Boogie Down Productions: A voz do Hip-Hop com pitada política

Ele ajudou a pavimentar o caminho tanto para o Gangsta RAP

Luís Alberto Alves/Hourpress

Boogie Down Productions foi um dos grupos de Hip-Hop mais importantes e influentes da segunda metade dos anos 80. Liderados pelo muitas vezes brilhante e incendiário MC KRS-One , o BDP foi pioneiro do RAP hardcore e político (ou "consciente") - e se isso parece contraditório, também ilustra o alcance do talento do KRS-One para narrar e mesmo moldando sua cultura.

 Musicalmente, o BDP geralmente empregava cenários mínimos e sobressalentes que acentuavam o KRS-One, e o grupo também estava entre os primeiros artistas de hip-hop a incorporar elementos do ragga jamaicano e do dancehall em seu estilo. No início, o BDP se dedicou a narrativas impetuosas, mas realistas, da vida no gueto, o que as tornou uma sensação de rua; no entanto, após o assassinato do DJ original Scott La Rock , KRS-One - que agora era essencialmente BDP - dedicou-se a material social e politicamente consciente que lhe rendeu o apelido de "O Professor". 

No processo, ele ajudou a pavimentar o caminho tanto para o Gangsta RAP quanto para o movimento positivo e afrocêntrico de línguas nativas – um legado que nenhum outro rapper pode reivindicar. KRS-Um aposentou o apelido Boogie Down Productions no início dos anos 90 para lançar discos em seu próprio nome; até hoje, ele continua sendo um dos intelectuais mais sinceros e respeitados do Hip-Hop.

Apelido

O verdadeiro nome de KRS-One é Laurence Krisna Parker , ou simplesmente Kris Parker ; alguns relatos afirmam que ele nasceu com o apelido de "Krisna", enquanto outros sugerem que foi um apelido dado a ele durante sua juventude por seu interesse pela espiritualidade. Nascido na área de Park Slope, no Brooklyn, em 1965, seu pai nascido em Trinidad foi deportado pouco depois de seu nascimento, e mais tarde adotou o sobrenome de seu padrasto, Parker. 

No início de sua adolescência,  abandonou o Ensino Médio e saiu de casa, migrando para o South Bronx; embora tenha sobrevivido principalmente nas ruas e em abrigos para sem-teto, continuou sua educação estudando extensivamente em bibliotecas públicas. Nesse período, interessou-se pela cultura Hip-Hop,(originalmente uma abreviação para "Kris Number One", mas depois se transformou na sigla "Knowledge Reigns Supreme Over Nearly Everyone"). Aos 19 anos, passou um breve período na cadeia por vender maconha; após sua libertação, conheceu o assistente social Scott Sterling em um abrigo do Bronx em 1985. Sterling também era um DJ que se apresentava sob o nome de Scott La Rock , e quando os dois se tornaram amigos, eles decidiram formar um grupo de rap, que chamaram de Boogie Baixa Produções.

Selo

O primeiro single independente do BDP foi "Crack Attack", de 1986, e eles logo completaram um álbum completo para o pequeno selo independente B-Boy Records (que havia rumores de ser uma fachada para uma operação pornográfica). O disco, Criminal Minded , rendeu a eles um culto raivoso nas ruas quando apareceu em 1987, e hoje é considerado um dos primeiros clássicos do rap hardcore. As descrições detalhadas do KRS-One das realidades urbanas - drogas, sobrevivência através da violência, promiscuidade, guerras de território no hip-hop - eram às vezes duras e às vezes alegremente comemorativas. 

Ele ainda não havia desenvolvido uma mensagem unificada, mas sua voz era a de um jovem poeta de rua rebelde e inteligente, e se conectava poderosamente com seu público.A produção despojada de La Rock às vezes interpolava samples de pop e rock, e as inflexões ragga do clássico "9mm Goes Bang" produziram uma fusão pioneira de hip-hop e reggae. O forte burburinho nas ruas do disco atraiu a atenção da afiliada da RCA Jive, que assinou um contrato com a dupla. Infelizmente, não muito tempo depois, La Rock foi morto a tiros tentando acabar com uma discussão em uma festa no Bronx.

Abalado pela perda de seu melhor amigo, KRS-One se levantou e decidiu continuar Boogie Down Productions como um tributo à memória de La Rock . Ele recrutou seu irmão mais novo Kenny Parker como DJ regular, e também empregou membros como D-Nice e Ms. Melodie (a última, nascida Ramona Scott , também foi sua esposa por um tempo). Convencendo Jive a ficar com sua nova equipe, KRS-One completou By All Means Necessary em 1988, que marcou a primeira vez que ele assumiu o papel de "O Professor". 

