Reportagens com clipes descrevendo histórias de artistas famosos,
principalmente de intérpretes da Black Music, além de destacar a importância do Blues no Showbiz.
* Durante o século 21, ele transcendeu o gênero para se tornar um artista, colaborador e acompanhante extremamente diverso
* Harper extraiu suas influências de cantores/compositores clássicos, revivalistas de Blues, guitarristas e bandas de jam
* Natural da Califórnia, Harper cresceu ouvindo Blues, Folk, Soul, R&B e Reggae
Luís Alberto Alves/Hourpress
O guitarrista, compositor e líder de banda vencedor do Grammy, Ben Harper, desfrutou de status cult na cena de jam band na década de 1990, em grande parte por causa do sucesso de seu álbum de estreia, Welcome to the Cruel World , e seu sucessor, Fight for Your Mind, antes de ganhar mais atenção perto do final da década. Durante o século 21, ele transcendeu o gênero para se tornar um artista, colaborador e acompanhante extremamente diverso que trabalhou com artistas que vão desde os Blind Boys of Alabama até John Mayer.
Harper extraiu suas influências de cantores/compositores clássicos, revivalistas de Blues, guitarristas e bandas de jam como Blues Traveler e Phish, o que significa que ele foi abraçado por críticos e universitários. Apesar de obter sucesso comercial com o single de rádio "Steal My Kisses" em 2000, Harper continuou a explorar texturas musicais diferentes (e muitas vezes desafiadoras) durante o início do século 21, lançando um par de álbuns aclamados com a lenda do Blues Charlie Musselwhite, gravando o solo de 2020 conjunto instrumental Winter Is for Lovers, abordando questões sociais provocativas no emocionante Bloodline Maintenance de 2022 e apresentando um conjunto de canções despojado e introspectivo em Wide Open Light de 2023 .
Natural da Califórnia, Harper cresceu ouvindo Blues, Folk, Soul, R&B e Reggae. Ele começou a tocar violão quando criança e começou a se apresentar regularmente quando era pré-adolescente. Durante sua adolescência, se concentrou fortemente no violão slide acústico, que acabou se tornando seu instrumento de assinatura. Harper fechou um contrato com a Virgin Records em 1992, após manter uma programação constante de shows na área de LA; dois anos depois, lançou seu álbum de estreia, Welcome to the Cruel World , com críticas positivas.
Blues
Lançado em 1995, o politicamente pesado Fight for Your Mind foi um forte esforço de segundo ano, um crescimento óbvio na experimentação musical e na declamação individual. Foi também o primeiro disco do compositor a posteriormente alcançar o status de ouro. O terceiro álbum de Harper, The Will to Live , de 1997 , empurrou seu folk alternativo voltado para o Blues para o mainstream médio, tornando-se um esteio nas rádios universitárias e fazendo incursões nas rádios alternativas para adultos. Gravado ao longo de dois anos de turnê em apoio ao Fight for Your Mind , The Will to Live também apresentou os Innocent Criminals , a banda de apoio de longa data de Harper. The Innocent Criminals - baixistaJuan Nelson , o baterista Dean Butterworth e o percussionista David Leach ajudaram a solidificar os ritmos musicais e a diversidade emocional de Harper ao longo dos anos.
A carreira de Harper ganhou impulso durante 1998 e 1999. Um de seus álbuns de maior sucesso até hoje, Burn to Shine de 1999 , combinou seu gosto por composições de Jazz dos anos 20 com beatboxing urbano, resultando em uma coleção inteligente e apaixonada de canções. "Steal My Kisses" e "Suzie Blue" eram as favoritas do rádio, levando-o a duas turnês mundiais como atração principal e uma vaga de abertura na jornada anual de verão da Dave Matthews Band em 2000. Na primavera seguinte, Harper lançou Live from Mars , um disco duplo de material elétrico e acústico ao vivo abrangendo a turnê do ano anterior e incluindo covers de material de Led Zeppelin , the Verve.
