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Luís Alberto Alves/Hourpress

terça-feira, 27 de outubro de 2020

Helen Reddy: O grande talento que veio da Austrália

 


Ela veio de uma família dedicada ao show business

Luís Alberto Alves / Hourpress

Uma cantora admirada por seu tom de voz quente e cristalino e canções suaves e leves, Helen Reddy da Austrália é mais lembrada pelo hino feminista que lidera as paradas "I Am Woman" (1972). Ela alcançou o Top 40 mais de uma dúzia de vezes no final dos anos 70, incluindo com os números um dos EUA "Delta Dawn" (1973) e "Angie Baby" (1974). Durante o auge de sua carreira, ela teve um par dos dez melhores álbuns (Long Hard Climb de 1973 e Free and Easy do ano seguinte) e apresentou brevemente sua própria série de variedades de Verão, The Helen Reddy Show, na NBC.

 Oportunidades de atuação, incluindo um papel de estrela no filme musical da Disney Pete's Dragon (1977), logo se seguiram. Embora ela tenha chegado ao Hot 100 pela última vez em 1981, Reddy encontrou trabalho no palco, incluindo uma estreia na Broadway em 1995 no musical Blood Brothers. Enquanto isso, ela continuou a lançar gravações periódicas até The Best Christmas Ever, de 2000, seu 17º e último álbum de estúdio. Um filme sobre a vida dela, I Am Woman, foi lançado em 2019, um ano antes da morte de Reddy.

Televisão

Nascida Helen Maxine Reddy em 25 de outubro de 1941 em Melbourne, Reddy veio de uma família dedicada ao show business. Seu pai, Max Reddy, era escritor, ator e produtor, e sua mãe, Stella Lamond (também conhecida como Stella Campbell), foi uma presença regular em séries de televisão australianas como Homicide e Bellbird nos anos 60 e 70.

 Sua meia-irmã mais velha, Toni Lamond, era uma artista desde a infância, criada no circuito vaudeville. Helen nasceu quando seu pai foi implantado como parte de uma unidade de entretenimento do Exército que também incluía o ator Peter Finch. Quando a Segunda Guerra Mundial terminou, Helen, de quatro anos, juntou-se aos pais no palco do vaudeville como cantora e dançarina. Aos 12 anos, Reddy optou por morar com sua tia, em parte como uma rebelião contra o estilo de vida de seus pais.

Casamento

Depois de terminar a escola, um casamento de curta duração com um músico mais velho deixou-a como mãe solteira em seus vinte e poucos anos, e ela começou a cantar para sustentar a casa. Reddy rapidamente ganhou lugares no rádio e na televisão e, em 1966, ganhou o prêmio máximo em uma competição de talentos no Bandstand da TV, ganhando uma viagem para a cidade de Nova York e a chance de fazer um teste para a Mercury Records. Embora a viagem não tenha sido bem-sucedida, ela decidiu ficar nos Estados Unidos com a filha.

Nos anos seguintes, Reddy viajou com frequência para o Canadá (um país da Comunidade Britânica) para apresentações de cantores, já que a falta de uma autorização de trabalho nos EUA provou ser um grande obstáculo. Em 1968, uma conhecida em Nova York deu uma festa para Reddy, cobrando admissão para ajudá-la a aumentar o aluguel. Foi lá que ela conheceu Jeff Wald, com quem se casou poucos dias depois.

Single

Wald, que trabalhava como secretário na William Morris Agency, logo perdeu o emprego, e o casal mudou-se para Chicago, onde Reddy, agora uma cidadã americana, encontrou um emprego estável como cantora lounge. Antes de 1968 terminar, ela assinou com a Fontana Records, uma divisão da Mercury. Seu single de estreia, "One Way Ticket", alcançou a posição 83 na Austrália.

Em 1969, Wald mudou-se com a família para Los Angeles e encontrou trabalho gerenciando bandas como Deep Purple e Tiny Tim. Ele finalmente deu a Reddy a chance de gravar um 7 "como um teste para a Capitol Records. Ela decidiu por Mac Davis" I Believe in Music ", com" I Don't Know How to Love Him "do musical Jesus Christ Superstar.

