Em termos de qualidade, o passado ainda manda na música

Neste final de ano não será diferente

Luís Alberto Alves/Hourpress

Toda sexta-feira ou festa de final de ano, ocorre a mesma coisa nos botecos: as pessoas cantam músicas de 30 ou até mais de 50 anos atrás. É a prova que os nossos ídolos continuam os mesmos e as aparências não enganam não, como resumiu Belchior na década de 1970.

Neste final de ano não será diferente.  Muitos vão se lembra do megassucesso de Adoniram Barbosa, “O trem das onze”, de 1965, que explodiu em todo o Brasil na voz do conjunto Os Demônios da Garoa.  Não fica de fora Paulinho da Viola, com a inesquecível “Foi um rio que passou em minha vida”, de 1969.

Mas a galeria não para por ai. Tem Djavan com “Flor de Liz”, gravada por ele em 1976. Alguém vai se lembra de Tim Maia, soltando o vozeirão na inesquecível “Eu gostava tanto de você”, de 1973. Martinho da Vila vai aparecer com “Aquarela do Brasil”, de 1965, samba-enredo da escola Império Serrano, autoria de Silas de Oliveira.

Jorge Benjor, na época que assinava Jorge Ben também não faltará na mesa dos aspirantes a cantores, com a bela “Que Pena” de 1969, que ficou linda nas vozes de Caetano Veloso e Gal Costa, embalando muitos bailes. Para não deixar a habitação de lado, alguém poderá colocar na mesa o grande sucesso de Agepê, de 1974, “Moro onde não mora ninguém”. E o passado continua mandando no presente, pelo menos em termos de música de qualidade.

https://www.youtube.com/watch?v=1Mf8Yer8ifw

https://www.youtube.com/watch?v=LAEXGgWXphs

https://www.youtube.com/watch?v=L7goYWREVuA


https://www.youtube.com/watch?v=TZQsoLACMW0


https://www.youtube.com/watch?v=zvbisJ_5PaE


https://www.youtube.com/watch?v=sYHTwcpHlxY


https://www.youtube.com/watch?v=GWKVQwcRI3E

Hubert Sumlin: O guitarrista que os Rolling Stones pagaram o enterro

Ele aprendeu  a tocar na noite

Luís Alberto Alves / Hourpress

Silencioso e extremamente despretensioso fora do coreto, Hubert Sumlin tocou um estilo de guitarra incendiária o suficiente para ficar de pé ao lado do lobo de Howlin 'imortal. O Lobo foi o mentor imponente de Sumlin por mais de duas décadas, e provou ser um relacionamento mutuamente benéfico; A guitarra de Torcendo, imprevisível e imprevisível de Sumlin constantemente energizou os lados do Lobo dos anos 1960, mesmo quando as canções em si (confira "Do the Do" ou "Mama's Baby" para provas conclusivas) eram menos do que estelares. Sumlin começou a puxar o proverbial fio de vassoura pregado na parede antes de colocar suas luvas em uma guitarra de verdade.

 Ele cresceu perto de West Memphis, Arkansas, por um breve momento com outro jovem leão com um futuro cor-de-rosa, James Cotton, antes de receber uma intimação do poderoso Wolf para se juntar a ele em Chicago em 1954. Sumlin aprendeu seu ofício todas as noites no coreto atrás Lobo, sua confiança crescendo à medida que ele se formava em deveres de guitarra rítmica para liderar. No início dos anos 60, o machado de Sumlin era um componente proeminente na grande maioria dos waxings de Wolf, incluindo "Wang Dang Doodle", "Shake for Me", "Hidden Charms" (ostentando talvez o maior solo de Sumlin) " Trezentos Libras de Alegria "e" Matar Chão. "

Sobre eles Apesar de terem um relacionamento um pouco tempestuoso, Sumlin permaneceu fiel a Wolf até a morte do grande homem em 1976. Mas Sumlin cortou um punhado de sessões solo antes disso, começando com uma data inusitada de 1964 em Berlim Oriental que foi produzida por Horst Lippmann durante uma turnê européia sob os auspícios do American Folk Blues Festival (a sessão "atrás da Cortina de Ferro" também o pianista de destaque Sunnyland Slim e o baixista Willie Dixon).

 Nos anos seguintes, Sumlin permitiu que seus talentos vocais brilhassem, gravando sets solo que o revelaram ser um cantor discreto mas eficaz - enquanto sua guitarra continuou a se comunicar com mais força. A estima com a qual ele foi tocado por músicos de uma geração posterior foi habilmente demonstrada pela lista de convidados do álbum de 2004 de Sumlin, About Them Shoes, incluindo Keith Richards, Eric Clapton, Levon Helm e David Johansen, sem mencionar um bluesman de Sumlin James Cotton, o velho amigo e colega de banda que tocou pela primeira vez com Sumlin em West Memphis na adolescência do início dos anos 50, antes de Cotton se juntar a Muddy Waters e se mudar para Chicago, em paralelo à jornada de Sumlin ao Windy City na mesma época.

