Suzanne Vega, outra grande estrela da Folk Music

Radiografia da notícia

* Além disso, seus singles de sucesso "Luka" e "Tom's Diner" ajudaram a convencer as gravadoras

* Sua associação com - e casamento com - o produtor experimental Mitchell Froom durante os anos 90 resultou em dois álbuns intrigantes

* Uma criança tímida e quieta, Vega, no entanto, aprendeu a cuidar de si mesma crescendo nos bairros violentos do Harlem espanhol

Luís Alberto Alves/Hourpress

Suzanne Vega estava entre as primeiras figuras importantes na safra abundante de cantoras/compositoras que ganharam destaque no final dos anos 80 e 90. Seu Folk-Pop contido e silencioso e suas letras altamente letradas (inspiradas principalmente por Leonard Cohen , bem como Lou Reed e Bob Dylan ) lançaram as bases musicais iniciais para o que mais tarde se tornou a marca registrada de Lilith Fair, uma turnê na qual ela participou. 

 Além disso, seus singles de sucesso "Luka" e "Tom's Diner" ajudaram a convencer as gravadoras de que cantores/compositores de estilo Folk não eram coisa do passado, abrindo caminho para avanços de Tracy Chapman , Michelle Shocked ,Shawn Colvin , Edie Brickell , as Indigo Girls e muitos outros. O sucesso comercial inicial de Vega ajudou a abrir portas para uma riqueza de talentos, pois ela conseguiu um álbum de platina com Solitude Standing de 1987 , e ela manteria um culto forte e dedicado de seguidores. 

Sua associação com - e casamento com - o produtor experimental Mitchell Froom durante os anos 90 resultou em dois álbuns intrigantes, 99.9 F de 1992 e Nine Objects of Desire de 1996 . Após seu doloroso divórcio, Vega voltou em 2001 com seu primeiro álbum em cinco anos, Songs in Red and Gray., que foi recebido com suas críticas mais fortes em uma década. Ela explorou arranjos jazzísticos em Beauty and Crime de 2007 e escreveu um show musical de uma mulher que foi documentado no álbum Lover, Beloved: Songs from an Evening with Carson McCullers de 2016.

Dylan

Suzanne Vega nasceu em 11 de julho de 1959, em Santa Monica, Califórnia; seus pais se divorciaram logo em seguida e, depois que sua mãe (uma guitarrista de jazz) se casou novamente com o romancista porto-riquenho Ed Vega, a família mudou-se para Manhattan. Uma criança tímida e quieta, Vega, no entanto, aprendeu a cuidar de si mesma crescendo nos bairros violentos do Harlem espanhol.

 Seus pais costumavam cantar canções folclóricas pela casa e, quando ela começou a tocar violão aos 11 anos, sentiu-se atraída pela poesia da música de cantores/compositores ( Dylan , Cohen ) e encontrou um refúgio do caos de Nova York no folk tradicional ( Woody Guthrie , Pete Seeger , Judy Collins , Joan Baez). Aos 14 anos, ela fez suas primeiras tentativas de escrever canções; no entanto, quando ela frequentou a High School for the Performing Arts na adolescência, foi para estudar dança, não música. 

Ela se formou na faculdade em 1982 e teve vários empregos diurnos de baixo nível enquanto rapidamente se tornava a maior esperança da cena folk de Greenwich Village. As gravadoras estavam relutantes em arriscar em um cantor/compositor mergulhado na música folk, já que viam poucas chances de qualquer retorno comercial. Após três anos de rejeições, Vega e seus empresários Ron Fierstein e Steve Addabbo finalmente convenceram a A&M (que a recusou duas vezes) a lhe dar uma chance, e ela assinou um contrato em 1983.

Choque

 O ex- guitarrista do Patti Smith Group, Lenny Kaye, foi contratado para co-produzir a estreia com Addabbo e dar-lhe um sabor mais suave e contemporâneo. Intitulado simplesmente Suzanne Vega , foi lançado em 1985 com muitos aplausos da crítica. Graças em parte ao single "Marlene on the Wall", o álbum foi um sucesso genuíno na Grã-Bretanha, onde acabou ganhando disco de platina; embora não tenha duplicado o sucesso na América, as vendas do álbum de 200.000 unidades ainda foram um choque para a A&M (e Vega).