Harper mergulhou no ritmo mundial em seu quinto esforço de estúdio, Diamonds on the Inside , que apareceu em março de 2003. Ele fez uma turnê pela Europa no ano seguinte com os Blind Boys of Alabama , e os dois artistas entraram nos estúdios do porão da Capitol Records após o início da turnê para estabelecer dez faixas juntos. O álbum colaborativo resultante (emitido sob os nomes de Harper and the Blind Boys of Alabama ), There Will Be a Light , foi lançado em setembro de 2004, seguido pelo pacote de CD/DVD Live at the Apollo em 2005.
Retornou em 2022 com Bloodline Maintenance indicado ao Grammy , um disco enraizado na alma que aborda o trauma e a tradição transmitidos por gerações. Começou 2023 com os singles "Yard Sale" (feat. Jack Johnson) e "Love After Love", que apareceram no longa Wide Open Light , um caso simplificado com produção minimalista, no final daquele ano.
*Ela não seguiu um caminho musical desde o início; antes de sua estreia em CD, Billie era enfermeira e corretora de seguros
* Sempre houve uma linha definida, embora invisível, entre as letras pop e a poesia
* Billie assinou contrato com a Universal Records em 1997 e fez uma turnê com a Lilith Fair no verão de 1998
Luís Alberto Alves/Hourpress
Billie Myers, nascida na Inglaterra, chegou ao mundo da música popular em 1997 com seu lançamento de estreia Growing, Pains. Seu estilo vocal é uma combinação de Pop, Jazz e World Music. Sempre houve uma linha definida, embora invisível, entre as letras pop e a poesia; Billie originalmente começou a escrever poesia quando criança e, ao fazê-lo, juntou com sucesso os dois em uma música coesa e acessível.
A mãe de Billie é inglesa, seu pai jamaicano. Ela não seguiu um caminho musical desde o início; antes de sua estreia em CD, Billie era enfermeira e corretora de seguros na Inglaterra. Foi descoberta em uma boate pelo produtor Peter Harris. Intrigado com seu olhar e dança, Peterperguntou a Billie se ela cantava tão bem quanto dançava.
Logo após seu primeiro encontro, Billie começou a escrever o material para Growing, Pains. O álbum foi produzido pelo veterano ícone do rock Desmond Child . O primeiro single do álbum, "Kiss the Rain", rapidamente se tornou um hit no Top 20. Billie assinou contrato com a Universal Records em 1997 e fez uma turnê com a Lilith Fair no verão de 1998, além de ser a atração principal de sua própria turnê.
Os singles do álbum Growing, Pains apareceram na televisão em comerciais e na série Dawson's Creek. Crescendo, Pains alcançou o status de disco de ouro em 1997 e o sucessor de Billie, Vertigo , chegou em meados de 2000.
* Além disso, seus singles de sucesso "Luka" e "Tom's Diner" ajudaram a convencer as gravadoras
* Sua associação com - e casamento com - o produtor experimental Mitchell Froom durante os anos 90 resultou em dois álbuns intrigantes
* Uma criança tímida e quieta, Vega, no entanto, aprendeu a cuidar de si mesma crescendo nos bairros violentos do Harlem espanhol
Luís Alberto Alves/Hourpress
Suzanne Vega estava entre as primeiras figuras importantes na safra abundante de cantoras/compositoras que ganharam destaque no final dos anos 80 e 90. Seu Folk-Pop contido e silencioso e suas letras altamente letradas (inspiradas principalmente por Leonard Cohen , bem como Lou Reed e Bob Dylan ) lançaram as bases musicais iniciais para o que mais tarde se tornou a marca registrada de Lilith Fair, uma turnê na qual ela participou.
Além disso, seus singles de sucesso "Luka" e "Tom's Diner" ajudaram a convencer as gravadoras de que cantores/compositores de estilo Folk não eram coisa do passado, abrindo caminho para avanços de Tracy Chapman , Michelle Shocked ,Shawn Colvin , Edie Brickell , as Indigo Girls e muitos outros. O sucesso comercial inicial de Vega ajudou a abrir portas para uma riqueza de talentos, pois ela conseguiu um álbum de platina com Solitude Standing de 1987 , e ela manteria um culto forte e dedicado de seguidores.