Top Ten

A música de Andrew Lloyd Webber provou ser seu grande sucesso, alcançando a posição 13 no Hot 100 e também no Top Ten no Canadá e na Austrália em 1971. O álbum I Don't Know How to Love Him chegou ao Capitol naquele mês de maio, atingindo o pico no número 100 nos Estados Unidos. Ela o seguiu seis meses depois com Helen Reddy.

Em 1972, Reddy atingiu o primeiro lugar com "I Am Woman", a faixa-título de seu terceiro álbum. Co-escrita pelo músico australiano Ray Burton (the Delltones, the Executives) e Reddy, que escreveu as letras inspiradoras (""I am woman, hear me roar/In numbers too big to ignore"), a música se tornou um hino para o empoderamento feminino na era da contracultura. Ganhou a Reddy o Grammy de Melhor Performance Vocal Pop Feminina em 1973, ano que também viu a decisão da Suprema Corte de Roe vs. Wade.

Billboard

 Reddy logo foi procurada em programas de variedades e programas de TV tarde da noite, ganhando sua própria série substituta de verão em 1973 com The Helen Reddy Show da NBC. Nesse ínterim, o LP I Am Woman alcançou a posição 14 na Billboard 200 e o Top Ten no Canadá e na Austrália. Ela alcançou o primeiro lugar em todos os três países com "Delta Dawn" do sucessor de 1973, Long Hard Climb. Esse álbum chegou ao número oito nos Estados Unidos.

O ano de 1974 trouxe mais dois álbuns de sucesso, Love Song for Jeffrey e Free and Easy, o último dos quais empatou o oitavo lugar da carreira na Billboard 200. Free and Easy incluiu seu terceiro single número um nos Estados Unidos em alguns anos ", Angie Baby. " No mesmo ano, ela interpretou uma freira guitarrista no filme de ação Airport 1975 e alcançou o nono lugar na Billboard Hot 100 com "You and Me Against the World", de Paul Williams, que apresentava sua filha, Traci.

Reino Unido

(Naquela época, a família havia crescido para incluir um filho, Jordan.) Quando Reddy se tornou uma figura da cultura pop com vários slots em séries de TV como The Carol Burnett Show e The Tonight Show com Johnny Carson (inclusive como apresentador convidado), ela voltou para o Top Ten dos EUA com "Ain't No Way to Treat a Lady", de No Way to Treat a Lady, de 1975. No início do ano seguinte, os maiores sucessos de Helen Reddy alcançaram o Top Five nos EUA, no Reino Unido e na Nova Zelândia.

Quando a marca de pop adulto-contemporâneo de Reddy começou a sair de moda, ela fez suas últimas aparições na Billboard 200 com Music, Music, de 1976, que alcançou a 16ª posição, e Ear Candy de 1977, que alcançou a 75ª posição. Em 1977, ela pode ser vista no musical híbrido de animação e live-action da Disney, Pete's Dragon, ao lado de lendas de Hollywood como Mickey Rooney e Shelly Winters.

Capitol

No ano seguinte, incluiu uma participação no filme de comédia musical Sgt. Lonely Hearts Club Band de Pepper, e ela foi a celebridade convidada em um episódio do The Muppet Show. Enquanto seu sucesso comercial diminuía no final dos anos 70, álbuns como o de 1978, We Sing in the Sunshine, Live in London e o do ano seguinte, Reddy, fracassaram nas paradas dos EUA ou da Austrália (Reddy alcançou o número 97 no Canadá). Lançado em maio de 1980, Take What You Find acabou sendo seu último álbum para a Capitol.

Play Me Out Ainda um nome familiar, Reddy assinou com a MCA e lançou Play Me Out em 1981. A gravadora seguiu com Imagination em 1983. Naquele ano, Reddy e Wald se divorciaram, e Reddy se casou com o baterista Milton Ruth. Separando-se do MCA, ela subiu ao palco, atuando em um teatro regional na Costa Oeste, incluindo produções do musical Anything Goes de Cole Porter e Call Me Madam de Irving Berlin.