 Para a sequência de 1987, Vega superou o bloqueio do escritor para criar um lote eclético de novo material e baseou-se em um acúmulo de canções que não se encaixavam na estreia. Novamente produzido por Kaye e Addabbo , Solitude Standing foi a melhor conquista de Vega; a riqueza e variedade de suas composições foram complementadas pelos arranjos mais exuberantes de banda completa e produção mais acessível (embora menos folk). O primeiro single do álbum, "Luka", foi um assombroso relato em primeira pessoa sobre abuso infantil, cuja letra concisa (e fictícia) tocou os ouvintes de rádio americanos.

 Como resultado, o álbum foi um sucesso instantâneo em ambos os lados do Atlântico; estreou no número dois no Reino Unido e ganhou ouro em três meses nos Estados Unidos, chegando ao número 11 e eventualmente chegando à platina. "Luka" alcançou o terceiro lugar nas paradas pop americanas - algo inédito para um cantor/compositor nos anos 80 antes de Vega - e foi indicado a três Grammys.

Coleção

 Em 2010, Vega lançou Close Up, vol. 1 e Close Up, vol. 2 - a primeira metade de uma proposta de coleção de quatro volumes de versões regravadas de canções de seu catálogo, todas apresentando arranjos despojados e sem adornos que destacam as letras e melodias - e seguiu as duas primeiras parcelas da série com Primeiro plano, vol. 3 em 2011. 

O lançamento final na sequência, Primeiro plano, vol. 4: Songs of Family , apareceu um ano depois, em 2012, e incluiu duas faixas inéditas - "The Silver Lady" e "Brother Mine" - que foram escritas por Vega mais de 30 anos antes. No início de 2013, ela apresentou um novo material com a ajuda de Gerry Leonard , seu diretor musical ao vivo. Isso resultou no álbum Tales from the Realm of the Queen of Pentacles , lançado em fevereiro de 2014.

 Em 2016, enquanto o show estava sendo revivido em Los Angeles, Vega lançou um álbum com suas canções, Lover, Beloved: Songs from an Evening with Carson McCullers . O álbum foi lançado pelo próprio selo de Vega, Amanuensis Productions. No início de 2019, ela fez uma residência no Café Carlyle de Nova York, cantando uma mistura de originais e covers informados pela vida na cidade de Nova York. 

#Tracy Chapman e sua linda voz em "Baby Can I Hold You"

Radiografia da notícia

* Aparentemente avessa a caprichos comerciais, Chapman conseguiu evitar as armadilhas da moda

* Entregue com uma graça terrena, suas melodias simples e letras comoventes, muitas vezes socialmente conscientes, ressoaram com fãs 

* Ainda um artista socialmente consciente, Chapman foi contratada pelo American Conservatory Theatre em 2008

Luís Alberto Alves/Hourpress

Uma talentosa contadora de histórias com apelo duradouro, a inesperada ascensão de Tracy Chapman da cena folk de Boston à popularidade mainstream no final dos anos 1980 provou ser fundamental para ajudar a restaurar cantores/compositores aos holofotes. Entregue com uma graça terrena, suas melodias simples e letras comoventes, muitas vezes socialmente conscientes, ressoaram com fãs ao redor do mundo, que ajudaram a transformar sua estreia homônima em 1988 em um sucesso multi-platina vencedor do Grammy.

 Aparentemente avessa a caprichos comerciais, Chapman conseguiu evitar as armadilhas da moda, construindo sobre os primeiros sucessos como "Fast Car" e o blues de 1996 "Give Me One Reason" com um catálogo durável que joga com a força de seu ofício e convicções. Ao longo dos anos 2000,Let It Rain e Where You Live , bem como uma incursão na composição para teatro. Chapman continuou a se apresentar e, em 2015, cantou uma versão evocativa do clássico de Ben E. King "Stand by Me" em um dos episódios finais de Late Noite com David Letterman que se tornou um sucesso viral. Uma compilação de Greatest Hits foi lançada no mesmo ano.

Criada em um bairro da classe trabalhadora em Cleveland, Ohio, Chapman aprendeu a tocar violão quando criança e começou a escrever suas próprias canções logo depois. Após o colegial, ela ganhou uma bolsa de estudos minoritárias e decidiu frequentar a Tufts University, onde estudou antropologia e estudos africanos. Enquanto estava na Tufts, ela ficou fascinada com Folk-Rock e cantores/compositores, e começou a apresentar suas próprias canções em cafés. Eventualmente, ela gravou um conjunto de demos na estação de rádio da faculdade.

