Reportagens com clipes descrevendo histórias de artistas famosos,
principalmente de intérpretes da Black Music, além de destacar a importância do Blues no Showbiz.
Uma das maiores
estrelas da Broadway de sua época, Bernadette Peters foi amplamente aclamada
como o melhor atriz cantando a vir longitudinalmente desde Barbra Streisand.
Nascida Bernadette Lazzara em 28 de Fevereiro de 1948, em Nova York, começou a cantar e dançar quando era criança,
e já membro do Patrimônio Atores por
nove anos de idade.
Por volta de 1959,
ao adotar o nome artístico Peters, apareceu em um revival das mais feliz Fella,
posteriormente co-estrelar uma turnê estrada de Gypsy; no entanto, ela
retirou-se de executar por um tempo, extensivamente estudando atuar e cantar
durante seus anos de atraso-adolescentes.
Em 1968, Peters
ganhou uma citação Teatro mundo por sua performance em George M !; Nesse mesmo
ano, também recebeu um Drama Desk Award
por sua vez cômico na paródia off-Broadway Dames at Sea.
Durante os anos de 1960
e início dos anos de 1970, no entanto, sofreu uma série de decepções teatrais, entre
elas produções de On the Town, La Strada, W. C., e Mack e Mabel; como
resultado, em meados dos anos de 1970 também foi aparecendo regularmente em papéis
no cinema e na televisão.
Voltando à Broadway,
atingiu novos picos de sucesso como a estrela de um par de musicais de Stephen
Sondheim. Durante o final dos anos de 1980, ela montou um ato hit cabaré, que
se concentrou em grande parte, mostrar músicas, mas também incluía uma
cobertura eficaz de Hank Williams "I'm So Lonesome I Could Cry." Após
um retorno decepcionante para Hollywood, Peters reapareceu na Broadway em 1993,
estrelando o espetáculo The Goodbye Girl, que teve apenas 200 apresentações.
Carol Channing tem
trabalhado principalmente como uma atriz de teatro cômico e cantora, juntamente
com filmes e televisão aparições ocasionais. Uma loira de pernas longas com os
olhos bonitos e uma voz que varia de um guincho bebê para um rosnado barítono,
ela tem um estilo de grandes dimensões que foi melhor expressa em seus dois
papéis de assinatura: como Lorelei Lee em Gentlemen Prefer Blondes e, como
Dolly Levi em Hello, Dolly !
Channing participou
do Bennington College onde estudou dança e teatro, em seguida, dirigiu-se para
Nova York, onde se apresentou em clubes antes de fazer sua estréia na Broadway
no coro de um musical em 1941. Depois mudou-se para Los Angeles, onde trabalhou
como modelo e entrou no circuito de discoteca, depois retornou a Nova York em
1948.
No ano seguinte
ganhou um papel no filme “Os homens preferem as loiras”, depois estrelou o
musical “Diamantes são o melhor amigo de uma menina”, com 740 apresentações. Na
década de 1950 trabalhou em clubes e televisão. Em 1954, substituiu Rosalind
Russell no musical da Broadway “Cidade Maravilhosa”.
Channing apareceu na
televisão nos anos de 1960 e final dos anos 1970, enquanto fazia tour ao redor do mundo em uma série de musicais,
peças de teatro e espetáculos que incluiu Carol Channing com Her Stout-Hearted
Men (1970), Four on a Garden (1971), Cabaret (1972), Festival at Ford's (1972),
e Carol Channing and Her Gentlemen Who Prefer Blondes (1972).
Em 1973, realizou um
passeio de uma versão revista da Gentlemen Prefer Blondes, sob o título
Lorelei. Ela estreou na Broadway em 24 de Janeiro de 1974, e correu para fora
da temporada, depois voltou para a estrada em 1975. Em 1977, voltou para seu papel mais popular com uma
turnê nacional de Hello, Dolly! que estreou na Broadway em 5 de Março de 1978.