 Ele seguiu os About Them Shoes com o Treblemaker em 2007. Hubert Sumlin morreu de insuficiência cardíaca em Wayne, Nova Jersey, em 4 de dezembro de 2011; ele tinha 80 anos. Mick Jagger e Keith Richards pagaram as despesas do funeral do bluesman.

https://www.youtube.com/watch?v=-aRnzKDiIS0


https://www.youtube.com/watch?v=-iAprLLGQf0


https://www.youtube.com/watch?v=lXbsKnk0QDg

Willie Johnson: O guitarrista da banda de Howlin `Wolf

O som combo de Howlin 'Wolf já era bem desenvolvido quando se mudou de Memphis para Chicago nos anos 50 

Luís Alberto Alves / Hourpress

Diferente do cego Willie Johnson em muitos aspectos, além de ser capaz de ver, este é um maravilhoso guitarrista cuja lealdade a Memphis, talvez, lhe custou algo em termos de fama. Willie Johnson foi o guitarrista da primeira banda liderada por Howlin 'Wolf, um gigante de blues de Chicago cuja música tem influenciado em todos os aspectos do rock & roll, do mais primitivo ao mais vanguardista. Até mesmo mencionar a cidade de Chicago demonstra a mudança de percepção que acompanha a aglutinação de vários artistas em várias "cenas" da cidade. O som combo de Howlin 'Wolf já era bem desenvolvido quando se mudou de Memphis para Chicago nos anos 50. Willie Johnson foi uma parte importante desse som, considerado o ás da manga de Wolf, tocando em um estilo imprevisível que abrangia muito da história do blues, passado e futuro.

A única coisa foi que, quando Wolf se mudou para Chicago, ele não conseguiu convencer Johnson a ir com ele. Seu substituto seria Hubert Sumlin, outro brilhante guitarrista elétrico que teria uma enorme influência em músicos como Eric Clapton. Sumlin tende a ser mais conhecido que Johnson; Ele é um grande jogador, e não é uma tentativa de tirar isso para mencionar o fato óbvio de que ele também estava pisando em um par de sapatos que já haviam sido usados ​​quando ele se juntou à banda de Wolf. 

Enquanto isso, Johnson permaneceu em Memphis, onde a natureza esquizofrênica da indústria fonográfica fornecia muito menos oportunidades para ele do que poderia estar disponível se ele seguisse o rastro do Lobo. Os fãs de blues estão em Fat City, independentemente, capazes de experimentar o jogo desses mestres e outros no pacote de lobisomens em releituras, compilações e sets especiais. As gravações de Johnson por conta própria, como o estressante "Feel So Worried", também aparecem em compilações dedicadas à cena de Memphis.

https://www.youtube.com/watch?v=0b1Sig47Cbg


https://www.youtube.com/watch?v=0b1Sig47Cbg&t=10s

Peter Green: O maior guitarrista branco do Blues

O músico que tocava melhor do que Eric Clapton

Luís Alberto Alves / Hourpress

Peter Green é considerado por alguns fãs como o maior guitarrista de blues brancos de todos os tempos, não obstante Eric Clapton. Nascido Peter Greenbaum, mas chamando a si mesmo de Peter Green aos 15 anos, ele cresceu no East End operário de Londres. As primeiras influências musicais de Green foram Hank Marvin das Sombras, Muddy Waters, B.B. King, Freddie King e a tradicional música judaica. Ele originalmente tocou baixo antes de ser convidado em 1966 pelo tecladista Peter Bardens para liderar o Peter B's, cujo baterista era um cara magro chamado Mick Fleetwood.

Green, de 19 anos, estava com Bardens apenas três meses antes de se juntar ao John Mayall's Bluesbreakers, cujo pessoal que mudava rapidamente incluía o baixista John McVie e o baterista Aynsley Dunbar. Um grande fã de Clapton, Green mata Mayall para dar a ele uma chance quando o guitarrista dos Bluesbreakers se separar por um período indeterminado de férias na Grécia. Green parecia ótimo e, como Mayall lembra, não se divertiu quando Clapton retornou depois de alguns shows, e Green saiu.

A Hard Road Quando Clapton deixou a banda seis meses depois para formar Cream, Mayall persuadiu Green a voltar. Os fãs eram abertamente hostis porque Green não era Deus, embora apreciassem a substituição de Clapton a tempo. O produtor Mike Vernon ficou horrorizado quando os Bluesbreakers apareceram sem Clapton para gravar o álbum A Hard Road no final de 1966, mas foi conquistado pelo jogo de Green. Em muitas faixas, seria difícil dizer que Clapton não estava jogando. Com um instrumental verde misterioso chamado "O Sobrenatural", ele demonstrou o começo de seu fluido de marca registrada, assombrando o estilo que lembra B.B. King.