Elektra

 Um de seus colegas, Brian Koppelman , ouviu Chapman tocar e a recomendou a seu pai, Charles Koppelman , que dirigia a SBK Publishing. Em 1986, ela assinou com a SBK e Koppelman garantiu um contrato de gestão comElliot Roberts , que havia trabalhado com Neil Young e Joni Mitchell . Roberts e Koppelman ajudaram Chapman a assinar com a Elektra em 1987.

Chapman gravou seu álbum de estreia com David Kershenbaum , e o álbum homônimo resultante foi lançado na primavera de 1988. Tracy Chapman foi recebida com críticas entusiásticas e partiu para a estrada apoiando 10.000 Maniacs . Dentro de alguns meses, ela tocou no concerto televisionado internacionalmente para Nelson Mandela na festa de aniversário de 70 anos, onde sua apresentação foi recebida com aplausos estrondosos.

 Logo, o single "Fast Car" começou a subir nas paradas, chegando ao número seis. As vendas do álbum dispararam junto com o single e, no final do ano, o disco havia se tornado multi-platina. No início do ano seguinte, o álbum ganhou quatro Grammys, incluindo o de Melhor Novo Artista.

Semana

 Ainda um artista socialmente consciente, Chapman foi contratada pelo American Conservatory Theatre em 2008 para compor a música para sua produção da peça Blood Knot, de Athol Fugard , com tema do apartheid. Nesse mesmo ano, ela lançou seu oitavo álbum, Our Bright Future, e recebeu outra indicação ao Grammy, desta vez de Melhor Álbum Folclórico Contemporâneo.

 Por vários anos após seu lançamento, pouco se ouviu de Chapman até uma aparição ao vivo em 2015 no The Late Show with David Letterman. Apresentada durante a última semana da gestão de Letterman no programa, a versão assombrosa de Chapman de "Stand by Me" de Ben E. King se tornou um sucesso viral e acabou sendo incluída em sua primeira compilação de Greatest Hits , lançada em novembro daquele ano. .

A música perde o talento de Sinéad O'Connor

Radiografia da notícia

* Apenas algumas semanas antes de morrer, O'Connor postou nas redes sociais que havia se mudado para Londres 

* Teve forte reação contra estereótipos de longa data simplesmente afirmando-se não como um objeto sexual, mas como uma artista séria

* O resultado foi um dos discos de estreia mais aclamados de 1987, com um par de sucessos de rádio alternativas nos singles "Mandinka" e "Troy"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Sinéad O'Connor se classificou entre as estrelas da música pop mais distintas e controversas da era alternativa, a primeira e, em muitos aspectos, a mais influente das inúmeras artistas femininas cuja música dominou as ondas do rádio ao longo da última década do século XX. Ao ouvir a reclamação de um diretor de gravadora a respeito do seu cabelo, não gostou e raspou a cabeça, ficando careca. Nesta quarta-feira (27), ela faleceu na Irlanda, onde morava. Apenas algumas semanas antes de morrer, O'Connor postou nas redes sociais que havia se mudado para Londres e estava trabalhando em um álbum programado para ser lançado. lançamento em 2024

Teve forte reação contra estereótipos de longa data simplesmente afirmando-se não como um objeto sexual, mas como uma artista séria, ela deu início a uma revolta que abriu caminho para artistas que vão de Liz Phair a Courtney Love e Alanis Morissette. Nascida em Dublin, Irlanda, em 8 de dezembro de 1966, sua infância foi muitas vezes traumática: seus pais se divorciaram quando ela tinha oito anos, e mais tarde ela alegou que sua mãe, morta em um acidente automobilístico em 1985, frequentemente abusava dela.

Após ser expulso da escola católica, O'Connor foi presa por furto em uma loja e enviada para um reformatório; aos 15 anos, enquanto cantava um cover de "Evergreen" de Barbra Streisand em um casamento, ela foi flagrada por Paul Byrne , baterista da banda irlandesa In Tua Nua (mais conhecida como protegida do U2 ). Depois de co-escrever o primeiro In Tua Nua single, "Take My Hand", O'Connor deixou o internato para se concentrar na carreira musical e começou a se apresentar em cafés da região. Mais tarde, estudou voz e piano no Dublin College of Music e se sustentou entregando telegramas cantados.