Sucessos

Reddy também apareceu em episódios de The Love Boat e Fantasy Island. Eventualmente, ela voltou à música com o álbum de estúdio auto-lançado Feel So Young, uma mistura de sucessos regravados e material original, em 1990. Reddy fez sua estréia na Broadway em janeiro de 1995, substituindo Carole King como Mrs. Johnstone em Willy Russell's Irmãos de Sangue, um papel que ela reprisou no West End.

 Após seu terceiro divórcio, ela fez uma turnê pelos EUA como Shirley in Shirley Valentine em 1997 e lançou as músicas do Center Stage em Varèse Sarabande em 1998. O que seria o último álbum de Reddy, The Best Christmas Ever, veio em 2000.

Los Angeles

Depois de se aposentar das gravações, Reddy voltou para a escola e tornou-se terapeuta e palestrante motivacional. Ela ainda aparecia ocasionalmente na televisão, incluindo episódios de Diagnosis: Murder and Family Guy em 2011. Ela deu um show em Los Angeles em 2016 e um filme baseado em sua vida estrelado por Tilda Cobham-Hervey como Reddy, I Am Mulher, estreada no Festival Internacional de Cinema de Toronto em 2019. Helen Reddy morreu em Los Angeles em 29 de setembro de 2020 aos 78 anos.

"You're My World"

https://www.youtube.com/watch?v=kS4MluqQaoM

"I Am Woman"

https://www.youtube.com/watch?v=rptW7zOPX2E

"I DON'T KNOW HOW TO LOVE HIM "

https://www.youtube.com/watch?v=WOCwE5D9Ghk










quarta-feira, 21 de outubro de 2020

Faith, Hope & Charity: Trio que sacudiu a Soul Music

 


 Van McCoy escreveu e produziu os três primeiros singles

Luís Alberto Alves / Hourpress

Este trio soul de Tampa, Flórida, apresentava originalmente Brenda Hillard, Albert Bailey e Zulema Cusseaux, e eram conhecidos como Lovelles. Como Faith, Hope & Charity, o trio começou a gravar para o selo Maxwell em 1970, também no ano em que lançou seu primeiro álbum, um conjunto autointitulado. Van McCoy escreveu e produziu os três primeiros singles. Um deles, "So Much Love", alcançou 14 na parada de R&B.

Cusseaux partiu em 1971, e Hillard e Bailey permaneceram a dupla de frente - como ouvido em Heavy Love de Sussex de 1972, produzido por McCoy, Joe Cobb e Mike Stokes - até que Diane Destry se juntou a eles em 1974. No ano seguinte, o O grupo conseguiu seu único hit de R&B número um com "To Each His Own", de outro álbum autointitulado, este lançado pela RCA.

 Depois de um segundo álbum da RCA, Life Goes On de 1976, eles se mudaram para o século 20 para um terceiro álbum autointitulado em 1978. Seu "Don't Pity Me" foi um lançamento R&B Top 20 naquele ano. Seria o último do grupo. Eles se separaram logo em seguida.

"To Each His Own"

https://www.youtube.com/watch?v=DUbxBSL6TXs


"Life Goes On "

https://www.youtube.com/watch?v=673dMGONrjY

 "Don't Pity Me"

https://www.youtube.com/watch?v=zhwJBDs-u0A






Shirley & Company: Uma das primeiras estrelas da Disco Music

 


Aos 13 anos, Goodman juntou-se a vários colegas de escola para gravar a demo "I'm Gone"

Luís Alberto Alves / Hourpress

O único sucesso da Shirley & Company, "Shame, Shame, Shame", anunciou o renascimento comercial da cantora Shirley Goodman, lançando-a entre as primeiras estrelas da Disco Music cerca de duas décadas depois de seu sucesso inicial como metade da extremamente popular dupla de R&B Shirley & Lee. Nascida em 19 de junho de 1936, em Nova Orleans, Goodman desenvolveu seu estilo vocal penetrante no coro da igreja Batista, harmonizando-se adicionalmente com amigos nas esquinas da área.