Mr. Wonderful Quando Green deixou Mayall em 1967, ele levou McVie e Fleetwood para fundar o Fleetwood Mac de Peter Green. Jeremy Spencer e Danny Kirwan logo deram ao Fleetwood Mac uma linha incomum de três guitarras. Green estava em seu apogeu para os álbuns Mr. Wonderful, English Rose, Then Play On e uma gravação ao vivo do Boston Tea Party. Seu instrumental "Albatross" foi o primeiro single britânico da banda e "Black Magic Woman" foi mais tarde um grande sucesso para Carlos Santana. Mas Green estava experimentando ácido e seu comportamento tornou-se cada vez mais irracional, especialmente depois que ele desapareceu por três dias de uso excessivo de drogas em Munique.

Ele se tornou muito religioso, aparecendo no palco usando crucifixos e roupas esvoaçantes. Seus colegas de banda resistiram à sugestão de Green de doar a maior parte de seu dinheiro para caridade, e ele partiu em meados de 1970 depois de escrever uma melodia biográfica chamada "The Green Manalishi".

The End of the Game Depois de um amargo álbum chamado The End of The Game, Green entristeceu os fãs quando ele desligou o violão, exceto por ajudar o Mac a completar uma turnê quando Spencer de repente se juntou aos Filhos de Deus em Los Angeles e desistiu.  A odisséia caótica de Green de quase uma década incluiu rumores de que ele era um coveiro, um barman na Cornualha, um hospital e um membro de uma comunidade israelense. Quando um contador lhe enviou um cheque de realeza indesejado, Green confrontou seu atormentador com uma arma, embora tenha sido descarregado. Green foi preso por um curto período antes de ser transferido para um asilo.

No SkiesGreen surgiram no final dos anos 70 e início dos anos 80 com os álbuns In the Skies, Little Dreamer, White Sky e Kolors, apresentando por vezes Bardens, o baterista de Robin Trower Reg Isidore e o baterista da Fairport Convention Dave Mattacks. Ele reprisou o padrão "Rattlesnake Shake" do Then Play On Mac no álbum solo de Fleetwood de 1981, The Visitor. O autor britânico Martin Celmins escreveu a biografia de Green em 1995. Psicologicamente problemático, sob medicação e quase não tocando violão durante a maior parte dos anos 90, o recluso Green retomou gravações esporádicas na segunda metade da década. Ele aparece inesperadamente de vez em quando, com maior destaque em 12 de janeiro de 1998, quando Fleetwood Mac foi introduzido no Hall da Fama do Rock & Roll. Em um raro momento perfeito, Green tocou com a colega indevista Santana em "Black Magic Woman".

https://www.youtube.com/watch?v=U_Llz6n8Aj4


https://www.youtube.com/watch?v=4oWmfG0uFBc


https://www.youtube.com/watch?v=cC48etW-Xs4

Luther Tucker: O menino que cresceu com as feras do Blues

Gravou com músicos do naipe de John Lee Hooker, Muddy Waters entre outros

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O guitarrista Luther Tucker nasceu em 20 de janeiro de 1936, em Memphis, Tennessee, mas mudou-se para o South Side de Chicago quando Tucker tinha cerca de sete anos de idade. Seu pai, um carpinteiro, construiu seu primeiro violão para Tucker, e sua mãe, que tocava piano boogie-woogie, apresentou-o a Big Bill Broonzy naquela época. Ele passou a estudar guitarra com Robert Jr. Lockwood, por quem ele teve a maior admiração e respeito. Tucker trabalhou com o Little Walter Jacobs por sete anos e tocou em muitos dos lados clássicos de Walter. Também gravou com Otis Rush, Robben Ford, Sonny Boy Williamson II, Jimmy Rogers, Snooky Pryor, Muddy Waters, John Lee Hooker, Elvin Bishop e James Cotton.

Em meados dos anos 60, Tucker foi destaque no James Cotton Blues Band e viajou com essa banda extensivamente. Ele se mudou para Marin County, Califórnia, em 1973 e formou a Luther Tucker Band. Ele tocou em clubes na área da baía de San Francisco até sua morte em 18 de junho de 1993, em Greenbrae, Califórnia. Luther Tucker, que era de fala mansa e até mesmo tímido, era um dos poucos artistas de apoio (os Four Aces / Jukes eram outros) que ajudaram a criar e moldar o som de pequenos combos do blues de Chicago. Infelizmente, raramente recebem muito crédito. No entanto, como a história do blues de Chicago é escrita, haverá mais e mais tempo para descobrir o maravilhoso e rítmico domínio de guitarra de Luther Tucker.

 https://www.youtube.com/watch?v=bl3ejy2k7P4

https://www.youtube.com/watch?v=5xG-c8eqADo

https://www.youtube.com/watch?v=bl3ejy2k7P4

Johnny Heartsman: A voz suave da Black Music

Suas diversas gravações de Blues incendiou as décadas de 50 e 60

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Johnny Heartsman, de cabeça raspada, fez tantas coisas musicais tão bem que ele é impossível de classificar. Seu trabalho de guitarra de baixo gemido distinguiu muito uma miríade de gravações de blues da Bay Area durante os anos 50 e 60, e ainda tocou seu machado com destreza e dinâmica deliciosas nos anos 90. Mas Heartsman estava tão propenso a soltar o órgão quanto a soprar um solo excitante na flauta (talvez o mais improvável instrumento de blues imaginável). Ele possuía uma voz suave e ricamente polida para arrancar.

