Evaldo Braga: 51 anos sem o cantor que venceu a pobreza e chegou ao sucesso

Radiografia da Notícia

* Perto da cidade de Três Rios, o seu carro entrou embaixo de uma carreta parada no acostamento

*  O curioso é que no domingo (29) ele havia participado do Programa Silvio Santos, na época na Rede Globo

* Na sua vez de cantar, entrou com uma miniatura de caixão de defunto nas mãos

Luís Alberto Alves/Hourpress

Há 51 anos, o  dia 31 de janeiro de 1973 foi uma terça-feira. Naquela data, o cantor Evaldo Braga, junto com seu motorista ao volante de um Volkswagen/TL, pegou a Via Dutra para vir participar do Programa do Chacrinha, exibido em todas noites de quarta-feira na então TV Tupi. Não conseguiu chegar. 

Perto da cidade de Três Rios, o seu carro entrou embaixo de uma carreta parada no acostamento, ao tentar ultrapassar outro veículo. Morreu na hora. Estava com 25 anos. O curioso é que no domingo (29) ele havia participado do Programa Silvio Santos, na época na Rede Globo. Na sua vez de cantar, entrou com uma miniatura de caixão de defunto nas mãos. Silvio Santos brincou e perguntou se Evaldo não tinha medo da morte. Apenas sorriu, dizendo que isto acontece na hora determinada por Deus. Desconhecia que não estaria mais para sempre no mundo artístico três dias depois.

Seu estilo era o Brega, hoje conhecido como Sofrência,  marcado por canções de letras tristes, a maioria inspirada em sua própria vida. Cantava bem. Caso tivesse nascido nos Estados Unidos, teria sido tema de filme em Hollywood. Não conheceu os pais. A mãe, prostituta na cidade de Campos (RJ), o jogou num latão de lixo logo após seu nascimento. Este fato o inspirou a compor o hit "Eu Não Sou Lixo".

Artilheiro

 Acabou criado num orfanato do Rio de Janeiro, em companhia de outro garoto, que anos mais tarde chegaria à seleção brasileira que disputou a Copa do Mundo, em 1970, e sagrou-se tricampeã mundial de futebol. Era Dadá Maravilha, artilheiro na maioria dos times onde jogou nas décadas de 1960 e 1970.

Durante muito tempo trabalhou de engraxate nas portas das gravadoras e de rádios. Conheceu diversos artistas. Um deles, Nilton César, lhe ofereceu sua primeira chance de trabalho no mundo artístico, como seu divulgador. Logo conheceu Edson Wander e escreveu a canção "Areia no Meu Caminho", em parceria com Reginaldo José Ulisses.

Ao conhecer o sucesso, várias mulheres ex-garotas de programa apareceram dizendo ser a mãe que o havia jogado na lata do lixo no final da década de 1940. Ignorou a maioria. Passou a vender muitos discos e seus hits estouravam na programação de rádios populares, como na televisão. Porém, a crítica não enxergava suas virtudes.

Televisão

 A cada disco, nunca ouvia elogios, apenas frases negativas. Perdeu a paciência e revelou numa entrevista que não fazia música para a elite, mas para as pessoas que moravam na Zona Norte do Rio de Janeiro. Por ser pobres e sofridos, conseguiam entender suas letras. Nos anos 2000, o hit "Sorria, Sorria" virou trilha sonora de um anúncio comercial de televisão. Tardiamente, a crítica reconheceu que Evaldo Braga cantava.