Também em 1978 teve
uma participação especial no filme Sgt. Pepper's . Em 1986, excursionou nos the
play Legends com Mary Martin. Em 1995 retornou com outro espetáculo na
Broadway.
Ethel Merman era a
principal intérprete de teatro musical americano de sua geração, criação de
funções em 13 musicais da Broadway entre 1930 e 1959, e continuando a aparecer
em shows de vez em quando através de 1970.
Sua voz de clarim e enunciação exata eram
perfeitos para quando um artista de
palco era obrigado a cantar alto o suficiente para ser ouvido na parte de trás
do teatro sem amplificação.
Que fez dela uma
favorita dos principais compositores da época, e ela apresentou algumas das
canções mais memoráveis de George Gershwin,
Cole Porter e Irving Berlin.
Seu estrelato na
Broadway, numa época em que o teatro musical foi uma das principais fontes para
a música popular americana, oferecida nacionalmente suas oportunidades em
outras áreas do entretenimento, incluindo aparições pessoais, registros,
filmes, rádio e televisão. Mas sua verdadeira casa foi nos palcos da Broadway,
e é aí que ela passou a maior parte de seu tempo por 40 anos.
Merman começou a
cantar quando criança e entreter em campos militares durante a Primeira Guerra
Mundial I. Ela se tornou uma secretária depois de se formar no Ensino Médio,
mas gradualmente construiu uma carreira cantando em boates e vaudeville.
Em setembro de 1930,
atingiu o auge do sucesso vaudeville,
gravando no Palace Theater em Nova York. Até então, no entanto, já estava se
preparando para fazer uma transição para o teatro legítimo, e em 13 de outubro
de 1930, abriu em um papel de destaque no musical da Broadway Girl Crazy, com
músicas de George e Ira Gershwin, atraindo uma atenção considerável com sua
performance de "I Got Rhythm."
O show teve 272
performances, fechando 06 de junho de 1931, e ela encontrou tempo durante seu
funcionamento para continuar suas aparições discoteca e para trabalhar nos
estúdios Paramount Pictures de Nova York, onde apareceu em filmes curtos, e em
seguida, fez sua estreia no cinema.
Em 1º de outubro de 1931,
fez um teste de gravação de "Life Is Just a Bowl of Cherries" para
RCA Victor Records, mas não realizou a sua primeira gravação até uma sessão de
Victor um ano depois, em 29 de Setembro de 1932, que produziu uma versão de
Irving Berlin de "How Deep is Ocean?"
Em 12 de Outubro de
1950, Merman voltou à Broadway no próximo musical de Irving Berlin, Call Me Madam.
Ele correu 644 apresentações, até 03 de maio de 1952, e ela ganhou um prêmio
Tony. RCA Victor possuía os direitos sobre o álbum Broadway elenco original,
mas ela ainda estava sob contrato com a Decca.
Ela desempenhou o
papel antipático com entusiasmo, cantando "Everything's Coming Up
Roses" e a violenta tour de force "Rose's Turn” canções escritas por
Jule Styne e Stephen Sondheim.
O show abriu em 21 de maio de 1959, e correu 702
performances, até 25 de março de 1961, e ela não só ficou com ele durante toda
a Broadway, mas também realizou uma turnê nacional que corria um adicional de
nove meses. O álbum elenco chegou ao número 13 e permaneceu nas paradas por
mais de dois anos. Pela primeira vez, ela queria muito fazer a adaptação
cinematográfica de 1962, e teria sido quase a idade apropriada para ele, mas
foi jogada fora do papel por Rosalind Russell. Continuou nesta vida agitada até
1984, quando um tumor cerebral a levou embora para sempre, como maior estrela
feminina da Broadway.