 Aos 13 anos, Goodman juntou-se a vários colegas de escola para gravar a demo "I'm Gone", produzida por Cosimo Matassa. Quando Matassa interpretou o mestre para o dono da Aladdin Records Eddie Messner alguns meses depois, o executivo localizou o lamento estridente de Goodman e rastreou a garota, oferecendo-lhe um contrato de gravação e fazendo parceria com outro adolescente local, Leonard Lee.

Exile no single de estreia de Main St.Shirley & Lee, "I'm Gone", optou contra as harmonias tradicionais em favor de uma estrutura contrastante de dueto entre meninos e meninas que se provaria profundamente influente no desenvolvimento do Ska e do Reggae; o single ascendeu ao segundo lugar nas paradas de R&B da Billboard no outono de 1952, e tornou Shirley & Lee estrelas.

Rolling Stones

 Chamados de "Sweethearts of the Blues", eles passaram a maior parte da década seguindo em turnê, e com o clássico de 1956 "Let the Good Times Roll" mudou seu curso para o Rock & Roll, quebrando o Billboard Hot 100 pela primeira vez. Mas disputas internas, vendas em queda e problemas de gravadora atrapalharam a dupla nos anos que se seguiram e, em 1962, Shirley & Lee se separaram. Nesse ponto, Goodman e seu filho se mudaram para a Califórnia, onde ela se tornou uma vocalista requisitada, chegando a fazer uma aparição na obra-prima dos Rolling Stones, “Exile on Main St”.

Mas em 1973  se aposentou da indústria da música e trabalhava nos escritórios da revista Playboy. Enquanto comandava a mesa telefônica lá, ela renovou os laços com a veterana do mercado da música Sylvia Robinson, agora co-proprietária do selo All Platinum. As duas mulheres iniciaram uma correspondência regular e, no final de 1974, Robinson pagou para Goodman voar para Nova Jersey para fazer o vocal principal de uma faixa dançante intitulada "Shame, Shame, Shame".

Atribuído a Shirley & Company, o single resultante foi uma sensação da noite para o dia, tornando-se um dos primeiros sucessos da discoteca internacional e alcançando o 12º lugar nas paradas Pop da Billboard. O álbum A Shame, Shame, Shame foi montado às pressas, completo com uma capa representando Goodman repreendendo Richard Nixon. Ela fez uma turnê atrás do disco até meados de 1976, e quando os planos para um LP gospel não se concretizaram, ela voltou para New Orleans em 1979 e logo depois se aposentou da Música Pop para sempre.

"Shame, Shame, Shame "

https://www.youtube.com/watch?v=U0mjlDDk3tE

"I Like To Dance"

https://www.youtube.com/watch?v=aTWwYteZxZ4

"Let The Good Times Roll"

https://www.youtube.com/watch?v=degWK8i0RiM





Robin Beck: Voz de canção usada em comercial de refrigerante

 


Liderou brevemente as paradas do Reino Unido e da Alemanha com "The First Time"

Luís Alberto Alves / Hourpress

Ex-vocalista de fundo para nomes como Melissa Manchester, Chaka Khan e Leo Sayer, o americano Robin Beck liderou brevemente as paradas do Reino Unido e da Alemanha com "The First Time", de 1988, uma canção usada em um comercial da Coca-Cola.

Seu álbum seguinte, Trouble or Nothin '(1989), não gerou muito interesse, apesar das contribuições de compositores experientes como Desmond Child e Diane Warren.

As canções lançadas como singles também falharam - "Save Up All Your Tears" já havia se tornado famosa por Cher e "Tears in the Rain" seria regravada por Jennifer Rush com maior sucesso cinco anos depois.

