#BMW - Morre #QuincyJones, o gênio da produção de grandes discos

Luís Alberto Alves/Hourpress

No Espaço Unimed, em SP, Kool & The Gang traz o melhor da Black Music

Radiografia da Notícia

* A banda que moldou trilhas sonoras épicas do cinema e celebrações ao redor do mundo sobe ao palco nesta sexta-feira, 15 de novembro, para uma noite histórica.

* Esta noite é uma oportunidade de viver momentos que conectam gerações com celebração e nostalgia

* A banda mantém seu legado como um dos pilares do Funk, Soul e R&B

Luís Alberto Alves/Hourpress

Hoje é dia de Celebration! Feriado da Proclamação da República, é o momento perfeito para esquecer o sofá e a TV, sair de casa, dançar e reviver a trilha sonora da sua vida. Kool & The Gang sobe ao palco do Espaço Unimed às 22h para um show único e memorável. Mais do que música, esta noite é uma oportunidade de viver momentos que conectam gerações com celebração e nostalgia.

Há sons que marcam a vida, e há bandas que os criam. Kool & The Gang é uma delas. Dos riffs de “Jungle Boogie” em Pulp Fiction à energia vibrante de “Open Sesame” em Os Embalos de Sábado à Noite, seus grooves moldaram memórias que permanecem vivas até hoje. Com 60 anos de estrada, dois Grammys, sete American Music Awards e entrada recente no Rock & Roll Hall of Fame, a banda mantém seu legado como um dos pilares do Funk, Soul e R&B. Suas músicas continuam sendo sampleadas por artistas como Will Smith (Summertime), Lil’ Kim (Ladies’ Night) e DJ Kool (Let Me Clear My Throat), provando que sua influência é atemporal.

Você já ouviu Kool & The Gang. Talvez não saiba, mas suas músicas já embalaram momentos inesquecíveis da sua vida – aquela cena icônica em Pulp Fiction, o groove irresistível em Trolls, ou a trilha sonora de celebrações ao redor do mundo. Hoje, você pode reviver tudo isso ao vivo. Ainda tem dúvidas? Dê o play e sinta o som:

 “Celebration” – https://www.youtube.com/watch?v=3GwjfUFyY6M

 “Jungle Boogie” – https://www.youtube.com/watch?v=7Mp3o6XeZpA

 “Ladies’ Night” – https://www.youtube.com/watch?v=YheKoYTrkr8

 “Get Down on It” – https://www.youtube.com/watch?v=qchPLaiKocI

 “Open Sesame” – https://www.youtube.com/watch?v=Ox_YPwThEXc

Serviços: Kool & The Gang no Espaço Unimed em São Paulo

Show: Kool & The Gang no Espaço Unimed em São Paulo

Data: 15 de novembro de 2024 (sexta-feira)

Abertura da casa: 20h

Início do show: 22h

Local: Espaço Unimed (Rua Tagipuru, 795 - Barra Funda - São Paulo - SP)

 

Lou Reed - "Walk on the Wild Side "

Radiografia da Notícia

*  (Ele costumava dizer que seu objetivo era aplicar a liberdade e a sensibilidade criativa da literatura à música rock.)

* No entanto, sua composição — excepcionalmente letrada e frequentemente abraçando temas que desrespeitavam as convenções da sociedade

*  Apesar de todas as suas mudanças criativas de forma, no entanto, ele nunca deixou de soar como Lou Reed

Luís Alberto Alves/Hourpress

Poucos artistas de rock foram mais influentes sem atingir o estrelato do que Lou Reed. Enquanto ele flertava com o sucesso mainstream entre 1970 (quando deixou o Velvet Underground ) e 2013 (quando sucumbiu a uma doença hepática), ele frequentemente tocava para um grande culto de seguidores que apenas ocasionalmente se expandia para a visibilidade mainstream. No entanto, sua composição — excepcionalmente letrada e frequentemente abraçando temas que desrespeitavam as convenções da sociedade, especialmente em termos de drogas e sexo — abriu novos caminhos que outros artistas seguiriam, e sua disposição para confrontar seu público o tornou um precursor vitalmente importante para a revolução punk de meados ao final dos anos 70.