Marco

Também considerado um marco, por todos os meios necessário foi um dos primeiros álbuns de rap dedicados principalmente a comentários sociais, e continha faixas de mensagens militantes e profundamente pessoais como "My Philosophy" e "Stop the Violence". No mesmo ano, durante um show do BDP/ Public Enemy , um jovem fã foi morto em uma briga; Galvanizado em ação, o KRS-One fundou o Stop the Violence Movement e organizou o single de caridade "Self-Destruction", que arrecadou meio milhão de dólares para a National Urban League em 1989.

Também em 1989, Boogie Down Productions retornou com um álbum ainda mais politizado e intelectual, Ghetto Music: The Blueprint of Hip Hop . O pessoal auxiliar do BDP se expandiu para incluir vários outros membros, como Scottie Morris e a irmã de Ms. Melodie , Harmony, mas o som não foi mais desenvolvido; na verdade, era resolutamente esquelético, a antítese do que o KRS-One percebia como uma nova e insalubre mentalidade pop-crossover ultrapassando o hip-hop. Enfrentando questões como crime, brutalidade policial, educação e espiritualidade, KRS-Oneencontrou seu público crescendo e o mainstream prestando atenção à sua mensagem. 

O New York Times o convidou para escrever editoriais, e ele encontrou intensa demanda por seus pontos de vista no circuito de palestras universitárias. No entanto, muitos críticos descobriram que sua credibilidade intelectual levou a melhor sobre ele no próximo álbum do BDP, Edutainment de 1990 . Apesar de um pequeno sucesso em "Love's Gonna Get'cha (Material Love)", o Edutainment foi duramente criticado por estar cheio de palestras didáticas e enfadonhas, que também vieram à custa de um apoio musical convincente. KRS-One alienou ainda mais seu público depois de uma briga em 1992 com os rappers pop hippies PM Dawn . 

Show

Depois que o grupo o chamou de "professor de quê?" durante uma entrevista para uma revista,KRS-One e parte do BDP invadiram o show do PM Dawn em Nova York, jogando fisicamente o frontman Prince Be para fora do palco e entrando em seu próprio set. KRS-One explicou mais tarde que se opunha ao Hip-Hop tomar uma direção tão suave e orientada para o crossover, embora o PM Dawn nunca tenha reivindicado credibilidade nas ruas, e parecia uma abordagem estranha do fundador do Stop the Violence Movement . Em meio à reação negativa de seus próprios fãs, mais tarde ele se desculpou publicamente.

Enquanto isso, o BDP continuou gravando. 1991 viu o lançamento de Live Hardcore Worldwide , um dos primeiros LPs de hip-hop ao vivo. Era basicamente uma maneira de fazer com que o material de Criminal Minded voltasse a ser impresso, em um formato onde os royalties pudessem ser coletados (uma disputa em andamento com a B-Boy Records estava amarrando as gravações originais). No mesmo ano, ele fez uma participação especial no programa "Radio Song" do REM e gravou o álbum HEAL: Civilization vs. as batidas mais contundentes de seu material anterior em Sex and Violence de 1992, que alguns críticos saudaram como um retorno à forma, mas que não conseguiu recapturar seu antigo público. 

Por esta altura, KRS-One estava divorciado de Ms. Melodie , e reduziu seu elenco de apoio para Kenny Parker . Kenny e Willie D. Para seu próximo projeto, KRS-One decidiu simplesmente colocar a Boogie Down Productions para descansar e gravar em seu próprio nome; seu debut solo, Return of the Boom Bap , foi lançado em 1993. Desde então, lançou vários outros álbuns solo, e manteve uma presença ativa na mídia e no circuito de palestras.

Tarika Blue: A banda que mesclou Jazz e Funk

 Favoreceu uma abordagem muito espiritual e mística que devia algo ao pós-bop acústico

A banda não conseguiu gravar um terceiro disco

Luís Alberto Alves/Hourpress

Liderada pelo músico de estúdio de Nova York Phil Clendeninn , Tarika Blue era uma banda de fusão/jazz-funk lírica e altamente melódica que teve um pequeno número de seguidores (principalmente na Costa Leste) nos anos 70. O combo de Clendeninn não era tão conhecido como Lonnie Liston Smith & the Cosmic Echoes , mas existem paralelos definidos entre essas duas bandas da Costa Leste. Como o Cosmic Echoes, Tarika Blue favoreceu uma abordagem muito espiritual e mística que devia algo ao pós-bop acústico, bem como ao Soul, Funk, Pop e Rock. 

Tarika Blue compartilhou a apreciação do Cosmic Echoes por pesos pesados ​​pós-bop modais como John Coltrane , McCoy Tyner , Pharoah Sanders ,Charles Lloyd e Yusef Lateef -- na verdade, Smith e Clendeninn são ambos pianistas/tecladistas que foram influenciados pela forma de tocar de Tyner . Mas Clendeninn não era um purista do Jazz mais do que Smith e seus Ecos Cósmicos; ambos usavam instrumentos elétricos e estavam bem cientes do que estava acontecendo nos mundos do R&B e do rock. Tarika Blue e o Cosmic Echoes forneceram instrumentais acessíveis, bem como ofertas vocais, mas enquanto Smith frequentemente apresentava seu irmão Donald Smith , Clendeninn preferia usar vocalistas femininas.