Suzanne Vega nasceu em 11 de julho de 1959, em Santa Monica, Califórnia; seus pais se divorciaram logo em seguida e, depois que sua mãe (uma guitarrista de jazz) se casou novamente com o romancista porto-riquenho Ed Vega, a família mudou-se para Manhattan. Uma criança tímida e quieta, Vega, no entanto, aprendeu a cuidar de si mesma crescendo nos bairros violentos do Harlem espanhol.
Seus pais costumavam cantar canções folclóricas pela casa e, quando ela começou a tocar violão aos 11 anos, sentiu-se atraída pela poesia da música de cantores/compositores ( Dylan , Cohen ) e encontrou um refúgio do caos de Nova York no folk tradicional ( Woody Guthrie , Pete Seeger , Judy Collins , Joan Baez). Aos 14 anos, ela fez suas primeiras tentativas de escrever canções; no entanto, quando ela frequentou a High School for the Performing Arts na adolescência, foi para estudar dança, não música.
Ela se formou na faculdade em 1982 e teve vários empregos diurnos de baixo nível enquanto rapidamente se tornava a maior esperança da cena folk de Greenwich Village. As gravadoras estavam relutantes em arriscar em um cantor/compositor mergulhado na música folk, já que viam poucas chances de qualquer retorno comercial. Após três anos de rejeições, Vega e seus empresários Ron Fierstein e Steve Addabbo finalmente convenceram a A&M (que a recusou duas vezes) a lhe dar uma chance, e ela assinou um contrato em 1983.
Choque
O ex- guitarrista do Patti Smith Group, Lenny Kaye, foi contratado para co-produzir a estreia com Addabbo e dar-lhe um sabor mais suave e contemporâneo. Intitulado simplesmente Suzanne Vega , foi lançado em 1985 com muitos aplausos da crítica. Graças em parte ao single "Marlene on the Wall", o álbum foi um sucesso genuíno na Grã-Bretanha, onde acabou ganhando disco de platina; embora não tenha duplicado o sucesso na América, as vendas do álbum de 200.000 unidades ainda foram um choque para a A&M (e Vega).
Para a sequência de 1987, Vega superou o bloqueio do escritor para criar um lote eclético de novo material e baseou-se em um acúmulo de canções que não se encaixavam na estreia. Novamente produzido por Kaye e Addabbo , Solitude Standingfoi a melhor conquista de Vega; a riqueza e variedade de suas composições foram complementadas pelos arranjos mais exuberantes de banda completa e produção mais acessível (embora menos folk). O primeiro single do álbum, "Luka", foi um assombroso relato em primeira pessoa sobre abuso infantil, cuja letra concisa (e fictícia) tocou os ouvintes de rádio americanos.
Como resultado, o álbum foi um sucesso instantâneo em ambos os lados do Atlântico; estreou no número dois no Reino Unido e ganhou ouro em três meses nos Estados Unidos, chegando ao número 11 e eventualmente chegando à platina. "Luka" alcançou o terceiro lugar nas paradas pop americanas - algo inédito para um cantor/compositor nos anos 80 antes de Vega - e foi indicado a três Grammys.
Coleção
Em 2010, Vega lançou Close Up, vol. 1 e Close Up, vol. 2 - a primeira metade de uma proposta de coleção de quatro volumes de versões regravadas de canções de seu catálogo, todas apresentando arranjos despojados e sem adornos que destacam as letras e melodias - e seguiu as duas primeiras parcelas da série com Primeiro plano, vol. 3 em 2011.
O lançamento final na sequência, Primeiro plano, vol. 4: Songs of Family , apareceu um ano depois, em 2012, e incluiu duas faixas inéditas - "The Silver Lady" e "Brother Mine" - que foram escritas por Vega mais de 30 anos antes. No início de 2013, ela apresentou um novo material com a ajuda de Gerry Leonard , seu diretor musical ao vivo. Isso resultou no álbum Tales from the Realm of the Queen of Pentacles , lançado em fevereiro de 2014.