"A cruz que carrego"

https://www.youtube.com/watch?v=7Pp4IcYr47I

"Eu só quero"

https://www.youtube.com/watch?v=FqoTur0_z4E

"Não vou chorar"

https://www.youtube.com/watch?v=IKSOVDPHK4U

"A vida passando por mim"

https://www.youtube.com/watch?v=MNyCj2QOmHU

"Sorria Sorria"

https://www.youtube.com/watch?v=MwrOb8QxLoU

The Sugarhill Gang não inventaram o Hip-Hop, mas foram grande divulgadores deste estilo musical

Radiografia da Notícia

*  Foram a primeira banda de rap a ter um grande sucesso internacional

* Antes disso, muito poucas pessoas fora de Nova York sabiam o que era Hip-Hop

* Esteve entre as primeiras bandas de RAP a gravar um LP completo

Luís Alberto Alves/Hourpress

Embora a Sugarhill Gang não tenha inventado o Hip-Hop, eles foram a primeira banda de rap a ter um grande sucesso internacional. Lançado em 1979, "Rapper's Delight" foi a primeira exposição de milhões de ouvintes ao Hip-Hop - antes disso, muito poucas pessoas fora de Nova York sabiam o que era Hip-Hop.

 The Sugarhill Gang também esteve entre as primeiras bandas de RAP a gravar um LP completo; quando este álbum de estreia autointitulado foi lançado em 1980, a grande maioria dos MCs da velha guarda forneciam apenas singles de 12". Portanto, The Sugarhill Gang é um álbum historicamente importante, embora seja um pouco irregular. 

Enquanto "Rapper's Delight" e "Rapper's Reprise" (que conta com a participação do Sequence , o primeiro grupo exclusivamente feminino de Hip-Hop) são excelentes, a maior parte do material é meramente decente. E o irônico é que metade das músicas nem são RAP.

 "Bad News Don 't Bother Me" e "Here I Am", ambas com o Sugarhill Gang cantando em vez de fazer RAP, são músicas lentas românticas de R&B - e "Sugarhill Groove" é um número elegante de disco-funk que lembra Roy Ayers. 

este LP dificilmente pode ser chamado de trabalho de puristas do Hip-Hop; em 1980, a líder da Sugarhill Records, Sylvia Robinson (ela mesma uma cantora veterana de R&B), evidentemente sentiu que lançar um álbum só de RAP seria arriscado. não é uma obra-prima, ainda é um álbum que os historiadores do Hip-Hop acharão interessante.

DJ Kool Herc nos 50 anos de Hip-Hop

Radiografia da Notícia

* A subcultura do Hip-Hop vem crescendo nas ruas por meio de grafites

* Mas esta festa dançante é considerada um pivô ponto na popularização e criação do Hip-Hop

Luís Alberto Alves/Hourpress

Em 11 de agosto de 1973, o pioneiro do breakbeat jamaicano-americano de 18 anos, DJ Kool Herc, e sua irmã Cindy Campbell deram a agora famosa festa do bairro "back to school jam" no Bronx. A subcultura do Hip-Hop vem crescendo nas ruas por meio de grafites, MCing, DJing e breakdance em bairros de Nova York amplamente povoados por afro-americanos, porto-riquenhos e imigrantes caribenhos, mas esta festa dançante é considerada um pivô ponto na popularização e criação do Hip-Hop.

Baaba Maal, a voz da música do Senegal

Radiografia da Notícia

*  Cruzou o Afropop moderno com Cumbia, Hip-Hop, Ragga, Funk e EDM

* Hoje uma pequena cidade, seu caráter deriva de seus séculos como porto internacional com diversas culturas e religiões

* Maal queria ser cantor desde muito cedo, mas seu pai desaprovou

Luís Alberto Alves/Hourpress

Baaba Maal é um cantor, compositor e guitarrista de renome mundial do Senegal que canta na língua Fulani de seu povo. A sua música em constante evolução combina ritmos, melodias e instrumentação tradicionais africanas com géneros e produções ocidentais contemporâneos. Djam Leelii, de 1989, recebeu atenção da crítica global; Firin' in Fouta, indicado ao Grammy de 1994, cruzou o Afropop moderno com Cumbia, Hip-Hop, Ragga, Funk e EDM; Nomad Soul de 1998 incluiu colaborações com Brian Eno ; Missing You (Mi Yeewnii), de 2001, reduziu a produção para explorar os estilos folclóricos Fulani, e o extremamente diversificado The Traveller, de 2016 , tinha como alvo todos, menos os puristas da música africana. Ele co-escreveu "Wakanda", a música tema de Pantera Negra , e em 2023 retornou com um álbum tipicamente de gênero, Being .