Em 1992, Beck lançou seu segundo álbum, com o single "In My Heart to Stay" tornando-se um pequeno sucesso na Alemanha. Sua canção "Close to You" de 1994 pode ser ouvida em anúncios de uma grande rede de fast-food.

"First Time"

https://www.youtube.com/watch?v=54xj-w2qYm4

"Close to You"

https://www.youtube.com/watch?v=dIaVbipL0ow

"In My Heart to Stay"

https://www.youtube.com/watch?v=mmHUkOitWZ8





Brandi Wells: Vocalista meteoro, de um só sucesso

 



O single "Watch Out" se tornou seu único hit Top 30 R&B

Luís Alberto Alves / Hourpress

O vocalista da Filadélfia, Brandi Wells, anteriormente apoiou "Fat" Larry James e seus vários grupos, além de servir como vocalista do Breeze e do Slick. Seu projeto solo de estreia foi lançado em 1981 pelo selo WMOT / Fantasy, e em 1982 o single "Watch Out" se tornou seu único hit Top 30 R&B.

"Watch out"

https://www.youtube.com/watch?v=UlsgBTZZFfk

Debra Laws: Cantora de família de músicos

 



Colaborou com um verdadeiro quem é quem do Jazz, Funk e R&B

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 Irmã do flautista Hubert Laws, do saxofonista Ronnie Laws e da vocalista Eloise Laws, a cantora Debra Laws se apresentou e colaborou com um verdadeiro quem é quem do Jazz, Funk e segmentos de R&B da indústria fonográfica. Depois que ela apareceu em gravações por seus irmãos, assim como The Man from Shaft de Richard Roundtree e Aquarian Dream's Fantasy, ela assinou contrato com a Elektra, onde lançou o álbum de 1981 Very Special.

Produzido por Hubert e Ronnie, alcançou a posição 13 na parada de R&B da Billboard, liderado por três singles, incluindo a canção-título; um grampo do formato de rádio quiet storm, o hit foi amostrado para canções gravadas por Big Daddy Kane, Mary J. Blige, Jennifer Lopez e K. Michelle, entre outros. Embora sua carreira tenha continuado, ela não lançou outro álbum até 1993 - Moments, para o selo japonês Polystar.

Laws já se apresentou em salas de concerto de classe mundial e em alguns festivais de Jazz de renome internacional. Igualmente impressionantes são seus numerosos créditos, incluindo sessões para gravações de Jeffrey Osborne, Betty Wright e Stevie Wonder. Laws também trabalhou como atriz na Broadway e em uma série de outras produções teatrais e de televisão. Seus créditos em filmes incluem Crossroads e Jailbird Rock.

"Your Love"

https://www.youtube.com/watch?v=V2guKIz7nVE

"Very Special"

https://www.youtube.com/watch?v=trgt59mXtW8

"Meant for You"

https://www.youtube.com/watch?v=EESJdStputU




terça-feira, 29 de setembro de 2020

Snooky Young: O estilista do trompete

 


Começou a tocar trompete aos cinco anos de idade

Luís Alberto Alves / Hourpress

Um grande estilista de trompete, Eugene "Snooky" Young era o mestre absoluto do plunger mute, uma estrela instantaneamente reconhecível por quem tocava. Ele era conhecido por fazer sua buzina falar, gritar, rosnar e suspirar com seus mudos, sempre balançando de forma irresistível.

No entanto, Young construiu sua reputação quase inteiramente dentro das bandas que o empregaram, raramente saindo por conta própria desde que liderou sua própria banda em sua cidade natal, Dayton, Ohio, de 1947 a 1957.

Young começou a tocar trompete aos cinco anos de idade e começou a se destacar como o trompetista principal da banda Jimmie Lunceford de 1939 a 1942. Ele ingressou brevemente no Count Basie em 1942, e mudou-se para as bandas de Lionel Hampton e Gerald Wilson antes de voltar para Basie de 1945 a 1947 e novamente de 1957 a 1962.