Em 2016, enquanto o show estava sendo revivido em Los Angeles, Vega lançou um álbum com suas canções, Lover, Beloved: Songs from an Evening with Carson McCullers . O álbum foi lançado pelo próprio selo de Vega, Amanuensis Productions. No início de 2019, ela fez uma residência no Café Carlyle de Nova York, cantando uma mistura de originais e covers informados pela vida na cidade de Nova York.
*Aparentemente avessa a caprichos comerciais, Chapman conseguiu evitar as armadilhas da moda
* Entregue com uma graça terrena, suas melodias simples e letras comoventes, muitas vezes socialmente conscientes, ressoaram com fãs
* Ainda um artista socialmente consciente, Chapman foi contratada pelo American Conservatory Theatre em 2008
Luís Alberto Alves/Hourpress
Uma talentosa contadora de histórias com apelo duradouro, a inesperada ascensão de Tracy Chapman da cena folk de Boston à popularidade mainstream no final dos anos 1980 provou ser fundamental para ajudar a restaurar cantores/compositores aos holofotes. Entregue com uma graça terrena, suas melodias simples e letras comoventes, muitas vezes socialmente conscientes, ressoaram com fãs ao redor do mundo, que ajudaram a transformar sua estreia homônima em 1988 em um sucesso multi-platina vencedor do Grammy.
Aparentemente avessa a caprichos comerciais, Chapman conseguiu evitar as armadilhas da moda, construindo sobre os primeiros sucessos como "Fast Car" e o blues de 1996 "Give Me One Reason" com um catálogo durável que joga com a força de seu ofício e convicções. Ao longo dos anos 2000,Let It Rain e Where You Live , bem como uma incursão na composição para teatro. Chapman continuou a se apresentar e, em 2015, cantou uma versão evocativa do clássico de Ben E. King "Stand by Me" em um dos episódios finais de Late Noite com David Letterman que se tornou um sucesso viral. Uma compilação de Greatest Hits foi lançada no mesmo ano.
Criada em um bairro da classe trabalhadora em Cleveland, Ohio, Chapman aprendeu a tocar violão quando criança e começou a escrever suas próprias canções logo depois. Após o colegial, ela ganhou uma bolsa de estudos minoritárias e decidiu frequentar a Tufts University, onde estudou antropologia e estudos africanos. Enquanto estava na Tufts, ela ficou fascinada com Folk-Rock e cantores/compositores, e começou a apresentar suas próprias canções em cafés. Eventualmente, ela gravou um conjunto de demos na estação de rádio da faculdade.
Elektra
Um de seus colegas, Brian Koppelman , ouviu Chapman tocar e a recomendou a seu pai, Charles Koppelman , que dirigia a SBK Publishing. Em 1986, ela assinou com a SBK e Koppelman garantiu um contrato de gestão comElliot Roberts , que havia trabalhado com Neil Young e Joni Mitchell . Roberts e Koppelman ajudaram Chapman a assinar com a Elektra em 1987.
Chapman gravou seu álbum de estreia com David Kershenbaum , e o álbum homônimo resultante foi lançado na primavera de 1988. Tracy Chapman foi recebida com críticas entusiásticas e partiu para a estrada apoiando 10.000 Maniacs . Dentro de alguns meses, ela tocou no concerto televisionado internacionalmente para Nelson Mandela na festa de aniversário de 70 anos, onde sua apresentação foi recebida com aplausos estrondosos.
Logo, o single "Fast Car" começou a subir nas paradas, chegando ao número seis. As vendas do álbum dispararam junto com o single e, no final do ano, o disco havia se tornado multi-platina. No início do ano seguinte, o álbum ganhou quatro Grammys, incluindo o de Melhor Novo Artista.