Maal nasceu em 1953 em Podor, no norte do Senegal, às margens do rio Senegal. Hoje uma pequena cidade, seu caráter deriva de seus séculos como porto internacional com diversas culturas e religiões. Seu pai era pescador e muzzein na mesquita local. Ele frequentemente se juntava ao pai no chamado diário para a oração – um exercício que ajudou a desenvolver sua voz ressonante que requer pouca ou nenhuma amplificação. Sua mãe também teve uma influência musical precoce ao lhe ensinar as canções folclóricas do povo Tukulor.

Maal queria ser cantor desde muito cedo, mas seu pai desaprovou; ele queria que seu filho o seguisse como pescador. Na época, os únicos músicos socialmente aprovados eram os griots, guardiões e cantores da história e cultura da África Ocidental. O pai de Maal entendia que era preciso nascer de alguém para se tornar um. O homem mais jovem não se intimidou. Ele tinha o segundo melhor amigo, mentor, guitarrista e cantor Mansour Seck , um descendente de uma longa linhagem de griots. Com a mesma idade, Maal passava muitas horas ouvindo as fascinantes histórias e histórias orais do pai de Seck . Sofrendo de cegueira congênita, o jovem Seck começou a viajar pelo Senegal com Maal como guia em meados dos anos 70. Eles visitavam muitas aldeias, muitas vezes ficando com famílias griot, onde ambos aprenderiam mais. Seck encorajou fortemente Maal a cantar.

Ocidental

Depois de concluir o ensino secundário, foi-lhe oferecida uma bolsa de estudos para a École des Beaux Arts de Dakar. Ele estava acompanhado por Seck . Estudou música clássica e popular ocidental e ensinou música na escola primária. A dupla se juntou a Asly Fouta, uma orquestra de 70 integrantes que percorreu a África Ocidental celebrando a cultura Tukulor. A dupla saiu em 1977 e, em 1982, Maal recebeu uma bolsa de estudos no Conservatório de Paris. Seck novamente o seguiu. A dupla gravou Djam Leelii , em Bruxelas. (Remixado por Ian A. Anderson , foi lançado globalmente em 1989). A mãe de Maal morreu em 1984 e ele voltou para Podor. No ano seguinte formou o grupo de nove integrantes Daande Lenol ("A Voz do Povo"). Nos anos seguintes, eles lançaram cassetes para o mercado local e sua popularidade cresceu. Daande Lenol , assim como seu fundador, não se esquivou de questões de justiça social e temas políticos em suas músicas ou apresentações. As autoridades da Mauritânia proibiram as suas gravações.

Em 1985, Maal, Seck e Daande Lenol gravaram o álbum Wango para o selo francês Syllart. Foi tocado na França, Alemanha e Bélgica. Vários DJs de clubes em Londres também ouviram suas músicas. Djam Leelii foi licenciado para lançamento nos EUA e no Reino Unido em 1989 através do selo Mango da Island Records. Ganhou críticas universalmente favoráveis ​​de críticos internacionais. Taara foi lançado na França pela Syllart em 1990 e teve um sucesso substancial nas rádios por sua combinação de linhas de baixo funky, pop senegalês e metais no estilo R&B.

Baayo on Mango , de 1991 , estendeu logicamente a gravação do dueto que Maal fez com Seck , mas o álbum foi claramente o show de Maal. Embora se mantivesse fiel às melodias abertas e monótonas da música folclórica tradicional senegalesa, ele adicionou teclados esparsos e programação de bateria sobressalente em torno de seus vocais, três violões e percussão orgânica. Em 1992, Maal chamou a atenção (e abriu ouvidos) com o polido e elétrico Lam Toro , produzido em estúdio . Comercialmente, foi um sucesso moderado, ganhando elogios da crítica e de airplay global. Ambas as turnês africanas e europeias foram best-sellers. Na sequência, um inquieto Maal sentiu-se confinado ao estúdio e perguntou aos executivos da gravadora se ele poderia recrutar músicos nativos do norte para sua próxima apresentação, a fim de tornar sua música mais tradicional.