Clendeninn , um nova-iorquino nativo, formou o Tarika Blue por volta de 1973, quando estudava na Syracuse University, no norte do estado de Nova York, e fazia muitas viagens de ida e volta para a Big Apple. Clendeninn , o baixista Barry Coleman e o baterista Kevin Atkins eram o núcleo do grupo, e outros músicos que tocaram com Tarika Blue incluíam Marvin Blackman (sax tenor), Justo Almario (sax soprano), James Mason (guitarra elétrica) e imigrante japonês. Ryo Kawasaki (guitarra elétrica). 

Soul

As várias cantoras da banda incluíam Tequila (que trabalhou com o baterista Tony Williams' Lifetime ), Lisa Fisher, Irene Datcher, e Dolores Smith. Foi em 1974 que Clendeninn conheceu Hank O'Neal , presidente da independente Chiaroscuro Records, com sede em Nova York. A empresa de O'Neal é mais conhecida pelo hard bop e swing, mas ele abriu uma exceção no caso de Tarika Blue e acabou co-produzindo seu álbum de estreia homônimo em 1976 e seu segundo álbum, The Blue Path, em 1977. Enquanto o primeiro LP de Tarika Blue foi totalmente instrumental, The Blue Path contou com Irene Datcher e Dolores Smith nos vocais. 

Deve-se notar que por volta de 1974 e 1975, Clendeninn também era membro de uma banda disco/soul/funk chamada Big Apple Band, cujos outros membros incluíam o guitarrista Nile Rodgers e o falecido baixistaBernard Edwards - alguns anos depois, Rodgers e Edwards fundaram a seminal potência disco-funk Chic e se tornaram produtores/compositores superstar.

Tarika Blue nunca gravou um terceiro álbum, mas suas gravações continuaram a interessar as pessoas muito depois de sua separação. Em 2001, a estrela urbana contemporânea/neo-soul Erykah Badu sampleou "Dreamflower" de Tarika Blue em seu grande sucesso "Didn't Cha Know". "Dreamflower" também foi sampleado pelo Underwolves , um grupo britânico de jungle/drum'n'bass/electronica. Em 2002, Chiaroscuro relançou os dois LPs dos anos 70 de Tarika Blue em um CD auto-intitulado, que saiu pelo selo Downtown Sound da empresa.

Tarika Blue

https://www.youtube.com/watch?v=cJivQWgRQU8

The Blue Path

https://www.youtube.com/watch?v=Ad5qWKE1frs

Loretta Lynn: A Country Music perde mais uma estrela

 Lynn observou mais de uma vez que seu fã-clube era dominado por mulheres

Luís Alberto Alves/Hourpress

Qualquer que seja  a Country Music pode estar no ano de 2022, em seus anos de formação – das Bristol Sessions no final dos anos 1920 ao início da era do crossover brilhante em meados dos anos 1970 – Country era a música da vida real cantada por adultos. A música abriu espaço para histórias divertidas e altas, mas na maioria das vezes, canções country falavam de pessoas que trabalhavam para viver, ganhando um dólar honesto com o suor de sua testa, e se eles ficavam um pouco selvagens em um honky tonk em Sábado à noite, a festa foi uma libertação que foi ricamente merecida. E quando artistas country cantavam sobre amor, era para pessoas casadas e com filhos, pessoas que podem ter uma veia sentimental, mas sabiam mais do que um pouco sobre os altos e baixos de um relacionamento de longo prazo. No mundo da música Country, traindo músicas e mantendo seu cônjuge

Claro, a maioria dessas histórias foi contada através dos olhos dos homens. O Country certamente teve sua parcela de estrelas femininas, desde a família Carter , cuja gravação de 1927 de "Single Girl, Married Girl" foi sem dúvida o primeiro sucesso proto-feminista, comparando com tristeza a boa vida que uma mulher tinha por conta própria com o duro vezes que veio uma vez que ela tomou um marido. 

O sucesso de 1952 de Kitty Wells , "Não foi Deus quem fez os anjos de Honky Tonk", uma resposta a "The Wild Side of Life", de Hank Thompson , foi considerado ousado em sua época por ousar sugerir que as mulheres não eram necessariamente as culpadas. quando seus homens se mostraram infiéis. Tammy Wynette"Stand By Your Man" pode ter saído em 1968, mas expressava uma atitude que era padrão em Nashville há décadas. E "Jolene", de Dolly Parton , um sucesso em 1973, era o conto familiar (embora lindamente executado) de uma mulher que se sentia tristemente impotente para impedir que seu parceiro se perdesse. (A piada não dita, é claro, é imaginar que Dolly seria a única a perder para uma garota glamourosa local.)