Celta

Ao assinar um contrato com a Ensign Records em 1985, O'Connor mudou-se para Londres; no ano seguinte, ela fez sua estreia gravada na trilha sonora do filme Captive , aparecendo com o guitarrista do U2 , The Edge . Depois de descartar as fitas iniciais de seu LP de estreia, alegando que a produção era muito celta, ela mesma ocupou o lugar de produtora e começou a regravar o álbum, apelidado de The Lion and the Cobra. em referência ao Salmo 91.

 O resultado foi um dos discos de estreia mais aclamados de 1987, com um par de sucessos de rádio alternativas nos singles "Mandinka" e "Troy". Quase desde o início de sua carreira, no entanto, O'Connor foi uma figura controversa da mídia. Em entrevistas após o lançamento do LP, ela defendeu as ações do IRA, resultando em críticas generalizadas de muitos cantores, e até queimou pontes ao atacar os apoiadores de longa data do U2 , cuja música ela declarou "bombástica".

Nas costas americanas, O'Connor também se tornou alvo de escárnio por se recusar a se apresentar em Nova Jersey se "The Star Spangled Banner" fosse tocada antes de sua aparição, um movimento que trouxe críticas públicas de nada menos que Frank Sinatra , que ameaçou "chutar a bunda dela." Ela também ganhou as manchetes por desistir de uma aparição no programa da NBC, Saturday Night Live, em resposta à personalidade misógina do apresentador convidado Andrew Dice Clay , e até retirou seu nome da competição no Grammy Awards anual, apesar de quatro indicações.

Cut Worms, um discípulo de Buddy Holly

Radiografia da notícia

* O som doce e às vezes triste de Clarke abraçou influências de vários artistas da década de 1960

* Nascido em Strongsville, Ohio, Max Clarke começou a trabalhar sob o nome de Cut Worms

* Clarke mudou-se para Nova York e começou a construir sua reputação como artista enquanto suas charmosas demos lo-fi circulavam

Luís Alberto Alves/Hourpress

Ao tomar o nome de um poema de William Blake , Cut Worms é o veículo do cantor/compositor indie Max Clarke , que encontra inspiração nas antigas tradições do rock antigo, country e americana, fundidas com um espírito faça-você-mesmo contemporâneo e arranjos exuberantes.

 Nascido em Ohio e morando no Brooklyn, o som doce e às vezes triste de Clarke abraçou influências de vários artistas da década de 1960, dos Everly Brothers a Brian Wilson , com uma perspectiva lírica que abrange alegria silenciosa e resignação sutil. Clarke foi aclamado pela crítica pela estreia de Cut Worms em 2018, Hollow Ground e 2020 Nobody Lives Here Anymore foi um álbum duplo expansivo que explorou o humor da sociedade à beira do colapso. Cut Worms de 2023 viu Clarke buscando uma declaração mais concisa enquanto experimentava diferentes ambientes de gravação e colaboradores de estúdio.

Nascido em Strongsville, Ohio, Max Clarke começou a trabalhar sob o nome de Cut Worms enquanto estudava ilustração no Columbia College de Chicago. Embora ele fosse ativo nas cenas punk e noise da cidade, ele acabou concentrando seus esforços em um estilo descontraído enraizado no trabalho melodioso de artistas pop dos anos 50 e 60, como Buddy Holly e Everly Brothers, bem como no som country dos mesmos.

Charmosas

 Inspirado por um prolífico colega de quarto musical, ele se desafiou a escrever e gravar duas novas canções por mês em um gravador digital de oito canais, que oferecia gratuitamente online. No final de 2015, Clarke mudou-se para Nova York e começou a construir sua reputação como artista enquanto suas charmosas demos lo-fi circulavam. Ele acabou fechando um contrato com a Jagjaguwar Records, que reuniu seis de suas melhores demos da era de Chicago no EP de estreia do Cut Worms, Alien Sunset , em outubro de 2017.