Modesto

Ao deixar Basie, Young tornou-se trompetista de estúdio na NBC, foi membro fundador da Orquestra Thad Jones-Mel Lewis em 1966 e era constantemente solicitado por todos os tipos de sessões (incluindo uma apresentação ao vivo gravada na véspera de Ano Novo com o rock agrupar a banda em 1971).

Enquanto estava na NBC em Nova York, ele foi membro da Tonight Show Orchestra, mudando-se para Los Angeles com o show em 1972 e segurando sua cadeira até 1992, quando a saída de Johnny Carson separou a banda. Young se manteve ocupado na área de Los Angeles, aparecendo regularmente como trompetista principal em várias grandes bandas, incluindo apresentações com a Orquestra de Jazz de Clayton-Hamilton.

O modesto Young lançou apenas três álbuns com seu próprio nome, e destes, apenas Horn of Plenty (Concord) apresentava Young como o único headliner. Em 2009, Young foi nomeado mestre de jazz pelo National Endowment for the Arts. Ele faleceu em 2011 por causa de  complicações de uma doença pulmonar. Ele tinha 92 anos.

"Lil Darlin' "

https://www.youtube.com/watch?v=RlX0b-AJWz4

"Horn Of Plenty"

https://www.youtube.com/watch?v=0wj1_hQgg6I



Chuck Mangione: Artista de Pop Music Melódica

 


Um quinteto de bop chamado Jazz Brothers

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Ao longo da década de 1970, Chuck Mangione era uma celebridade. Sua música propositalmente leve era pop melódico que era otimista, otimista e às vezes edificante. Os discos de Mangione venderam muito, mas poucos de seus fãs da época sabiam que seu objetivo original era ser um bebopper.

Seu pai costumava levar Chuck e seu irmão mais velho, Gap (um tecladista), para ver shows de jazz, e Dizzy Gillespie era um amigo da família. Enquanto Chuck estudava na Eastman School, os dois Mangiones co-lideraram um quinteto de bop chamado Jazz Brothers, que gravou vários álbuns para Jazzland, muitas vezes com Sal Nistico como tenor.

 Chuck Mangione tocou com as big bands de Woody Herman e Maynard Ferguson (ambos em 1965) e Art Blakey's Jazz Messengers (1965-1967). Em 1968, agora focado principalmente em seu flügelhorn de tom suave, Mangione formou um quarteto que também apresentava Gerry Niewood no tenor e soprano.

Show

Eles criaram um ótimo set para Mercury em 1972, mas, fora isso, as gravações de Mangione nos anos 70 geralmente usavam grandes orquestras e vocalistas (incluindo Esther Satterfield), dando ênfase a melodias leves como "Hill Where the Lord Hides", "Land of Make Acredite, "" Chase the Clouds Fora. " e o grande sucesso de 1977 (com o guitarrista Grant Geissman) "Feels So Good".

Depois de um show gravado no Hollywood Bowl em 1978 que resumiu seus anos pop e um conjunto de dois LPs em 1980 que alternava pop e bop (com o convidado Dizzy Gillespie), Mangione gradualmente desapareceu da cena musical.

Nos anos 70, Chuck Mangione gravou para Mercury e A&M; nos anos 80 ele tinha alguns álbuns muito esquecíveis da Columbia, e não havia sido ouvido deles nos anos 90 até que uma turnê de retorno em 1997 o encontrou em boa forma, tendo uma reunião com sua banda "Feels So Good". The Feeling's Back foi lançado em 1999.

"Feels So Good""

https://www.youtube.com/watch?v=NDSBV0vTfTo


"Consuelo's Love Theme"

https://www.youtube.com/watch?v=Hmbtp_UPWCo

"Love The Feelin"

https://www.youtube.com/watch?v=-P1_sjdfgxk




 


Buddy Rich:O maior baterista do mundo



Embora pensasse em se tornar um vocalista em tempo integral, Rich nunca desistiu da bateria

Luís Alberto Alves / Hourpress

Quando se tratava de técnica, velocidade, potência e habilidade de montar incríveis solos de bateria, Buddy Rich fez jus ao faturamento de "o maior baterista do mundo". Embora alguns outros bateristas fossem mais inovadores, na realidade nenhum estava em sua liga, mesmo durante os primeiros dias.