Se alguém pode dizer que mudou esse estado de coisas para as mulheres na música country, foi Loretta Lynn. Antes de ela se tornar uma estrela, esperava-se que as mulheres em Nashville fossem felizes com seus homens ou fossem as figuras sofredoras que viviam com o mau comportamento de seus companheiros sem fazer muito sobre isso. Desde seus primeiros sucessos menores do início dos anos 1960 até seus anos como a principal estrela feminina de Nashville em meados dos anos 60 até o início dos anos 70, Loretta Lynn escreveu e cantou músicas que diziam a verdade. 

Ela sabia como era ter seu marido voltando para casa bêbado e querendo sexo quando você não estava interessada, e ela cantou sobre isso. ("Don't Come Home a-Drinkin' [With Lovin' On Your Mind]") Ela sabia o que era saber que outra mulher estava interessada em seu marido, e ela cantou sobre isso. ("You Ain't Woman Enough To Take My Man.") Ela entendia como as pessoas se sentiam em relação às mulheres divorciadas, como se tivessem sido marcados com a Letra Escarlate, e ela cantou sobre isso também. ("Rated X.") Ela queria poder desfrutar do prazer de fazer amor sem a ansiedade de possivelmente ter outro filho, e até cantou sobre isso. ("A pílula.") Ela deu voz aos sentimentos de milhões de mulheres comuns, e as fez saber que eram ouvidas e compreendidas.

 

Se a honestidade de Loretta Lynn fez dela uma das maiores e mais respeitadas estrelas do Country, isso foi reforçado por seu talento e sua autenticidade. Lynn tinha uma voz que era um meio perfeito para suas grandes canções, clara e melódica, mas com um tom natural e descomplicado, forte o suficiente para dar vida a uma canção sem parecer floreado ou educado. Seu instrumento era o melhor cenário, como a mulher na rua que, inesperadamente, pode facilmente pregar qualquer música na noite de karaokê. 

E se Country era um gênero que respeitava o trabalho duro e aproveitava ao máximo as adversidades, a formação de Lynn era mais do que suficiente para satisfazer qualquer um. Praticamente todo mundo sabe sobre a educação difícil de Loretta Lynn, em parte porque ela cantou sobre isso com tanta honestidade em várias de suas melhores músicas,Coal Miner's Daughter , que rendeu a Sissy Spacek um Oscar por sua atuação perfeita como Lynn.

 Ela nasceu Loretta Webb em 1932, uma das oito crianças nascidas de um casal pobre em Butcher Hollow, Kentucky. (Um de seus irmãos, Brenda Gail Webb, também teria uma carreira musical de sucesso como Crystal Gayle .) Ela tinha apenas 15 anos quando se casou com Oliver "Doolittle" Lynn, de 21 anos, e 16 quando deu à luz. ao seu primeiro filho. A vida não era nada fácil para o casal, e Loretta escreveu certa vez: "Não era como ser uma dona de casa hoje. Era lavar as mãos em uma tábua e cozinhar em um velho fogão a carvão. Cultive um jardim e enlatei o que eu cresceu. Isso é o que é real. Eu sei sobreviver."



Embora, segundo todos os relatos, Doolittle estivesse longe de ser um marido ideal, ele reconheceu que sua jovem esposa tinha talento quando a ouviu cantar enquanto fazia suas tarefas e comprou para ela um violão por US$ 17 que ela aprendeu a tocar. Ela começou a escrever suas próprias músicas e, enquanto a família morava em Custer, Washington (onde Doolittle trabalhava como madeireiro),  a encorajou a começar a se apresentar em casas noturnas locais. Loretta estava tocando em um clube em Vancouver, British Columbia, Canadá, onde foi vista por um representante de uma pequena gravadora country, Zero Records. 

Zero levou Lynn para Hollywood, onde ela gravou um punhado de lados, incluindo "I'm a Honky Tonk Girl". Determinados a fazer do disco um sucesso, Doolittle e Loretta pegaram a estrada, atravessando o país e parando em todas as estações de rádio C&W que pudessem encontrar. Em cada parada, Loretta vestia a roupa de vaqueira com franjas que fizera para suas apresentações ao vivo, encantava os disc jockeys e tocava sua música para quem quisesse ouvir, enquanto Dolittle se certificava de que a estação tivesse uma cópia de seu disco. A jogada funcionou; graças em grande parte à sua campanha publicitária, "I'm a Honky Tonk Girl" subiu para o número 14 na parada de singles do país em 1960, e Loretta e a família se mudaram para o Tennessee para estarem mais perto do coração da indústria fonográfica do país.