Carreira

O produtor Simon Emmerson viajou para Podor com Maal e começou a montar os músicos. Depois das sessões em Podor, eles mudaram o projeto para Londres por um tempo antes de retornarem para deixar os músicos africanos ouvirem as faixas não mixadas e adicioná-las. Firin' in Fouta, de 1995, trouxe aclamação internacional a Maal. Seu som contagiante e caleidoscópico uniu a música senegalesa ao ragga, salsa e música de harpa do Cabo Bretão, com cordas e sopros orquestrais, e o saxofonista de jazz convidado Andy Sheppard . A gravação também lançou a carreira dos rappers/colaboradores Positive Black Soul , o que levou Emmerson a co-fundar o Afro Celt Sound System . Maal viajou pelo mundo com Daande Lenol e Seck – ele tocou um segmento acústico com Maal em cada show. O artista recebeu uma indicação ao Grammy pelo esforço.

Nomad Soul de 1998 deu continuidade às tendências de fusão em maior grau. Emmerson , Mykaells Riley , Brian Eno , Jon Hassell e Howie B foram listados entre os sete produtores do álbum. O esforço repleto de estrelas incluiu backing vocals de Donegal, o grupo irmão da Irlanda, os Screaming Orphans , com Luciano fazendo um dueto em "Africans Unite (Yolela)" e Robbie Shakespeare tocando baixo em "Fanta". Maal também gravou "Bess, You Is My Woman Now" para a coletânea Red Hot + Rhapsody: The Gershwin Groove da Red Hot Organization , um tributo beneficente a George Gershwin que arrecadou dinheiro para várias instituições de caridade dedicadas a aumentar a conscientização sobre o HIV/AIDS e combater o doença.

 Em 2019 atuou como vocalista convidado em Néné , segundo álbum do cantor/compositor senegalês Ilam (Abdoul Karim Tall). Maal também participou de Pantera Negra: Wakanda Forever . Ele apareceu na cena de abertura cantando a tradicional "Nyana Wam" com o baterista falante Massamba Diop na frente da procissão de homenagem do elenco ao falecido ator Chadwick Boseman. No final de 2021, Maal reuniu sua banda e começou a compor, fazer arranjos e ensaiar. Eles entraram no estúdio, experimentando som, andamento, texturas e produção. Eles equilibraram a instrumentação orgânica com um caminhão cheio de tecnologia digital. Produzidas por Hugo , as faixas continham doces melodias do deserto conduzidas por ritmos complexos e refrões cantados e sincopados. Entre os convidados de Maal para o set estavam Very Best , Paco Lenol e Rougi. Lançado em 2023, Being foi aclamado internacionalmente por sua paleta rítmica ambiciosa, letras de músicas comoventes e paradas cativantes.

Maldição mata quem canta em dupla

     Douglas/Instagram

João Carreiro morreu nesta quarta-feira (3), em Mato Grosso do Sul

Claudinho e Buchecha

Leandro e Leonardo

João Paulo e Daniel

Tonico e Tinoco

Alvarenga e Ranchinho

Jacó e Jacozinho

Jararaca e Ratinho

Tião Carreiro e Pardinho

Torrinha e Canhotinho

Sandro e Gustavo

Vieira e Vieirinha

Tibagi e Miltinho

Peão Carreiro e Zé Paulo

Belmonte e Amaraí

Radiografia da Notícia

* Uma das primeiras duplas atingidas foi Belmonte e Amaraí

* Antes em 1977, um estranho acidente matou Jacó, que cantava com Jacozinho

* Em 1987, essa temível maldição atinge Vieira e deixa só Vieirinha

Luís Alberto Alves/Hourpress

Estranha maldição persegue os cantores que fazem a segunda voz (grave) nas duplas, principalmente nas caipiras. Nesta quarta-feira (03), o cantor sertanejo João Carreiro, 41, morreu em Campo Grande, Mato Grosso Sul, após se submeter a uma cirurgia no coração. O mais curioso nesta história, é que outros artistas sertanejos, com o sobrenome Carreiro também foram atingidos por essa praga: Tião Carreiro, que fazia dupla do Pardinho morreu em 1998 de diabetes. Pião Carreiro que cantava com Zé Paulo perdeu a vida em 1999