 (Ele costumava dizer que seu objetivo era aplicar a liberdade e a sensibilidade criativa da literatura à música rock.) Reed não era tão celebrado como guitarrista, mas o relato energético de seu ritmo e a graça barulhenta de seus solos e solos o tornaram um herói para músicos que valorizavam a paixão e o sentimento acima das habilidades. E em seu catálogo, ele cobriu uma quantidade notável de terreno estilístico - cantor/compositor introspectivo ( Lou Reed ), glam ( Transformer ), art rock ( Berlin ), hard rock ( Rock N' Roll Animal ), noise ( Metal Machine Music ), proto-punk confessional ( Street Hassle ), rock com infusão de jazz ( The Bells ), pop/rock otimista ( New Sensations ), comentário social ( New York ) e adaptações literárias ambiciosas ( The Raven ). Apesar de todas as suas mudanças criativas de forma, no entanto, ele nunca deixou de soar como Lou Reed, com sua inefável visão fria e severa do centro da cidade informando tudo.

Lewis Allan Reed nasceu em 2 de março de 1942 no Brooklyn, Nova York. Sua família se mudou para Freehold, Nova York, em Long Island, quando ele tinha nove anos, e ele não se adaptou bem ao novo ambiente; quando estava no Ensino Fundamental, ele era regularmente alvo de valentões. Ele desenvolveu uma variedade de fobias e ansiedades, e aos 16 anos começou a experimentar drogas. Esperando lidar com seus problemas, os pais de Reed seguiram o conselho de um psiquiatra e o submeteram à terapia eletroconvulsiva; muitos anos depois, ele escreveria sobre os efeitos traumáticos dos tratamentos em sua música "Kill Your Sons".

Your love

Reed encontraria consolo na música, abraçando o Rock & Roll, Doo Wop, Rhythm & Blues e Jazz, e quando estava no Ensino Médio, ele estava tocando em bandas e fazendo shows profissionalmente. Um de seus primeiros grupos, o Jades , gravou um single quando ele tinha 16 anos, "So Blue" b/w "Leave Her for Me", com Lou tocando violão e fazendo backing vocals; o lendário músico de estúdio King Curtis sentou-se no sax. O single fracassou e foi seu único lançamento, mas Reed continuou escrevendo músicas e, em 1962, enquanto estudava na Syracuse University, ele gravou um par de faixas para o produtor Bob Shad , que lançou o single do Jades, "Merry Go Round" e "Your Love". 

Magic and Loss de 1992 foi um álbum conceitual sombrio sobre a morte de dois amigos próximos de Reed que recebeu críticas positivas, mas não alcançou as vendas ou aclamação de New York . Desde a apresentação espontânea em Jouy-En-Josas, rumores circularam de que o Velvet Underground se reuniria, e em junho e julho de 1993, Reed e seus companheiros de banda fizeram uma turnê pela Europa que foi recebida com entusiasmo pelos fãs, embora a reação dos críticos tenha sido mista. 

Uma série de datas nos Estados Unidos e uma aparição no MTV Unplugged se seguiriam, mas as tensões na banda mais uma vez explodiram, e quando o Live MCMXCIII (gravado durante uma aventura de três noites em Paris) apareceu em outubro seguinte, o grupo já era história novamente, o que se tornou permanente após a morte de Sterling Morrison em 1995. (No ano seguinte, os Velvets foram introduzidos no Hall da Fama do Rock & Roll, e Reed, Cale e Tucker tocaram uma música que escreveram em homenagem a Morrison , "Last Night I Said Goodbye to My Friend".) Pouco depois da turnê de reunião do VU , Reed e Sylvia Morales se divorciaram.