 Em 1962, ela assinou um novo contrato de gravação com a Decca, uma grande gravadora que abrigava vários de seus artistas favoritos, incluindo enquanto Dolittle se certificava de que a estação tivesse uma cópia de seu registro. Em 1962,  assinou um novo contrato de gravação com a Decca, uma grande gravadora que abrigava vários de seus artistas favoritos, incluindo Patsy Cline , Brenda Lee e Kitty Wells . (Cline se tornaria uma amiga e mentora de Lynn antes de sua morte em um acidente de avião em 1963.) Trabalhando com o produtor Owen Bradley , que deu às gravações de Lynn o equilíbrio certo de soul honky tonk e polimento country , ela marcou seu primeiro hit para ela. novo selo com "Success", de 1962, que liderou a parada Country no número 6, e ela estava a caminho.



Enquanto Lynn rapidamente se tornou uma grande estrela de Nashville, foi alguns anos depois que sua composição começou a ganhar força total e, escrevendo músicas informadas em parte por seu casamento tumultuado, ela começou a fazer sucessos com números desafiadores como "You Ain't Woman Enough (To Take My Man)" e "Don't Come Home a-Drinkin' (With Lovin' On Your Mind)" (respectivamente, número 2 e número 1 do país em 1966) e "Fist City" (número 1 em 1968) . 

As músicas de Lynn se destacaram na rádio Country, embora não parecesse especialmente notável para ela. Como disse, no início, "Eu apenas escrevi sobre coisas que aconteceram. Eu estava escrevendo sobre coisas que ninguém falava em público, e eu não percebi que eles não falavam. Eu estava tendo bebês e ficando em casa. Eu estava escrevendo sobre a vida." Na época em que ela era uma visitante regular do Country Top Ten e uma convidada frequente do Grand Ol' Opry, ela havia estabelecido seu nicho e não via necessidade de mudar seu estilo ou ser agradável, mesmo que entregasse suas músicas com um sorriso. Lynn observou mais de uma vez que seu fã-clube era dominado por mulheres, e era exatamente assim que ela gostava.



Em 1971, Lynn fez um dueto com outra das maiores estrelas de Nashville, Conway Twitty, e "After the Fire is Gone" era uma música de trapaça de primeira classe, pingando de arrependimento e desejo proibido, e provou ser a primeira salva de uma série de sucessos para a dupla, sem mencionar um lado fascinante para ela. muitas músicas sobre ser a mulher contra quem pecou. Entre 1971 e 1981, Lynn e Twitty lançaram 12 singles, e todos entraram no Top Ten country, com cinco indo direto para o número um. 

Ela permaneceu uma hitmaker consistente durante a década de 1970, e enquanto ela, como muitos artistas veteranos de Nashville, viu suas vendas diminuindo na década de 1980, ela ainda conseguiu chegar ao Top 20 em 1985 com "Heart Don't Do This To Me". e permaneceu um ato ao vivo popular até que  entrou em hiato na década de 1990, quando seu marido caiu em problemas de saúde. Oliver "Doolittle" Lynn morreu em 1996, e não foi  até 2000 que Loretta voltou ao estúdio de gravação, lançando Still Country naquele ano. 

Lynn parecia pronta para uma carreira tardia de trabalho ocasional ao vivo ou talvez uma residência em Branson, Missouri, quando do nada, ela estava sendo nomeada porJack White do White Stripes como seu álbum de 2001 White Blood Cells estava se tornando um sucesso inesperado. White dedicou o álbum a Lynn, e o White Stripes fez um cover de "Rated X" como lado B, dando a Loretta um grau de credibilidade hipster que ela não possuía há décadas. Quando Lynn conheceu White, ele se ofereceu para produzir um álbum para ela, e Van Lear Rose, de 2004, foi um LP notável que combinava 13 músicas, todas escritas ou co-escritas por Loretta, com arranjos que eram ásperos e caem nas bordas enquanto capturando uma sensação de honky tonk que serviu sua voz (que ainda estava em excelente forma) impressionantemente bem. Van Lear Rose fez por Lynn o que a American Recordings de 1994 fez por Johnny Cash, colocando os talentos de uma lenda da música country sob uma nova luz, respeitando sua abundante arte e rico legado. 

Embora tenha recebido pouco ou nenhum país, Van Lear Rose foi um sucesso comercial e de crítica, chegando ao número 24 na parada de álbuns da Billboard Top 200 e ganhando dois prêmios Grammy, de Melhor Álbum Country e Melhor Colaboração Country com Vocais por " Portland, Oregon", seu dueto barulhento com Jack White.