Seja de acidente ou doença, sempre morre quem faz a parte grave na arte de cantar. Isto acontece há quase 54 anos. Uma das primeiras duplas atingidas foi Belmonte e Amaraí, com um acidente de automóvel  provocando a morte de Belmonte em 1972. Ambos foram os inspiradores de Chitãozinho e Xororó, e faziam um sertanejo com batida pop na década de 1960, quando ainda era poucos os recursos técnicos. 

No ano seguinte foi a fez de morrer Tibagi, deixando só o parceiro Miltinho.  Em 1978, a doença tirou a vida de Alvarenga, que fazia dupla com Ranchinho. Antes em 1977, um estranho acidente matou Jacó, que cantava com Jacozinho.

A doença levou, também, a vida de Jararaca, em 1977. Ele era o parceiro de Ratinho. Onze anos depois, Torrinha morreu, deixando só Canhotinho, com quem fazia dupla.  Em 1987, essa temível maldição atinge Vieira e deixa só Vieirinha.

Leandro

Tonico escorregou na escada de acesso ao seu apartamento, em 1997, e morreu. Tinoco perdeu seu parceiro de muitos anos de cantoria. Neste mesmo ano, João Paulo sofre acidente de automóvel na Rodovia dos Bandeirantes, perto de Cajamar, Grande SP, e a maldição atinge dupla com Daniel. 

O ano de 1998 marcou a retirada de Leandro, que cantava com o irmão Leonardo. O câncer o matou rapidamente. O diabetes foi o responsável pela morte de Tião Carreiro neste mesmo ano de 1998, com o qual fez dupla com Pardinho. 

Em 1999, essa maldição levou embora Peão Carreiro, que cantava com Zé Paulo. Nesse mesmo ano, uma hepatite C atinge Sandro e o mata rapidamente, deixando sozinho seu parceiro Gustavo. Até o funk melody não escapou dessa escrita, com a morte de Claudinho, num acidente de carro, em 2002, quando voltava de um show para o Rio de Janeiro. Seu parceiro Buchecha prosseguiu em carreira-solo. 

Belmonte e Amarai - Saudade de minha terra

https://www.youtube.com/watch?v=aklt1F36RGo

Tonico e Tinoco - Chico Mineiro

https://www.youtube.com/watch?v=On3Cx-Pn7uI

Jacó e Jacozinho  - Ladrão de terra

https://www.youtube.com/watch?v=EgM1Ih1tbWI

Tibagi e Miltinho - Pombinha branca

https://www.youtube.com/watch?v=MJP7BZGH9Gk

Peão e Zé Paulo - Porta do Mundo

https://www.youtube.com/watch?v=P5rg12S-Hgo

João Paulo e Daniel - Estrela Perdida

https://www.youtube.com/watch?v=ayfpMZFl5Ag

Leandro e Leonardo - Pense em mim

https://www.youtube.com/watch?v=Gb7cAq9PgeQ

Tião Carreiro e Pardinho - Travessia do Araguaia

https://www.youtube.com/watch?v=kICRJronm5Y

João Carreiro e Capataz - O que essa moça fez aqui

https://www.youtube.com/watch?v=FcwLkDQ4YsY

Alvarenga e Ranchinho -  Drama de Angélica

https://www.youtube.com/watch?v=Pi6HTjal_XY

Claudinho e Buchecha -  Só Love

https://www.youtube.com/watch?v=0U7XHtE5EQE

Os grandes sucessos do passado continuarão mandando no presente

 

Radiografia da Notícia

* Época em que canções tinham letra, lindas melodias e arranjos maravilhosos, mesmo simples

* Mesmo em pleno século 21, os grandes sucessos do passado ainda impactam o presente

* enquanto o churrasco é servido, o bolo, panetone e doces degustados, serão aquelas do passado

Luís Alberto Alves/Hourpress

Em cada final de ano, a mesma cena se repete. Nas mesas dos bares ou mesmo nas festas com parentes e amigos, os sucessos do passado vão marcar presença, por causa da beleza que continuam cativando corações.