Através de uma de suas principais influências, o guitarrista Lafayette "Thing" Thomas, um adolescente Heartsman se juntou ao produtor da Bay Area, Bob Geddins. Heartsman tocou baixo na versão de Jimmy Wilson em 1953 de "Tin Pan Alley", tocando guitarra ou piano em outras datas supervisionadas por Geddins. Ele cortou seu próprio instrumental em duas partes, o "Honky Tonk", inspirado em "Johnny's House Party", para a música de Ray Dobard na Music City e assistiu a ele se tornar um hit nacional de R & B em 1957.

O início dos anos 60 trouxe muito mais trabalho de sessão - Heartsman tocou em "My Time After Awhile" de Tiny Powell (logo coberto por Buddy Guy) e no remake de Reconsider Baby de Lowell Fulson de Al King. Naquela época, o movimento imaginativo da manopla de volume de Heartsman com o dedo para produzir um gemido estranho se tornara sua marca registrada guitarrista.

Os Touch Stints em bandas de shows, shows jazzy de cocktail lounge, e um stand como o organista fiel do Joe Simon, vocalista, vieram antes da inauguração da edificante campanha back-to-the-blues do Heartsman. Em 1991, Dick Shurman produziu o set mais satisfatório de Heartsman até hoje para o Alligator, The Touch. Ele permaneceu um artista versátil até a morte em dezembro de 1996.

https://www.youtube.com/watch?v=9zdsB4vQYAU

https://www.youtube.com/watch?v=HocEv3KONa4

https://www.youtube.com/watch?v=utsxSIp_OVk

Pee Wee Crayton: O guitarrista que abusou da imaginação

Encontraram a guitarra de Crayton no ponto de ebulição sobre a

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Embora ele tenha sido inexoravelmente influenciado pela concepção pioneira de guitarra elétrica de T-Bone Walker (que manipulador não era durante a era pós-guerra imediata?), Pee Wee Crayton trouxe inovações ousadas o suficiente para não ser rotulado como um mero Imitador T-Bone. A saída gravada de Crayton para Modern, Imperial e Vee-Jay contém muito trabalho de guitarra maravilhoso, maravilhosamente imaginativo, especialmente em instrumentais impressionantes como "Texas Hop", "Pee Wee's Boogie" e "Poppa Stoppa", performances bem mais agressivas. do que Walker costumava entrar.

Como Walker, Connie Crayton era um texano transplantado. Ele se mudou para Los Angeles em 1935, depois se mudou para o norte, para a área da baía. Ele assinou com a logomarca moderna da banda Bihari Brothers em 1948, batendo rapidamente com o instrumental de baixo "Blues After Hours" (um beijo próximo ao hino After Hours de Erskine Hawkins), que liderou as paradas de R & B em final de 1948. O fumegante "Texas Hop" seguiu as listas logo em seguida, seguido no ano seguinte por "I Love You So". Mas o breve reinado hit de Crayton acabou, sem culpa alguma.

Depois de gravar prolificamente no Modern sem nenhum outro benefício comercial, Crayton passou para o Aladdin e, em 1954, para o Imperial. Sob a produção experiente de Dave Bartholomew, Crayton fez alguns de seus melhores depilados em Nova Orleans: "Every Dog Has His Day", "You Know Yeah" e "Runnin 'Wild" encontraram a guitarra de Crayton no ponto de ebulição sobre a almofada de gordura de saxes que caracterizam o som da Cidade Crescente.

As coisas que eu costumava fazer De lá, Crayton tentou recuperar seu ímpeto na Vee-Jay em Chicago; 1957 "I Found My Peace of Mind", uma jóia de Ray Charles, deveria ter feito o truque, mas não há dados. Depois de 45s para Jamie, Guyden e Smash durante o início dos anos 60, Crayton desapareceu de vista até que Vanguard lançou seu LP, Things I Used to Do, em 1971. Depois disso, o perfil de Pee Wee Crayton foi aumentado um pouco; ele excursionou e fez mais alguns álbuns antes de seu falecimento em 1985.

https://www.youtube.com/watch?v=9W7hBs4e_WE

https://www.youtube.com/watch?v=1B7bUZZeWrM

https://www.youtube.com/watch?v=IXaAcPFLozY

Frankie Lee Sims: A guitarra incendiante do Blues

Sims pegou uma guitarra quando tinha 12 anos 

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Um tradicionalista que foi um membro leal do movimento country blues do Texas no final dos anos 40 e começo dos 50 (junto com seus primos, como Lightnin 'Hopkins, Lil' Son Jackson e Smokey Hogg), o guitarrista Frankie Lee Sims desenvolveu um um estilo de guitarra eletrizante que era irresistível em números rápidos e que dava duro nas coisas pessimistas.