Frank Zappa - Inca Roads (A Token Of His Extreme)

Radiografia da Noticia

* Como se sua música não fosse desafiadora o suficiente, ele a cobriu com letras e títulos de músicas altamente satíricos

*  Mas ele conseguiu ganhar o controle de seu trabalho gravado e lançá-lo com sucesso 

*   Na declaração e na prática, Zappa era um defensor iconoclasta da expressão mais livre possível de ideias

Luís Alberto Alves/Hourpress

O compositor, guitarrista, cantor e líder de banda Frank Zappa foi uma figura musical singular durante uma carreira de performance e gravação que durou dos anos 1960 aos anos 1990. Suas influências díspares incluíam música doo wop e música clássica de vanguarda; embora ele tenha liderado grupos que poderiam ser chamados de bandas de rock & roll durante grande parte de sua carreira, ele os usou para criar um estilo híbrido que beirava o jazz e a música séria moderna e complicada, às vezes induzindo orquestras a tocar junto.

 Como se sua música não fosse desafiadora o suficiente, ele a cobriu com letras e títulos de músicas altamente satíricos e às vezes abstratamente humorísticos que o marcaram como vindo de uma tradição literária provocativa que incluía poetas beat como Allen Ginsberg e comediantes ousados ​​como Lenny Bruce . Nominalmente, ele era um músico popular, mas suas gravações raramente ganhavam airplay ou vendas significativas, mas ele conseguiu ganhar o controle de seu trabalho gravado e lançá-lo com sucesso por meio de suas próprias gravadoras, enquanto também fazia turnês internacionais, em parte por causa do respeito que ganhou de um culto dedicado de fãs e muitos músicos sérios, e também porque ele era um porta-voz articulado que se promovia a uma estrela da mídia por meio de extensas entrevistas que ele considerava parte de seu esforço criativo, assim como sua música.

 The Mothers of Invention , o grupo dos anos 60 que ele liderava, frequentemente parecia oferecer uma paródia da música popular e da contracultura (embora ele afetasse cabelos longos e jeans, Zappa era abertamente desdenhoso dos hippies e do uso de drogas). Nos anos 80, ele estava testemunhando perante o Congresso em oposição à censura (e editando seu testemunho em um de seus álbuns). Mas esses lados cômico e sério eram complementares, não contraditórios. Na declaração e na prática, Zappa era um defensor iconoclasta da expressão mais livre possível de ideias. E, acima de tudo, ele foi um compositor muito mais ambicioso do que qualquer outro músico de rock de sua época e também da maioria dos músicos clássicos.

Robert Hunter - "Ripple" - Ryman Auditorium, Nashv...

Radiografia da Notícia

* Desde então, ele escreveu algumas das palavras mais memoráveis ​​do Dead

Luís Alberto Alves/Hourpress

Robert Hunter é mais conhecido como um letrista não performático do Grateful Dead . Ele também é um artista de gravação por direito próprio, um poeta e um tradutor. Hunter começou a contribuir com letras para o Dead a convite de seu amigo, o guitarrista do Dead Jerry Garcia , a partir do terceiro álbum do grupo, Aoxomoxoa , em 1969. 

Desde então, ele escreveu algumas das palavras mais memoráveis ​​do Dead , incluindo "Truckin'" ("What a long, strange trip it's been") e o hit de retorno de 1987 "Touch of Grey". Hunter começou a gravar álbuns solo na gravadora do Dead em 1974 e continuou esporadicamente desde então.

Mike Gordon no Live at The Jammys

Radiografia da Notícia

* Quando ele retornou com o eclético álbum Moss de 2010, Phish havia se reformado

* Junto com outros projetos musicais como Ramble Dove

*  Gordon formou sua primeira banda no Ensino Médio

Luís Alberto Alves/Hourpress

Mais conhecido como membro dos ícones da jam band Phish , o cantor, compositor e multi-instrumentista Mike Gordon também teve uma carreira variada fora da banda como artista solo, colaborador e cineasta. Como baixista e cantor de meio período do Phish , Gordon alcançou o sucesso pela primeira vez no final dos anos 1980 e 1990, fazendo turnês constantemente e contribuindo como compositor para os muitos álbuns do grupo. Também um talentoso músico de bluegrass e folk, ele gravou vários álbuns de dueto com o virtuoso da guitarra Leo Kottke e uma série de álbuns solo ecléticos que incluem The Green Sparrow de 2008 , OGOGO de 2017 e Flying Games de 2023. Junto com outros projetos musicais como Ramble Dove e Rhythm Devils , ele também filmou vários vídeos e documentários, incluindo os longas-metragens Outside Out e Rising Low.