Mas algo não mudará: as músicas que todos vão cantar, enquanto o churrasco é servido, o bolo, panetone e doces degustados, serão aquelas do passado. Época em que canções tinham letra, lindas melodias e arranjos maravilhosos, mesmo simples. Algo diferente neste século 21, carente de boas canções.

Antecipo que, mesmo com a voz desafinada, a maioria das pessoas vai cantar refrões de hits como: #“Trem das Onze”, #“Flor de Lis”, “# O Pequeno Burguês”,# “Eu gostava tanto de você”, #“Que Pena”, #“Do lado direito da Rua Direita”, #“Aquarela do Brasil”, #“Sorriso Negro”.

Mesmo em pleno século 21, os grandes sucessos do passado ainda impactam o presente, atualmente carente de bons artistas, em vários gêneros. Detalhe: as canções citadas acima têm mais de 40 anos, porém entraram na trilha sonora de várias famílias.

 “Trem das Onze"

Adoniran Barbosa - O trem das onze - YouTube

“Flor de Lis”

Djavan - Flor de Lis - (COM LETRA NA DESCRIÇÃO) - Legendas - (CC) - YouTube

 “ O Pequeno Burguês"

O Pequeno Burguês - YouTube

 “Eu gostava tanto de você”

Tim Maia - Gostava Tanto de Voce - 1997 - YouTube

 “Que Pena”

Que Pena - Gal Costa y Caetano Veloso - YouTube

“Do lado direito da Rua Direita”

Do lado Direito da Rua Direita(Originais do Samba)20-11-1972 - YouTube

“Aquarela do Brasil”

Caetano Veloso, João Gilberto e Gilberto Gil - Aquarela Do Brasil - YouTube

 “Sorriso Negro”

Dona Ivone Lara - Sorriso Negro - YouTube

Eddie Harris e o inesquecível hit "It's Alright Now"

Radiografia da Notícia

* O hit "It´s Alright Now" fez parte da coletânea Soul Grand Prix lançada em 1976 no Brasil

* Por algum tempo, ele foi muito mais popular entre o público do que entre os críticos

* Os gostos de Harris variavam em todo o espectro da música negra, nem toda considerada aceitável pelos puristas do Jazz

Luís Alberto Alves/Hourpress

Há muito subestimado no panteão dos grandes nomes do jazz, Eddie Harris foi um saxofonista eclético e imaginativo cuja carreira foi marcada por um grande apetite pela experimentação. Por algum tempo, ele foi muito mais popular entre o público do que entre os críticos, muitos dos quais o denegriram por seus empreendimentos de maior sucesso comercial. Os gostos de Harris variavam em todo o espectro da música negra, nem toda considerada aceitável pelos puristas do Jazz. Ele tinha habilidade para lidar com um bop tecnicamente exigente e a contenção para tocar no estilo cool da Costa Oeste, mas também mergulhou no jazz-pop amigável ao crossover, na fusão influenciada pelo Rock e pelo Funk, improvisações externas, efeitos eletrônicos bizarros , novos cruzamentos de instrumentos tradicionais, cantos de Blues e até comédia.

 Muito disso estava fora dos limites do que os críticos consideravam Jazz legítimo e sério, e por isso o descartaram como muito mainstream ou muito enigmático. Para ser justo, o grande catálogo de Harris é certamente desigual; nem tudo que ele tentou funcionou. No entanto, com o passar do tempo, a excelência do seu melhor trabalho tornou-se bastante clara. As realizações de Harris são muitas: ele foi o primeiro artista de Jazz a lançar um disco que vendeu ouro, graças à adaptação de sucesso de 1961 do tema do filme “Exodus”; ele foi universalmente reconhecido como o melhor tocador de sax elétrico Varitone, como pode ser ouvido em seu álbum de sucesso de 1967, The Electrifying Eddie Harris.