Um gênio, Buddy Rich começou a tocar bateria no vaudeville como "Traps, the Drum Wonder" quando tinha apenas 18 meses; ele foi completamente autodidata. Rich se apresentou no vaudeville ao longo de sua infância e se tornou um cantor decente e um excelente sapateador. Mas tocar bateria era seu propósito na vida, e em 1938 ele descobriu o Jazz e estava tocando com o combo de Joe Marsala.

Rich logo estava impulsionando a orquestra de Bunny Berigan, ele passou a maior parte de 1939 com Artie Shaw (numa época em que o clarinetista tinha a banda mais popular de swing), e então de 1939-1945 (exceto por um período no exército) ele estava fazendo história com Tommy Dorsey. Durante essa época, tornou-se óbvio que Buddy Rich era o rei dos bateristas, destronando facilmente seu amigo Gene Krupa.

Problemas

Rich teve uma banda bop-ish durante 1945-1947 que não pegou, viajou com Jazz na Filarmônica, gravou com um número incontável de estrelas na década de 1950 para o Verve (incluindo Charlie Parker, Lester Young, Art Tatum e Lionel Hampton), e trabalhou com Les Brown, Charlie Ventura, Tommy Dorsey (1954-1955) e Harry James (intermitentemente durante 1953-1966). Um ataque cardíaco em 1959 apenas o retardou brevemente e, embora ele pensasse em se tornar um vocalista em tempo integral, Rich nunca desistiu da bateria.

Em 1966, Buddy Rich superou as adversidades e montou uma big band de sucesso que seria sua principal saída em seus últimos 20 anos. Seu coração começou a lhe causar problemas a partir de 1983, mas Rich nunca deu a sua música menos de 100 por cento e ainda estava se esforçando no final.

Perfeccionista que esperava o mesmo de seus companheiros (alguns dos quais ele tratou cruelmente), Buddy Rich está definitivamente documentado no livro de Mel Tormé, Traps the Drum Wonder. Sua incrível forma de tocar pode ser vista em várias fitas de vídeo disponíveis, embora surpreendentemente poucos de seus últimos álbuns de big band tenham sido disponibilizados em CD.

"Impossible Drum Solo"

https://www.youtube.com/watch?v=9esWG6A6g-k

"Birdland"

https://www.youtube.com/watch?v=Mb8wyV6ofx4

"Live at The Montreal Jazz Festival"

https://www.youtube.com/watch?v=QRKc90kuAaE







Clark Terry: O som alegre do Jazz



Ganhou uma forte reputação tocando com o big band de Charlie Barnet

Luís Alberto Alves / Hourpress

Possuidor do som mais alegre do Jazz, o flügelhornist Clark Terry sempre tocou músicas exuberantes, suingativas e divertidas. Solista brilhante (e muito distinto), Terry ganhou fama por seus vocais "Mumbles" (que começaram como uma sátira dos cantores de blues antigos menos inteligíveis) e também foi um educador entusiasta.

Ele ganhou experiência inicial como trompete no cenário viável de jazz de St. Louis no início dos anos 40 (onde foi uma inspiração para Miles Davis) e, após se apresentar em uma banda da Marinha durante a Segunda Guerra Mundial, ganhou uma forte reputação tocando com o big band de Charlie Barnet (1947-1948), a orquestra e pequenos grupos de Count Basie (1948-1951), e particularmente com Duke Ellington (1951-1959).

Europa

Terry, um versátil solista de swing / bop que começou a se especializar em flügelhorn em meados dos anos 50, teve muitos trabalhos com Ellington (incluindo "Perdido"), e começou a liderar suas próprias datas de gravação durante essa época. Ele visitou a Europa com o show Free & Easy de 1959-1960, sem sucesso, de Harold Arlen, como parte da Orquestra de Quincy Jones, e depois se juntou à equipe da NBC, onde era membro regular da Tonight Show Orchestra.