Nascido em Sudbury, Massachusetts, em 1965, Gordon formou sua primeira banda no Ensino Médio. Em 1983, enquanto frequentava a Universidade de Vermont, ele formou a jam band Phish junto com os guitarristas Trey Anastasio e Jeff Holdsworth e o baterista Jon Fishman . Por conta própria, Gordon tem uma inclinação para o bluegrass e a música folclórica judaica e toca uma variedade de instrumentos, incluindo violão, banjo e piano. Um ávido cineasta e fotógrafo, ele filmou videoclipes para o Phish e dirigiu o longa-metragem de 2000 Outside Out.

Em 2002, Gordon se juntou ao guitarrista Leo Kottke para o peculiar álbum folk Clone e fez sua estreia solo no ano seguinte com Inside In . Depois que o Phish se separou temporariamente em 2004, Gordon se concentrou mais intensamente em seu trabalho solo e outras colaborações, fazendo outro álbum com Kottke ( Sixty Six Steps de 2005 ) e assinando com a Rounder para lançar The Green Sparrow de 2008 .

Quarto

Quando ele retornou com o eclético álbum Moss de 2010, Phish havia se reformado e Gordon se viu novamente fazendo dupla função. Após esses álbuns, uma agenda de shows movimentada com um Phish revigorado surgiu, incluindo um conjunto anual de shows esgotados na véspera de Ano Novo no Madison Square Garden. Um quarto álbum solo de estúdio, Overstep , apareceu no início de 2014.

Após o lançamento e a turnê subsequente do esforço de 2016 do Phish , Big Boat , Gordon retomou os shows com sua própria banda solo, com quem gravou Ogogo de 2017 para a ATO Records. Mais tarde, ele se reuniu com Kottke em 2020 para um terceiro álbum de dupla, Noon . Outro álbum completo, Flying Games , chegou em 2023 e encontrou Gordon experimentando sons mais pesados, influenciados pelo rock e pelo funk, como evidenciado pelo single "Mull". O álbum traz contribuições do colaborador de longa data Jarded Slomoff e do engenheiro Shawn Everett .

O rock perde o talento de Phil Lesh

Radiografia da Notícia

* Ele permaneceu com o grupo pelo resto de sua existência, tornando-se um favorito dos fãs tanto por seu baixo distinto quanto por sua devoção obstinada à música 

* Mais tarde naquele ano, ele soube que precisava de um transplante de fígado, passando por uma cirurgia bem-sucedida em dezembro

* Lesh desde então fez turnê como Phil Lesh & Friends 

Luís Alberto Alves/Hourpress

Famoso por sua passagem de três décadas como baixista do Grateful Dead , Phil Lesh nasceu em 15 de março de 1940, em Berkeley, CA; enraizado no jazz e na performance clássica, ele inicialmente explorou o violino e o trompete e, enquanto frequentava o Mills College, estudou composição de vanguarda e música eletrônica sob a tutela de Luciano Berio . Em 1965, Lesh se juntou à banda de seu amigo Jerry Garcia, The Warlocks , logo rebatizada de Grateful Dead . 

Ele permaneceu com o grupo pelo resto de sua existência, tornando-se um favorito dos fãs tanto por seu baixo distinto quanto por sua devoção obstinada à música do Dead (sem projetos paralelos de longo prazo) e custódia de seus arquivos gravados, supervisionando a qualidade de cada lançamento ao vivo legítimo. Após a morte de Garcia em 1995, que significou o fim do Dead como uma entidade de turnê, Lesh se reuniu com os companheiros de banda Bob Weir e Mickey Hart no Other Ones , que foi a atração principal do Further Festival de 1998. 

Mais tarde naquele ano, ele soube que precisava de um transplante de fígado, passando por uma cirurgia bem-sucedida em dezembro. No domingo antes de falecer, Deadheads em todo o mundo se juntaram ao Five Minutes for Phil, um círculo de oração mundial que ele mais tarde creditou como um fator importante em sua rápida recuperação. Lesh pegou a estrada em 1999 como atração principal, lançando seu álbum de estreia solo, Love Will See You Through , no outono.