Sims pegou uma guitarra quando tinha 12 anos. Até então, ele havia deixado sua Nova Orleans natal para Marshall, TX. Após o término da Segunda Guerra Mundial, ele tocou danças e clubes locais em Dallas e cruzou com o T-Bone Walker. Sims cortou seus primeiros 78 para a Blue Bonnet Records, de Herb Rippa, em 1948, em Dallas, mas não sentiu nada parecido com o sucesso regional até 1953, quando seu "Lucy Mae Blues" saltou bem para o sul.

O guitarrista gravou bastante para a Specialty de Los Angeles em 1954, depois mudou para a gravadora Ace (e sua subsidiária Vin) em 1957 para cortar os roqueiros "Walking with Frankie" e "She Likes to Boogie Real Low", ambos dos quais bateu mais forte que um martelo de ballpeen.

Sims alegou tocar guitarra no hit instrumental de 1962 de King Curtis, Soul Twist, para o selo Enjoy de Bobby Robinson, mas isso parece improvável. Supõe-se que ele tenha gravado para Robinson no final de 1960 (o conteúdo desgastado de três acetatos há muito perdidos surgiu em 1985 no selo britânico Krazy Kat).

Os Sims, em sua maioria, ficaram de fora do renascimento do Folk-Blues do começo dos anos 60, quando seu primo, Lightnin Hopkins, se rendeu. Quando ele morreu aos 53 anos em Dallas de pneumonia, os Sims estavam em apuros com a lei devido a um incidente de tiro e foram perseguidos por problemas com a bebida.

https://www.youtube.com/watch?v=XhitzeuFeDM

https://www.youtube.com/watch?v=p_zaQ9_xCDM

https://www.youtube.com/watch?v=jsZu1QDD7Ck

Buddy Guy: Bluesman que teve fãs iguais Eric Clapton e Jimi Hendrix

Guy não teve sucesso imediato em Chicago 

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Buddy Guy é um dos mais célebres guitarristas de blues de sua geração (sem dúvida o mais célebre), possuindo um som e estilo que encarnavam as tradições do blues clássico de Chicago enquanto também abraçavam o fogo e o flash do rock & roll. Guy começou sua carreira em 1959 e fez seu primeiro sucesso em 1960 com "First Time I Met the Blues". Ele passou a maior parte da próxima década um renomado viajante, elogiado por fãs de blues e colegas sem abrir caminho para um público maior; seu melhor álbum dos anos 60 originalmente não tinha sequer o nome dele (Hoodoo Man Blues de Junior Wells).

No entanto, ele encontrou uma audiência na Europa nos anos 70 e os fãs de rock começaram a descobrir seu trabalho através do endosso de notáveis ​​fãs como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Keith Richards, Stevie Ray Vaughan e Mark Knopfler. Guy lançou pouco material nos anos 80 (seu álbum mais conhecido da década foi o Stone Crazy de 1981, um dos poucos que receberam um lançamento americano), ao se concentrar no trabalho ao vivo. Mas em 1991, Guy finalmente desfrutou de um avanço comercial com Damn Right, I've Got the Blues, e desde então ele tem sido um dos maiores nomes do blues contemporâneo, excursionando com frequência e cortando material novo regularmente.

 No século 21, Guy foi introduzido no Hall da Fama do Rock & Roll, continuou gravando (Sweet Tea de 2001, Skin Deep de 2008 e Living Proof de 2010 são pontos altos desse período), tocou uma residência anual em sua boate Chicago Legends, e até tocou na Casa Branca, convidando o presidente Barack Obama para um dueto em "Sweet Home Chicago".

George "Buddy" Guy nasceu em Lettsworth, Louisiana, em 30 de julho de 1936, e é dito que aprendeu a tocar primeiro em um instrumento caseiro de duas cordas feito com fios e latas. Guy se formou em um violão e começou a absorver as influências dos músicos de blues, como T-Bone Walker, B.B. King e Lightnin 'Hopkins; Quando sua família se mudou para Baton Rouge, Guy teve a oportunidade de assistir a performances ao vivo de Slim (também conhecido como Otis Hicks) e Guitar Slim, cujo som forte e vigoroso, além do carisma superior, deixou uma séria impressão em Guy.

Ele começou a tocar profissionalmente quando se tornou um sideman de John "Big Poppa" Tilley, onde ele aprendeu a trabalhar a multidão e superar as crises iniciais de medo do palco. Em 1957, Guy gravou uma fita demo em uma estação de rádio local e enviou uma cópia para a Chess Records, a gravadora que abrigava gigantes como Muddy Waters, Howlin 'Wolf e Etta James, pouco antes de comprar uma passagem de trem de ida e se mudar para Chicago, ansioso para fazer música em sua carreira.