 Com uma grande reserva de material novo, Clarke foi para Memphis para gravar no lendário Sam Phillips Recording Studio com o produtor Matt Ross-Spang . As sessões resultantes foram mais cruas e imediatas do que ele havia feito antes e logo se transformaram no ambicioso álbum duplo Nobody Lives Here Anymore , que chegou em 2020. Quando ele  foi lançado, a pandemia do COVID-19 afundou Clarke,

Os planos de uma turnê de shows subsequente, e uma vez que ele finalmente conseguiu levar Cut Worms para a estrada em 2022, ele achou as canções mais longas do álbum e os arranjos mais complexos difíceis de negociar no palco. Ele estava ansioso para seguir um caminho diferente em seu próximo álbum, e Cut Worms de 2023 foi um projeto propositadamente mais modesto com nove músicas e duração de 35 minutos. 

Curtam o som da Guided by Voices

 Radiografia da notícia

* Guided by Voices nunca teve uma seqüência tão longa de álbuns consistentemente bons 

* Ele dá a essas performances uma crise crescente que dá aos movimentos de rock da banda 

Luís Alberto Alves/Hourpress

Depois de gravar vários álbuns aos poucos por causa da  pandemia de COVID-19 e suas consequências, essas sessões foram gravadas ao vivo em fita, e pode-se ouvir a interação entre os músicos e o músculo e a sensação de emoção que ele traz para a música. Gillardo trabalho de guitarra de solo tem sido uma das melhores razões para ouvir esta edição do GbV, e ele dá a essas performances uma crise crescente que dá aos movimentos de rock da banda uma base sólida sem exibicionismo ou excesso, e a carga do ritmo seção tem um chute que é artisticamente visceral.

 (A banda claramente também não se importa em trabalhar no ritmo prolífico de Pollard ; este é o 15º álbum desde 2017.) As melodias de Pollard tipificam a abordagem ambiciosa que dominou seu trabalho no século 21, como números como "Don' t Blow Your Dream Job" e "Why Don't You Kiss Me" passam por várias mudanças de tom e andamento durante o tempo de execução, e há overdubs de cordas criteriosos em várias faixas. 

No entanto, mesmo quando Pollard está entregando seu lado artístico, esta música não tem medo de ser alta e orgulhosa: "Romeo Surgeon", "Meet the Star" e "Rust Belt Boogie" lançam as jams com muito abandono suado. E se você tem medo de que isso seja curto em obras-primas pop divertidas, "Seeding" e "Better Odds" estão aqui para você, assim como duas faixas acústicas lo-fi, "Chain Dance" e "Mother Mirth". Guided by Voices nunca teve uma seqüência tão longa de álbuns consistentemente bons como eles tiveram desde esta edição, e Welshpool Frillies mostra que esta banda (e seu líder incansável) não está prestes a nos decepcionar agora.

MPB perde o talento de Dóris Monteiro

 Em 1977, Dóris Monteiro cantando o sucesso "Mudando de conversa"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Nesta segunda-feira (24), morreu a cantora Doris Monteiro, aos 88 anos, de causas naturais. Ela introduziu o canto suave da Bossa Nova na década de 1960, quando explodiu esse gênero musical no Brasil através de Tom Jobim e companhia.

 Ela começou a cantar profissionalmente na adolescência, no final da década de 1940. Dez anos depois já se consagrava como uma das maiores intérpretes do País. Em 1951 lançou o primeiro álbum. No geral, gravou 15 discos. Também trabalhou no cinema, fazendo dez filmes e contracenou ao lado de Mazzaroppi, José Lewgoy e Tônia Carreiro.

 

Brasil perde o talento de João Donato

Apresentação com Tom Jobim, cantando "Samba de uma Nota só e desafinado", em 1964

Luís Alberto Alves/Hourpress

No dia 17 de julho (segunda-feira), a música perdeu o talento do compositor e multi-instrumentista João Donato. Nascido no Acre, região Norte do Brasil, em 1934, filho do meio de uma família musical.

 O pai, militar, tocava bandolim. Ao mudar-se para o Rio de Janeiro, aos 11 anos, começou a frequentar circuitos musicais. Antes, aos 7 anos, já tinha escrito a primeira música, com os primeiros versos narrando  “não posse viver sem amor”.

 Dali em diante, Donato deixaria o seu nome marcado na história da MPB. Gravou o primeiro disco aos 22 anos a convite de Tom Jobim. Em 1959 foi morar em Los Angeles, Estados Unidos e ali desenvolveu o seu estilo musical.