Semana
Ainda um artista socialmente consciente, Chapman foi contratada pelo American Conservatory Theatre em 2008 para compor a música para sua produção da peça Blood Knot, de Athol Fugard , com tema do apartheid. Nesse mesmo ano, ela lançou seu oitavo álbum, Our Bright Future, e recebeu outra indicação ao Grammy, desta vez de Melhor Álbum Folclórico Contemporâneo.
Por vários anos após seu lançamento, pouco se ouviu de Chapman até uma aparição ao vivo em 2015 no The Late Show with David Letterman. Apresentada durante a última semana da gestão de Letterman no programa, a versão assombrosa de Chapman de "Stand by Me" de Ben E. King se tornou um sucesso viral e acabou sendo incluída em sua primeira compilação de Greatest Hits , lançada em novembro daquele ano. .
*Apenas algumas semanas antes de morrer, O'Connor postou nas redes sociais que havia se mudado para Londres
* Teve forte reação contra estereótipos de longa data simplesmente afirmando-se não como um objeto sexual, mas como uma artista séria
* O resultado foi um dos discos de estreia mais aclamados de 1987, com um par de sucessos de rádio alternativas nos singles "Mandinka" e "Troy"
Luís Alberto Alves/Hourpress
Sinéad O'Connor se classificou entre as estrelas da música pop mais distintas e controversas da era alternativa, a primeira e, em muitos aspectos, a mais influente das inúmeras artistas femininas cuja música dominou as ondas do rádio ao longo da última década do século XX. Ao ouvir a reclamação de um diretor de gravadora a respeito do seu cabelo, não gostou e raspou a cabeça, ficando careca. Nesta quarta-feira (27), ela faleceu na Irlanda, onde morava. Apenas algumas semanas antes de morrer, O'Connor postou nas redes sociais que havia se mudado para Londres e estava trabalhando em um álbum programado para ser lançado. lançamento em 2024
Teve forte reação contra estereótipos de longa data simplesmente afirmando-se não como um objeto sexual, mas como uma artista séria, ela deu início a uma revolta que abriu caminho para artistas que vão de Liz Phair a Courtney Love e Alanis Morissette. Nascida em Dublin, Irlanda, em 8 de dezembro de 1966, sua infância foi muitas vezes traumática: seus pais se divorciaram quando ela tinha oito anos, e mais tarde ela alegou que sua mãe, morta em um acidente automobilístico em 1985, frequentemente abusava dela.
Após ser expulso da escola católica, O'Connor foi presa por furto em uma loja e enviada para um reformatório; aos 15 anos, enquanto cantava um cover de "Evergreen" de Barbra Streisand em um casamento, ela foi flagrada por Paul Byrne , baterista da banda irlandesa In Tua Nua (mais conhecida como protegida do U2 ). Depois de co-escrever o primeiro In Tua Nuasingle, "Take My Hand", O'Connor deixou o internato para se concentrar na carreira musical e começou a se apresentar em cafés da região. Mais tarde, estudou voz e piano no Dublin College of Music e se sustentou entregando telegramas cantados.
Celta
Ao assinar um contrato com a Ensign Records em 1985, O'Connor mudou-se para Londres; no ano seguinte, ela fez sua estreia gravada na trilha sonora do filme Captive , aparecendo com o guitarrista do U2 , The Edge . Depois de descartar as fitas iniciais de seu LP de estreia, alegando que a produção era muito celta, ela mesma ocupou o lugar de produtora e começou a regravar o álbum, apelidado de The Lion and the Cobra.em referência ao Salmo 91.
O resultado foi um dos discos de estreia mais aclamados de 1987, com um par de sucessos de rádio alternativas nos singles "Mandinka" e "Troy". Quase desde o início de sua carreira, no entanto, O'Connor foi uma figura controversa da mídia. Em entrevistas após o lançamento do LP, ela defendeu as ações do IRA, resultando em críticas generalizadas de muitos cantores, e até queimou pontes ao atacar os apoiadores de longa data do U2 , cuja música ela declarou "bombástica".