Guy não teve sucesso imediato em Chicago, e lutou para encontrar shows até seu trabalho violento de guitarra e estilo de palco chamativo (que incluiu pular em cima de barras e subir e descer seu comprimento enquanto solo, graças a uma guitarra de 30 metros de comprimento cabo) fez dele um vencedor regular em competições noite de talentos em clubes Windy City. Guy fez amizades com alguns dos melhores artistas de blues da cidade, incluindo Muddy Waters, Otis Rush, Freddie King e Magic Sam, e conseguiu um show constante no Clube 708, onde ficou conhecido como um talento para assistir. Em 1958, Magic Sam conseguiu que Guy conhecesse Harold Burrage, dono da gravadora local de blues Cobra Records, e Guy logo assinou contrato com a gravadora irmã da Cobra, a Artistic Records.

 Willie Dixon produziu o single de estreia de Guy, "Sit and Cry (The Blues)", bem como o acompanhamento "This Is the End", mas em 1959, Cobra e Artistic abruptamente fecharam as portas, e como o roteirista Otis Rush, Guy encontrou um novo contrato com uma gravadora no Chess. O primeiro single de Guy para Chess, "Primeira Vez que Conheci o Blues", de 1960, foi um triunfo artístico e um sucesso comercial modesto que se tornou uma de suas músicas exclusivas, mas também foi o primeiro capítulo do que seria uma relação criativa complicada. entre Guy e o co-fundador da gravadora Leonard Chess, que reconheceu seu talento, mas não gostou dos aspectos mais altos e expressivos de seu estilo de guitarra.

Enquanto Guy teve pequenos sucessos com excelentes singles de xadrez como "Stone Crazy" e "When My Left Eye Jumps", grande parte de seu trabalho para a gravadora era como um sideman, emprestando seus talentos para as sessões de Muddy Waters, Koko Taylor e Howlin. Wolf, Little Walter e muitos outros.

E uma das gravações definitivas de Guy dos anos 60 não foi sequer emitida pelo Chess; Guy vinha se apresentando ocasionalmente com o cantor de blues Junior Wells, e Guy e sua banda apoiaram Wells no lançamento de 1965 da Delmark Hoodoo Man Blues, um exercício magistral no estilo de blues de Chicago, com Guy creditado como "Friendly Chap" nas prensas iniciais em deferência. ao seu contrato com o Xadrez.

I Left My Blues em San Francisco Chess não lançou um álbum em Guy até o lançamento de I Left My Blues, em 1967, em San Francisco, e quando seu contrato com a gravadora acabou, ele prontamente assinou com a Vanguard, que lançou A Man e os Blues em 1968. Como um número crescente de fãs de rock estava descobrindo o blues, Guy estava achando seu estoque crescendo tanto com os tradicionais entusiastas do blues quanto com o público branco mais jovem, e suas gravações para a Vanguard deram a ele mais espaço para o som mais forte e agressivo que era a marca registrada de shows ao vivo. (Não doeu que Jimi Hendrix reconhecesse Guy como uma influência e elogiasse seu show ao vivo em entrevistas.) Ao mesmo tempo, Guy não abandonou a abordagem mais moderada que ele usou com Junior Wells; Buddy e Wells gravaram um álbum que também contava com Junior Mance no piano para Blue Thumb chamado Buddy and the Juniors, e em 1972, Eric Clapton fez uma parceria com Ahmet Ertegun e Tom Dowd para produzir o álbum Buddy Guy e Junior Wells Play the Blues. Em 1974, Guy e Wells tocaram no Montreux Jazz Festival, com Bill Wyman dos Rolling Stones sentado no baixo; o show foi mais tarde lançado como um álbum ao vivo, Drinkin 'TNT e Smokin' Dynamite, com Wyman creditado como produtor.

Sozinho e acústico No final dos anos 70, Guy estava sem contrato com uma gravadora americana, e sua carreira levou um golpe como resultado; enquanto ele gravou algum material para selos especializados na Europa e no Japão, e Alligator lançou duas coleções em 1981, Alone and Acoustic e Stone Crazy, a maior parte se apoiou nos anos 80 através de turnês extensivas e trabalhos ao vivo, aparecendo muitas vezes na Europa. , onde ele parecia mais respeitado do que nos Estados Unidos. Apesar disso, ele continuou a se concentrar no mercado americano, impulsionado pelo interesse de fãs de guitarra que tinham ouvido grandes estrelas cantarem seus louvores; em 1985, Eric Clapton disse a um repórter da revista Musician, "Buddy Guy é de longe e sem dúvida o melhor guitarrista vivo ... ele realmente mudou o rumo do rock & roll blues", enquanto Vaughan declarou: "Sem Buddy Guy , não haveria Stevie Ray Vaughan ".

 Em 1989, Guy abriu sua própria boate em Chicago, Buddy Guy's Legends, onde frequentemente se apresentava e apresentava outros artistas de blues, e em 1991, após uma aparição bem recebida de Clapton no Royal Albert Hall de Londres (documentado em parte em o álbum 24 Nights), ele finalmente conseguiu um contrato de gravadora internacional com o selo Silvertone, distribuído pela BMG. O primeiro álbum de Guy para Silvertone, Damn Right, I've Got the Blues, contou com participações especiais de Clapton, Jeff Beck e Mark Knopfler, e contou com novas versões de vários favoritos dos fãs, bem como um punhado de novas músicas; foi o álbum Buddy Guy que finalmente clicou com os compradores de discos, e se tornou um sucesso genuíno, ganhando um disco de ouro para Guy, assim como um Grammy de Melhor Álbum de Blues Contemporâneo. Guy não perdeu tempo em fazer follow-ups, lançando Feels Like Rain em 1993 e Slippin 'In em 1994, ambos acumulando bons números de vendas e conquistando mais prêmios Grammy para Guy.