 O álbum ao vivo foi um sucesso, então, após uma extensa turnê, ele voltou ao estúdio para seu primeiro álbum gravado em estúdio desde seus dias no Dead . O resultado, There and Back Again , foi lançado na primavera de 2002. Lesh desde então fez turnê como Phil Lesh & Friends . Vários álbuns ao vivo foram lançados em 2006, incluindo Live at the Warfield pela Image Records e uma série de apresentações da Instant Live Records que cobriu sua turnê naquele ano. Phil morreu em 25 de outubro de 2024. 

Burt Bacharach, o maestro e compositor de grandes sucessos

Radiografia da Notícia

* O trabalho de Bacharach naquele filme resultou em dois Oscars: melhor canção e melhor trilha sonora

* Suas canções exuberantes e pungentes praticamente definiram e, finalmente, transcenderam o pop Brill Building dos anos 1960

* Alguns dos outros parceiros de composição de Bacharach ao longo dos anos incluíram nomes como Bob Hilliard e Paul Anka 

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um dos mais importantes compositores de música popular da segunda metade do século XX, as criações sofisticadas, porém alegres, de Burt Bacharach tomam emprestado do cool jazz, soul, bossa nova brasileira e pop tradicional. Depois de ter seu primeiro hit no Top 20 em 1957 com "The Story of My Life", interpretada por Marty Robbins , suas canções exuberantes e pungentes praticamente definiram e, finalmente, transcenderam o pop Brill Building dos anos 1960. Bacharach apareceu na parada Billboard Hot 100 mais de 80 vezes, a grande maioria de suas canções foi o produto de sua longa parceria com o letrista Hal David . Juntos, eles alcançaram o Top Five com faixas como "Magic Moments" ( Perry Como , 1958), "Only Love Can Break a Heart" ( Gene Pitney , 1962), "I Say a Little Prayer" ( Dionne Warwick , 1967) e "Raindrops Keep Fallin' on My Head" ( BJ Thomas ) da trilha sonora de Butch Cassidy and the Sundance Kid , de 1969. 

O trabalho de Bacharach naquele filme resultou em dois Oscars: melhor canção e melhor trilha sonora. Nos anos 80, ele se juntou a Carole Bayer Sager para uma série de canções de sucesso que incluíam as número um "Arthur's Theme" ( Christopher Cross , 1981; escrita com Peter Allen ) e "On My Own" (Patti Labelle e Michael McDonald , 1986). "Arthur's Theme" rendeu a Bacharach um terceiro Oscar. Em 1998, o álbum Painted from Memory , uma colaboração com Elvis Costello , lançou outra parceria recorrente. Alguns dos outros parceiros de composição de Bacharach ao longo dos anos incluíram nomes como Bob Hilliard e Paul Anka . Quase 50 anos após seu primeiro sucesso, ele escreveu suas próprias letras pela primeira vez para seu álbum solo vencedor do Grammy At This Time , lançado em 2005. Em 2011, a Biblioteca do Congresso concedeu a Bacharach e David o Prêmio Gershwin de Canção Popular. Ele lançou Blue Umbrella , um EP com o cantor/compositor Daniel Tashian , em 2020.

Nascido em 12 de maio de 1928 em Kansas City, Bacharach estudou violoncelo, bateria e piano quando criança, e mais tarde foi transplantado para Nova York por seu pai, um colunista sindicalizado. O tempo gasto em Nova York lhe deu a chance de entrar furtivamente em clubes para assistir seus heróis do bebop Dizzy Gillespie e Charlie Parker ; ele também tocou em várias bandas de jazz durante a década de 1940. Bacharach estudou teoria musical e composição na Mannes School em Nova York, no Berkshire Music Center, na New School for Social Research (com Darius Milhaud ), na Universidade McGill de Montreal e na Music Academy of the West em Santa Barbara, Califórnia. Um período no Exército interrompeu seus estudos de música, mas mesmo enquanto servia na Alemanha, Bacharach arranjou e tocou piano para uma banda de dança. Ele também se apresentou em casas noturnas e apoiou Steve Lawrence , os Ames Brothers e Paula Stewart . Bacharach foi dispensado em 1952 e se casou com Stewart em 22 de dezembro do ano seguinte.