 Criou uma batia sincopada no piano, que tornou-se marca registrada. Por causa do seu balanço, acabou considerado o mestre dos mestres da Bossa Nova. Misturou Brasil, Cuba. Inovou ao unir sintetizadores ao piano. Gravou, aquele que seria o último disco em 2022, com a participação de vários artistas novos. 

Morre Tony Bennett, um dos melhores cantores dos Estados Unidos

Radiografia da notícia

* Quando ele soltou a voz no seu mega sucesso "I Left My Heart in San Francisco" não tive mais dúvida a respeito da avaliação de Sinatra

* Quando seu pai morreu,  Tony tinha dez anos, ele já cantava profissionalmente, principalmente se apresentando ao lado do prefeito Fiorello La Guardia

* Bennett ficou nas paradas regularmente nos dois anos seguintes, com um punhado de canções entrando no Top 10 

Luís Alberto Alves/Hourpress

Na década, quando as lojas Mappin ainda estavam no apogeu, fui ao um show de Tony Bennett, numa filial desta famosa loja de departamentos no bairro do Itaim Bibi, Zona Sul de São Paulo. Ali, pude constatar porque Frank Sinatra disse que ele era o maior cantor norte-americano, mas Bennett era o melhor. 

Quando ele soltou a voz no seu mega sucesso "I Left My Heart in San Francisco" não tive mais dúvida a respeito da avaliação de Sinatra. Filho de um dono da mercearia, Tony Bennett nasceu Anthony Dominick Benedetto em 3 de agosto de 1926. Criado em Astoria, Queens por emigrados italianos - seu pai John chegou recentemente de Reggio Calabria, sua mãe Anna nasceu de nativos da região da Calábria que se mudaram para os Estados Unidos em 1899 - Bennett sofria de pobreza e má sorte quando criança, mas também cultivou o interesse pela arte e pela música. 

Quando seu pai morreu,  Tony tinha dez anos, ele já cantava profissionalmente, principalmente se apresentando ao lado do prefeito Fiorello La Guardia na inauguração da Triborough Bridge em 1936. Quando adolescente, Bennett fez vários shows como garçom cantor e se matriculou na Escola de Arte Industrial de Nova York, estudando música e pintura. Quando os tempos ficaram difíceis em sua família, ele largou a escola para sustentar sua mãe e irmãos, ganhando dinheiro mais uma vez como garçom cantor.

Miller

As coisas começaram a acontecer rapidamente para Bennett depois desse ponto. Em 1950, ele gravou uma demo de "The Boulevard of Broken Dreams", com base na qual Mitch Miller o contratou para a Columbia Records. A gravadora estava se preparando para a saída de Frank Sinatra, que brigava frequentemente com Miller. Bennett preencheu sua vaga cantando músicas pop amigáveis ​​para as paradas, começando com " Because of You ", que foi reforçada por um arranjo de Percy Faith. Alcançou o número um em setembro de 1951, seguido rapidamente por um cover de "Cold, Cold Heart" de Hank Williams.

 Este single também alcançou o primeiro lugar, seu sucesso frequentemente citado como elevando a reputação de Hank Williams fora dos círculos da música country e do sul. "Cold Cold Heart" também provou que Bennett também não era uma maravilha de um só sucesso. Durante 1952, ele acumulou três singles de sucesso, o maior dos quais foi "Here in My Heart", que atingiu o pico de 15, e alcançou o topo das paradas novamente em 1953 com "Rags to Riches", que foi seguido rapidamente pelo single número dois "Stranger in Paradise", uma canção tirada do musical da Broadway Kismet. 

Bennett ficou nas paradas regularmente nos dois anos seguintes, com um punhado de canções entrando no Top 10 - "There'll Be No Teardrops Tonight" e "Cinnamon Sinner", ambas de 1954 - antes que as paradas pop mudassem irrevogavelmente em 1956 pela ascensão do rock & roll.

Titãs e o show no Allianz Parque, em São Paulo

Luís Alberto Alves/Hourpress

Parece que foi ontem que os então meninos da banda Titãs estouraram nas paradas de sucesso na primeira metade da década de 1980, com o hit "Sonífera Ilha". O rock nacional estava quente com o pessoal da Blitz, sob comando de Evandro Mesquita, Kid Abelha e os Abóboras Selvagens, ainda com Paula Toller e o contra baixista Leone, Paralamas do Sucesso, Ira!, entre outros. 

