letras bem politizadas. O hit "The Terrorist Real" descreve a política clandestina da agência de espionagem norte-americana, a CIA. A canção "Black and Proud" fala dos avanços do Pan-africanismo. O guitarrista Dave Hinds, um dos fundadores da Steel Pulse ressalta que a proposta de suas músicas é abrir os olhos da população, principalmente dos jovens, que atualmente são presas fáceis das drogas e crimes, por falta de educação de qualidade. Em 2004, a Steel Pulse retornou às raízes como militantes do Holocausto Africano, o 11º disco da banda. Participaram Damian Marley, Capleton e Tiken Jah Fakoly. O álbum é uma coleção de canções de protesto e espiritual, incluindo a faixa "Global Warning", terrível aviso sobre a mudança climática. A composição " Tyrant" critica a corrupção política (tão comum em diversos países, inclusive no Brasil) e o hino pacifista " No More Weapons".
Seis anos depois soltaram o single " Hold On 4 Haiti", com 100% dos direitos autorais destinado àquele país, o primeiro a se tornar independente nas Américas e hoje o mais miserável do mundo. O dinheiro é para colocar energia elétrica nas clínicas de saúde por meio do fundo solar Electric Light and Partners In Health. A canção está disponível para dowload exclusivamente no holdon4haiti.org.Decorridos 38 anos de estrada, a Steel Pulse continua em turnê e trabalhando para o novo álbum que será lançando agora em 2013.
O balcão dos bares serviu de trampolim para a carreira artística da Lighthouse Family
Bares são locais para se encontrar amigos, além de tomar a bebida predileta. O diferencial de Tunde Baiyewu e Paul Tucker, na Grã Bretanha, é que eles usaram o local de trabalho para trampolim e formar a banda Lighthouse Family. Tudo começou em 1995, quando lançaram o disco Ocean Drive. Venderam mais de 1,6 milhão de cópias e ganharam o título de dupla mais popular da Europa. Dois anos depois colocaram nas paradas o hit "Postcards From Heaven", em 2001 veio "Whatever Gets You Through The Day" e "Relaxed & Remixed" (2004). Antes em 2003, Tunde Baiyewu, compositor e voz marcante da Lighthouse Family, escolheu a carreira solo, inclusive estourando nas paradas com a canção "Great Romantic". Mesmo assim a banda continuou com o pé na estrada, fazendo turnês por toda a Europa. O último grande sucesso do grupo foi o hit "Ain´t No Sunshine", cuja canção estourou na trilha sonora do filme "Um Lugar Chamado Notting Hill", com Julia Roberts e Hugh Grant. O diferencial da Lighthouse Family é a aposta em Soul Music de raiz, como ocorriam com diversas bandas surgidas nas décadas de 1950 e 1960. Para matar a saudade é bom ouvir os hits "(I Wish I Knew How It Would Feel To Be) Free/One", "Goodbye Heartbreaker", "Happy", "High", "Life´s a Dream", "Lifted", "Lost in Space", "Question of Fait", "Raincloud", "Run", "Whatever Gets You Through The Day" e " You Always Want What You Haven´t Got".
.jpg)