Ele foi um compositor subestimado cuja "Freedom Jazz Dance" foi transformada em um padrão por Miles Davis ; ele até inventou seus próprios instrumentos trocando boquilhas de latão e palheta. Além disso, seu set de 1969 com Les McCann no Montreux Jazz Festival foi lançado como Swiss Movement e se tornou um dos álbuns de jazz mais vendidos de todos os tempos.

Sax

Harris nasceu em Chicago em 20 de outubro de 1934. Suas primeiras experiências musicais foram como cantor na igreja, a partir dos cinco anos, e logo começou a tocar hinos de ouvido no piano. Ele passou parte de seus anos de Ensino Médio em Du Sable, onde estudou vibrafone com o lendário diretor de banda Walter Dyett, um disciplinador que treinou alguns dos maiores jazzistas do South Side: Nat King Cole , Johnny Griffin , Gene Ammons , Julian Priester , e muitos outros (até mesmo o roqueiro Bo Diddley ). Mais tarde, ele voltou ao piano e também aprendeu sax tenor, e passou a estudar música no Roosevelt College. 

Conseguiu seu primeiro emprego profissional como pianista, apoiando o saxman Gene Ammons , e teve a chance de tocar com grandes nomes como Charlie Parker e Lester Young . Após a faculdade, ele foi convocado para o serviço militar; enquanto servia na Europa,  fez um teste com sucesso para a banda do 7º Exército, que também incluía nomes como Don Ellis , Leo Wright e Cedar Walton , entre outros. 

Após sua dispensa, morou em Nova York e tocou em todos os grupos e locais que pôde, ainda principalmente como pianista. Harris retornou a Chicago em 1960 e logo assinou com o bem-sucedido Vee Jay, local, mais conhecido por suas bandas de R&B e blues. Embora a gravadora tenha contratado Harris como pianista,  tocou apenas sax tenor em seu primeiro álbum. Esse álbum, Exodus to Jazz de 1961 , se tornaria uma das histórias de sucesso mais surpreendentes do Jazz. 

Ouro

A faixa principal foi "Exodus", o rearranjo descontraído de Harris do tema de Ernest Gold do épico filme bíblico de mesmo nome. Foi uma fonte improvável para uma música de jazz e um sucesso ainda mais improvável, mas conseguiu pegar nas rádios convencionais; lançado como single em uma versão abreviada, chegou até mesmo aos níveis mais baixos do Top 40 pop. Seu sucesso empurrou o LP para o segundo lugar nas paradas de álbuns pop, e Exodus to Jazz se tornou o primeiro álbum de jazz certificado ouro.

Muitos críticos criticaram Harris por seu sucesso comercial, ignorando seu verdadeiro talento; por um lado, Harris tocou tão doce e suavemente no registro superior de sua trompa que muitos ouvintes presumiram que ele estava tocando um sax alto, ou mesmo um sax soprano. Atormentado pelas críticas, Harris recusou-se por muito tempo a tocar "Exodus" em um show; no entanto, ele gravou vários álbuns para Vee Jay nos dois anos seguintes, que muitas vezes continham tentativas de duplicar sua ideia de adaptação do tema do filme.

 Nenhum de seus discos foi tão popular quanto Exodus to Jazz , embora tenham vendido de forma bastante respeitável. Em 1964, Harris mudou-se para Columbia, seguindo uma direção musical semelhante (embora às vezes com apoio orquestral). Harris mudou para a Atlantic em 1965 e prontamente rejuvenesceu suas credenciais de Jazz com The In Sound , um álbum bop clássico e bastante direto que introduziu seu original "Freedom Jazz Dance" (mais tarde regravado por Miles Davis no clássico Miles Smiles ). 

Eletrônico

Na sequência, Mean Greens , de 1966 , Harris se interessou pelo piano elétrico; mais tarde naquele ano, em The Tender Storm ,  experimentou pela primeira vez o saxofone elétrico Varitone, que era essencialmente um instrumento tradicional equipado com um sistema de amplificação e um processador de sinal eletrônico que permitia diferentes efeitos tonais. Esse instrumento se tornou o foco de The Electrifying Eddie Harris de 1967, um clássico Blues e Funky do Soul-Jazz que marcou Harris como um dos poucos saxofonistas a desenvolver um estilo pessoal e distinto no sax elétrico que também era exclusivo para as capacidades do instrumento. 