Mas o sucesso é algo difícil de se administrar. Envolve as pessoas e logo a mosca azul pica e surge a separação. Aos poucos os Titãs foram perdendo membros, com exceção de Marcelo Fromer, vítima da fatalidade. Enfim, neste século 21, a banda se resumia a três moicanos, que continuavam desde o início na década de 1980. 

A turnê para comemorar os 40 anos de fundação da banda serve para mostrar que os Titãs continuam jogando lenha na fogueira e provocando incêndio. Mais experientes, enxergam a vida por outra lupa. Mostram que o rock nacional não deve ser descartado pela febre do "Sertanojo" e dos hits descartáveis que predominam nas rádios e programas de televisão. 

The Paramounts e o grande sucesso "Little Bitty Pretty One "

Luís Alberto Alves/hourpress

Radiografia da notícia

* As origens dos Paramounts remontam a um concurso de bandas no Palace Hotel Dancehall em Southend

* Exceto Scott , que gostava de Elvis Presley e Ricky Nelson , todos eram grandes fãs de R&B

* O grupo sentiu que estava pronto para se tornar profissional e seu empresário os fez gravar uma fita demo 

Os Paramounts são praticamente a personificação da natureza de altos e baixos do mundo da música. Uma vez aclamados pelos Rolling Stones como "o melhor grupo de R&B da Inglaterra", eles trabalharam duro por anos com apenas o mais modesto sucesso nas paradas, e isso em seu primeiro single. Eles então se separaram, provavelmente para serem esquecidos; eles teriam sido, se não fosse pelo sucesso subsequente dos membros da banda na banda de rock psicodélico-progressivo Procol Harum .

As origens dos Paramounts remontam a um concurso de bandas no Palace Hotel Dancehall em Southend. O organizador pensou em reunir os melhores integrantes dos grupos concorrentes em uma única banda. Ele acabou gerenciando uma formação de Gary Brooker no piano, então com 14 anos, Robin Trower na guitarra, Chris Copping no baixo, Bob Scott como cantor e Mick Brownlee na bateria. 

Acontece que, exceto Scott , que gostava de Elvis Presley e Ricky Nelson , todos eram grandes fãs de R&B, o que se refletiu em seu repertório inicial que era pesado nas canções de Carl Perkins ,Chuck Berry e Fats Domino . Ray Charles era outro favorito dos membros da banda. Scott não durou muito com o grupo e quando ele não apareceu para um show um dia, Brooker se viu pressionado a servir como cantor, que permaneceu um quarteto a partir de então.

Época

Em 1961, os Paramounts começaram a tocar no porão de um café do pai de Trower , batizando-o de Shades e conquistando um público de jovens mods, todos entusiastas de R&B. Eles aprimoraram seu som durante esse período e se tornaram uma das melhores bandas de trabalho da época conforme sua formação evoluía. No final de 1962, Copping deixou a banda para cursar a faculdade e foi sucedido no baixo por Diz Derrick ; o baterista Brownlee também saiu da formação, para ser substituído por BJ Wilson . Em meados de 1963, eles eram um dos grupos de R&B mais avançados de Londres,  abandonando Chuck Berry em favor de James Brown e Bobby Bland.. 

O grupo sentiu que estava pronto para se tornar profissional e seu empresário os fez gravar uma fita demo que incluía versões de "Poison Ivy" dos Coasters e "Farther on up the Road" de Bland . Eles assinaram com a Parlophone Records no final de 1963 e fizeram sua estreia com "Poison Ivy", gravada sob os auspícios do produtor Ron Richards . O single contornou os níveis mais baixos das listas de vendas com a ajuda de aparições nos programas de televisão Ready! Estável! Ir! e agradeça suas estrelas da sorte.

Freqüentemente mencionados nas histórias do Procol Harum , os Paramounts não eram muito mais do que uma nota de rodapé no rock britânico dos anos 60 em termos de vendas. Em 1983, a Edsel Records lançou um álbum de compilação ( Whiter Shades of R&B ) dos singles da banda, que posteriormente apareceu em CD. Em 1998, a EMI transferiu todas as 22 faixas sobreviventes conhecidas da Paramount em um CD, em som digital de 24 bits, como parte de sua série de reedições do 100º aniversário ( Abbey Road Decade 1963-1970 ). 