Luís Alberto Alves Idealizado pelo produtor, arranjador, programador, e multi-instrumentista Rick "R. K." Kelly, Soul Ballet mistura jazz contemporâneo fresco, suave com batidas eletrônicas pulsantes e uma atmosfera moody surpreendentemente escuro. Kelly é ocasionalmente acompanhado por uma seção rítmica ao vivo, bem como uma série de vocalistas convidados (cujas fileiras incluíram Stefani, Annika, e Billy Valentine), mas para a maior parte, é o seu show. álbuns alma de Ballet incluem a estréia de 1996, 1998 da viagem a noite fantástica, e 2000 de Vibe Cinema.
Conhecida como uma
das artistas mais versáteis e energéticas de todos os tempos, Betty Hutton foi
uma cantora da banda, realizada em off Broadway, no cinema, no palco, e em
casas noturnas. Sua gama de atriz provou que ela fosse capaz de ambos os papéis
cômicos e dramáticos, além de os musicais esperados.
Hutton nasceu Betty
June, em Battle Creek, MI, filha de um trabalhador de estrada de ferro e uma
dona de casa. Sua irmã, Marion Hutton também despontou na indústria de
entretenimento como cantora no grupo The Modernaires e na orquestra de Glenn
Miller.
Em 1923, o pai de
Hutton deixou a família e sua mãe e mudou-se para Detroit, em busca de uma vida
melhor para seus filhos. Com a idade de nove anos, Hutton começou sua carreira
de cantora. Com o incentivo de sua mãe, cantou em jardins de cerveja e para as bandas
locais e resort.
Em 1936, viajou para
a Broadway, mas voltou a Detroit depois de ser dito que ela nunca faria isso. Determinada
a vencer, Hutton continuou a cantar e dançar em clubes em Detroit.
No Clube Continental
em Detroit, tem uma pausa quando Vincent Lopez assinou com ela para cantar com
sua orquestra sob o nome Betty Darling. Em 1939, se apresentou em vários filmes
musicais curtas: uma para o Livro com Hal Sherman Three Kings and a Queen, e 1 com Chaz Chase, Hal LeRoy, e Sextette de
Emerson. Com determinação e esforço, Hutton finalmente chegou à Broadway em
1940.
Fez sua estréia na
Broadway em dois para a mostra com o então recém-chegados Eve Arden, Alfred
Drake, Richard Haydn, Tommy Wonder e Keenan Wynn.
Estava bem no seu
caminho para uma carreira musical de sucesso, quando conheceu o produtor B.G. DeSylva. Ele lhe deu
um papel em seu musical da Broadway Panama Hattie. Ela cantou "Fresh as a
Daisy," "They Ain't Doin' Right by Our Nell," and "All I
Gotta Get Is My Man." O coro incluiu grandes nomes do canto como Lucille
Bremer, Janis Carter, e Vera Ellen.
Quando DeSylva
assumiu Paramount em 1941, a carreira única de Hutton floresceu mais. Ela se
apresentou em 14 filmes em 11 anos, incluindo Happy Go Lucky, Annie Get Your
Gun com Howard Keel, Let's Dance with Fred Astaire, e The Miracle of Morgan's
Creek.
Em 1952, depois de
uma disputa com a Paramount, Hutton deixou Hollywood e filmes para executar na
Broadway, em concertos e discotecas, e para gravar suas obras. Em 1953, voltou a Nova York para atuar no Palace
Theater com as The Skylarks e o comediante Dick Shawn.
Cantou muitos
sucessos de cinema e recebeu ótimas críticas. Os próximos 12 anos viu Hutton
fazendo aparições na televisão em programas como a Lei de Gunsmoke e Burke. Em
1967, a vida de Hutton voltou-se para desespero quando sua mãe faleceu e ela
declarou falência.
Resolveu estudar
Direito, tornando-se especialista em doutorado honorário. Passou a lecionar e
cantar em universidades. Apesar de muitos contratempos, Hutton é reconhecida
por suas técnicas de canto e dança. Morreu em 2007 aos 86 anos.
Uma das mais
populares cantoras de banda da era grande, um artista que alguns podem não
considerar uma vocalista de Jazz, mas com excepcional capacidade de letras para
projeto e também uma excelente intérprete. Forrest usou vários nomes no início
de sua carreira, entre eles o Blue Lady e Bonnie Blue.