Nas costas americanas, O'Connor também se tornou alvo de escárnio por se recusar a se apresentar em Nova Jersey se "The Star Spangled Banner" fosse tocada antes de sua aparição, um movimento que trouxe críticas públicas de nada menos que Frank Sinatra , que ameaçou "chutar a bunda dela." Ela também ganhou as manchetes por desistir de uma aparição no programa da NBC, Saturday Night Live, em resposta à personalidade misógina do apresentador convidado Andrew Dice Clay , e até retirou seu nome da competição no Grammy Awards anual, apesar de quatro indicações.
* O som doce e às vezes triste de Clarke abraçou influências de vários artistas da década de 1960
* Nascido em Strongsville, Ohio, Max Clarke começou a trabalhar sob o nome de Cut Worms
* Clarkemudou-se para Nova York e começou a construir sua reputação como artista enquanto suas charmosas demos lo-fi circulavam
Luís Alberto Alves/Hourpress
Ao tomar o nome de um poema de William Blake , Cut Worms é o veículo do cantor/compositor indie Max Clarke , que encontra inspiração nas antigas tradições do rock antigo, country e americana, fundidas com um espírito faça-você-mesmo contemporâneo e arranjos exuberantes.
Nascido em Ohio e morando no Brooklyn, o som doce e às vezes triste de Clarke abraçou influências de vários artistas da década de 1960, dos Everly Brothers a Brian Wilson , com uma perspectiva lírica que abrange alegria silenciosa e resignação sutil. Clarke foi aclamado pela crítica pela estreia de Cut Worms em 2018, Hollow Ground e 2020 Nobody Lives Here Anymore foi um álbum duplo expansivo que explorou o humor da sociedade à beira do colapso. Cut Worms de 2023 viu Clarke buscando uma declaração mais concisa enquanto experimentava diferentes ambientes de gravação e colaboradores de estúdio.
Nascido em Strongsville, Ohio, Max Clarke começou a trabalhar sob o nome de Cut Worms enquanto estudava ilustração no Columbia College de Chicago. Embora ele fosse ativo nas cenas punk e noise da cidade, ele acabou concentrando seus esforços em um estilo descontraído enraizado no trabalho melodioso de artistas pop dos anos 50 e 60, como Buddy Holly e Everly Brothers, bem como no som country dos mesmos.
Charmosas
Inspirado por um prolífico colega de quarto musical, ele se desafiou a escrever e gravar duas novas canções por mês em um gravador digital de oito canais, que oferecia gratuitamente online. No final de 2015, Clarkemudou-se para Nova York e começou a construir sua reputação como artista enquanto suas charmosas demos lo-fi circulavam. Ele acabou fechando um contrato com a Jagjaguwar Records, que reuniu seis de suas melhores demos da era de Chicago no EP de estreia do Cut Worms, Alien Sunset , em outubro de 2017.
Com uma grande reserva de material novo, Clarke foi para Memphis para gravar no lendário Sam Phillips Recording Studio com o produtor Matt Ross-Spang . As sessões resultantes foram mais cruas e imediatas do que ele havia feito antes e logo se transformaram no ambicioso álbum duplo Nobody Lives Here Anymore , que chegou em 2020. Quando ele foi lançado, a pandemia do COVID-19 afundou Clarke,
Os planos de uma turnê de shows subsequente, e uma vez que ele finalmente conseguiu levar Cut Worms para a estrada em 2022, ele achou as canções mais longas do álbum e os arranjos mais complexos difíceis de negociar no palco. Ele estava ansioso para seguir um caminho diferente em seu próximo álbum, e Cut Worms de 2023 foi um projeto propositadamente mais modesto com nove músicas e duração de 35 minutos.
* Guided by Voices nunca teve uma seqüência tão longa de álbuns consistentemente bons
* Ele dá a essas performances uma crise crescente que dá aos movimentos de rock da banda
Luís Alberto Alves/Hourpress
Depois de gravar vários álbuns aos poucos por causa da pandemia de COVID-19 e suas consequências, essas sessões foram gravadas ao vivo em fita, e pode-se ouvir a interação entre os músicos e o músculo e a sensação de emoção que ele traz para a música. Gillardo trabalho de guitarra de solo tem sido uma das melhores razões para ouvir esta edição do GbV, e ele dá a essas performances uma crise crescente que dá aos movimentos de rock da banda uma base sólida sem exibicionismo ou excesso, e a carga do ritmo seção tem um chute que é artisticamente visceral.