Top

Ao retornar aos EUA, ele começou a escrever músicas para Lawrence , Patti Page , Ames Brothers e outros, mas seu primeiro sucesso veio de Marty Robbins no final de 1957, quando Robbins levou "The Story of My Life" para o Top 20 americano e o primeiro lugar na Inglaterra. O single também foi notável por seu co-escritor, Hal David , que se tornou o parceiro de composição de Bacharach e colaborou na maioria de seus grandes sucessos. A equipe Bacharach/ David seguiu em janeiro de 1958 com "Magic Moments" de Perry Como , outro líder das paradas do Reino Unido e uma entrada no Top Five nos Estados Unidos. O casamento de Bacharach se dissolveu em 1958, e ele partiu para a Europa para fazer uma turnê com Marlene Dietrich . Ao retornar em 1961, ele escreveu várias músicas para os Drifters com Bob Hilliard (incluindo "Mexican Divorce" e "Please Stay") antes de se reunir com Hal David . Em uma sessão de arranjos, ele encontrou a cantora que se tornaria o veículo definitivo para suas canções: Dionne Warwick , que estava trabalhando como membro do grupo vocal de apoio dos Drifters , os Gospelaires .

No final de 1962, Bacharach e David começaram a concentrar a maior parte de sua energia de composição em Warwick , que recebeu 15 singles no Top 40 de 1962 a 1968 (incluindo os Top Tens "Anyone Who Had a Heart", "Walk on By", "Message to Michael", "I Say a Little Prayer", "Valley of the Dolls" e "Do You Know the Way to San Jose?"). A dupla também permaneceu dominante na Inglaterra, onde Frankie Vaughan , Cilla Black , Sandie Shaw , Walker Brothers e Herb Alpert atingiram o primeiro lugar com composições de Bacharach/ David . Em 1965, Bacharach se casou com a atriz Angie Dickinson e alcançou o quarto lugar na parada de singles do Reino Unido com sua própria performance de "Trains and Boats and Planes". Ele lançou vários álbuns solo populares, incluindo Reach Out de 1967 e Make It Easy on Yourself de 1969 . 

Como se sua agenda não estivesse ocupada o suficiente ao longo dos anos 60, Bacharach contribuiu com trilhas sonoras para filmes como What's New Pussycat? (1965), Casino Royale (1967) e Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969). Este último ganhou o Bacharach Academy Awards de Melhor Trilha Sonora Original e, com David , Melhor Canção Original por "Raindrops Keep Fallin' on My Head". No final dos anos 60, a dupla também escreveu as músicas para o musical da Broadway de Neil Simon , Promises, Promises . Durante sua temporada de três anos na Broadway, ganhou o Grammy de Melhor Álbum de Teatro Musical, e Bacharach atingiu o Hot 100 com seu próprio nome com o show "I'll Never Fall in Love Again" em 1969.

Álbuns

A década seguinte pareceu brilhante para Burt Bacharach no início, quando os Carpenters levaram "(They Long to Be) Close to You" para o número um nos EUA em julho de 1970. Um ano depois, ele chegou ao Top 20 da Billboard 200 com um álbum homônimo de 1971, apresentando suas interpretações de composições de sucesso anteriores. Logo depois, no entanto, disputas legais em torno do filme musical Lost Horizon (1973) acabaram com o relacionamento de trabalho de Bacharach com Hal David e -- temporariamente -- Dionne Warwick . Seus álbuns subsequentes foram comercialmente decepcionantes e, em 1980, ele e Dickinson se divorciaram.

Finalmente, após um pequeno sucesso de Jackie DeShannon em 1980 ("I Don't Need You Anymore", que ele escreveu com Paul Anka ), Bacharach colaborou com Christopher Cross , Carole Bayer Sager e Peter Allen no vencedor do Oscar "Arthur's Theme (Best That You Can Do)". Lançado em agosto de 1981, tornou-se a primeira música de Bacharach a chegar ao topo da Billboard Hot 100 desde "Raindrops Keep Fallin' on My Head". Ele se casou com Bayer Sager apenas um ano depois, e juntos eles escreveram o hit Top 20 de Roberta Flack , "Making Love", bem como "Heartlight", que Neil Diamond levou ao número cinco.