Last Time Around: Live em Legends Em 1993, Guy se reuniu com Junior Wells no palco do seu clube Legends; seria uma das últimas apresentações ao vivo de Wells, e o show foi lançado em 1998, vários meses após o falecimento de Wells, no álbum Last Time Around: Live at Legends. Enquanto a maior parte do trabalho de Guy no final dos anos 90 e no novo milênio foi o tipo de assalto ao blues de Chicago que foi a base de sua reputação, ele também demonstrou ser capaz de explorar outras avenidas, canalizando o hipnótico Deep Southern de Junior Kimbrough. em 2001, o Sweet Tea e cobrindo um conjunto de clássicos tradicionais do blues no violão de Blues Singer, de 2003. Em 2004, Guy venceu o W.C. Prémio Handy da American Blues Foundation pela 23ª vez, mais do que qualquer outro artista, enquanto levava para casa o seu sexto Grammy Award em 2010 pelo álbum Living Proof. Guy também recebeu a Medalha Nacional das Artes em 2003 e foi premiado com o Kennedy Center Honors em 2012.

 Ele foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 2005, com Eric Clapton e BB King apresentando-o com seu prêmio, e em 2012 ele realizou um concerto especial na Casa Branca, onde ele convenceu o presidente Barack Obama a se juntar a ele em o microfone vocal por alguns refrões de "Sweet Home Chicago". Guy continuou seu renascimento no final da carreira com o livro de memórias de 2012 When I Left Home: My Story e o lançamento de verão de 2013 do ambicioso e convidativo álbum duplo Rhythm & Blues. O disco alcançou o primeiro lugar na lista Top Blues Albums da Billboard e 27 em seu Top 200. Dois anos depois, Guy retornou com Born to Play Guitar, outro álbum gravado com o produtor Tom Hambridge, que dirigiu os álbuns do guitarrista desde 2008 Skin Deep. Em 2018, Guy tirou uma folga de sua agenda lotada para lançar um álbum de estúdio, The Blues Is Alive e Well, que contava com participações de Keith Richards, Jeff Beck e Mick Jagger.

https://www.youtube.com/watch?v=AEnmZKbhsEs

https://www.youtube.com/watch?v=GQZ1cguJsYU

https://www.youtube.com/watch?v=8k54r_ANt8o

Albert King: O homem que influenciou os guitarristas do Rock

Ele toca guitarra com a mão esquerda, sem re-amarrar a guitarra da configuração destra

Luís Alberto Alves / Hourpress

Albert King é verdadeiramente um "King of the Blues", embora ele não tenha esse título (B.B.). Junto com B.B. e Freddie King, Albert King é uma das principais influências em blues e guitarristas de rock. Sem ele, a música moderna de guitarra não soaria como é - seu estilo influenciou os músicos de blues negros e brancos de Otis Rush e Robert Cray a Eric Clapton e Stevie Ray Vaughan. É importante notar que enquanto quase todos os guitarristas de blues modernos raramente tocam por muito tempo sem cair em um clichê de guitarra B.B. King, Albert King nunca toca - ele tem seu próprio estilo e tom único desde o começo.

Albert King toca guitarra com a mão esquerda, sem re-amarrar a guitarra da configuração destra; esse jogo "de cabeça para baixo" explica sua diferença de tom, já que ele puxa as mesmas cordas que a maioria dos músicos empurra para cima ao dobrar as notas de Blues. O tom massivo de King e a maneira totalmente original de fazer flexões para fora de uma corda de guitarra tiveram um grande impacto. Muitos jovens guitarristas brancos - especialmente rock & rollers - foram influenciados pela interpretação de King, e muitos músicos que imitam seu estilo podem nunca ter ouvido falar de Albert King, quanto mais de sua música. Seu estilo é imediatamente distinguível de todos os outros guitarristas de Blues, e ele é um dos mais importantes guitarristas de Blues que já pegou a guitarra.

Nascido em Indianola, MS, mas criado em Forrest City, AR, Albert King (nascido Albert Nelson) aprendeu sozinho a tocar guitarra quando era criança, construindo seu próprio instrumento em uma caixa de charutos. No início, ele tocou com grupos gospel - mais notavelmente o Harmony Kings - mas depois de ouvir Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson e vários outros músicos de blues, ele tocou apenas o blues. Em 1950, ele conheceu MC Reeder, dono da boate T-99 em Osceola, AR. King mudou-se para Osceola pouco depois, juntando-se à banda house do T-99, os In the Groove Boys. A banda tocou vários shows locais no Arkansas, além do T-99, incluindo vários shows para uma estação de rádio local.