(A banda claramente também não se importa em trabalhar no ritmo prolífico de Pollard ; este é o 15º álbum desde 2017.) As melodias de Pollard tipificam a abordagem ambiciosa que dominou seu trabalho no século 21, como números como "Don' t Blow Your Dream Job" e "Why Don't You Kiss Me" passam por várias mudanças de tom e andamento durante o tempo de execução, e há overdubs de cordas criteriosos em várias faixas.
No entanto, mesmo quando Pollardestá entregando seu lado artístico, esta música não tem medo de ser alta e orgulhosa: "Romeo Surgeon", "Meet the Star" e "Rust Belt Boogie" lançam as jams com muito abandono suado. E se você tem medo de que isso seja curto em obras-primas pop divertidas, "Seeding" e "Better Odds" estão aqui para você, assim como duas faixas acústicas lo-fi, "Chain Dance" e "Mother Mirth". Guided by Voices nunca teve uma seqüência tão longa de álbuns consistentemente bons como eles tiveram desde esta edição, e Welshpool Frillies mostra que esta banda (e seu líder incansável) não está prestes a nos decepcionar agora.
Em 1977, Dóris Monteiro cantando o sucesso "Mudando de conversa"
Luís Alberto Alves/Hourpress
Nesta segunda-feira (24), morreu a cantora
Doris Monteiro, aos 88 anos, de causas naturais. Ela introduziu o canto suave
da Bossa Nova na década de 1960, quando explodiu esse gênero musical no Brasil
através de Tom Jobim e companhia.
Ela começou a cantar profissionalmente na adolescência,
no final da década de 1940. Dez anos depois já se consagrava como uma das
maiores intérpretes do País. Em 1951 lançou o primeiro álbum. No geral, gravou
15 discos. Também trabalhou no cinema, fazendo dez filmes e contracenou ao lado
de Mazzaroppi, José Lewgoy e Tônia Carreiro.
Apresentação com Tom Jobim, cantando "Samba de uma Nota só e desafinado", em 1964
Luís Alberto Alves/Hourpress
No dia 17 de julho
(segunda-feira), a música perdeu o talento do compositor e multi-instrumentista
João Donato. Nascido no Acre, região Norte do Brasil, em 1934, filho do meio de
uma família musical.
O pai, militar, tocava bandolim.
Ao mudar-se para o Rio de Janeiro, aos 11 anos, começou a frequentar circuitos
musicais. Antes, aos 7 anos, já tinha escrito a primeira música, com os
primeiros versos narrando “não posse
viver sem amor”.
Dali em diante, Donato deixaria
o seu nome marcado na história da MPB. Gravou o primeiro disco aos 22 anos a
convite de Tom Jobim. Em 1959 foi morar em Los Angeles, Estados Unidos e ali
desenvolveu o seu estilo musical.
Criou uma batia sincopada no
piano, que tornou-se marca registrada. Por causa do seu balanço, acabou
considerado o mestre dos mestres da Bossa Nova. Misturou Brasil, Cuba. Inovou
ao unir sintetizadores ao piano. Gravou, aquele que seria o último disco em
2022, com a participação de vários artistas novos.
* Quando ele soltou a voz no seu mega sucesso "I Left My Heart in San Francisco" não tive mais dúvida a respeito da avaliação de Sinatra
* Quando seu pai morreu, Tony tinha dez anos, ele já cantava profissionalmente, principalmente se apresentando ao lado do prefeito Fiorello La Guardia
* Bennett ficou nas paradas regularmente nos dois anos seguintes, com um punhado de canções entrando no Top 10
Luís Alberto Alves/Hourpress
Na década, quando as lojas Mappin ainda estavam no apogeu, fui ao um show de Tony Bennett, numa filial desta famosa loja de departamentos no bairro do Itaim Bibi, Zona Sul de São Paulo. Ali, pude constatar porque Frank Sinatra disse que ele era o maior cantor norte-americano, mas Bennett era o melhor.