Em 2000, Bacharach compôs a trilha sonora do fracasso de bilheteria Isn't She Great antes de retornar com seu próprio álbum de estúdio, At This Time , de 2005. Ele encontrou Bacharach escrevendo letras pela primeira vez. Tonio K ajudou com as letras, e Elvis Costello , Dr. Dre , Chris Botti e Rufus Wainwright também contribuíram para o álbum. Live at the Sydney Opera House , com a Sydney Symphony Orchestra, apareceu em 2008, ano em que Bacharach comemorou seu 80º aniversário.

Em 2011, ele e Hal David foram premiados com o Prêmio Gershwin de Canção Popular e, em 2016, Bacharach retornou com música para o filme independente A Boy Called Po . O longa-metragem de Elvis Costello , Look Now, de 2018, apresentou três músicas escritas com Bacharach. Este último então colaborou com Daniel Tashian no EP Blue Umbrella de cinco faixas , que chegou em 2020. Burt Bacharach morreu em sua casa em Los Angeles, Califórnia, em 8 de fevereiro de 2023. Ele tinha 94 anos de idade.

Jose Feliciano, ator do grande sucesso "Affirmation"

Radiografia da Notícia

* Ao longo dos anos 70 e 80, ele continuou sendo um artista popular em turnê e gravação

*  Na sétima década de sua carreira, ele ainda era requisitado, lançando um par de álbuns em 2022

*  Feliciano marcou um grande sucesso americano com seu cover de 1968 de "Light My Fire" do Doors

Luís Alberto Alves/Hourpress

Um dos mais proeminentes artistas latinos da era pop, o guitarrista, cantor e compositor porto-riquenho José Feliciano encontrou sucesso no mainstream no final dos anos 1960 com sua atraente mistura de violão flamenco, Bolero, Folk e música Pop fácil de ouvir. Já um sucesso na América Latina, Feliciano marcou um grande sucesso americano com seu cover de 1968 de "Light My Fire" do Doors , antes de incitar polêmica com sua interpretação jazzística de "The Star Spangled Banner" durante a World Series em outubro daquele ano. Seu clássico pop de Natal de 1970 "Feliz Navidad" se tornou uma das canções mais onipresentes do cânone natalino. 

Ao longo dos anos 70 e 80, ele continuou sendo um artista popular em turnê e gravação, lançando uma variedade de álbuns em espanhol e inglês, participando de álbuns de grandes artistas como John Lennon , Joni Mitchell e Bill Withers , e compondo para programas de televisão como Chico and the Man e Kung Fu. O sucesso de Feliciano se estendeu até o século seguinte, enquanto ele continuava a explorar uma variedade de estilos musicais, ganhando um par de prêmios Grammy por seu álbum de 2008, Señor Bachata , e gravando uma colaboração de alto nível com Jools Holland no conjunto de jazz e R&B de 2017, As You See Me Now . Na sétima década de sua carreira, ele ainda era requisitado, lançando um par de álbuns em 2022, Right Here Waiting e Love & Christmas.

Feliciano nasceu em 10 de setembro de 1945, em Lares, Porto Rico; vítima de glaucoma congênito, ele ficou permanentemente cego ao nascer. Cinco anos depois, ele e sua família se mudaram para a área do Harlem Espanhol de Nova York; lá Feliciano começou a aprender acordeão, mais tarde pegando violão e fazendo sua primeira aparição pública no El Teatro Puerto Rico do Bronx aos nove anos de idade. Enquanto estava no Ensino Médio, ele se tornou uma figura do circuito de cafeterias de Greenwich Village, eventualmente abandonando a escola em 1962 para aceitar um show permanente em Detroit; um contrato com a RCA seguiu uma apresentação no Gerde's Folk City de Nova York e, em dois anos, ele apareceu no Newport Jazz Festival. Depois de se curvar com o single de novidade de 1964 "Everybody Do the Click", ele lançou seu LP de estreia com sabor de flamenco The Voice and Guitar of Jose Feliciano , lançado no início do ano seguinte por The Fantastic Feliciano .