Ele gravou regularmente nos anos 60, incluindo um clássico set com o Oscar Peterson Trio e várias datas com o quinteto que ele co-liderou com o trombonista de válvulas Bob Brookmeyer. Ao longo dos anos 70, 80 e 90, Terry continuou sendo uma grande força, gravando e atuando em uma ampla variedade de configurações, incluindo como o chefe de sua curta big band em meados dos anos 70, com estrelas grupos de Pablo, e como artista convidado que proporcionou alegria em cada nota que tocou. Terry morreu em 21 de fevereiro de 2015, aos 94 anos, após uma longa batalha contra o diabetes.

"Samba De Orfeu"

https://www.youtube.com/watch?v=NF5UxZNMeBs

"Misty"

https://www.youtube.com/watch?v=hQHxuehHvgA

"Cool Blues" 

https://www.youtube.com/watch?v=Odk9MTDiq_w




Maynard Ferguson: O trompetista dos pulmões de aço

 



Ganhou experiência tocando com as big bands de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey e Charlie Barnet

Luís Alberto Alves / Hourpress

Quando ele estreou com a Orquestra de Stan Kenton em 1950, Maynard Ferguson podia tocar mais alto do que qualquer outro trompetista até aquele ponto na história do Jazz, e ele foi preciso. De alguma forma, ele manteve a maior parte dessa amplitude ao longo de sua carreira e, desde os anos 1970, é um dos músicos mais famosos do Jazz. Nunca conhecido por seu gosto requintado (alguns de seus esforços mais comerciais são inaudíveis), Ferguson, no entanto, liderou algumas bandas importantes e definitivamente causou um impacto com seu trompete.

Depois de liderar sua própria big band em Montreal, Ferguson veio para os Estados Unidos em 1949 com a esperança de se juntar à orquestra de Kenton, mas esse conjunto havia se separado recentemente. Em vez disso, Ferguson ganhou experiência tocando com as big bands de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey e Charlie Barnet. Em 1950, com a formação da Kenton's Innovations Orchestra, Ferguson se tornou uma estrela, tocando notas agudas ridículas com facilidade.

Em 1953, ele deixou Kenton para trabalhar nos estúdios de Los Angeles e três anos depois liderou a estrela "Birdland Dreamband". Em 1957, ele formou uma big band regular que durou até 1965, gravou regularmente para a Roulette (todas as gravações da banda com esse selo estão em um enorme box set Mosaic) e executou algumas das melhores músicas da carreira de Ferguson. Músicos  como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry e Don Menza estavam entre os sidemen mais notáveis.

Inglaterra

Depois que a economia o forçou a desistir da banda impressionante, Ferguson teve alguns anos em que foi apenas semi-ativo na música, passando um tempo na Índia e eventualmente formando uma nova banda na Inglaterra.

Depois de voltar para os Estados Unidos, Ferguson em 1974 mergulhou rapidamente no comercialismo. Jovens trompetistas no colégio e faculdades ficaram maravilhados com suas notas altas, mas os fãs de jazz ficaram consternados com as gravações de mau gosto que resultaram em versões de sucesso de canções como os temas de Star Wars e Rocky e muito pior.

 Depois de reduzir sua enorme orquestra no início dos anos 80, Ferguson gravou alguns bop em uma sessão de 1983, liderou uma banda de Funk chamada High Voltage durante 1987-1988 e depois voltou ao jazz com sua "Big Bop Nouveau Band", um médium de grande porte com a qual ele viajou pelo mundo até sua morte por insuficiência renal e hepática em 23 de agosto de 2006.

"Don't Stop 'Til You Get Enough"

https://www.youtube.com/watch?v=QZidl_pkU7E

"Star Trek"

youtube.com/watch?v=I-yKzWbMBZY

"Hey Jude"

https://www.youtube.com/watch?v=8uNbqi2hrmc