Quando ele soltou a voz no seu mega sucesso "I Left My Heart in San Francisco" não tive mais dúvida a respeito da avaliação de Sinatra. Filho de um dono da mercearia, Tony Bennett nasceu Anthony Dominick Benedetto em 3 de agosto de 1926. Criado em Astoria, Queens por emigrados italianos - seu pai John chegou recentemente de Reggio Calabria, sua mãe Anna nasceu de nativos da região da Calábria que se mudaram para os Estados Unidos em 1899 - Bennett sofria de pobreza e má sorte quando criança, mas também cultivou o interesse pela arte e pela música.
Quando seu pai morreu, Tony tinha dez anos, ele já cantava profissionalmente, principalmente se apresentando ao lado do prefeito Fiorello La Guardia na inauguração da Triborough Bridge em 1936. Quando adolescente, Bennett fez vários shows como garçom cantor e se matriculou na Escola de Arte Industrial de Nova York, estudando música e pintura. Quando os tempos ficaram difíceis em sua família, ele largou a escola para sustentar sua mãe e irmãos, ganhando dinheiro mais uma vez como garçom cantor.
Miller
As coisas começaram a acontecer rapidamente para Bennett depois desse ponto. Em 1950, ele gravou uma demo de "The Boulevard of Broken Dreams", com base na qual Mitch Miller o contratou para a Columbia Records. A gravadora estava se preparando para a saída de Frank Sinatra, que brigava frequentemente com Miller. Bennett preencheu sua vaga cantando músicas pop amigáveis para as paradas, começando com " Because of You ", que foi reforçada por um arranjo de Percy Faith. Alcançou o número um em setembro de 1951, seguido rapidamente por um cover de "Cold, Cold Heart" de Hank Williams.
Este single também alcançou o primeiro lugar, seu sucesso frequentemente citado como elevando a reputação de Hank Williams fora dos círculos da música country e do sul. "Cold Cold Heart" também provou que Bennett também não era uma maravilha de um só sucesso. Durante 1952, ele acumulou três singles de sucesso, o maior dos quais foi "Here in My Heart", que atingiu o pico de 15, e alcançou o topo das paradas novamente em 1953 com "Rags to Riches", que foi seguido rapidamente pelo single número dois "Stranger in Paradise", uma canção tirada do musical da Broadway Kismet.
Bennett ficou nas paradas regularmente nos dois anos seguintes, com um punhado de canções entrando no Top 10 - "There'll Be No Teardrops Tonight" e "Cinnamon Sinner", ambas de 1954 - antes que as paradas pop mudassem irrevogavelmente em 1956 pela ascensão do rock & roll.
Parece que foi ontem que os então meninos da banda Titãs estouraram nas paradas de sucesso na primeira metade da década de 1980, com o hit "Sonífera Ilha". O rock nacional estava quente com o pessoal da Blitz, sob comando de Evandro Mesquita, Kid Abelha e os Abóboras Selvagens, ainda com Paula Toller e o contra baixista Leone, Paralamas do Sucesso, Ira!, entre outros.
Mas o sucesso é algo difícil de se administrar. Envolve as pessoas e logo a mosca azul pica e surge a separação. Aos poucos os Titãs foram perdendo membros, com exceção de Marcelo Fromer, vítima da fatalidade. Enfim, neste século 21, a banda se resumia a três moicanos, que continuavam desde o início na década de 1980.
A turnê para comemorar os 40 anos de fundação da banda serve para mostrar que os Titãs continuam jogando lenha na fogueira e provocando incêndio. Mais experientes, enxergam a vida por outra lupa. Mostram que o rock nacional não deve ser descartado pela febre do "Sertanojo" e dos hits descartáveis que predominam nas rádios e programas de televisão.