Ela começou a cantar
na banda de seu irmão em Washington, DC, em seguida, foi destaque na banda de
Artie Shaw depois de Billie Holiday a deixou em 1938.
Forrest juntou Benny Goodman quando Shaw
dissolvida em 1939, permanecendo até 1941. Ela gravou com trio de Nat King Cole
e Lionel Hampton em 1940, em seguida, começou a marcar visitas de trabalho com
a orquestra de Harry James.
Durante os anos de 1940, ela teve seqüência de
sucessos. Mais tarde, se uniu com Dick
Haymes em seu programa de rádio e em seis duetos que foram grandes sucessos.
Forrest reduziu as
atividades na década de 50, em seguida, cantou com a Orquestra de Tommy Dorsey
liderado por Sam Donahue no início dos anos de 1960. Ela continuou a trabalhar
no circuito de clube nos anos de 1970 e 1980,
fazendo um novo álbum para Stash em 1983. Forrest morreu 11 de julho de 1999
aos 82 anos.
Por mais de uma
década, a cantora de jazz Carol Kidd conseguiu puxar a onda consistentemente de
elogios, "Best Awards", e honras de uma arena constituída por grandes
nomes de todos os tempos, como Peggy Lee, Ella Fitzgerald e Sarah Vaughan.
Nascida em Glasgow,
Escócia, Kidd tem conhecido desde quando tinha cinco anos de idade que ela era
uma cantora. Ao levantar três filhos e execução de um hotel, ela cantou a tempo
parcial toda a Inglaterra, realizando no palco e na televisão.
Sua carreira
profissional em tempo integral começou em 1990, quando Frank Sinatra a convidou
para se apresentar ao vivo com ele em Ibrox Stadium, Glasgow, na frente de uma
grande multidão. Os amantes do jazz britânico deram elogios e Kidd foi
convidada para cantar no internacionalmente aclamado de Ronnie Scott Clube de
Londres, onde foi ouvida por Tony Bennett. O impulso de seu sucesso pegou e ela
foi eleita a Melhor Intérprete no Edinburgh International Jazz.
Em 1990, também
assinou com a Linn Records, e a gravadora lançou seu álbum de estréia, The
Night We Called It a Day, eleito a Melhor Gravação de Jazz no Reino Unido. Após
receber o prêmio de Melhor Vocalista em Cannes, passou a receber diversos
convites no restante da Europa, Extremo Oriente e Estados Unidos.
A história da vida de Eva Cassidy se parece
com enredo de filme dramalhão. Nascida em Washington, a garota tímida ganhou
respeito como intérprete magistral de qualquer gênero musical por causa da sua
agilidade técnica e paixão em pesquisar o lado emocional de qualquer trabalho
musical que colocasse sua voz.
Mesmo com este
potencial, as gravadoras não se interessavam pelo seu trabalho, por causa do
repertório eclético. Por lado ela não aceitava usar a camisa de força imposta
pelo show biz. Só em 1996 começou a fazer pequenos discos, quando apareceu um
câncer em sua vida, se espalhando por todo o corpo. Após sua morte, sua música
ganhou o coração dos DJs e sua antologia vendeu 1 milhão de exemplares na
Inglaterra.
Nascida em 1963 em
Oxon Hill, Maryland, aos nove anos já gostava de cantar, inclusive Jazz e Folk.
Logo aprendeu a tocar guitarra. Não demorou em surgir um conjunto familiar, que
passou a se apresentar nos parques da cidade. Na adolescência cantou numa banda
de Pop/Rock, Stonehenge enquanto cursava o Ensino Médio.
Depois engatou a marcha como backing vocal em
conjuntos de amigos. Em 1986 um amigo sugeriu que ela colocasse sua voz numa
balada pop. No estúdio conheceu o produtor Chris Biondo, que ficou
impressionado com seu talento. A partir dali iria sempre aquele local para
fazer backing vocal em diversos discos, inclusive em canções de Black Music.