Uma mulher rica e uma lenda viva cujo talento e importância foram reafirmados para o mundo, Loretta Lynn não tinha nada a provar depois de Van Lear Rose, e na esteira de seu sucesso, se dedicou a fazer o que quisesse. Cuidou de sua família, excursionou quando estava com vontade, e em 2007 começou a gravar uma grande quantidade de material com sua filha Patsy Lynn Reynolds e John Carter Cash como produtores. Full Circle de 2016 foi o primeiro álbum tirado dessas sessões, seguido por White Christmas Blue (2016), Wouldn't It Be Great (2018) e Still Woman Enough (2021), e se eles não fossem tão marcantes quanto Van Lear Rosa,  não deixaram dúvidas de que ela ainda era uma grande artista que poderia impor respeito e impressionar até o ouvinte mais casual com seus dons naturais como cantora e melodista.

Em uma entrevista de 2012 sobre sua carreira, Lynn foi questionada sobre como encontrou forças para manter sua agenda como artista aos 80 anos, e ela respondeu: "Eu trabalho. o próximo encontro. E então eu volto para o ônibus depois do show e vou para o próximo encontro. Simples assim." Apesar de todo o seu sucesso, até o fim de seus dias Loretta Lynn era a garota de Butcher Hollow que sabia que nada de valor vinha sem esforço, e encontrou fama e fortuna ao entender a vida de pessoas como ela e falar sua verdade. É difícil imaginar que a música country verá alguém como ela novamente, embora a grande música que ela deixou para trás mantenha sua eloquência por muitos e muitos anos.

Chris Jasper: as mãos dos teclados nos grandes sucessos dos Isley Brothers

Os grandes sucessos da banda teve os teclados dele

Luís Alberto Alves/Hourpress

Qualquer lista séria de tecladistas altamente influentes no campo do Soul/Pop/Funk teria de incluir Chris Jasper, dos Isley Brothers . Jasper pode ser ouvido tocando piano acústico, órgão, funky clavinet e linhas de sintetizador Moog/Arp em hits seminais dos anos 70 como "Who's That Lady", "Fight the Power", "For the Love of You" (regravado por Whitney Houston em seu álbum multi-platina Whitney ) e "Who Loves You Better" em um catálogo que inclui 11 álbuns de ouro e quatro de platina. A maioria ainda está impressa.

Em janeiro de 1992, Jasper, junto com o resto dos Isley Brothers , foi introduzido no Rock & Roll Hall of Fame. Em tenra idade, Jasper começou a fazer cócegas nos marfins. Aos oito anos, sua mãe o encorajou a ter aulas de piano depois que ela o ouviu tocar músicas da Motown de ouvido. Após o colegial, ele foi estudar para estudar na Julliard. 

Os Irmãos Isley e Jasper cresceram no mesmo quarteirão em sua cidade natal, Cincinnati. Em 1959, o grupo marcou seu primeiro grande sucesso, "Shout", mais tarde regravada pelos Beatles , e se mudou para Nova York. Mais sucessos se seguiram, incluindo "Twist and Shout" e "This Ol' Heart of Mine" na Motown.

Irmã

Ao visitar uma irmã que morava no Leste, Jasper fez amizade com um dos Isleys mais jovens, Ernie . Todo verão ele e Jasper se reuniam e tocavam. Ernie começou na bateria antes de passar para a guitarra. Outro jovem Isley , Marvin, traria seu baixo e se juntou à dupla. Os adolescentes seguiram o padrão do Young-Holt Unlimited e fizeram covers de Jazz, Pop e Motown. Enquanto ensaiavam, os outros Isleys passavam e sugeriam que entrassem no estúdio. Eles gravaram algumas faixas demo com Ronald Isley cantando.

Em 1969, os Isleys conseguiram um acordo de fabricação e distribuição (selo personalizado) com a Epic Records. O álbum It's Your Thing foi o primeiro lançamento em T-Neck (um apelido derivado de sua base de Teaneck, NJ). Jasper, como principal compositor/tecladista, guitarrista/baterista Ernie , e o baixista Marvin vieram a bordo no ano seguinte.

 O projeto principal do novo grupo expandido foi o álbum Giving It Back, que apresentava uma versão fumegante de "Love the One You're With" de Stephen Stills . A combinação vencedora funcionou nos 13 anos seguintes e incluiu álbuns como 3 + 3 , Who's That Lady, um cover otimista de Seals & Crofts' "Summer Breeze", "If You Were There" (gravado por Wham em Make It Big), Live It Up , The Heat Is On , Harvest for the World, o álbum duplo Winner Take All, Go for Your Guns e Confronto . 

 Título

Durante este tempo, Jasper teve a oportunidade de trabalhar com o pioneiro dos sintetizadores Malcolm Cecil , que foi uma influência chave através de Stevie Wonder e seu álbum inovador, Music of My Mind .