Música

Insatisfeito com a direção de sua música após o lançamento de A Bag Full of Soul , de 1966 , Feliciano retornou às suas raízes, lançando três LPs consecutivos em espanhol — Sombras...Una Voz, Una Guitarra, Mas Exitos de Jose Feliciano e Sentimiento, La Voz y La Guitarra — pela RCA International, marcando presença nas paradas pop latinas com os singles "La Copa Rota" e "Amor Gitana". Com Feliciano!, de 1968 , ele conseguiu um sucesso marcante com uma leitura comovente de "Light My Fire", do Doors , que o lançou à estratosfera pop mainstream; um cover estrondoso de "Hi Heel Sneakers", de R&B, de Tommy Tucker, solidificou seu sucesso, e logo Feliciano se viu cantando o hino nacional durante a World Series de 1968 em Detroit. Sua interpretação idiossincrática da música em jazz latino provou ser altamente controversa e, apesar do clamor de tradicionalistas e nacionalistas, seu status como um herói emergente da contracultura foi garantido, com um single de sua interpretação também se tornando um sucesso.

Em 1969, Feliciano gravou três LPs — Souled , Alive Alive-O! e 10 to 23 — e ganhou um Grammy de Melhor Artista Revelação, embora tenha sido seu álbum de Natal autointitulado de 1970 que rendeu sua canção original mais duradoura. "Feliz Navidad", seu hit pop latino de fim de ano, tornou-se um clássico natalino perene nas décadas seguintes e foi amplamente regravado por outros artistas. Durante o restante dos anos 70, Feliciano continuou ativo, fazendo turnês anualmente e lançando vários LPs em inglês e espanhol, incluindo Compartments , produzido por Steve Cropper em 1973 ; ele também apareceu no hit de Joni Mitchell "Free Man in Paris" e foi convidado em várias séries de televisão, incluindo Kung Fu e McMillan and Wife. Ele também escreveu a música tema do seriado Chico and the Man, que chegou ao Top 100 de singles em 1974.

Em 1980, Feliciano foi o primeiro artista contratado pela nova divisão latina da Motown, fazendo sua estreia na gravadora com um esforço homônimo no ano seguinte. Sua produção gravada diminuiu ao longo da década, embora ele ocasionalmente ressurgisse com LPs, incluindo Tu Inmenso Amor de 1987 e I'm Never Gonna Change de 1989. Uma escola no East Harlem foi renomeada para Jose Feliciano Performing Arts School em sua homenagem. Em 1996, ele também apareceu brevemente no filme de sucesso Fargo e em 2000 recebeu o Grammy Legend Award. Um punhado de álbuns em espanhol apareceu no início da década e em 2006, Feliciano retornou com o álbum instrumental Six-String Lady, dando início a uma corrida prolífica que viu um fluxo constante de lançamentos até a década de 2010. Seu projeto de maior destaque durante este período foi um álbum de dueto de 2017 com Jools Holland chamado As You See Me Now . Indo para a próxima década, Feliciano se reuniu com o produtor de longa data Rick Jarrard para Behind This Guitar de 2020 , seu primeiro álbum a ser gravado em Nashville.

Ano

 O álbum compartilhou seu título com um documentário sobre Feliciano, que começou a ser exibido no circuito de festivais de cinema em 2020. Em 2022, Feliciano recebeu o prêmio Legend no Billboard Latin Music Awards; ele foi o primeiro artista a receber a homenagem. Foi um ano movimentado que viu dois lançamentos do artista veterano. Right Here Waiting foi um conjunto de músicas clássicas que incluíam novas gravações de "Light My Fire" e o tema de Chico and the Man. Mais tarde no ano, ele lançou Love & Christmas, um EP de sete músicas que incluía um par de canções natalinas ("Viva La Navidad" e "Little Drummer Boy"), bem como um cover com sabor latino de "Purple Haze" de Jimi Hendrix e uma versão em espanhol de "Human Nature" de Michael Jackson .