Em 1991 juntou
forças com o funk man Chuck Brown, que até não tinha conhecido o gosto doce do
sucesso. Ao seu lado gravou Jazz e Blues e Soul. Passaram a se apresentar em
Washington. Perdeu a insegurança dos shows ao vivo. As gravadoras passaram a
correr atrás dela.
Três anos depois, já
com o câncer estourando no seu pescoço, a Blues Notes Records apostou no
talento Eva numa levada Jazz/Pop da Filadélfia, conhecida como Pieces of a
Dream. Saiu o single “ Goodbye Manhattan”. Em 1996 fez dois shows no D.C. Club
Blues Alley. Dali saiu o disco Live at Blues Alley, reunindo canções que cantou
ali.
Seria o único álbum
solo de sua vida. Mudou-se para Annapolis e resolveu pintar murais em escolas.
Passou a ter problemas de saúde. Uma radiografia revelou o seu quadril
quebrado. Exames mostraram que o câncer havia se espalhado por todo o corpo,
atingindo pulmões e ossos.
Num show beneficente
teve forças para soltar a linda voz, quando interpretou “What a Wonderdul World”.
Poucos dias depois morreu O disco que ela havia trabalhado com Biondo antes de
sua partida final, Eva by Heart saiu pela Liaison Records em 1997. Quando a
cantora de Folk Music, Grace Griffith passou a interpretar os hits de Eva, o
público britânico começou a procurar seu disco.
A BBC apresentou
programas contando sua vida. Em 2000 saiu um CD, Time After Time, trazendo 12 músicas inéditas (oito de estúdio
e quatro ao vivo). Em 2011 saiu outros discos, como Simply Eva, incluindo
composições desconhecidas e em 2015 veio The Best of Eva Cassidy, com 31
canções de 1996.
A vocalista e
pianista Norah Jones desenvolveu uma mistura única de Jazz e Pop vocal
tradicional, com toques de Country Blues e Folk contemporânea, devido em grande
parte à sua criação original. A filha de Ravi Shankar, Jones cresceu no Texas
com sua mãe. Enquanto ela sempre achou a música de Billie Holiday e Bill Evans
tanto intrigante e reconfortante, ela não realmente explorou Jazz até assistir
Dallas 'Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts.
Durante o Ensino Médio[LO1][LO2],
Jones ganhou a Down Beat Estudante Music Awards de Melhor Jazz Vocalista e
Melhor Composição Original em 1996, e ganhou um segundo prêmio de Melhor Jazz
Vocalista em 1997. Colocando seus talentos vocais em banho-maria, Jones
trabalhou no sentido de obter uma licenciatura em jazz piano na Universidade de
North Texas por dois anos antes de aceitar a oferta de um amigo de um
sublocação de verão em Greenwich Village durante o verão de 1999.
Embora toda a
intenção de voltar para a faculdade, a atração dos cafés populares e clubes de
jazz provou ser demasiado forte e ela logo foi inspirada a escrever suas
próprias canções. Jones apareceu regularmente com a banda de Trip-Hop-Eletronica
Wax Poetic e montado seu próprio grupo em torno de compositores Jesse Harris
(guitarra) e Lee Alexander (baixo), com Dan Rieser na bateria.
Em outubro de 2000,
o grupo gravou um punhado de demos para a Blue Note Records e sobre a força
dessas gravações, Jones assinou com a gravadora de Jazz no início de 2001. Após
uma aparição no Canções de Charlie Hunter do Parque Analog, Jones passou grande
parte de 2001 tocando ao vivo com o grupo de Hunter e trabalhando em material
para a sua estreia.