Em 1984, o grupo se separou e Jasper e os Isleys mais jovens, Ernie e Marvin, formaram Isley/Jasper/Isley com seu primeiro lançamento, Broadway's Next to Sunset Boulevard. O próximo álbum, Caravan of Love , apresentou o título número um fora da caixa que tocou nas estações pop, urbanas e gospel e foi  pelo regravado pelo grupo inglês The Housemartins , levando a música ao número um pop internacional status. O último álbum de Isley/Jasper/Isley foi Different Drummer, e depois que o grupo se desfez, Jasper formou a Gold City Records distribuída pela CBS.

Superbad - não o padrão de James Brown - foi o título e o primeiro single do primeiro álbum solo de Jasper, no topo das paradas urbanas. O próximo álbum, Time Bomb , incluiu a balada de sucesso "The First Time". Ele também teve sucesso com a cantora Liz Hogue , que alcançou as paradas com "Dream Lover" do álbum Vicious & Fresh e "Make It Last" de Chaka Khan de seu álbum CK. Tomando Gold City independente, Jasper lançou Praise the Eternal , uma coleção de música gospel contemporânea e uma estreia auto-intitulada do trio gospel contemporâneo Outfront.

Moog

Deep Inside marca o retorno de Jasper à música R&B/pop. Uma coleção que inclui o melhor do antigo e do novo. Contra o brilho dos patches de sintetizador digital FM dos anos 90, você ouve linhas clássicas de vocoder geradas por talk box e baixo Moog macio. Há uma forte influência de Marvin Gaye e em homenagem, Jasper atualiza "What's Going On".

Houve uma enxurrada de covers de Isley Brothers . A maior parte do que é feito por rappers. Hip-hop tem sido bom para o catálogo de músicas de Jasper. O rapper/artista da Sony, Da Brat , alcançou o Top 5 da Billboard Hot 100 com "Funkadafied", que inclui uma amostra de "Between the Sheets" dos Isleys (do álbum de mesmo nome). 

Ice Cube usou "Footsteps in ihe Dark" (de Go for Your Guns) como base para seu hit "It's been a Good Day". Hornman Gene Dunlap fez um cover de "Groove With You" (de Showdown ). R. Kelly(cujas produções carregam linhas e patches influenciados por Jasper) produziu um cover de sucesso de "At Your Best You Are Love" (de Harvest for the World) da cantora Aaliyah .

 Love The One You're With

https://www.youtube.com/watch?v=bFaT0BI9eJ0

"What's Going On"

https://www.youtube.com/watch?v=1_DKC8aLWbo

 It Was A Good Day

https://www.youtube.com/watch?v=h4UqMyldS7Q

Jim Keltner: O grande baterista das bandas de estúdio

 Ele esteve por trás de grandes sucessos

Luís Alberto Alves/Hourpress

 Jim Keltner faz parte de um grupo de músicos de estúdio que alcançou quase o estrelato no início da década de 1970, em meio à explosão do trabalho de gravação dos ex-membros dos Beatles - junto com Leon Russell , Klaus Voorman , Billy Preston , Jim Gordon e Bobby Whitlock , para citar apenas alguns, seu nome tornou-se intimamente associado ao primeiro lampejo de criatividade pós- Beatles de John Lennon , George Harrison e Ringo Starr .. Mas ele já era um dos bateristas mais ocupados trabalhando em Los Angeles, e seu jeito de tocar - mesmo descontando os discos dos ex- Beatles na época e desde então - foi ouvido em alguns dos discos mais populares da época, por todos, desde Eric Clapton para Carly Simon para Barbra Steisand .

 Keltner nasceu em Tulsa, OK, em 1942, e foi inicialmente inspirado a começar a tocar por causa do interesse pelo Jazz. Mas a popularidade do Jazz estava em declínio quando ele atingiu a maioridade no final dos anos 50 e início dos anos 60, e foi a explosão do Pop/Rock em meados dos anos 60 que lhe permitiu entrar no trabalho de gravação em Los Angeles. Ele começou a atrair a atenção no mundo da música por seu trabalho nos discos de Gary Lewis e os Playboys . 

Até onde o público sabia, o próprio Gary Lewis tocava bateria em seus discos, mas o arranjador e líder nas gravações de Gary Lewis era o multi-instrumentista nascido em Oklahoma, Leon Russell , que trouxe músicos de sessão para aumentar (e muitas vezes suplantar) o trabalho de Lewis e sua banda nos discos, especialmente os singles. A primeira sessão de gravação de Keltner foi em "She's Just My Style", e ele logo se tornou parte integrante do som do grupo, junto com outro nascido em Oklahoma que foi transferido para Los Angeles, o baixista Carl Radle .

Esposa

 Apesar dessas sessões de gravação e outros trabalhos associados a Lewis', a carreira musical de Keltner mal dava para viver, e por vários anos no início ele foi apoiado por sua esposa. No final dos anos 60, ele finalmente começou a trabalhar em sessões regulares e acabou se tornando um dos bateristas mais ocupados de Los Angeles.