Depois de desfrutar do sucesso na área de Arkansas, King mudou-se para Gary, IN, em 1953, onde se juntou a uma banda que também apresentava Jimmy Reed e John Brim. Tanto Reed quanto Brim eram guitarristas, o que obrigou King a tocar bateria no grupo. Neste momento, ele adotou o nome Albert King, que ele assumiu depois que B.B. King's "Three O'Clock Blues" se tornou um grande sucesso. Albert conheceu Willie Dixon logo depois de se mudar para Gary, e o baixista / compositor ajudou o guitarrista a fazer um teste na Parrot Records.

King passou na audição e gravou sua primeira sessão no final de 1953. Cinco músicas foram gravadas durante a sessão e apenas um single, "Be on Your Merry Way" / "Bad Luck Blues", foi lançado; as outras faixas apareceram em várias compilações nas próximas quatro décadas. Embora vendesse respeitosamente, o single não atraiu atenção suficiente para ganhar outra sessão com Parrot. No início de 1954, King retornou a Osceola e se juntou novamente ao In the Groove Boys; ele ficou no Arkansas pelos próximos dois anos.

The Big Blues Em 1956, Albert mudou-se para St. Louis, onde inicialmente se reuniu com bandas locais. No outono de 1956, King estava liderando vários clubes na área. King continuou a tocar no circuito de St. Louis, aprimorando seu estilo. Durante esses anos, ele começou a tocar sua assinatura Gibson Flying V, que ele chamou de Lucy. Em 1958, Albert era bastante popular em St. Louis, o que levou a um contrato com a novata Bobbin Records no verão de 1959. Em suas primeiras gravações de Bobbin, King gravou com um pianista e uma pequena seção de metais, que fez o som da música. mais perto de pular de blues do que Delta ou Chicago blues.

No entanto, sua guitarra estava tomando o centro do palco e ficou claro que ele havia desenvolvido um som único e vigoroso. Os discos de King para Bobbin venderam bem na área de St. Louis, o suficiente para que a King Records alugasse o single "Não jogue seu amor em mim tão forte" da gravadora menor. Quando o single foi lançado nacionalmente no final de 1961, tornou-se um hit, alcançando o número 14 nas paradas de R & B. A King Records continuou a arrendar mais material de Bobbin - incluindo um álbum completo, Big Blues, lançado em 1963 - mas nada mais se aproximava do sucesso inicial de "Don't Throw Your Love on Me So Strong". Bobbin também alugou material para Chess, que apareceu no final dos anos 60.

Albert King deixou Bobbin no final de 1962 e gravou uma sessão para a King Records na primavera de 1963, que era muito mais orientada para o Pop do que seu trabalho anterior; os singles emitidos da sessão não conseguiram vender. Dentro de um ano, ele gravou quatro músicas para o selo independente de St. Louis, Coun-Tree, que era dirigido por um cantor de Jazz chamado Leo Gooden. Embora esses singles não tenham aparecido em muitas cidades - St. Louis, Chicago e Kansas City foram os únicos a registrar as vendas - eles prenunciaram seu próximo trabalho com a Stax Records. Além disso, eles eram muito populares dentro de St. Louis, tanto que Gooden se ressentiu do sucesso de King.

Nos anos seguintes, Albert viajou pela América e Europa, retornando ao estúdio em 1971, para gravar o álbum Lovejoy. Em 1972, ele gravou " I'll Play the Blues for You", com acompanhamento do Bar-Kays, dos Memphis Horns e do Movement. O álbum estava enraizado no blues, mas continha tons distintamente modernos de Soul e Funk.

Em meados dos anos 70, a Stax estava sofrendo grandes problemas financeiros, então King deixou o selo da Utopia, uma pequena subsidiária da RCA Records. Albert lançou dois álbuns na Utopia, que apresentavam algumas concessões às restrições das produções comerciais de soul. Apesar de ter tido alguns sucessos em Utopia, seu tempo lá foi essencialmente um período de transição, onde ele descobriu que era melhor seguir uma direção reta de blues e abandonar os crossovers contemporâneos de soul. A sutil mudança de estilo de King ficou evidente em seus primeiros álbuns para a Tomato Records, selo com o qual assinou em 1978. Albert permaneceu na Tomato por vários anos, mudando para a Fantasy em 1983, lançando dois álbuns para a gravadora.

Em meados dos anos 80, Albert King anunciou sua aposentadoria, mas foi de curta duração - Albert continuou a tocar regularmente em concertos e festivais em toda a América e Europa pelo resto da década. King continuou a atuar até sua morte repentina em 1992, quando sofreu um ataque cardíaco fatal em 21 de dezembro. A perda do Blues foi grande - embora muitos guitarristas tenham tentado, ninguém pode substituir o estilo distinto e pioneiro de King. Albert King é um ato difícil de seguir.

https://www.youtube.com/watch?v=gZB57b3lPQE

https://www.youtube.com/watch?v=Jhx5Jg27txo

https://www.youtube.com/watch?v=SyVhBfIFbiQ

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