Come Away With
MeCOMe Away with Me, gravado por Craig Street (Cassandra Wilson, Manhattan
Transfer, K. D. lang) e o lendário produtor Arif Mardin (Aretha Franklin, Dusty
Springfield, os Bee Gees), foi lançado no início de 2002 e recebeu muita
atenção do público. A combinação de sua beleza marcante e o fato de que ela era
a filha de um músico de renome internacional colocou Jones na incômoda posição
de defender sua música daqueles que rejeitou-a como mais um rostinho bonito (o
mesmo argumento usado por aqueles que se opõem a Diana Krall) e / ou de outra
montando coattails de sua herança real musical (ver Natalie Cole, Miki
Coltrane, Corey Parker).
Apesar de não ser por qualquer trecho um álbum
de "jazz" (a etiqueta escolheu para chamá-lo de
"jazz-informado"), que contou com o guitarrista de Jazz Bill Frisell
e o baterista Brian Blade, e indicou uma nova direção para a Blue Note,
combinando a estética do Jazz e talento com uma sensibilidade pop. Come Away
with Me eventualmente foi multi-platina, vendendo 18 milhões de cópias em todo
o mundo e ganhar Jones oito Grammy Awards.
Em 2004, lançou seu tão aguardado álbum seguinte, Feels
Like Home. Emparelhamento mais uma vez com o produtor Arif Mardin, Jones seguiu
uma abordagem semelhante à Come Away With Me, mistura dos anos 70 faixas da cantora
/ compositora de estilo com Blues, Country, e sua própria mellow assumir jazz
piano. Em 2003, Jones tocou em um grupo chamado Little Willies, juntamente com
Lee Alexander (baixo), Richard Julian (guitarra / vocal), Dan Rieser (bateria),
e Jim Campilongo (guitarra), trazendo covers de música americana clássico como
Hank Williams , Willie Nelson, e Kris Kristofferson.
Este desempenho one-off, em última análise se
transformou em espetáculos esporádicos no local sempre que os seus horários
individuais permitiria, incorporando lentamente canções originais para o seu conjunto
ao longo do caminho. Com o tempo, o pequeno Willies começou a considerar o
lançamento de um álbum ao vivo, mas em vez disso acabou documentando seu som no
estúdio de gravação. Ordenha de Bull Records lançou o álbum auto-intitulado
resultante na Março de 2006.
Not Too Late Late em
2006, o single "Thinking About You", anunciou um retorno à sua
carreira solo. Ele caiu no álbum Not Too Late, lançado no início de 2007. A
queda chegou em 2009, seguido em 2010 por ... Featuring Norah Jones, uma
coleção de colaborações musicais. No ano seguinte, foi solicitada a fornecer
alguns vocais para Danger Mouse (aka Brian Burton) e projeto de faroeste do
compositor italiano Daniele Luppi, Roma.
Burton retornou o
favor em 2012 produzindo e co-escrevendo as músicas do quinto álbum de estúdio
de Jones, pequenas Broken Hearts. Ela próxima uniu com Billie Joe Armstrong do
Green Day em um projeto para recriar os clássicos 1958 Everly Brothers canções
do álbum de Our Daddy Taught Us. Gravado em nove dias, com o baixista Tim
Luntzel eo baterista Dan Rieser, Foreverly foi lançado em 2013.
Mario Sérgio era um dos grandes nomes do samba da Vai-Vai e do Fundo de Quintal
Luís Alberto Alves
Foi em 1985 que
conheci Mario Sergio, falecido no sábado (29) em Nilópolis (RJ), sempre com seu
banjo nas rodas da Vai-Vai nas tardes de domingo no bairro do Bixiga, região
central de São Paulo. Nos muitos anos que ali fiquei, nunca o vi de mau humor.
Era amigo de todos. Quando resolvi comprar um cavaquinho, perguntei a ele se
conhecia um bom conservatório para estudar música. Indicou o Souza Lima, no
Jardim Paulista, perto da Alameda Jaú, a alguns quarteirões da Vai-Vai.
O samba ainda era
discriminado. Tocava pouco nas rádios e raramente aparecia nos programas de
televisão. Certa vez o procurei para cifrar uma canção que havia feito. Com a
maior boa vontade, em fração de segundos deixou tudo perfeito. De formação
clássica, Mario Sergio conhecia música profundamente. Todos tiravam o chapéu
para ele.