Um ano depois, Gary Brooker ainda continua vivo em suas canções

Luís Alberto Alves/Hourpress

Radiografia da notícia

* Fundador da banda Procol Harum, Brooke era habilidoso como cantor, compositor, pianista e guitarrista

* Brooker era amigo dos Beatles George Harrison, Ringo Star

* Ele não precisava de fazer nenhuma extravagância no palco para prender a atenção do público

Certa feita alguém disse que os artistas não morrem, porque cada vez que sua obra é vista ele estará ali presente, seja ator, cantor, pintor, escultor ou mesmo autor, seja de livros, filmes ou novelas. Aplico essa máxima popular a Gary Brooker, que morreu em fevereiro de 2022, mas continua vivo através de suas canções.

Fundador da banda Procol Harum, Brooke era habilidoso como cantor, compositor, pianista e guitarrista. Aos 17 anos criava o grupo The Paramounts ao lado do guitarrista Robin Trower. Mais tarde eles estariam juntos na Procol Harum, ao lado do compositor Keith Reid.

Com o hit "A whiter shade of pale", eles estouraram nas paradas de todo o mundo, virando ícone do Rock Progressivo inglês nas décadas de 1960 e 1970. Brooker era amigo dos Beatles George Harrison, Ringo Star.

Brooke não precisava de fazer nenhuma extravagância no palco para prender a atenção do público. Bastavam apenas a sua voz e o seu lindo estilo de tocar piano. A canção "A whiter shade of pale" foi regravada mais de mil vezes por diversos artistas, entre eles Annie Lennox e Billy Joel e vendeu mais de 10 milhões de cópias.

Ele representa a época que ainda se dançava de rostinho coladinho nos bailes. O romantismo ainda predominava entre os casais. As letras das canções tinham conteúdo, mesmo quando se falava de amor. A poesia predominava nas músicas, bem diferente dos tempos de hoje. Infelizmente.

Steve Spacek e o hit "Dollar"

Luís Alberto Alves/Hourpress

Radiografia da notícia

* Gravou seu primeiro álbum solo com a ajuda ocasional de nomes como o produtor peso-pesado Jay Dee

* Spacek gravou música eletrônica downtempo abstrata como Blackpocket e Beat Spacek

Inspirado ao longo de sua carreira por Leon Ware , Ronald Isley , Marvin Gaye e Curtis Mayfield , a voz de Steve Spacek nunca teve força bruta, mas suas atmosferas sedosas sempre foram bem-vindas em uma era de flash e emoção exagerada.

 Depois de fazer dois álbuns estelares de soul ambiente com seu grupo Spacek , o cantor e produtor londrino, nascido Steve White, se estabeleceu na Califórnia e gravou seu primeiro álbum solo com a ajuda ocasional de nomes como o produtor peso-pesado Jay Dee e figura subestimada da Motown . _ Mudança de espaço, lançado em 2005 pelo selo Sound in Color, manteve as atmosferas sonhadoras dos álbuns Spacek , mas era mais suculento e solto, com batidas mais fortes e um estado de espírito relaxado. 

Depois de um par de EPs de 2006 para a gravadora japonesa Jazzy Sport, Spacek gravou música eletrônica downtempo abstrata como Blackpocket e Beat Spacek , e colaborou com Mark Pritchard como Africa HiTech .

FRANK MCCOMB numa apresentação ao vivo em Los Angeles

Luís Alberto Alves/Hourpress

O cantor/tecladista de jazz contemporâneo Frank McComb nasceu em Cleveland em 15 de julho de 1970, iniciando seus estudos de piano aos 12 anos e formando seu primeiro trio cinco anos depois. Sua pausa profissional ocorreu em 1991, quando foi escolhido como diretor musical do grupo de R&B Rude Boys , posteriormente apoiando DJ Jazzy Jeff e Fresh Prince no estúdio e em turnê; no final de 1992, McComb assinou contrato com o selo Mojazz e, em 1994, colaborou com Branford Marsalis em seu projeto de fusão jazz-rap Buckshot LeFonque . O solo Love Stories seguiu no início de 2000.