Entre eles, Keltner e Jim Gordon , e seu contemporâneo mais velho Hal Blaine , responderam por uma grande parte da melhor bateria ouvida na cidade. Suas primeiras apresentações creditadas nas gravações foram com Gabor Szabo no álbum Bacchanal (1968), e no ano seguinte  participou de um grande número de gravações, incluindo álbuns de Szabo e Cal Tjader no Jazz, Verve da cantora e compositora Barbara Keith debut, estreia da dupla de harmonia Wendy & Bonnie e Alone Together do pop/rocker britânico Dave Mason. 

Foi seu trabalho em associação com Leon Russell que teria o maior efeito, direta e indiretamente, no reconhecimento do nome de Keltner, inicialmente através de sua participação em Accept No Substitute , de Delaney & Bonnie . Esse disco atraiu a atenção do cantor de soul britânico Joe Cocker , que recrutou Russell e todos os outros que podia da banda Delaney & Bonnie para seu álbum Mad Dogs & Englishmen . 

Perfil

E foi tocando com Joe Cocker que levou a uma explosão de trabalho para Keltner em 1970 e 1971, em discos de Carly Simon ( Antecipação ), Barbra Streisand( Barbra Joan Streisand ), Booker T. Jones ( Booker T. & Priscilla ), George Harrison ( The Concert for Bangladesh ) e John Lennon ( Imagine ). Keltner foi na verdade a primeira escolha como baterista do All Things Must Pass - o tecladista de Delaney & Bonnie , Bobby Whitlock , que ajudou Harrison a montar a banda para aquele álbum, queria Keltner, mas ele estava em turnê com Gabor Szabo na época, foi assim que Jim Gordon acabou dividindo as tarefas de bateria com Ringo Starr no álbum triplo e também acabou com Derek & the Dominos .

Mas tocar no Imagine foi o suficiente para aumentar o perfil de Keltner. Naqueles dias, logo após a separação dos Beatles , aquele álbum (como quase tudo lançado pelos ex-membros) vendeu milhões, e muitos dos ouvintes, curiosos sobre exatamente o que os ex- Beatles estavam fazendo e quem estavam trabalhando, prestaram muita atenção aos créditos desses discos. Após o lançamento de Imagine (e de Yoko Ono 's Fly ) e The Concert for Bangladesh , ele se tornou um grande nome diante do público - e para o caso de alguém duvidar de quão bom músico ele era, quando o baterista dos Beatles Ringo Starr gravou seu primeiro álbum pop completo, Ringo , Keltner estava nele; e passou a se tornar um álbum número um. 

Ele também tocou no show beneficente One to One de Lennon para a Willowbrook State School, que mais tarde foi lançado comercialmente como um álbum ao vivo e vídeo; e Harrison posteriormente conseguiu que ele se juntasse à banda em sua turnê de 1974 pelos Estados Unidos. Naquela época, Keltner era tão onipresente nas gravações e apresentações dos ex- Beatles , que ele foi percebido por alguns espectadores como praticamente o "quinto Beatle" como Billy Preston , Klaus Voorman, ou qualquer um dos outros participantes regulares da era tardia e pós-era em seu trabalho. 

Discos

Mas nos meses e anos que se seguiram a essas apresentações, ele também foi uma presença muito visível em discos como Neil Young , Bob Dylan , Eric Clapton , Randy Newman , Arlo Guthrie , Harry Nilsson , Rita Coolidge , Jesse Ed Davis , BB King , Bonnie Raitt , Freddie King , Bee Gees , Jack Bruce , Dolly Parton e Porter Wagoner , Bill Wyman ,Steely Dan e Gary Wright . Keltner tocou em muitas, muitas centenas de discos nos anos 70, 80 e além, solidificando sua reputação musical. Ele também foi um dos sobreviventes notáveis ​​daquelas décadas - onde colegas como Carl Radle e Jim Gordon sucumbiram a doenças, físicas e outras, Keltner continuou fazendo boa música, década após década.

 Entre as aparições mais curiosas que ele fez no disco e no palco, ele trabalhou no álbum solo Two Sides of the Moon , do baterista do Who , Keith Moon , e tocou com a All-Starr Band de Ringo Starr , e -- (sob o disfarce de de "Buster Sidbury") -- fazia parte de George HarrisonViajando Wilburys .

 No início dos anos 90, na sequência de uma série de sessões que tocou para John Hiatt , Keltner passou a fazer parte do supergrupo Little Village , com Hiatt , Ry Cooder e Nick Lowe . Keltner permaneceu ocupado no século 21, em turnê com T Bone Burnett e gravando com Jerry Lee Lewis ( Last Man Standing ), e ele ainda tem a chance ocasional de retornar ao seu primeiro amor original, o Jazz. Ele é admirado por duas gerações de bateristas que o seguiram, e 40 anos em sua carreira ainda é considerado um dos melhores bateristas do mundo.