Mesmo quando
resolveu entrar num grupo Fundo de Quintal em 1991, estava presente nos
desfiles da Vai-Vai, acompanhando quem cantava o samba no sambódromo do
Anhembi. Levava a sério. Cumprimentava desde o empurrador de carro alegórico
aos destaques de luxo, contaminados pelo excesso de estrelice.
Hoje não faço mais
parte do mundo das escolas de samba, de onde estou distante há 20 anos. Porém
quando soube da morte de Mario Sérgio me veio à lembrança as tardes de domingo
e desfiles, primeiro na Tiradentes e depois no Anhembi, quando nos encontrávamos
para cantar e tocar samba de qualidade, composições que se tivessem sido
gravadas estariam na boca do povo até hoje. Mario cumpriu o ritual imposto pela
vida. Afinal de contas todos nós teremos o nosso dia de despedida final deste
mundo. Para ele foi no sábado (29).
Até o momento Shelby
Lynne ganhou seu Best New Artist Grammy, ela já tinha completado seis álbuns e
teve mais de uma década de experiência de gravação em seu currículo. No
entanto, de certa forma, o prêmio era apropriado, já que o disco I Am Shelby Lynne a fez obter o controle de
sua música, após alguns anos à procura de identidade.
O trabalho de Lynne
variou através do Blues, Soul Sul, Roots
Rock, balanço ocidental, Jazz e Pop Music Contemporânea; naturalmente, que o
ecletismo fez difícil para o mercado, e também resultou em pressão para gravar
material radio-friendly mais comercial, que realmente não se adequar a ela. Uma
vez que Lynne colocou todas as peças juntas, encontrou-se não abraçado pelo
mainstream país, mas pelos críticos de rock, o público britânico, e a multidão
alt-country / Americana.
Sunrise Lynne nasceu
Shelby Lynne Moorer em Quantico, Virginia, em 1968, e passou a maior parte de
sua infância em Jackson, Alabama. Seu pai era um bandleader local e sua mãe uma
professora-cantando a harmonia; como as crianças, ela e sua irmã mais nova
Allison - mais tarde um país gravação artista em seu próprio direito - às vezes
se juntou seus pais no palco para cantar junto.
No entanto, o pai de
Lynne era um alcoólatra violento que em um ponto a tinha jogado na cadeia; quando
Lynne tinha 17 anos, ele atirou em sua esposa morta na garagem da família, em
seguida, virou a arma contra si mesmo, enquanto suas filhas observavam. Lynne
se encarregou de levantar sua irmã e se casou com seu namorado da escola
(embora brevemente) antes de sua mudança para Nashville.
Lá, Lynne gravou
algumas músicas demo, que lhe conseguiu uma aparição na série TNN's Nashville
Now que a levou a um dueto com George Jones, para 1988 do Top 50 hit "If I
Could Bottle This Up”, rendendo contrato com a Epic Records, onde juntou forças
com o lendário produtor Billy Sherril no seu disco de estreia, Sunrise.
A crítica a
considerou sempre um talento emergente, quando ganhou o prêmio Horizon em 1991.
Dois anos depois saiu da Epic para entrar na Morgan Creek Records lançando o
disco Temptations, mesclando Western Swing e Jazz big-band. Quatro anos após
mudou para a Restlees, voltando ao estilo Contemporâneo. Depois sumiu do
mercado por anos.
Em 2000 apareceu na
Island Records apresentando o disco I Am
Shelby Lynne, fazendo sucesso no Reino Unido. Ganhou um Grammy de Melhor
Artista Novo em 2001. Três anos após entrou em crise de identidade no CD de
estreia na Capitol Records. Sete anos depois saiu outro álbum, numa homenagem a
Dusty Springfield. Em 2011 passou a escrever, produzir e tocar todos os
instrumentos no lançamento do álbum Revelation Road.