 Uma versão regravada de "Listen Here" (originalmente apresentada em The Tender Storm ) deu a Harris um segundo single de grande sucesso; por pouco perdeu o R&B Top Ten, o que ajudou a levar o LP ao segundo lugar nas paradas de álbuns de R&B. Acompanhamentos subsequentes - Plug Me In , High Voltage , Silver Cycles , cheios de Echoplex - encontraram a marca eletrificada de Jazz-Funk de Harris vendendo bem nas paradas de Jazz e R&B entre 1968-1969, regularmente chegando ao Top Five em o primeiro e o Top 40 no segundo.

Em 1969, Harris juntou-se ao grupo regular do pianista Les McCann no Festival de Jazz de Montreux; apesar da total falta de tempo de ensaio juntos, a química no palco foi imediata, e o show foi lançado como LP Swiss Movement , creditado a McCann e Harris. Acompanhado pelos singles de sucesso "Compared to What" e "Cold Duck Time", Swiss Movement alcançou o segundo lugar nas paradas de R&B a caminho de se tornar um dos álbuns de jazz mais vendidos de todos os tempos. 

Trompa

Enquanto isso, a carreira solo de Harris continuou em ritmo acelerado, com experimentos cada vez mais divertidos – e às vezes bizarros. Década de 1970, vamos lá! foi uma sessão com mais sabor de Jazz-Rock que encontrou Harris cantando em sua trompa por meio de sua unidade de efeitos. Ele também começou a experimentar novas trompas, inventando instrumentos como o trompete de palheta (basicamente um trompete equipado com uma boquilha de sax; ouvido principalmente em Free Speech de 1970 e Instant Death de 1971 ) e o saxobone (um sax com boquilha de trombone). Eddie Harris Sings the Blues, de 1972, explorou ainda mais o conceito de cantar com sua trompa, com resultados muitas vezes estranhos; o EH do ano seguinte no Reino Unido o levou à Grã-Bretanha para gravar jazz-rock com Steve Winwood , Albert Lee , Jeff Beck e outros. 

O espaçoso e fortemente eletrônico Is It In , lançado em 1974, foi classificado como um de seus experimentos de maior sucesso criativo. Álbuns subsequentes como I Need Some Money , Bad Luck Is All I Have e That Is Why You're Overweight estavam em todo o mapa musical, mas favoreciam números vocais cômicos no estilo R&B, agora sem os efeitos eletrônicos.

As vendas de Harris estavam caindo, mas ainda eram bastante fortes para um artista de Jazz, até The Reason Why I'm Talking Shit , de 1975 , que abandonou canções humorísticas em favor de uma comédia stand-up completa, apenas para adultos. Apenas alguns trechos de música foram intercalados entre toda a conversa da boate, e os resultados foram tão esquerdistas que o público de Harris se afastou em massa. Assim, o abrangente livro de 1976, How Can You Live Like That? foi amplamente ignorado, e Harris se separou da Atlantic em 1978.

Hard

 Harris foi para a RCA para dois álbuns gravados em 1979, o lançamento de fusão fraca I'm Tired of Driving e o completamente solo Playing With Myself , no qual Harris dublou solos de trompa sobre seu próprio trabalho de piano. Ele não ficou muito tempo; ao longo dos anos 80 e 90, gravou principalmente para pequenas gravadoras como Steeple Chase, Enja, Timeless e Flying Heart, entre outras. 

Esses álbuns encontraram Harris retornando ao hard bop tradicional, geralmente em ambientes de quarteto acústico. Ele fez suas últimas gravações de estúdio em meados dos anos 90 e foi forçado a parar de se apresentar pelos efeitos combinados de câncer ósseo e doença renal. Faleceu em Los Angeles em 5 de novembro de 1996, cerca de seis meses após um último show em sua cidade natal, Chicago.